tema 10 (2ª parte) : CINQUECENTO EN ITALIA: Pintura

CINQUECENTO EN ITALIA
2ª parte
El Cinquecento. Arquitectura (Bramante, Miguel Ángel y
Palladio). Escultura (Miguel Ángel). Pintura (Leonardo,
Miguel Ángel, Rafael y Tiziano).

CARACTERÍSTICAS
• Italia apogeo y esplendor, gracias a la
existencia de grandes maestros.
• Búsqueda de los volúmenes en las figuras a
base de sombreados
• Estudios de luz de transiciones suaves
• Profundidad a la obra sin el excesivo empleo
de la línea.
• Perspectiva aérea
• Foco principal:
– Roma
– Venecia: color

ETAPAS
CLASICISMO
1500-1520
ROMA
LEONARDO
DA VINCI
RAFAEL
SANZIO
MIGUEL
ÁNGEL
VENECIA TIZIANO
MANIERISMO
(Desde 1520)
ROMA Miguel Ángel
VENECIA
Veronés
Tintoretto

LEONARDO DA VINCI
• Nació en Florencia, en el seno de una
familia acomodada.
• Comenzó en el taller de VERROCHIO
y participó en su obra El Bautismo de
Cristo, pintando uno de los ángeles.
• También trabajó en Milán.

LEONARDO DA VINCI
ESTILO
• Le gustaba experimentar con los
materiales.
• Rompe con la tradición de la escuela
Florentina del XV para la que todo,
incluido el color, estaba sometido a la
línea, a la forma.
• Buscará la transición más sutil entre la
luz y la sombra.
• Formas pictóricas y más sueltas.
• Técnica del sfumatto, difumina las
formas.
• Su pintura es una gradación de luces y
sombras a las que subordina el color.
• Creó la perspectiva aérea, que tiene
en cuenta la existencia del aire entre
los objetos, además cuenta con la
bifocalidad de la visión humana.

Virgen con el niño y Santa Ana

Santa Ana la virgen el niño y el cordero
• Realizó varias versiones sobre el mismo
tema
• Concebida para presidir el altar mayor de la
iglesia de la Santísima Anunziata de
Florencia
• Fondo de paisaje y las tres figuras bíblicas:
Santa Ana, la Virgen y el Niño Jesús, que
representan 3 edades diferentes.
• El Niño juega con un cordero lleno de
connotaciones simbólicas, alusivas al futuro
sacrificio de Cristo
• No poseen los tradicionales nimbos sobres
sus cabezas
• Composición piramidal.
• Fruto de una minuciosa observación, todos
los gestos son muy naturales y aparecen
encadenados.

Santa Ana la virgen el niño y el cordero
• Miradas de todas las figuras
prácticamente sobre un mismo
eje dan sentido a la escena.
• Personajes  rasgos físicos y
delicadeza típicos de Leonardo:
Santa Ana sonrisa
leonardesca.
• Profundidad  lejanas
montañas  perspectiva
atmosférica: cristalinos tonos
azulados  observación de los
cambios climáticos.
• Color definido por el sfumato 
funde las figuras con el paisaje
envolviendo la escena de un
velo vaporoso.

Judas Iscariote, Simón Pedro y Juan Tomás, Santiago el Mayor y Felipe
Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés Mateo, Judas Tadeo y Simón Zelote

RAFAEL SANZIO 1483-1520
• VIDA
– Nació en Urbino.
– Se formó con Perugino.
– Florencia conoció la obra de Leonardo y de
Miguel Ángel.
• ESTILO
– Equilibrio
– Armonía
– fusión perfecta de línea y color
– fusión de sentimiento y acción
– Fusión de Naturaleza y el ideal
– De su producción cabe destacar el retrato, que
es personal e innovador, de gran penetración
psicológica.
– La obra de Rafael se caracterizo por la gracia.
• Creó un estilo que fue imitado durante ,más
de cuatro siglos y que proporcionó modelos y
formas ideales para el arte religioso.

Estancias Vaticanas
http://es.wikipedia.org/wiki/Estancias_de_Rafael

La disputa del sacramento. fragmento

La escuela de Atenas
• Composición inspirada en edificios clásicos romanos y en los
proyectos de Bramante para la basílica de San Pedro.
• Punto de fuga central: líneas de perspectiva, organiza la
estructuración espacial con punto de vista bajo.
• La arquitectura marca la profundidad y ayuda a concretar la
composición.
• Perspectiva artificial o geométrica
• Alrededor de las figuras de Platón y Aristóteles en varios grupos,
están los filósofos y sabios de la antigüedad, algunos de ellos con
rasgos de artistas, humanistas y príncipes de la corte pontificia.
– Podemos identificar a Leonardo en Platón
– Miguel Ángel como Heráclito (pensativo y escribiendo apoyado en un
bloque de piedra)
– Bramante como Arquímedes explica algo, trazando con un compás una
figura
– el propio pintor, Rafael.

Platón y
Aristóteles
Centran la composición.
Sus gestos sintetizan el
espíritu de sus respectivas
doctrinas: Platón, con el
Timeo bajo el brazo, con la
mano dirigida al cielo
(idealismo) expresa el valor
de las ideas; Aristóteles,
con la Ética en su mano,
señalando al suelo
(realismo) expresa el valor
de la experiencia.

Retrato del Papa León X y
dos cardenales

Retrato del Papa León X y dos cardenales

MIGUEL ÁNGEL
• Se formó en pintura con
Ghirlandaio.
• Se consideraba ante todo escultor,
pero en pintura también nos dejó
obras tan destacadas como el
techo de la Sixtina.
• ESTILO
– Refleja su dominio escultórico
– Imágenes de gran musculatura,
gusto por el desnudo y la anatomía.
– Se relaciona con Leonardo, de quien
tomó la posibilidad de los cuerpos
retorcidos, lo cual será dominante
en su obra como vemos en la
primera pintura que conservamos
de él: el Tondo Doni.

TONDO DONI
• Tema: la Sagrada Familia inmerso en un paisaje.
• Composición piramidal de cuerpos entrelazados
con fuertes escorzos, destacando el fondo de
desnudos, cuyo significado desconocemos.
• La representación del mundo divino y el mundo
terrenal tiene un nexo de unión que es la
representación de san Juan Bautista niño.
• Las figuras son grandiosas, muy volumétricas, con
pliegues muy ampulosos.
• Colores vivos e intensos
• Precisión del dibujo (dominio de la línea sobre el
color) propio de la escuela florentina.

Capilla Sixtina
• Encargo del papa Julio II entre
1508 y 1512.
• Temas principales: escenas del
génesis, desde el origen del
mundo hasta la historia de
Moisés.
• Se trata de un programa
iconográfico creado por el propio
artista, sin directrices por parte
del comitente.
• Son más de 300 figuras,
dispuestas en un entramado
arquitectónico complejo.
• Sibilas, profetas, ignudi, escenas
del Génesis… son personajes
heroicos, escultóricos, de colores
yuxtapuestos donde el espacio se
define por su propio volumen.
• Es el triunfo de lo humano.

Capilla Sixtina
• Simuló diez arcos fajones para dividir la
bóveda en nueve tramos atravesados
por dos falsas cornisas partición en
tres registros.
• 9 nueve historias del Génesis: desde la
Separación de la luz y las tinieblas a la
Embriaguez de Noé (comenzando sobre
la puerta de entrada)
• Para evitar la monotonía, hizo alternar
los rectángulos centrales en dos
medidas o escalas distintas; los cuatro
de menor escala están flanqueados por
los sedentes Ignudi, emparentados con
los esclavos esculpidos después para la
tumba de Julio II. Los Ignudi sostienen
diez gigantescos medallones de bronce
que representan escenas del Antiguo
Testamento y sirven de complemento a
las narradas en los paneles principales.

Capilla Sixtina
• Los ignudi representan la
concepción renacentista del
hombre como medida de
todas las cosas.
• Las hojas y bellotas de roble
que sostiene un ignudo
aluden a la familia Della
Rovere, a la que pertenecía el
propio papa Julio II, en cuyo
escudo de armas aparece el
roble. También el árbol del
Bien y del Mal en la escena
de La caída es un roble.

Capilla Sixtina
• Entre los lunetos sitúa las figuras a
mayor escala de los siete Profetas
bíblicos y las cinco Sibilas,
anticipadoras de la venida de Cristo
y nexo de los antepasados de Jesús
que incluye en el interior de los
tímpanos.
• Cuatro relatos bíblicos se despliegan
en las cuatro pechinas de la bóveda,
glosando momentos de la lucha de
Israel por la libertad, desde David y
Goliat o Judit hasta la serpiente de
bronce y el castigo de Amán.

ESTILO:
• Monumentalidad
• Línea sobre el color
• Escorzos
• Helicoidales
• Reúne toda la Historia de la Salvación a través de episodios
significativos del Antiguo Testamento.
• completo estudio de la figura humana en anatomía y expresión
• variedad y sabiduría compositivas,
• dominio de la perspectiva
• potencia del dibujo
• el encuadre y simulación arquitectónicos de total atrevimiento
que confiere por su especial disposición una especial tensión y
dramatismo de lo colosal, que envuelve al espectador y lo
incluye en el dinamismo de las fuerzas desencadenadas.
• Es un verdadero y deslumbrante canto al cuerpo desnudo.

Capilla Sixtina
http://www.vatican.va/various/cappelle/sistina_vr/index.html

Separación de las aguas. Capilla Sixtina

Diluvio escena capilla Sixtina

EL JUICIO FINAL
(capilla Sixtina)

EL JUICIO FINAL (capilla Sixtina)
• Encargado por Clemente VII en 1534 y confirmado por
Paulo III en 1535, fue comenzado en 1536 y terminado
en 1541.
• Pared del fondo de la Capilla hasta el arranque de la
bóveda.
• Son unas 400 figuras, concebidas como una
composición unitaria, carente de
compartimentaciones arquitectónicas y dividiéndola
en cuatro registros horizontales de figuras.
– Los dos superiores están dedicados al mundo celestial
– Los dos inferiores al terrenal y al infierno.
– Los lunetos superiores muestran a los ángeles con los
instrumentos de la Pasión.

EL JUICIO FINAL
• En el centro, la figura
de Cristo-juez,
destacado plástica y
visualmente como una
figura atlética, vigorosa
e iluminada.
• A su derecha, la Virgen
y los desnudos
apóstoles y patriarcas .
• A sus pies, las figuras
de san Lorenzo y san
Bartolomé, porque a
ellas, además de a la
Asunción, se dedicó la
Sixtina.

EL JUICIO FINAL
• En un segundo friso, cuerpos desnudos de
elegidos que ascienden y réprobos que bajan
como suspendidos en un tapiz plano que
renuncia a la profundidad.
• En la piel del desollado Bartolomé, un
angustiado autorretrato de Miguel Ángel,
como queriendo indicar que no era digno de
estar en presencia de Cristo.

EL JUICIO FINAL
• En el espacio central del registro inferior se halla el grupo de ángeles
tocando las trompetas para despertar a los muertos, mientras dos de ellos
sostienen el pequeño Libro de la Vida y el gran Libro de la Muerte, como
describe el Apocalipsis.
• Abajo, las tumbas entreabiertas que hacen brotar los cuerpos
reencarnados y la laguna Estigia con la barca funeral de Caronte, escena
quizás inspirada en La Divina Comedia de Dante (III, 109-111)
• En el centro del registro inferior, y en contraposición al eje en que se halla
la figura de Cristo, se representa la boca del Infierno.

JUICIO FINAL
• Estilo:
– Movimiento, actitud,
escorzo y agrupación de la
figura humana.
– Composición: valora los
espacios vacíos y las masas
– Ritmo y un sentido no
clásico de la perspectiva.
– Las figuras experimentan
un aumento de escala a
medida que se hallan en los
registros superiores.
– El grupo central tiene una
escala mayor que el
superior y que los grupos
laterales de este mismo
registro alteración en
función de la jerarquía

• El gesto de Cristo pone en
movimiento el conjunto
tumultuoso.
• Dramatismo y violencia
idea pesimista  manierista.
• Figuras retorcidas, poses
helicoidales.
• Presencia dominante de
Cristo-juez como eje de la
composición
• El motivo dominante es el
destino de la humanidad.
• Dios juez, desnudo, atlético,
sin ninguno de los atributos
tradicionales de Cristo, es la
imagen de la suprema justicia.

JUICIO FINAL: lunetos superiores: elementos de la
pasión (izquierda)

JUICIO FINAL: lunetos superiores: elementos de la
pasión (derecha)

PINTURA VENECIANA
Cinquecentto en Italia

La pintura veneciana se caracteriza por la suntuosidad de la luz dorada, el color y
la aparición de objetos y elementos (animales) exóticos, debido a las relaciones
comerciales.
Rafael y Tiziano.

GIORGIONE
• VIDA
– A caballo entre el Quattrocento y el
Cinquecento.
• ESTILO
– composición poco rigurosa de las
fisuras y la luz.
– representación de escenas
herméticas, de contenido
indescifrable
• OBRAS
• La Tempestad
– Refleja el paisaje de tormenta a
través del colorido y su reflejo en
todas las cosas, provocando el
efecto de atmósfera provocado por
tonos, sello de la escuela
veneciana.

GIORGIONE
• Venus Dormida
– Realiza el más espectacular desnudo de su época, partiendo de
los desnudos clásicos.
– Es un desnudo fusiforme, de formas perfectas y rostro ovalado,
que sienta el prototipo femenino de la pintura veneciana.
– Esta obra fue concluida por TIZIANO quien se encargo del paño
y del paisaje.

TIZIANO 1490-1576
• VIDA
– Formado por Giovanni Bellini y Giorgione.
– La colaboración con éste último hacen que la autoría de algunas obras: Concierto
Campestre sea discutida entre ambos.
• ESTILO
– Evolucionará desde el clasicismo más vinculado a Giorgione hasta composiciones
grandiosas, repletas de color y gestos diversos.
– cultivó todos los géneros pictóricos, sobre todo:
• mitológicos: Venus de Urbino, Dánae, Amor Sacro y Amor Profano,
• y retratos, de hecho fue el retratista de Carlos V y Felipe II. Creó el “retrato de aparato” donde el
retratado aparece representado en todo su esplendor y con la máxima dignidad.
– Captó las cualidades tanto de las carnes (desnudez de los cuerpos de formas blandas y
redondeadas), como de las telas, los metales; y la luz dorada.
– Sus últimas obras presentan una pincelada más suelta y pastosa.
• OBRAS
– Venus de Urbino
– Dánae recibiendo la lluvia d oro
– Carlos V en Mülhberg
– Martirio de San Lorenzo
– Bacanal

Venus de Urbino, 1538
• Realizada durante su estancia en la Corte de Urbino.
• La Venus fue adquirida por Guidobaldo della Rovere, el hijo del duque de Urbino, haciéndose
diferentes interpretaciones
• Considerada como una alegoría nupcial en clave neoplatónica o sencillamente el retrato de
una conocida cortesana de la ciudad.
• Es la primera ocasión en que Tiziano pinta una figura de Venus, mostrándola en un interior,
situada sobre un diván tapizado en rojo cubierto con una sábana blanca.
• En primer plano, dirige su mirada al espectador con cierta provocación.
• En su mano derecha porta unas flores mientras que con la izquierda cubre su pubis.
• Se trataría de una representación real de alguna mujer concreta, de carne y hueso.
• Fondo: estancia contigua con una ventana que permite ver el cielo y un árbol. Dos jóvenes se
afanan en buscar ropas en un arcón.
• Tiziano dirige un potente foco de luz sobre el cuerpo de Venus, otorgando así mayor
veracidad al conjunto.
• La claridad de la carnación y las telas blancas sirven de contraste con la pared sobre la que se
recorta la mitad superior de la joven y con la tela del diván.
• El maestro no ha olvidado la preocupación por la perspectiva, perfectamente creada a través
de las baldosas, la columna del fondo y el árbol.

Dánae 1545-1546
• TEMA: Dánae era hija de Acriso, el rey de Argos. El oráculo de Argos había predicho que
el hijo de Dánae mataría a su abuelo por lo que Acriso decidió encerrar a su bella hija en
una cámara subterránea de bronce. A pesar de sus esfuerzos por esconderla, Zeus se
prendó de su belleza y sedujo a la joven en forma de lluvia dorada. De este encuentro
nació un niño llamado Perseo, por lo que Acrisio encerró a su hija y nieto en un cofre y lo
arrojó al mar. El cofre llegó a la isla de Céfiros donde fue recogido por Dictis, hermano del
tirano Polidectes. Tal y como había predicho el oráculo, Perseo mató a su abuelo.
• Se considera que la protagonista sería una cortesana de la que estaría enamorado el
cardenal Farnese, quien posiblemente encargaría la obra.
• Dánae aparece reclinada sobre una amplia cama cubierta de almohadones, dirigiendo su
mirada hacia la lluvia dorada que observamos en la zona superior de la composición.
• Cupido con su arco y sus flechas acompaña a la joven.
• La iluminación dorada baña la figura, creando un acentuado contraste con el fondo,
donde observamos un celaje en el que apreciamos la luz crepuscular.
• La gama de colores empleados muestra una cierta tendencia al la reducción cromática.
• Pinceladas son más rápidas y empastadas.

Dánae recibiendo la lluvia de oro 1553

Dánae recibiendo la lluvia de oro 1553
• Pintada para el rey de España, Felipe II.
• Dos personajes conforman la escena.
– Danae: desnuda, tumbada en la cama.
– Una anciana, vestida de manera que enseña la espalda, que levanta con las
manos un delantal.
• Del cielo llegan unas nubes que, primero se ennegrecen y después se
tornan doradas caen monedas.
• Se trata del momento en que la princesa Dánae recibe al divino Zeus,
que se ha transformado en lluvia de oro.
• La mujer joven, de palidez nacarada, contrasta con la otra figura y con el
resto del cuadro, con un movimiento hacia el primer término muy
intenso, pero sin llegar a aislarse del contexto. Lleva pendientes, una
pulsera y un anillo.
• La otra mujer, que lleva un juego de llaves colgando de su cinturón,
podría ser la sirvienta de la princesa. Realiza el gesto de recoger las
monedas.
• La distribución de las figuras en el espacio nos remite a una composición
ordenada de aspecto piramidal, pero la actitud de los personajes y sus
acciones se ven reforzadas por la fuerza del punto de atracción que es la
nube, lo que crea profundidad y movimiento.

Carlos V en Mülhberg 1548
• Retrato de aparato y propaganda: Carlos I de España y V de
Alemania.
• Retrato de Carlos V antes de la victoria de Mühlberg contra los
príncipes protestantes
• El emperador aparece con un aura casi sagrada, en su gesto
determinado, impertérrito y ajeno a la fatiga.
• Carlos V detiene su caballo frente al río Elba, tras el cual los
protestantes se han hecho fuertes.
• Representa una anochecer, con luz crepuscular, my efectista.
• Compleja elaboración iconográfica.
• Colorido tizianesco: los rojos y ocres de la tela son inimitables.
• Inaugura un género que alcanza su esplendor en el Barroco: el
retrato real a caballo.
• La armadura que viste el monarca es una valiosísima pieza
labrada en oro y plata que se conserva en la Real Armería de
Madrid.

Amor Sagrado y Amor Profano
• Con motivo de la boda entre el canciller ducal Nicolo Aurelio -cuyo blasón
aparece en el sarcófago- y Laura Bagarotto en la primavera de 1514.
• Tiziano nos presenta a dos mujeres sentadas al borde de una fuente mientras
Cupido remueve las aguas que contiene dicha fuente.
– La mujer de la derecha aparece vestida con sus mejores galas mientras que la de la
izquierda se presenta desnuda.
– La vestida lleva en sus manos una vasija de oro y un ramillete de rosas mientras que su
compañera sostiene en su mano izquierda una lámpara de aceite encendida.
• Las figuras se ubican ante un fondo de paisaje.
• El tema que nos propone Tiziano estaría relacionado con el neoplatonismo,
una reflexión sobre la doble naturaleza de Venus, la celeste y la vulgar, no una
oposición entre el bien y el mal como se plantea en el título.
• Simbolizan diferentes grados de perfección y belleza, las dos son nobles y
dignas y entre ellas reina la armonía, razón por la que Cupido remueve el agua
de la fuente para homogeneizar los dos amores.
• Vinculación con el mundo antiguo y con la filosofía de su tiempo.
• Luces y colores se van adueñando paulatinamente de la composición,
convirtiéndose en los verdaderos protagonistas del conjunto.
• Detallismo de las telas
• Tonalidades brillantes como el rojo del manto de la Venus Celeste o las mangas
del vestido de la Terrena.

La Bacanal 1525
• Regalado a Felipe IV por Nicolás Ludovisi.
• La tela es la última de una magnífica serie
ejecutada para Alfonso d'Este, Duque de
Ferrara; otro lienzo de la serie.
• Reproduce un cuadro visto en Nápoles por el
sofista Filostrato en el siglo II, pieza que
representaba a los habitantes de la isla griega
de Andros regocijándose en el río de vino
creado por Dionisio.
• Tiziano se aprovechó al máximo de esta
oportunidad tan espléndida de emular el
pasado y las calidades del mítico pintor griego
Apeles (naturalismo y colorido).

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