El arte moderno representa una nueva forma de entender la teoría y función del arte, en la que el valor dominante ya no es la imitación de la naturaleza sino la experimentación. Surge como innovación frente a la tradición artística occidental y supone el rechazo de la imitación fotográfica de la naturaleza. Aunque muy criticado inicialmente, el arte moderno acabó siendo asumido por el capitalismo estadounidense e implicado en el mercado del arte.

1. Arte
moderno
Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del
mundo del arte (la historiografía del arte, la estética, teoría del
arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte
de la producción artística, que se identificaría con un
determinado concepto de modernidad por oposición al
denominado arte académico, este representaría la tradición;
mientras que el arte moderno representaría la experimentación

2. Las expresiones "arte moderno" y
"arte contemporáneo“
se utilizan muy a menudo de forma totalmente intercambiable,
incluso en la bibliografía especializada y el entorno
institucional (museos y universidades); mientras que en otras
ocasiones, en los mismos ámbitos, se utilizan en oposición,
reservando para el "arte moderno" un período indefinido, que
puede ir desde distintos momentos del siglo XIX hasta
distintos momentos del siglo XX.

3. El período cronológico de la Edad
Moderna corresponde con los
siglos XV al XVIII (con distintos
hitos iniciales y finales, como la
imprenta o el descubrimiento de
América, y las revoluciones
francesa o industrial),
Vista en altura de la Plaza de San Pedro, de
Piranesi (1748), arquitecto visionario que en
este grabado destaca la columnata de Bernini
(1656-1667)
Las civilizaciones no occidentales, con
excepción de las americanas, continuaron
durante la Edad Moderna su dinámica
propia, que incluyó el desarrollo autónomo
de su arte. En el caso de las de Extremo
Oriente, sin apenas influencia europea, a
excepción de Filipinas

4.  Únicamente si se entiende el
concepto de arte moderno no como
cronológico, sino como ESTÉTICO
(de estilo, de sensibilidad o incluso de
actitud), pueden explicarse ciertas
paradojas: un pintor academicista
como William Adolphe Bouguereau
(muerto en 1905) no hace "arte
moderno”

5. Mientras que Vincent van Gogh
(muerto en 1890) indudablemente sí;
calificar como "modernos" a el Greco
(muerto en 1614), Velázquez (muerto
en 1660), a Rembrandt (muerto en
1669) o a Goya (muerto en 1828) es
algo tan común que se ha convertido
prácticamente en un tópico.

6.  No hay consenso para determinar si es el
"arte moderno" o el "arte contemporáneo"
el que ejemplifican las vanguardias; ni
tampoco para determinar si esa
diferenciación debe aplicarse a alguna de
las sucesivas generaciones de
vanguardias: bien las que comienzan
antes de la Primera Guerra Mundial
(1914-1918) y se desarrollan en el
período de entreguerras (1918-1939)
The Love of Zero,
una película de
1927 de Robert
Florey

7.  O bien las que surgen después de
la Segunda Guerra Mundial
(1939-1945), o incluso las
"transvanguardias" de finales del siglo
XX, cuando se acuñó el concepto de lo
"postmoderno", que para algunos
autores pondría fin al "arte moderno"
en sí.
The Love of Zero,
una película de
1927 de Robert
Florey

8.  El arte moderno, como innovación
frente a la tradición artística del arte
occidental, representa una nueva forma
de entender la teoría y la función del
arte, en que el valor dominante de las
llamadas artes figurativas (pintura y
escultura) ya no es la imitación de la
naturaleza o su representación literal.
Retrato al daguerrotipo
de una bailarina
española de la escuela
bolera, hacia el año
1850. Fototeca del
IPCE.

9.  La invención de la fotografía
había convertido esta función
artística, hasta entonces esencial
(pintores de corte), en algo
accesorio, cuando no obsoleto.
Retrato al daguerrotipo
de una bailarina
española de la escuela
bolera, hacia el año
1850. Fototeca del
IPCE.

10.  En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con
nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la
naturaleza, materiales y funciones artísticas, llegando incluso
a la abstracción. La Revolución industrial no sólo trajo las
innovaciones técnicas que permitieron la arquitectura del
hierro y del cristal, sino que cambió para siempre las
relaciones productivas y sociales, y con ellas, la posición del
artista frente a su cliente.
Coalbrookdale at night, pintura al óleo
de Philip James de Loutherbourg.
Coalbrookdale se considera una de las
cunas de la Revolución Industrial.

11.  El rechazo al arte moderno fue muy fuerte desde que
comenzó a acuñarse el concepto, no sólo en los ambientes
sociales y conservadores que los artistas modernos buscaban
asombrar, sino entre intelectuales que se ocuparon muy
seriamente de su análisis, como fueron los casos, en España,
de Eugenio d'Ors, autor de la lapidaria frase: Todo lo que no
es tradición, es plagio; o José Ortega y Gasset, que tituló
una de sus obras: La deshumanización del arte.

12.  El comunismo soviético y el fascismo
italiano, que desde su origen y
durante los años 1920 estuvieron
estrechamente vinculados a las
vanguardias (constructivismo,
futurismo), comprobaron a partir de
los años 1930 la necesidad de
encauzar su manipulación
propagandística en el terreno de la
estética a través de un arte mucho
más fácilmente digerible por las
masas.
Arte degenerado es la traducción de
la expresión alemana Entartete
Kunst, adoptada por el régimen nazi
en Alemania para describir
virtualmente todo el arte moderno y
prohibirlo en favor de lo que los nazis
llamaban "arte heroico". El arte
tildado de "degenerado" fue prohibido
en el territorio alemán,
menospreciado como "no alemán"
por sus connotaciones o influencias
bolcheviques y judías. Aquellos
tildados de "artistas degenerados"
fueron sujetos a sanciones. Esto
incluía ser despedido de posiciones
de en la docencia, prohibición de
exhibir o vender su arte, y, en
algunos casos, hasta el prohibirles el
producir obras de arte.
Cuadro de Franz Marc.

13.  Encontraron soluciones casi
idénticas en lo que se conoció
como realismo socialista o arte
fascista. En el caso del
nazismo, identificó el arte
moderno con lo que denominó
arte degenerado de los
dementes y de las razas
inferiores, por contraposición a
los valores de una pretendida
estética aria o arte ario.
Arte degenerado es la traducción de
la expresión alemana Entartete
Kunst, adoptada por el régimen nazi
en Alemania para describir
virtualmente todo el arte moderno y
prohibirlo en favor de lo que los nazis
llamaban "arte heroico". El arte
tildado de "degenerado" fue prohibido
en el territorio alemán,
menospreciado como "no alemán"
por sus connotaciones o influencias
bolcheviques y judías. Aquellos
tildados de "artistas degenerados"
fueron sujetos a sanciones. Esto
incluía ser despedido de posiciones
de en la docencia, prohibición de
exhibir o vender su arte, y, en
algunos casos, hasta el prohibirles el
producir obras de arte.
Cuadro de Franz Marc.

14.  No obstante, la persecución a los
judíos y la ocupación alemana de
Europa durante la Segunda
Guerra Mundial dio oportunidad
para el cambio más o menos
disimulado de muchas piezas de
arte moderno por parte de los
dirigentes nazis (que no lo
destruían, sino que se lo
apropiaban).
Armory Show, denominación
en inglés de las exhibiciones
artísticas que han tenido
lugar en la armería del 69º
regimiento de la Guardia
Nacional en Nueva York, es
el término utilizado
habitualmente para referirse
a la International Exhibition
of Modern Art (Exposición
Internacional de Arte
Moderno) que tuvo lugar
entre el 17 de febrero y el 15
de marzo de 1913.

15.  Simultáneamente, el
capitalismo estadounidense,
en cambio, asumió con gran
dinamismo el arte moderno,
implicándolo en el proceso
productivo y aprovechando
sus grandes posibilidades
para el mercado.
Esta exposición se convirtió
en un punto de inflexión para
el arte de Estados Unidos en
dirección al denominado
"arte moderno", frente al
hasta entonces dominante
academicismo. Provocó que
los artistas estadounidenses
se hicieran más
independientes y crearan su
propio lenguaje artístico.

16.  El concepto vanguardista de arte moderno fue introducido en Estados
Unidos en el Armory Show de 1913, y sobre todo con la llegada de
artistas que huyeron de Europa a causa de la Primera Guerra Mundial,
como Francis Picabia. No obstante, París siguió siendo la capital del
arte durante todo el periodo de entreguerras, condición que no alcanzó
Nueva York hasta la Segunda Guerra Mundial. En los años cincuenta,
sesenta y setenta aparecieron, por primera vez en la historia del arte,
estilos surgidos en los Estados Unidos (expresionismo abstracto, op art,
pop art, minimalismo, happening, Fluxus, land art, performance art, arte
conceptual, fotorrealismo, etc.)