A literatura portuguesa. moises, massaud

Apostilas Solução - Professor Educação Básica – PEB II

MOISES, Massaud.
A LITERATURA PORTUGUESA.
São Paulo: Cultrix, 2008.

I - Introdução
Segundo Massuad Moisés, pela sua posição
geográfica no mapa europeu, Portugal como se
estivesse empurrado contra o mar, toda a sua história, literária e não, atesta o sentimento de busca
dum caminho que só ele representa e pode representar. Recebe influências exclusivas e marcantes
tanto étnicas como culturais (árabes, germânicas,
francesas, inglesas, etc.), e por essa razão gerou
uma literatura com características próprias e permanentes, além da "fatalidade" de ser a Língua
Portuguesa seu meio de comunicação, o que ajuda
a completar e explicar o quadro.
A Literatura Portuguesa reflete essa angústia
geográfica: “o escritor português opta pela fuga ou
pelo apego a terra, matriz de todas as inquietudes e
confidente de todas as dores, centro de inspiração e
nutridora de sonhos e esperanças. A fuga dá-se
para o mar, o desconhecido, fonte de riqueza algumas vezes, de males incríveis e de emoção quase
sempre; ou, transcendendo a estreiteza do solo
físico, para o plano metafísico, à procura de visualizar numa dimensão universal e perene a inquietação particular e egocêntrica”.

Após a morte de D. Henrique, D. Teresa assume
o governo e se aproxima da Galiza. Seu filho, o
Infante, Afonso Henriques, rebela-se contra a mãe e
inicia uma revolução que culmina com a vitória dos
revoltosos, na batalha de S. Mamede, nos arredores
de Guimarães e o Infante é declarado seu soberano. Porém, somente em 1143, na Conferência de
Samora, D. Afonso VII reconhece Afonso Henriques
como rei. Portugal está politicamente autônomo. A
data utilizada como marco do início da Literatura
Portuguesa é 1198 (ou 1189), quando o trovador
Paio Soares de Taveirós compõe uma cantiga, Cantiga de Garvaia, palavra que designava um luxuoso
manto de Corte, dedicada a Maria Pais Ribeiro,
também chamada A Ribeirinha, favorita de D. Sancho I. Tudo indica que já havia uma atividade literária anterior, porém desaparecida.
II - TROVADORISMO (1198-1418)
O Trovadorismo Português foi o movimento literário caracterizado por seu caráter popular, sem
relação com a cultura da Antiguidade Clássica greco-latina. Era uma arte literária simples, voltada
para o entretenimento, e devido a essa simplicidade
e natureza popular tem a preferência pelo idioma
galaico-português em vez de latim, que era a língua
da literatura erudita da época. Recebe considerável
influência da cultura provençal, através dos artistas
nômades oriundos daquela região que chegaram à
Península Ibérica naquela época. A lírica trovadoresca teve grande força na França naquela época, e
sua influência acabou se espalhando por vários
países da Europa.

Para o autor, é uma literatura rica em poetas Camões, Bocage, Antero, Fernando Pessoa, entre
outros - “(...) A poesia é o melhor que oferece a
Literatura Portuguesa, dividida entre o apelo metafísico, que significa a vivência e a expressão de problemas fundamentais e perenes (a existência ou
não de Deus, o ser e o não-ser, a condição humana,
os valores do espírito, etc.), e a atração amorosa da
terra (representada por temas populares, folclóricos), ou um sentimento superficial, feito da confissão de estados de alma provocados pelos embates
amorosos (...)”.

Massaud Moisés destaca quatro teses para a
origem da poesia trovadoresca:

A riqueza da poesia contrasta com a pobreza do
teatro que somente algumas poucas vezes saiu “do
nível medíocre ou meramente razoável” através de
Gil Vicente, Garrett e António José da Silva.

3) A tese médio-latinista. A poesia trovadoresca
teria se originado a partir da literatura latina produzida na Idade Média. Essa literatura teria chegado à
Península Ibérica e influenciado a produção literária
local.

O romance decai após a morte de Eça de Queirós, em 1900. Voltando a viver uma época de esplendor após 1940, pela quantidade e qualidade de
seus autores configura-se no ponto forte da literatura lusa. A crítica literária, como o teatro, pobre, somente nos últimos anos começa a despontar com
rigor científico.
A Literatura Portuguesa nasceu quase simultaneamente com a nação. Em 1094, Afonso VI, Rei de
Leão, um dos reinos em que a Península Ibérica era
dividida (os outros: Castela, Aragão e Navarra),
casa suas filhas, Urraca com o Conde Raimundo de
Borgonha, e Teresa com D. Henrique. Ao primeiro
genro, doa uma extensa região de terra correspondente à Galiza; ao segundo, o território compreendido entre o rio Minho e o Tejo, com o nome de "Condado Portucalense".

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1) A tese arábica. Relaciona a poesia trovadoresca
à cultura árabe em virtude das invasões mouras à
Península Ibérica.
2) A tese popular ou folclórica. Segundo essa linha
de estudo a poesia trovadoresca foi uma manifestação literária de “espontânea”, surgido naturalmente
a partir das manifestações e cultura do povo da
época.

4) A tese litúrgica. A poesia trovadoresca surgiu a
partir da literatura cristã/sacra da época.
Entretanto, parece que nenhuma das teses citadas acima é suficiente para determinar com certeza
a origem da lírica trovadoresca, dando-nos a possibilidade de aceitar todas elas de modo conjunto.Todavia a influência da Provença na poesia trovadoresca portuguesa é incontestável e se deu
principalmente pelo fato de que muitos dos trovadores portugueses tiveram certa relação com a França. (D. Afonso Henriques e D. Sancho I foram casados com princesas criadas em cortes ligadas à Provença). Além disso, muitos artistas nômades oriundos daquela região passaram pela península, e,
ainda, as relações comerciais e os movimentos
militares (cruzadas) são fatores de influência.

Bibliografia para Língua Portuguesa

O Trovadorismo Português inicia-se em 1189 (ou
1198) com a “Cantiga da Guarvaia” ou “Cantiga da
Ribeirinha”, de Paio Soares de Taveirós e se estende até 1418, quando Fernão Lopes é nomeado
Guarda-mor da Torre do Tombo por D. Duarte.
A POESIA TROVADORESCA
Na Provença, o poeta era chamado de troubadour, cuja forma correspondente em Português é
trovador, da qual deriva trovadorismo (que serve de
rótulo geral dessa primeira época medieval), trovadoresco, trovadorescamente. O poeta deveria ser
capaz de compor, achar os versos e a melodia para
sua cantiga. Eram poemas cantados e acompanhados por instrumentos musicais e às vezes danças.
A poesia trovadoresca classifica-se em: líricoamorosa e satírica. A primeira divide-se em cantiga
de amor e cantiga de amigo; a segunda, em cantiga
de escárnio e cantiga de maldizer. O idioma empregado era o galego-português, em virtude da então
unidade lingüística entre Portugal e a Galiza.
CANTIGAS DE AMOR
Poesia lírica onde o trovador, de acordo com a
“arte de trovar” confessa seu amor por uma dama
inacessível aos seus apelos, entre outras razões por
ser de classe social mais elevada, geralmente nobre, enquanto ele era, quando muito, um fidalgo
decaído. O poema é um lamento suplicante, os apelos do trovador “colocam-se alto, num plano de espiritualidade, de idealidade ou contemplação platônica”. Trata-se de um fingimento poético, de acordo
com as regras de conveniência social e da moda
literária vinda da Provença. Retratam um sofrimento
interior (coita de amor).
Geralmente é o próprio trovador quem confessa
seus sentimentos, dirigindo-se em vassalagem e
subserviência à dama (mia senhor ou minha senhora), e rendendo-lhe o culto que o "serviço amoroso"
lhe impunha: as regras do "amor cortês", recebidas
da Provença: o trovador teria de mencionar comedidamente o seu sentimento (mesura), a fim de não
incorrer no desagrado (sanha) da bem-amada; teria
de ocultar o nome dela ou recorrer a um pseudônimo, e prestar-lhe uma vassalagem que apresentava
quatro fases: a primeira correspondia à condição de
fenhedor, de quem se consome em suspiros; a segunda é a de precador, de quem ousa declarar-se e
pedir; entendedor é o namorado; drut, o amante.
Segundo Moisés, “(...) O trovador, portanto, subordina todo o seu sentimento às leis da Corte amorosa, e ao fazê-lo, conhece das dificuldades interpostas pelas convenções e pela dama no rumo que
o levaria à consecução dum bem impossível. Mais
ainda: dum' bem (e "fazer bem" significa corresponder aos requestos do trovador) que ele nem sempre
deseja alcançar, pois seria por fim ao seu tormento
masoquista, ou início dum outro Maior. Em qualquer
hipótese, só lhe resta sofrer, indefinidamente, a
coita amorosa”.
O sofrimento segue uma ordem crescente, através das estrofes (cobra ou talho) sendo reforçado
no estribilho ou refrão, onde o trovador pode rematar cada estrofe, reforçando a angustiante idéia fixa
para a qual ele não encontra consolo.


Em síntese, nas Cantigas de Amor, o trovador
destaca todas as qualidades da mulher amada,
colocando-se numa posição inferior (de vassalagem) a ela. A mulher é colocada num patamar elevado, idealizada, em geral por se encontrar em uma
posição social superior. As cantigas de amor não
possuem variedade temática, sendo a temática mais
comum o amor não correspondido. Além disso, reproduzem o sistema hierárquico do feudalismo, pois
o trovador passa a ser o vassalo da amada (suserana) e espera receber um benefício em troca de seus
“serviços” (as trovas, o amor dedicado, o sofrimento
pelo amor não correspondido).
CANTIGAS DE AMIGO
As cantigas de amigo focalizam o outro lado da
relação amorosa entre ele e uma dama: o fulcro do
poema é agora representado pelo sofrimento amoroso da mulher, em geral pertencente às camadas
populares (pastoras, camponesas, etc.). O drama é
o da mulher, mas quem ainda compõe a cantiga é o
trovador.
Massuad Moisés diz que o “(...) trovador vive
uma dualidade amorosa, de onde extrai as duas
formas de lirismo amoroso próprias da época: em
espírito, dirige-se à dama aristocrática; com os sentidos, à camponesa ou à pastora.
Por isso, pode expressar autenticamente os dois
tipos de experiência passional, enquanto ele próprio, e enquanto a mulher que por ele desgraçadamente se apaixona. É digno de nota que essa ambigüidade, extremamente curiosa ainda como psicologia literária ou das relações humanas, não existia
antes do trovadorismo nem jamais se repetiu depois”.
O “eu-lírico” (quem fala) é a própria mulher, dirigindo-se em confissão à mãe, às amigas, aos pássaros, aos arvoredos, às fontes, aos riachos. O teor
da confissão é sempre uma paixão não correspondida, mas a que ela se entrega de corpo e alma.
Traduz um sentimento espontâneo, natural e
primitivo por parte da mulher, e um sentimento donjuanesco e egoísta por parte do homem, que geralmente está “(...) no fossado ou no bafordo, isto é, no
serviço militar ou no exercício de armas. Por isso, a
palavra amigo pode significar namorado e amante”.
Trata-se de uma poesia de caráter narrativo e
descritivo e se classifica de acordo com o lugar
geográfica e as circunstâncias em que decorrem os
acontecimentos (serranilha, pastorela, barcarola,
bailada, romaria, alva ou alvorada - surpreende os
amantes no despertar dum novo dia, depois de uma
noite de amor).
CANTIGAS DE ESCARNIO E DE MALDIZER
A Cantiga de Escárnio revela uma sátira que se
constrói indiretamente, por meio da ironia e do sarcasmo, usando palavras ambíguas, de duplo sentido.
Na Cantiga de Maldizer, a sátira é feita diretamente, com agressividade, com palavras chulas e
muitas vezes obscenas.

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Em geral escritas “(...) pelos mesmos trovadores
que compunham poesia lírico-amorosa, expressavam, como é fácil depreender, o modo de sentir e
de viver próprio de ambientes dissolutos, e acabaram por ser canções de vida boêmia (...) poesia
"forte", descambando para a pornografia ou o mau
gosto, possui escasso valor estético, mas em contrapartida documenta os meios populares do tempo,
na sua linguagem e nos seus costumes, com uma
flagrância de reportagem viva”.
Em geral, cultivadas por jograis de “má vida”,
eram acompanhadas pelas soldadeiras (= mulheres
a soldo), cantadeiras e bailadeiras, de vida dissoluta
que faziam coro com as “chulices” presentes nas
letras das canções.
CANCIONEIROS
Cancioneiros são coletâneas de canções, compiladas por ordem e graça de algum mecena ou soberano. Dos vários cancioneiros que existiram, três
merecem destaque:
1) Cancioneiro da Ajuda, composto no reinado de
Afonso III (fins do século XIII), o que exclui a contribuição de D. Dinis (reinou entre 1268 e 1325 e foi
chamado Rei Trovador); contém 310 cantigas, quase todas de amor;
2) Cancioneiro da Biblioteca Nacional (também
chamado Colocci-Brancuti, homenagem a seus dois
possuidores italianos, dos quais Brancuti foi o último), é, uma cópia italiana do século XVI, possivelmente de original do século anterior; contém 1 647
cantigas, de todos os tipos, e engloba trovadores
dos reinados de Afonso III e de D. Dinis;
3) Cancioneiro da Vaticana (o nome lhe vem de
ter sido descoberto na Biblioteca do Vaticano, em
Roma), também cópia italiana do século XVI, de
original do século anterior, inclui 1205 cantigas de
escárnio e de maldizer, de amor e de amigo.
PRINCIPAIS TROVADORES
Moisés destaca como principais trovadores:
- João Soares de Paiva, considerado o mais antigo, nascido em 1141.
- Paio Soares de Taveirós, autor da cantiga mais
antiga de que se tem registro.

TERMINOLOGIA POÉTICA
A poesia medieval utilizava requintados recursos
formais, apesar da aparência primitiva, espontânea,
e de ser composta para ser cantada, com regras e
estruturas peculiares.
Cantigas de atafinda ou de maestria, cantigas nas
quais ocorre o que chamamos hoje de encadeamento, ou “enjambement”, que consiste na continuação da idéia de um verso no verso seguinte, estabelecendo uma ligação de sentido entre os versos.
Esse esquema de organização das cantigas é considerado mais difícil e intelectualizado, por nele não
ocorrer o recurso do refrão. Acontece mais comumente nas cantigas de amor.
Cantigas paralelísticas, cantigas nas quais ocorre
o paralelismo, recurso que consiste na repetição de
vocábulos, na forma de sinônimos, no decorrer da
cantiga.
Cantigas de refrão, estrutura típica da poesia popular, na qual ocorre a presença do refrão, verso ou
par de versos que se repete após cada estrofe (que
era chamada de cobra, cobla ou talho, de acordo
com a Poética Fragmentária). O recurso do paralelismo e do refrão ocorre mais freqüentemente nas
cantigas de amigo e às vezes de amor.
Tenções, também chamadas cantigas dialogadas,
por apresentarem diálogos, ou seja, alternância
entre as vozes de interlocutores na cantiga. Ocorre
principalmente nas cantigas de amigo.
Além dos trovadores, havia outros tipos de artistas envolvidos nas manifestações artístico-literárias
da época, como os segréis, os jograis e os menestréis.
Simplificando, o trovador era o artista completo:
compunha, cantava e podia instrumentar as cantigas; as mais das vezes, era fidalgo decaído. Jogral
era uma designação menos precisa: podia referir o
saltimbanco, o truão, o ator mímico, o músico e até
mesmo aquele que compunha suas melodias; de
classe social inferior, por seus méritos podia subir
socialmente e ser classificado como trovador. Segrel designava um artista de controvertida condição:
colocado entre o jogral e o trovador, era o trovador
profissional, que ia de Corte a Corte interpretando
cantigas próprias ou não, a troco de soldo. Menestrel era como se chamava o músico e cantor da
Corte.
NOVELAS DE CAVALARIA

- D. Dinis, autor de aproximadamente 140 cantigas, entre líricas e satíricas.
- João Garcia de Guilhade escreveu 54 composições líricas e satíricas. Considerado um dos mais
originais trovadores do século XIII.
- Martim Codax, trovador da época de Afonso III,
escreveu 7 cantigas de amigo, as quais tem o mérito de constituir as únicas peças da lírica trovadoresca cuja pauta musical permaneceu até hoje.
- Outros trovadores: Afonso Sanches, Aires Corpancho, Nuno Fernandes Torneol, Bernardo Bonaval, Aires Nunes, João Zorro, etc.

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O Trovadorismo ainda se caracteriza pelo aparecimento e cultivo das novelas de cavalaria.
Originárias da Inglaterra ou/e da França surgiram
a partir das canções de gesta, antigos poemas de
temas guerreiros, que em Portugal foram traduzidos, com algumas modificações que buscavam
adaptar as novelas à realidade de Portugal.
Circulava entre a nobreza e, traduzidas do Francês, era natural que na tradução e cópia sofressem
voluntárias e involuntárias alterações com o objetivo
de adaptá-las à realidade histórico-cultural de Portugal.


Convencionou-se agrupar as novelas de cavalaria em três ciclos:
1) ciclo bretão ou arturiano, tendo o Rei Artur e
seus cavaleiros como protagonistas;
2) ciclo carolíngio, em torno de Carlos Magno e os
doze pares de França;
3) ciclo clássico, referente a novelas de temas greco-latinos.
As novelas de cavalaria têm uma forte conotação
religiosa e eram permeadas por ensinamentos cristãos implícitos no enredo das histórias, refletiam o
culto à vida espiritual, a busca pela perfeição moral,
e a valorização de qualidades como a honra, a bravura, a castidade, a lealdade, a generosidade, a
justiça entre outras. Chegaram aos nossos dias as
seguintes novelas: Amadis de Gaula, História de
Merlim, José de Arimatéia e A Demanda do Santo
Graal.
Amadis de Gaula marca com relevância a ficção
da época, através do enredo amoroso e guerreiro,
bem ao gosto do gênero, do cavaleiro perfeito, destruidor de monstros, tímido e heróico, apaixonado e
fiel a sua amada Oriana, seguindo o modelo dos
cantares de amor. A novela surpreende, sobretudo,
pela atmosfera de sensualidade que une o par amoroso, em especial pelo fato da amada ter-se oferecido, gentilmente, antes do casamento.
A Demanda do Santo Graal é uma novela mística, tem começo numa visão celestial de José de
Arimatéia e no recebimento dum pequeno livro (A
Demanda do Santo Graal). José parte para Jerusalém; convive com Cristo, acompanha-lhe o martírio
da Cruz, e recolhe-lhe o sangue no Santo Vaso.
Deus ordena-lhe que o esconda. Tendo-o feito, morre em Sarras. O relato termina com a morte de Lancelote: seu filho, Galaaz, irá em busca do Santo
Graal.
Conforme Moisés “(...) A Demanda do Santo
Graal contém o seguinte: em torno da "távola redonda", em Camelot, reino do Rei Artur, reúnem-se
dezenas de cavaleiros. É véspera de Pentecostes.
Chega uma donzela à Corte e procura por Lancelote
do Lago. Saem ambos e vão a uma igreja, onde
Lancelote arma Galaaz cavaleiro e regressa com
Boorz a Camelot. Um escudeiro anuncia o encontro
de maravilhosa espada fincada numa pedra de
mármore boiando n'água. Lancelote e os outros
tentam arrancá-la debalde. Nisto, Galaaz chega
sem se fazer anunciar e ocupa a seeda perigosa (=
cadeira perigosa) que estava reservada para o cavaleiro "escolhido": das 150 cadeiras, apenas faltava preencher uma, destinada a Tristão. Galaaz vai
ao rio e arranca a espada do pedrão. A seguir, entregam-se ao torneio. Surge Tristão para ocupar o
último assento vazio.
Em meio ao repasto, os cavaleiros são alvoroçados e extasiados com a aérea aparição do Graal
(= cálice), cuja luminosidade sobrenatural os transfigura e alimenta, posto que dure só um breve momento. Galvão sugere que todos saiam à demanda
(= à procura) do Santo Graal. No dia seguinte, após
ouvirem missa, partem todos, cada qual por seu
lado.


Daí para frente, a narração se entrelaça, se emaranha, a fim de acompanhar as desencontradas
aventuras dos cavaleiros do Rei Artur, até que, ao
cabo, por perecimento ou exaustão, ficam reduzidos
a um peque no número. E Galaaz, em Sarras, na
plenitude do ofício religioso, tem o privilégio exclusivo de receber a presença do Santo Vaso, símbolo
da Eucaristia, e, portanto, da consagração de uma
vida inteira dedicada ao culto das virtudes morais,
espirituais e tísicas.
A novela ainda continua por algumas páginas,
com a narrativa do adulterino caso amoroso de Lancelote, pai de Galaaz, e de D. Ginebra, esposa do
Rei Artur. Tudo termina com a morte deste último”.
CRONICÕES E LIVROS DE LINHAGEM
Além da poesia e das novelas de cavalaria no
trovadorismo, ainda foram cultivados outras manifestações literárias: os cronicões, as hagiografias e
os nobiliários ou livros de linhagem.
Os cronicões, de pouco valor literário, deram
origem à historiografia portuguesa e serviram de
material de suporte para Herculano compor sua
Portugaliae Monumenta Historica. Crônicas Breves
do Mosteiro de Santa Cruz de Coimbra, Crónica
Geral de Espanha (1344), provavelmente elaborada
por D. Pedro, Conde de Barcelos, filho bastardo de
D. Dinis.
As hagiografias (= vidas de santos), escritas em
Latim, possuem ainda menos significado literário.
Os livros de linhagens eram relações de nomes,
especialmente de nobres, com o objetivo de estabelecer graus de parentesco que serviam para dirimir
dúvidas em caso de herança, filiação ou de casamento em pecado (= casamento entre parentes até
o sétimo).
Ao lado de informações tipicamente genealógicas revelam veleidades literárias: nas referências às
ligações genealógicas se intercalam, com realismo,
colorido e naturalidade, narrativas breves, mas de
especial interesse, como a da Batalha do Salado.
III – HUMANISMO (1418-1527)
Em Portugal, o Humanismo inicia-se quando
Fernão Lopes, guarda-mor da torre do Tombo desde 1418, é encarregado por D. Duarte (filho de D.
João I) de “por em crônica as histórias de seus antepassados. e ou da sua promoção a Cronista-Mor
do Reino, em 1434, e encerra-se em 1527, quando
Sá de Miranda regressa da Itália trazendo a medida
nova (ou o decassílabo).
Pela primeira vez, é demonstrada uma preocupação com a História documentada, envolvendo a
descrição dos fatos sociais fora dos parâmetros da
Corte.
OS CRONISTAS: FERNÃO LOPES
Autodidata, de origem humilde, foi um dos legítimos
representantes do saber popular, embora já no seu
tempo um novo tipo de saber começava a surgir: de
cunho erudito-acadêmico e humanista.

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Das várias crônicas que teria escrito sobre os
reis portugueses da primeira dinastia (Dinastia de
Avis) e do começo da segunda, várias se perderam,
só restando três de autoria indiscutível: Crônica d'ElRei D. Pedro, Crônica d'El-Rei D. Fernando e Crônica d'El-Rei D. João I. Outras, ainda lhe são atribuídas, como a Crônica do Condestável (publicada em
1526).
Decididamente vocacionado para a historiografia,
Fernão Lopes tem sido considerado o "pai da História" em Portugal. Sua visão abrangente e lúcida de
Fernão Lopes torna possível o “nascimento” da História documentada de Portugal compilando fatos
como a Dinastia de Avis, a expansão marítima portuguesa.
Seu valor como historiador reside acima de tudo
no fato de procurar ser "moderno", desprezando o
relato oral em favor dos acontecimentos documentados.
Do ponto de vista da forma, o seu estilo representa uma literatura de expressão oral e de raiz
popular. Ele próprio diz que nas suas páginas não
se encontra a formosura das palavras, mas a nudez
da verdade. “(...) nosso desejo foi em esta obra
escrever verdade, sem outra mistura, deixando nos
bons aquecimentos todo fingido louvor, e nuamente
mostrar ao povo, quaisquer contrárias cousas, da
guisa que avieram."

Iniciador da historiografia da expansão ultramarina, Azurara não tinha o mesmo talento de Fernão
Lopes, escreve numa linha ufanista (que culminará
n’ Os Lusíadas). Ao contrário de Fernão Lopes,
preocupa-se com pessoas, individualidades, e não
com grupos sociais, onde a ação isolada do cavaleiro predomina sobre à da massa popular e já encontramos em sua obra certa influência da cultura clássica.
Foi sucedido por Vasco Fernandes de Lucena,
que nada escreveu apesar de ocupar o cargo mais
ou menos 30 anos.
RUI DE PINA
Quarto cronista-mor, Rui de Pina escreveu nove
crônicas a propósito de monarcas da 1.ª e 2.ª dinastias: Sancho I, Afonso II, Sancho II, Afonso III, D.
Dinis, Afonso IV, D. Duarte, Afonso V, e D. João II.
Contesta-se a autoria integral dessas crônicas: “as
seis primeiras seriam a refundição duma obra contemporânea cujos originais só muito recentemente
foram descobertos (na Biblioteca Pública do Porto e
na casa do Cadaval), ou, ainda, calcadas nas crônicas perdidas de Fernão Lopes”. Suas crônicas possuem valor historiográfico, em especial pelos novos
e diferentes dados sobre a sociedade portuguesa de
seu tempo e pela sobriedade da linguagem, de influência clássica.
A PROSA DOUTRINÁRIA

Fernão Lopes enquadra-se nitidamente nas estruturas culturais da Idade Média. Todavia, alguns
pormenores fazem dele um homem avançado para
o seu tempo.
Dotado dum estilo maleável, coloquial, primitivo,
saborosamente palpitante e vivo, não escondia o
seu gosto acentuado pelo arcaísmo, talvez em decorrência de sua origem plebéia e seu amor ao povo, à "arraia-miúda".
Fernão Lopes possui incomum sentido plástico
da realidade, procurando oferecer ao leitor um instantâneo "vivo", "atual", dos acontecimentos. Incorporou em sua obra alguns recursos da novela, como
por exemplo, nos retratos psicológicos das personagens, a cerrada cronologia, o emprego dos diálogos, constituem soluções estruturais que trouxe da
novela e caldeou com seu próprio pendor literário.
Sua carreira como historiador é provavelmente a
mais longa, sendo sucedido por Gomes Eanes de
Zurara após a aposentadoria.
GOMES EANES DE ZURARA
Gomes Eanes de Azurara (ou Zurara) sucedeu a
Fernão Lopes e continuou o propósito de escrever a
crônica de todos os reis portugueses até àquela
data.
Escreveu a 3.ª parte à Crônica de D. João I (conhecida como Crônica da Tomada de Ceuta, sua
obra mais importante), Crônica do Infante D. Henrique ou Livro dos Feitos do Infante, Crônica de D.
Pedro de Meneses, Crônica de D. Duarte de Meneses, Crônica dos Feitos de Guiné, Crônica de D.
Fernando, Conde de Vila-Real (desaparecida).

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A prosa de caráter religioso girou em torno de
traduções de episódios bíblicos, muitas vezes ampliadas com comentários ou derivações ficcionadas,
e de obras de caráter hagiográfico (vidas de santos). Escrita pelos monarcas portugueses, a Prosa
Doutrinária era direcionada à educação da nobreza
objetivando orientá-la no convívio social e no adestramento físico para a guerra. Conforme Moisés “O
culto do desporto, especialmente o da caça, ocupa
o primeiro lugar nessa pedagogia pragmática. As
virtudes morais também se lembram e se enaltecem, mas sempre visando a alcançar o perfeito
equilíbrio entre a saúde do corpo e a do espírito”.
Destaca:
Livro da Montaria, de D. João I, em que se ensina
a caça ao porco montes, considerado o desporto
ideal para a fidalguia;
Leal Conselheiro e Livro da Ensinança de Bem
Cavalgar Toda Sela, de D. Duarte: na primeira,
recopila e adapta com independência e novidade
reflexões filosóficas e psicológicas de várias e contraditórias fontes, desde Cícero até S. Tomás de
Aquino; na outra, faz a apologia da vida ao ar livre,
mas não esquece de exaltar as virtudes do espírito,
especialmente a vontade;
O Livro da Virtuosa Benfeitoria, do Infante D.
Pedro, o Regente (nascido em 1392 e morto em
1449, na batalha de Alfarrobeira, era filho bastardo
de D. João I), contém a tradução e adaptação da
obra De Beneficiis, de Séneca, realizada com a
ajuda de Frei João Verba, e que trata das numerosas modalidades e virtudes do "benefício", sobretudo na educação dos nobres;


Livro de Falcoaria, de Pero Menino, em que se
ensina a tratar das doenças dos falcões.
Outras obras de destacam, como o Boosco Deleitoso, obra com forte influência de Petrarca nos
primeiros capítulos, em que se narra a peregrinação
da alma em busca da salvação, etc.

Com relação às incertezas da vida do mestre,
Saraiva deixa a questão de lado, achando muito
mais pertinente destacar o gênio vicentino e sua
autenticidade como criador: “Se ele está vivo no
meio das múmias que assinalam a história do teatro
português, isso se deve certamente ao fato de que
ele era Gil Vicente, o grande teatrólogo e não qualquer outra pessoa”.

A POESIA DO CANCIONEIRO GERAL
A poesia portuguesa quatrocentista, do reinado
de D. João II e D. Manuel, foi compilada por Garcia
de Resende no seu Cancioneiro Geral (1516). São
composições escritas em português e castelhano.
Contém aproximadamente mil composições, de 286
poetas, cerca de 150 são escritas em Espanhol.
A poesia do período se caracteriza pelo divórcio
entre a "letra" e a música. O ritmo é alcançado com
os próprios recursos da palavra disposta em versos,
estrofes, etc., e não com a pauta musical.
O Cancioneiro Geral introduziu o emprego do
verso redondilha (redondilha menor, com 5 sílabas,
e redondilha Maior, com 7 sílabas) e trouxe novidades temáticas: a influência clássica (Ovídio), o influxo italiano (Dante e Petrarca: o lirismo centrado no
conhecimento do amor e suas contradições. internas) e o espanhol (Marques de Santilhana, Juan de
Mena, Gómez Manrique, Jorge Manrique).
Há, ainda, registros de poesia épica, religiosa e
satírica.
Entretanto, o ponto alto do Cancioneiro Geral é
representado pela poesia lírica.
Poetas que se destacam no Cancioneiro Geral:
João Ruiz de Castelo-Branco representa-se com a
"Cantiga sua partindo-se", Garcia de Resende, com
as Trovas à Morte de Dona Inês de Castro, graças
ao forte sentimento de adesão ao "caso" da amante
de D. Pedro, a ponto de possivelmente o poema
haver estado presente no espírito de Camões quando este desenhou igual episódio em Os Lusíadas,
além de Bernardim Ribeiro e Sá de Miranda.
O TEATRO POPULAR DE GIL VICENTE
Anteriormente a Gil Vicente, o teatro em Portugal
consistia na representação de breves quadros religiosos alusivos a cenas bíblicas e encenados em
datas festivas, como o Natal e a Páscoa. Geralmente falados em Latim, eram encenados nas igrejas.
Posteriormente, surge o teatro profano, de caráter
não religioso.
A biografia de Gil Vicente é muito enigmática.
Seria ele o ourives autor na famosa cruz de Belém?
Nobre arruinado? O enigma continua a possibilitar
teses a favor e contra, na busca de esclarecer as
incertezas biográficas do grande teatrólogo português.
O concreto é que Gil Vicente mantinha proximidade aos integrantes da corte, em especial à rainha
D. Maria, cuja homenagem ao nascimento do filho
da monarca, mais tarde D. João III, Rei de Portugal,
escreveu e interpretou o Auto da Visitação (também
conhecido como Monólogo do Vaqueiro), no ano de
1502.


Com relação a Gil VICENTE não ter estudado
formalmente, não ter bebido das fontes clássicas
(...) “Seu auto-didatismo possibilitou-lhe as condições de originalidade de sua estrutura artística,
dando-lhe uma expressão singular, predispondo-o a
representar de maneira objetiva, os valores culturais
de seu momento histórico”.
Recebeu influências do teatro medieval e também de Juan Del Encina, dramaturgo castelhano,
seu contemporâneo, e pode ser constatada na pintura dos quadros sociais ou através de citações
direta ao mestre espanhol.
Durante trinta e quatro anos de produção dramatúrgica, pontilhados de algumas trovas, sermões e
epístolas, ele nos legou 44 peças, sendo a primeira
em 1502, com o Monólogo do Vaqueiro e a última
Floresta de Enganos, no ano de 1536.
No teatro de Gil Vicente, conviveram elementos
característicos do medievo e do humanismo. “Em
seu teatro desfilava uma verdadeira fauna humana,
conforme Saraiva, sendo suas personagens muito
mais tipos que se comportam segundo automatismos inveterados”.
Dentre os ‘tipos’ sociais que desfilam nas peças
vicentinas, podemos mencionar como mais recorrentes: a alcoviteira, o escudeiro pobre, o clérigo
corrupto, a viloa casadoira, o almocreve, o sapateiro, os pajens etc. Todos são descritos com mordacidade pelo dramaturgo.
Gil Vicente foi autor e ator e suas representações, cheias de improvisos já previstos, são ricas,
densas e variadas.
Sua galeria de tipos humanos é imensa: o padre
corrupto, o cardeal ganancioso, o sapateiro que
explora o povo, a beata, o médico incompetente, os
aristocratas decadentes, etc.
Seus personagens não têm nome - são sempre
designados pela profissão, assim registrando os
tipos sociais que faziam parte da sociedade da época.
O teatro era sua arma de combate e de denúncia
contra a imoralidade. Sua linguagem, bastante simples, espontânea e fluente. Assim como os cenários
e as montagens.
A relevância das quarenta e quatro peças de Gil
Vicente não se exauriu até os nossos dias, fossem
elas autos ou farsas, tratassem de temas cotidianos,
fantásticos ou religiosos.
A genialidade e habilidade de Gil Vicente fizeram
dele o maior dramaturgo português de todos os
tempos. Trata-se do princípio intemporal que, segundo SARAIVA, caracteriza a arte de forma geral.

95

Didaticamente, pode-se dividir em fases o teatro
vicentino:
a) 1.ª fase, de 1502 a 1514, em que a influência de
Juan del Encina é dominante, sobretudo nos primeiros anos, atenuando-se depois de 1510;
b) 2.ª fase, de 1515 a 1527, começando com Quem
tem farelos? e terminando com o Auto das Fadas:
corresponde ao ápice da carreira dramática de Gil
Vicente, com a encenação de suas melhores peças,
dentre as quais a Trilogia das Barcas (1517-1518), o
Auto da Alma (1518), a Farsa de Inês Pereira
(1523), o juiz da Beira (1525);
c) 3.ª fase, de 1528, com o Auto da Feira, até
1536, com a Floresta de Enganos, fase em que o
dramaturgo intelectualiza seu teatro sob influência
do classicismo renascentista.
Os temas do teatro vicentino também variam:
Teatro tradicional, predominantemente medieval: são as peças de caráter religioso (Auto da Fé, o
Auto da Alma), peças de assunto bucólico (Auto
Pastoril Castelhano, o Auto Pastoril Português), as
peças de assunto relacionado com as novelas de
cavalaria (D.Duardos, Auto de Amadis de Gaula).
Teatro atual: caracteriza-se por conter o retrato
satírico da sociedade do tempo, em seus vários
estratos, a fidalguia, a burguesia, o clero e a plebe
(Farsa de Inês Pereira e em Quem tem farelos? (ou
Farsa do Escudeiro), ou pelo teatro alegórico-crítico,
como a Trilogia das Barcas.
Sua obra, compilada por seu filho, Luís Vicente
segue a seguinte divisão:
1) Obras de devoção (Monólogo do Vaqueiro, Auto
Pastoril Castelhano, Auto da Alma, Auto da Feira,
Trilogia das Barcas, etc.);
2) Comédias (Comédia do Viúvo, Comédia de Rubena, Divisão da Cidade de Lisboa, Floresta de
Enganos);
3) Tragicomédias (Exortação da Guerra, Cortes de
Júpiter, Frágoa de Amor;
4) Farsas (Quem tem farelos?, Auto da índia, O
Velho da Horta, Inês Pereira, Juiz da Beira, Farsa
dos Almocreves, etc.).
Segundo o autor, “o teatro de Gil Vicente caracteriza-se, antes de tudo, por ser rudimentar, primitivo e popular, muito embora tenha surgido e se tenha desenvolvido no ambiente da Corte, para servir
de entretenimento aos animados serões oferecidos
pelo Rei”.
IV – CLASSICISMO (1527-1580)
PRELIMINARES
O marco inicial do Classicismo português é em
1527, quando se dá o retorno do escritor Sá de Miranda de uma viagem feita à Itália, de onde trouxe
as idéias de renovação literária e as novas formas
de composição poética, como o soneto.

96

O período se encerra em 1580, ano da morte de
Luís Vaz de Camões e do domínio espanhol sobre
Portugal.
Para Massaud Moisés, o Renascimento foi decisivo para a Literatura Portuguesa. O Humanismo
antecedeu ao Classicismo e preparou o movimento
cultural, em especial “pela descoberta dos monumentos culturais do mundo greco-latino, de modo
particular as obras escritas, em todos os recantos
do saber humano, e por uma concepção de vida
centrada no conhecimento do homem, não de
Deus”.
A descoberta do caminho marítimo para as Índias, em 1498 por Vasco da Gama, e dois anos
depois o "achamento" do Brasil, permitiram a Portugal gozar de um prestígio cultural e econômico,
mesmo que momentâneo, no reinado de D. Manuel.
Este otimismo ufanista chega ao fim com a batalha em Alcácer-Quibir, no ano de 1578, quando
morre D. Sebastião e Portugal passa ao domínio
espanhol. Sob Felipe II, Camões reflete essa atmosfera de exaltação épica e desafogo financeiro que
cruza as primeiras décadas do século XVI, mas não
deixa de refletir também o desalento dos lúcidos
perante a efêmera superioridade portuguesa através
da fala do Velho do Restelo e do epílogo d’ Os Lusíadas.
Do Classicismo ao teocentrismo medieval, vai
opor-se uma concepção antropocêntrica do mundo,
em que o "homem é a medida de todas as coisas".
Enfatiza-se a imitação dos autores clássicos gregos
e romanos da antiguidade: Homero, Virgílio, Ovídio,
etc.; uso da mitologia: Os deuses e as musas, inspiradoras dos clássicos gregos e latinos aparecem
também nos clássicos renascentistas (Em Os Lusíadas: (Vênus) = a deusa do amor e (Marte) o deus
da guerra, protegem os portugueses em suas conquistas marítimas; predomínio da razão sobre os
sentimentos: a linguagem clássica não é subjetiva
nem impregnada de sentimentalismos e de figuras,
porque procura coar, através da razão, todos os
dados fornecidos pela natureza e, desta forma expressou verdades universais; linguagem sóbria,
simples, sem excesso de figuras literárias; idealismo: o classicismo aborda os homens ideais, libertos
de suas necessidades diárias, comuns.
Os personagens centrais das epopéias (grandes
poemas sobre grandes feitos e atos heróicos) nos
são apresentados como seres superiores, verdadeiros semideuses, sem defeitos. amor Platônico: Os
poetas clássicos revivem a idéia de Platão de que o
amor deve ser sublime, elevado, espiritual, puro,
não-físico; busca da universalidade e impessoalidade. A obra clássica torna-se a expressão de verdades universais, eternas e despreza o particular, o
individual, aquilo que é relativo. O saber concreto,
"científico" e objetivo, tende a valorizar-se em detrimento do abstrato; notável avanço opera-se no
campo das ciências experimentais; a mitologia greco-latina, esvaziada de significado, passa a funcionar apenas como símbolo ou ornamento; em suma:
o humano prevalece ao divino.
Em 1527, depois de ausente seis anos, Sá de
Miranda regressa da Itália, impregnado das novas
idéias.


Introduziu, ou colaborou para introduzir o verso
decassílabo, o terceto, o soneto, a epístola, a elegia, a canção, a ode, a oitava, a écloga, a comédia
clássica (escreveu Os Estrangeiros em 1526). Tornou-se o principal divulgador do Classicismo, mas o
papel de teórico do movimento coube a Antonio
Ferreira.

A LÍRICA CAMONIANA
Camões é grande, dentro e fora dos quadros
literários portugueses, por sua poesia.
Escreveu versos tanto na medida velha quanto na
medida nova. Seus poemas heptassílabos, geralmente são compostos por um mote e uma ou mais
estrofes que constituíam glosas (ou voltas a ele).

A ESTÉTICA CLÁSSICA
Para Moisés, o classicismo consistia, antes de
tudo, numa concepção de arte baseada na imitação
dos clássicos gregos e latinos, considerados modelos de suma perfeição estética.
Imitar não significava copiar, mas criar obras de
arte segundo as fórmulas, as medidas, empregadas
pelos antigos.
Estabelece-se, ou deseja-se, um equilíbrio entre
Razão e imaginação, no afã de criar uma arte universal e impessoal. Todavia, a universalidade e a
impessoalidade implicavam uma concepção absolutista de arte onde provém que os clássicos renascentistas procurem a Beleza, o Bem e a Verdade,
com maiúsculas iniciais, em virtude dessa concepção absolutista e idealista de arte. Percebe-se por
isso que os clássicos atribuíam à arte objetivos éticos, identificados com o Bem e a Verdade.
O Classicismo português se inicia e termina com
um poeta: Sá de Miranda e Camões. Numa visão de
conjunto, este último é o grande poeta, enquanto os
demais se colocam em plano inferior, naturalmente
ofuscados pelo seu brilho.

Os sonetos são a parte mais conhecida da lírica
camoniana.
As composições líricas de Camões oscilam entre
dois pólos: o lirismo confessional, em que o autor dá
vazão à sua experiência íntima, e a poesia pura
arte, em que pretende transpor os sentimentos e os
temas a um plano formal, lúdico. Em outras palavras, Camões demonstra, em seus sonetos, uma
luta constante entre o amor material, manifestação
da sensualidade e do desejo, e o amor idealizado,
puro, espiritualizado, capaz de conduzir o homem à
realização plena.
Isso faz que o poeta abstraia a mulher, ou as
mulheres, em favor da Mulher. Camões pinta com o
auxílio da Razão o retrato da Mulher, formado da
reunião de todas e de nenhuma em particular, porque subordinado a um ideal de beleza perene e
universal. . Nessa perspectiva, o poeta concilia o
amor como idéia e o amor como forma, tendo a
mulher como exemplo de perfeição, ansiando pelo
amor em sua integridade e universalidade.
O poeta procura conhecer, conceituar o Amor, o
que só consegue realizar lançando mão de antíteses e paradoxo.

LUIZ VAZ DE CAMÕES
Pouco se conhece da vida de Luís Vaz de Camões. Escritor de dados biográficos muito obscuros,
Camões é o maior autor do período. Teria nascido
em 1524 ou 1525, talvez em Lisboa, Alenquer, Coimbra ou Santarém. Pelo seu talento e cultura, teria
provocado paixões entre damas da Corte, dentre as
quais a lnfanta D. Maria, filha de D. Manuel e irmã
de D. João III, e D. Catarina de Ataíde. Por causa
desses amores proibidos, é "desterrado" algum
tempo para longe da Corte, até que resolve "exilarse" em Ceuta (1549), como soldado raso. Perde um
olho, e regressa a Lisboa. Em 1552, na procissão
de Corpus Christi, fere Gonçalo Borges, é preso e
solto, em seguida, sob a condição de engajar-se no
serviço militar ultramarino. Com efeito, em fim 1553,
chega à Índia. Em 1556, dá baixa, e é nomeado
"provedor mor dos bens de defuntos e ausentes",
em Macau. Ali, teria escrito parte d'Os Lusíadas.
Acusado de prevaricação, vai à Goa defender-se,
mas naufraga na foz do rio Mecon: salva-se a nado,
levando Os Lusíadas mas perdendo sua companheira, Dinamene. Em 1572, Camões publica Os
Lusíadas, poema épico que celebrava os recentes
feitos marítimos e guerreiros de Portugal. A obra fez
tanto sucesso que o escritor recebeu do rei D. Sebastião uma pensão anual – que mesmo assim não
o livrou da extrema pobreza que vivia. Camões morre pobre e abandonado, em 10 de Junho de 1580.
Escreveu teatro ao modo vicentino (Auto de Filodemo e El-Rei Seleuco) e ao clássico (Anfitriões), mas
sem alcançar maior nível, relativamente à sua poesia e aos comediógrafos do tempo. Sua correspondência contém valor biográfico ou histórico-literário.


A longa e dramática meditação acerca dos mistérios do Amor, Camões acrescenta idêntica reflexão
a propósito da condição humana. A vida, tema muito
mais vasto que o da mulher e o amor, é que agora
lhe interessa. Para tanto, porém, o poeta somente
conta com o recurso da auto-sondagem, pois em si
encontra a súmula da tragédia humana espalhada
pelos quatro cantos do mundo. E à proporção que
aprofunda a análise, vai reparando que uma espécie
de fatalismo, o "fado", o impede mesmo de recorrer
ao desespero. A mente se debate num mar de paradoxos e pensamentos desencontrados, e não
pode interromper o processo nem com a ajuda da
desesperação: é o desconserto do mundo.
Em síntese, o núcleo da poesia reflexiva de Camões: “a vida não tem razão de ser, e descobri-lo e
pensá-lo incessantemente é inútil, além de perigoso,
pois apenas acentua quão irremediavelmente miserável é a condição humana”.
A POESIA ÉPICA DE CAMÕES
Os Lusíadas representam a faceta épica da poesia camoniana. Considerada o "Poema da Raça",
"Bíblia da Nacionalidade", etc., a epopéia constrói a
visão do mundo e dos homens quinhentistas portugueses, retratando o exato momento em que Portugal atingia o ápice de sua evolução histórica.
Recorre a todo material produzido por escritores
portugueses anteriormente: Fernão Lopes, Gomes
Eanes de Zurara, Garcia de Resende e Antonio
Ferreira.

97

O cerne da ação desenvolve-se em torno da
viagem de Vasco da Gama às Índias. A palavra
“lusíada” é um neologismo inventado por André de
Resende para designar os portugueses como descendentes de Luso (filho ou companheiro do deus
Baco).
Contém 10 cantos, 1102 estrofes ou estâncias e,
portanto, 8816 versos; as estâncias estão organizadas em oitava-rima,

Após grande banquete, Tethys conduz Vasco da
Gama ao ponto mais alto da ilha e desvenda-lhe a
"máquina do mundo" e o futuro glorioso dos portugueses. Partida. Chegada a Portugal.
Os Lusíadas representam o espírito novo trazido
pela Renascença.
A começar do herói, como o título indica, o herói
desta epopéia é coletivo, os Lusíadas, ou seja, os
filhos de Luso, os portugueses.

Divide-se em três partes:
1ª parte: Introdução

PAPEL E SIGNIFICADO DA MITOLOGIA
EM “OS LUSÍADAS”

Estende-se pelas 18 estrofes do Canto I e subdivide-se em:

Camões utiliza a mitologia pagã pelas seguintes
razões:

Proposição: é a apresentação do poema, com a
identificação do tema e do herói (constituem as três
primeiras estrofes do canto I): o poeta se propõe
cantar as façanhas das "armas e os barões assinalados", isto é, os feitos bélicos de homens ilustres;
Invocação: o poeta invoca as Tágides, musas do rio
Tejo, pedindo a elas inspiração para fazer o poema.
Dedicatória: o poema é dedicado a D. Sebastião, rei
de Portugal, que custeou a publicação e uma pensão vitalícia para seu autor.

- Obedece às regras da epopéia clássica: conter um
plano mitológico com os deuses da sua civilização,
e tal ato apenas revela o enorme conhecimento e a
profunda admiração que Camões nutria pela Antiguidade Clássica;

2ª parte: Narração - (da estrofe 19 do Canto I até a
estrofe 144 do Canto X), o poeta relata a viagem
propriamente dita dos portugueses ao Oriente.
3ª parte: Epílogo. É a conclusão do poema (estrofes
145 a 156 do Canto X), onde o poeta pede às musas que o inspiraram para calarem a voz de sua lira,
pois está desiludido com uma pátria que já não merece as glórias do seu canto.

- Assegura a ação interna do poema épico ao opor
deuses e humanos, possibilitando a demonstração
de emoções sem por isso enfraquecer o seu poder;
- Embeleza a intriga, tornando a obra mais do que
um especial relato de viagem, e criando outro ponto
de interesse sem, porém, tirar a importância ao plano da narração; "enfeita", dando mais emoção à
história, tornando-a mais uma espécie de “novela”
do que apenas um “relatório”;
- Mostra que até mesmo os deuses conseguem
exprimir sentimentos como o amor, ódio, inveja e
sensualidade;

Síntese do poema: quando a ação do poema começa (estância 19), as naus estão navegando pelo
meio da viagem, em pleno Oceano Indico. No Olimpo, os deuses se reúnem em concílio, para decidir a
sorte dos navegantes. Júpiter, Vênus e Marte são
favoráveis à sorte dos portugueses e Baco é o opositor ferrenho que fará o que puder para atrapalhar o
feito daqueles que ofuscariam suas façanhas. As
agressões são poderosas, porém Vênus está atenta
para protegê-los sutilmente. Durante a viagem, onde
aportam, Vasco da Gama vai narrando a história
dos portugueses, a partir da fundação da pátria,
prosseguindo com uma série de episódios históricos: o de Egas Moniz, Inês de Castro, a batalha de
Ourique, a batalha do Salado, a batalha de Aljubarrota, a tomada de Ceuta, o sonho profético de D.
Manuel, os aprestos da viagem, a fala do Velho do
Restelo e a largada; a seguir, o Gama conta a primeira parte da viagem, cujas peripécias mais importantes são: o fogo de Santelmo, a tromba marinha, a
aventura de Veloso, o Gigante Adamastor, chegada
a Melinde.

-Glorifica o povo português ao colocá-lo em cenários adversos criados pelos deuses, mas que ainda
assim conseguem ser superados, criando uma
comparação entre a força de ambos;

Com a chegada a Calecut, Gama desembarca e
é recepcionado pelo Samorim. Enquanto isso, Paulo
da Gama recebe a bordo da nau capitania o Catual,
a quem comunica o significado das figuras desenhadas nas bandeiras; uma última tentativa de Baco
é desfeita e os navegantes devem regressar à Pátria. Na Ilha dos Amores, os navegantes são favorecidos pelas ninfas em recompensa do heróico feito
praticado.

SÁ DE MIRANDA

98

- Evidencia a grandeza dos feitos portugueses como: vencer o mar (Netuno), ultrapassar o gigante
Adamastor e vencer as guerras (Marte);
- Demonstra que os portugueses enquanto heróis
são deuses, pois se tornam "imortais" pelos feitos
praticados.
Na verdade, o poeta se viu obrigado a colocar
maior ênfase naquilo que era marginal ao eixo central da epopéia, como se pode observar na fisionomia de alguns episódios fundamentais: a Ilha dos
Amores, os Doze de Inglaterra, Inês de Castro, o
Gigante Adamastor, a fala do Velho do Restelo.
Essas inovações ressaltam a criatividade de Camões e a edificação duma epopéia renascentista,
moderna.

Escritor português, natural de Coimbra. De família fidalga, surge no Cancioneiro Geral de Garcia de
Resende (1516), onde colaborou com poesias em
português e em castelhano (como era habitual nos
escritores da época). Em 1521, fez uma viagem à
Itália, lá permanecendo até 1516 onde foi introduzido ao Renascimento italiano.


Sá de Miranda foi o introdutor, na Literatura Portuguesa, do soneto, do terceto, da oitava, de subgêneros poéticos como a canção, a carta, a écloga e a
elegia, do verso decassílabo e da comédia clássica.
Sá de Miranda concebeu as primeiras comédias
clássicas portuguesas (Estrangeiros e Vilhalpandos), embora não tenha sido bem recebido pelo
público, habituado aos autos à moda de Gil Vicente.
Sá de Miranda deixou uma importante obra epistolográfica e uma série de éclogas, entre outros textos. A sua obra foi publicada postumamente, em
1595. Influenciou decisivamente escritores, seus
contemporâneos e posteriores, como António Ferreira, Diogo Bernardes, Pero Andrade de Caminha,
Luís de Camões, D. Francisco Manuel de Melo ou
ainda, mais recentemente, Jorge de Sena, Gastão
Cruz e Ruy Belo, entre outros.
A HISTORIOGRAFIA DE JOAO DE BARROS
João de Barros é geralmente considerado o primeiro grande historiador português. Sua carreira
literária iniciou-se muito jovem, com pouco mais de
vinte anos, ao escrever um romance de cavalaria, a
Crónica do Emperador Clarimundo, donde os Reys
de Portugal descendem, dedicado ao soberano e ao
príncipe herdeiro Dom João. Como A Demanda do
Santo Graal, a novela é dominada por um tom messiânico: O advento do império português.
Por sugestão de por Dom Manuel I, iniciou a
escrita de uma história que narrava os feitos dos
portugueses na Índia - as Décadas da Ásia (Ásia de
Ioam de Barros, dos feitos que os Portuguezes fizeram na conquista e descobrimento dos mares e
terras do Oriente).
Enquanto historiador e lingüista, João de Barros
merece a fama que começou a correr logo após a
sua morte. As "Décadas" são não só um precioso
manancial de informações sobre a história dos portugueses na Ásia, mas, principalmente o início da
historiografia moderna em Portugal e no Mundo.
Obras de João de Barros: Crónica do Imperador
Clarimundo, Rhopica pneuma ou Mercadoria Espiritual , Grammatica da Língua Portuguesa com os
Mandamentos da Santa Madre Igreja, Diálogo da
Viciosa Vergonha, Diálogo sobre Preceitos Morais,
Diálogo Evangélico sobre os Artigos da Fé, Panegíricos: de D. João III e da Infanta D. Maria , Décadas
da Ásia. Volumes I a IV entre outros.
A LITERATURA DE VIAGENS
Quanto à literatura de viagens é importante ressaltar o objetivo maior: transmitir a beleza deslumbrante das descobertas de novas esferas e paisagens. Dessa forma, nascem os relatos de viagens,
roteiros, diários ou equivale, "reportagens" do mundo que se alargava incrivelmente.
Exemplos do gênero: História Trágico-Marítima,
coletânea de relatos e naufrágios ocorridos nos
séculos XV, XVI e XVII, organizada por Bernardo
Gomes de Brito.
As crônicas de viajantes como Francisco Álvares, autor da Verdadeira Informação das Terras do
Preste João (Abissínia); Fernão Cardim, autor dos
Tratados da Terra e Gente do Brasil.


Fernão Mendes Pinto é o maior representante do
gênero e autor de uma das obras mais significativas
do século XVI e de toda a literatura de viagens de
qualquer tempo: Peregrinação (tudo começa em
águas Portuguesas continentais, quando a caravela
em que vai o narrador de Lisboa a Setúbal é aprisionada por piratas Franceses. Daí para frente, segue um rol de complicadas e pitorescas aventuras
pelo Oriente).
Fernão Mendes Pinto deixou um relato vivo e
saboroso duma quase mítica experiência humana
por terras e gentes da África e Ásia.
O CONTO
Segundo Massaud Moisés, “(...) o conto, de remota e vaga origem, cujas primeiras manifestações
se localizam nas Mil e Uma Noites, foi pouco apreciado em Portugal antes do Romantismo’. O primeiro nome que merece ser lembrado historicamente é
o de Gonçalo Fernandes Trancoso, que escreveu
breves narrativas de fundo moral, logo publicadas
sob o título de Contos e Histórias de Proveito e Exemplo. O êxito que de imediato conheceu não se
alterou durante o século XVII, inclusive no Brasil,
especialmente no Nordeste, onde passaram a chamar-se de "estórias de Trancoso" as narrativas populares de imaginação e exemplo moral.
Numa prosa desataviada, coloquial, ingênua,
Trancoso mistura o sobrenatural com o real sem
medo à inverosimilhança, aproveitando-se da tradição oral e dos ensinamentos de contistas espanhóis, como D. Juan Manuel, e italianos, como
Boccaccio, autor do conhecido Decamerone, do
inglês Geoffrey Chaucer, autor de The Canterbury
Tales, entre outros.
A NOVELISTICA
A novelística segue o espírito da cavalaria, que
ainda teimava em subsistir em Portugal. A matéria
cavaleiresca, que tinha sido cultivada na Idade Média, agora se nacionaliza e se aportuguesa, uma
vez que surgem novelas de autores portugueses e
de espírito português.
Caracteriza-se por tentar manter vivo um ideal de
vida próprio da Cavalaria medieval, mas adaptada
ao Renascimento. O individualismo bélico cede
lugar à guerra coletiva, aos torneios, em flagrante
concessão ao aprimoramento operado na confecção
de armas e às novidades em matéria de tática militar. Já não se considerando como valoroso e digno
de admiração o cavaleiro que luta mas o que ama.
Embora de larga circulação na Espanha e Itália,
em Portugal a novela bucólica e sentimental é representada por Menina e Moça (ou Saudades,
1554), de Bernardim Ribeiro. Ao mistério que envolve a vida do escritor, é preciso acrescentar a dúvida
que ainda paira sobre a identidade da novela. A
narrativa divide-se em duas partes, a primeira com
trinta e um capítulos, a segunda com cinqüenta e
oito. Seu caráter bucólico e sentimental se revela
pelo tom melancólico e pessimista que varre toda a
novela.
Duas são as interlocutoras, a Menina e Moça,
que funciona como narradora, e a Senhora idosa.

99

Ao contrário das novelas de cavalaria em que o
protagonista é sempre o cavaleiro, a narrativa de
Bernardim tem como centro de interesse a mulher e
sua psicologia amorosa: evidente prenúncio da psicose romântica.

A obra do padre Vieira compreende:
a) Cartas, sermões e obras de profecia (de interesse documental), Vieira trata de diversos assuntos
relacionados à sua atuação e à questões políticas
do momento em que vivia no Brasil).

O TEATRO CLÁSSICO
O teatro clássico, quando comparado com o
vigor, o brilho e a espontaneidade do teatro vicentino é secundário. De inspiração clássica (Plauto,
Terêncio e Sêneca) teve como expoentes:
Sá de Miranda (Os Estrangeiros, Os Vilhalpandos),
Antonio Ferreira (A Castro, Bristo e Cioso), Jorge
Ferreira de Vasconcelos (Aulegrafia, Eufrosina,
Ulissipo).
Merece destaque A Castro (Tragédia de D. Inês
de Castro - publicada em 1587), de Antonio Ferreira, que é a primeira tragédia clássica em português
e uma verdadeira obra-prima no gênero.
V – BARROCO (1580-1756)
Em 1578, quando Dom Sebastião desaparece na
batalha de Alcacer-Quibir é chegado o ocaso melancólico da pátria portuguesa. O barroco em Portugal desenvolve-se entre 1580 quando Portugal
perde sua autonomia política, passando a integrar o
reino da Espanha e vai até 1756 com a fundação da
Arcádia Lusitana – uma academia poética -, e tem
início um novo estilo: o Arcadismo.

b) Sermões. O sermão consistia em interpretar o
texto sagrado citado à cabeça do sermão. Segundo
a exegética tradicional, o texto tinha quatro sentidos:
o sentido literal ou histórico, o alegórico (maneira
velada de manifestar uma verdade da fé), o moral
(ensinamento sobre como se comportar na vida), o
anagógico, relativo à outra vida.
Os sermões vieirianos seguem a estrutura clássica tripartida: Intróito (ou exórdio), em que o orador
declara o plano a utilizar na análise do tema em
pauta: desenvolvimento (ou argumento), em que se
apresentam os prós e os contras da proposição e os
exemplos que os abonam; peroração, em que o
orador finaliza a prédica conclamando os ouvintes à
prática das virtudes que nela se enaltecem.
Dono de uma linguagem dramática, ainda hoje a
leitura dos sermões demonstram o autor e ator
cheio de vigor e que surpreende a cada passo pelas
respostas paradoxais que dá às perguntas que ele
próprio faz ao texto pregado e a si mesmo.

Para ele, o Barroco procurou conciliar o espírito
medieval, considerado de base teocêntrica, e o espírito clássico, renascentista, de essência pagã,
terrena e antropocêntrica. Entendendo que conhecer é identificar-se com, assimilar o objeto ao sujeito, parece evidente que a dicotomia barroca (corpo
e alma, luz e sombra, etc.) corresponde a dois modos de conhecimento. cultismo e conceptismo:

Uma das virtudes da eloqüência de Vieira é a
chamada “propriedade”, ou a arte de encontrar as
palavras mais próprias para o que se quer significar.
A mais famosa criação da sua imaginação é a teoria
do quinto império do mundo, sob a égide do rei de
Portugal, que seria inaugurado com a segunda vinda de Cristo a Terra e com a chegada do messias
dos judeus: “seria D. João IV, quem estava destinado a derrotar definitivamente os turcos e reconduzir
os judeus dispersos no mundo à sua terra de origem, a Palestina.” O quinto império tem a ver com a
crença na missão providencial dos Portugueses
(equivalente à dos Hebreus no seu tempo). A doutrina do quinto império, tal como é tratada por Vieira,
especialmente na sua obra incompleta História do
Futuro, tem um lado prático: obter o regresso a Portugal dos judeus fugidos e seus capitais.

1. Cultismo ou gongorismo - valorização de forma e imagem, jogo de palavras, uso de metáforas,
hipérboles, analogias e comparações. Manifesta-se
uma expressão da angústia de não ter fé.

Sua imaginação verbal, e o estilo de pensar, com
os seus paradoxos, aproximam o Padre Antonio
Vieira de Fernando Pessoa, que o considerava seu
mestre e “imperador da língua portuguesa”.

2. Conceptismo ou quevedismo - valorização do
conteúdo/conceito, jogo de idéias através do raciocínio lógico. Há o uso da parábola com finalidade
mística e religiosa.

D. FRANCISCO MANUEL DE MELO

Moisés afirma que o movimento barroco, iniciado
na Espanha e introduzido em Portugal durante o
reinado filipino, corresponde a uma profunda transformação cultural, cujas raízes constituem ainda
objeto de discussão e divergência.

PADRE ANTONIO VIEIRA
Nasceu em Lisboa e viveu no Brasil. Adquiriu
prestígio junto à Corte por ser o confessor real. Perseguido pela Inquisição por defender os judeus,
volta ao Brasil onde passa a combater a escravidão
dos indígenas e, com outros jesuítas, é expulso do
Maranhão.
Preso pela Inquisição, é proibido de pregar e
condenado à prisão domiciliar. Sua atuação política,
intimamente associada à sua obra, centralizou-se
na defesa dos judeus, negros e índios.

100

Deixou uma obra vastíssima em português e em
castelhano, repartida por todos ou quase todos os
gêneros cultivados na época, até agora só parcialmente publicados. Suas poesias são em parte castelhanas, em parte portuguesas, ao gosto gongórico.
Escreveu, ainda, nas duas línguas tratados morais, o mais célebres dos quais é a Carta de Guia de
Casados, muito apreciada em Portugal, porque é a
expressão mais completa de um certo modelo português de vida conjugal. Deu a sua contribuição ao
teatro com O Fidalgo Aprendiz, ao gosto vicentino,
mas com personagens suas contemporâneas. Sobre o Brasil escreve: “paraíso de mulatos, purgatório de brancos e inferno de negros”.


PADRE MANUEL BERNARDES

A EPISTOLOGRAFIA

Nasceu em Lisboa e compôs sua obra no silêncio claustral. Sua existência e sua obra opõem-se
às do Padre António Vieira. Era um contemplativo e
místico por natureza, e as obras que escreveu, refletem essa condição e sua fé inquebrantável: “escreveu suas obras com os olhos voltados para o
plano transcendente, embora não se esquecesse
de os dirigir igualmente para os seus semelhantes,
dentro e fora dos mosteiros”.

Durante o século XVII, a epistolografia ganhou
fisionomia literária autônoma, como exercício literário, onde o epistológrafo imaginava um destinatário
qualquer ou dirigia-se a uma audiência fictícia.

Deixou Nova Floresta (5 vols), Pão Partido em
Pequeninos, Luz e Calor, Exercícios Espirituais,
Últimos Fins do Homem, Armas da Castidade, Sermões e Práticas (2 vols, 1711), Estímulo prático
para seguir o bem e fugir o mal.
Segundo Moisés, o Padre Manuel Bernardes
tornou-se um autêntico modelo da prosa literária
seiscentista através da linguagem, conceptista, elegante, espontânea e precisa.
A HISTORIOGRAFIA.
A HISTORIOGRAFIA ALCOBACENSE
Observa-se nítida regressão na historiografia
seiscentista. É o que se nota claramente no caso da
"historiografia alcobacense", assim chamada por ser
escrita por algumas gerações de sacerdotes do
Mosteiro de Alcobaça.
Na obra coletiva, intitula-se Monarquia Lusitana,
está presente uma concepção medieval e imaginosa
da História, pois “seus autores não temeram incluir
tudo quanto era fábula e mitologia relacionada com
a história de Portugal, a começar de Adão e Eva, ao
mesmo tempo que davam por verdadeiros documentos apócrifos, ou inventavam-nos quando necessários ao panorama que pretendiam oferecer”.
FREI LUIS DE SOUSA
Antes de entrar para a vida religiosa, chamavase Manuel de Sousa Coutinho. Nasceu em Santarém, por volta de 1555, e faleceu em 1632. Depois
de prestar serviços a Filipe II em Espanha, regressa
a Portugal e casa-se com D. Madalena de Vilhena,
viúva de D. João de Portugal, desaparecido em
Alcácer-Quibir com D. Sebastião. Anos mais tarde,
quer a lenda que um peregrino vem ter a Lisboa
para dizer a D. Manuel que o primeiro marido de D.
Madalena ainda é vivo em Jerusalém. A morte da
filha do casal apressa a execução dum propósito
anterior, e ambos tomam hábito, ele no Convento de
S. Domingos de Benfica, onde assume o nome por
que é conhecido, e ela, no do Sacramento. Essa
história inspirou Garrett na composição de sua tragédia Frei Luís de Sousa, obra-prima no teatro romântico. Escreveu: Vida de D. Frei Bartolomeu dos
Mártires, História de São Domingos Particular do
Reino, Conquistas de Portugal e Anais de D. João
III.
Contrariamente aos processos empregados em
Alcobaça, Frei Luís de Sousa compõe sua obra com
rigor e severidade na interpretação dos fatos e documentos. Linguagem castiça, fluente, plástica,
evitou os excessos barrocos, procurou a sobriedade
na variedade, e acabou sendo um modelo da melhor prosa do século XVII.


SÓROR MARIANA ALCOFORADO
Nasceu em Beja e ingressa no Convento de
Nossa Senhora da Conceição em sua cidade natal.
Conhece e enamora-se por Chamilly, oficial Francês servindo em Portugal durante as guerras da
Restauração e quando ele volta para a França trocaram correspondência e suas cartas são publicadas como “Lettres Portugaises”, sem declarar o
nome do destinatário e o tradutor.
No texto das cartas vinha o nome da remetente:
Mariana.
As cartas retratam segundo Moisés, “a sincera,
franca e escaldante confissão duma mulher que se
desnuda interiormente para o amante cínico, ingrato
e ausente, com fúria de fêmea abandonada, sem
qualquer rebuço ou pudor. (...) As Cinco Cartas de
Amor, escritas por uma mulher, que alcança dizer
com rara precisão os seus transes íntimos (via de
regra mantidos ocultos ou disfarçados pelo comum
das mulheres), ganham maior relevo ainda como
documento "humano" e literário precisamente porque não visavam à publicação nem a ser encaradas
como peça literária (...)”.
A POESIA BARROCA
A poesia barroca corresponde mais ao culto da
forma, do verso, que da essência, do conteúdo, do
sentimento, da emoção lírica, ao contrário da literatura doutrinária e moralista.
A poesia barroca em Portugal apresenta-se em
poetas isolados e em antologias organizadas com
idêntico espírito ao que presidiu à compilação dos
cancioneiros medievais.
A "Fenix Renascida" e o "Postilhão De Apolo"
são as duas antologias mais importantes da poesia
seiscentista em Portugal.
O TEATRO DO SÉCULO XVIII
Após Gil Vicente, o teatro português decai, apesar das obras e do empenho de alguns escritores
como o Fidalgo Aprendiz, de D. Francisco Manuel
de Melo, voltando a brilhar com o surgimento de
Antônio José da Silva, alcunhado "o judeu".
Nascido no Rio de Janeiro em 1705, criou um
novo tipo de teatro. Sua primeira peça, A Vida do
Grande D. Quixote de la Mancha e do Gordo Sancho Pança.
Em “Guerras do Alecrim e Manjerona”, ele critica
e satiriza “os fidalgos pretensiosos que galanteiam
as primas aperaltadas no rebuscado estilo gongórico enquanto de caminho apalpam os braços roliços
das criadas”. Antonio José satiriza o costume e,
através dele, a sociedade lisboeta nos começos do
século XVIII.

101

Escreveu ainda: Esopaida ou Vida de Esopo,
Encantos de Medéia, Anfitrião ou Júpiter e Alcmena,
Labirinto de Creta, Precipício de Faetonte, além de
outras peças que lhe tem sido atribuídas, como a
Ninfa Siringa, e a novela O Diabinho da Mão Furada.
Suas peças recebem o nome de óperas, pois
eram acompanhadas de música e de canto.
ARCADISMO (1756-1825)
As primeiras manifestações anti-barrocas vem de
longe: já na Fénix Renascida começaram a aparecer notas satíricas contra alguns exageros barrocos
e em 1756 é fundada a Arcádia Lusitana (símile da
Arcádia Romana, fundada em Roma, em 1690), por
iniciativa de Antonio Dinis da Cruz e Silva, Manuel
Nicolau Esteves Negrão e Teotónio Gomes de Carvalho. A Arcádia Lusitana vigora até 1774.
Seu lema - inutilia truncat - desejam testemunhar
seu repúdio às "coisas inúteis" que adornavam pesadamente a poesia barroca, o objetivo é restaurar
a autêntica poesia clássica. Assim, empreendem
uma espécie de viagem no tempo, em busca das
fontes originárias do Classicismo, aceitam o pastoralismo e a poesia camoniana, por coincidirem com
o ideal que eles, os árcades, pretendem realizar.
Vão em busca da Antiguidade greco-latina, na
ideal e mitológica Arcádia, região grega de pastores
e poetas vivendo em meio a uma natureza sempre
idílica, localizam seus sonhos de plenitude poética.
Trata-se de um exílio voluntário, uma vida em "torrede-marfim".
Segundo Moisés “é com base no mito da Arcádia
que erguem suas doutrinas (...) procuram realizar
obra semelhante à dos clássicos antigos (...) imitarão dos modelos greco-latinos (...) elogio da vida
simples, sobretudo em face da natureza, no culto
permanente das virtudes do espírito; fuga da cidade
para o campo (fugere urbem), pois a primeira é considerada foco de mal-estar e corrupção; desprezo
do luxo, das riquezas e de todas as ambições que
enfraquecem o homem; elogio da vida serena, plácida, pela superação estóica de todos os apetites
menores; elogio da velhice como exemplo desse
ideal tranqüilo da existência, da aurea mediocritas;
elogio da espontaneidade primitiva, pré-civilizada;
por outro lado, o gozo pleno da vida, minuto a minuto, na contemplação da beleza e da natureza, pressupõe certo epicurismo, que equilibra as tendências
estóicas do movimento; por fim, a incidental presença da Virgem Maria se explica por sua condição de
neoclássicos católicos.
Seguem os modelos antigos (defendem a separação de gêneros, a abolição da rima, o emprego de
metros simples, o despojamento do poema, a importância da mitologia), ao mesmo tempo em que procuram aproveitar-se da orientação racionalista de
teóricos do tempo.
Para que o "fingimento" poético seja completo,
imaginam-se vivendo num mundo habitado por deuses e ninfas, numa natureza e num tempo absolutamente fictícios e adotam pseudônimos pastoris.

102

POETAS DA ARCÁDIA LUSITANA
Os poetas da Arcádia Lusitana são figuras menores em comparação com os poetas de outras escolas portuguesas.
António Dinis da Cruz e Silva, cujo pseudônimo
arcádico era Elpino Nonacriense, foi juiz durante o
inquérito em torno da Inconfidência Mineira, escreveu Poesias (6 vols.), Metamorfoses (doze) em que
o poeta mitifica a natureza brasileira, misturando
realidade observada com imaginação e lenda. Hissope, poema herói-cômico em que faz a sátira do
espírito feudal, escolástico e clerical.
Pedro Antonio Correia Garção, ou Córidon Erimanteu, mesclando a influência clássica com a quinhentista, nos legou: Obras Poéticas, Discursos
Acadêmicos (proferidos nas reuniões da Arcádia
Lusitana onde espelha suas principais idéias acerca
das doutrinas arcádicas). O principal de sua obra é
o teatro, para o qual escreveu a comédia Teatro
Novo, e a comédia de costumes intitulada Assembléia ou Partida.
A NOVA ARCADIA
Fundada em 1790 por Domingos Caldas Barbosa tem como companheiros Belchior M. Curvo Semedo, J. S. Ferraz de Campos e Francisco J. Bingre, Bocage, José Agostinho de Macedo, Luís Correia França e Amaral, Tomás Antonio dos Santos e
Silva, e outros. Predominou na Nova Arcádia a oratória e a poesia, desaparecendo divergências internas, sobretudo entre Macedo e Bocage, em 1794.
OS DISSIDENTES
Outras arcádias existiram como a Arcádia Portuense, a Arcádia Conimbricense e os Árcades de
Guimarães, além Arcádia Ultramarina, organizada
em Minas Gerais, por Cláudio Manuel da Costa.
Paralelamente, alguns poetas renegaram a Arcádia (como Bocage), ou fundaram outras agremiações para combatê-la (como Filinto Elísio, líder do
Grupo da Ribeira das Naus), enquanto outros criaram obra autônoma, de onde o nome "dissidentes"
ou "independentes", que por suas características
podem ser classificados como pré-românticos, especialmente a José Anastácio da Cunha, a Marquesa de Alorna e Bocage.
Filinto Elísio, pseudônimo arcádico do Pe. Francisco Manuel do Nascimento é considerado o último
legítimo árcade. Freqüentou a roda literária da marquesa de Alorna. Foi um dos autores da “guerra dos
poetas”, ao lado do chamado “grupo da Ribeira das
Naus”.
Preceptor da futura Marquesa de Alorna e de sua
irmã, cai na desgraça da Inquisição e evade-se para
Paris, onde vive até o fim da vida e publica sua obra
poética: Versos de Filinto Elísio. Pré-romântico pelo
tom confessional de alguns poemas exerceu notável
influência em vida e depois da morte, inclusive em
Garrett.
Em posição semelhante se coloca a Marquesa
de Alorna (Leonor de Almeida de Portugal Lorena e
Lencastre), adotou o pseudônimo de Alcipe.


Importante pela vida que levou e pela atividade
sócio-literária que exerceu, inclusive por influência
à obra de Alexandre Herculano. Sua poesia, publicada em 1844, Obras Poéticas, oscila entre o culto
dos clássicos e o dos românticos.
BOCAGE
O maior poeta do século XVIII português foi Manuel Maria de Barbosa du Bocage, concorrente de
Camões na vida e na obra. Foi membro da Nova
Arcádia, teve uma vida aventurosa e inquieta, que
ele próprio comparou com a de Camões, de quem
admirava o lado “romântico” (avant la lettre) da sua
vida e obra. Bocage foi talvez o autor dos melhores
sonetos da língua portuguesa depois do seu modelo, foi também grande repentista e improvisador em
assembléias e tornou-se efetivamente o autor mais
popular e mais lembrado em Portugal até hoje, talvez por certa facilidade de verso e por certa vulgaridade de situações em que se apresenta. Os românticos consideraram-no seu precursor e Herculano
resumiu, provavelmente, um juízo coletivo quando
escreveu que Bocage trouxe a poesia dos salões
para a praça pública. Morre na miséria e arrependido pela vida desregrada que levou. Seu pseudônimo arcádico era Elmano Sadino, formado com as
letras do seu prenome e do rio Sado, que banha
Setúbal, sua terra natal. Em sua vida, Bocage publicou Idílios Marítimos recitados na Academia das
Belas-Artes de Lisboa e as Rimas. Postumamente,
Obras Poéticas e Verdadeiras Inéditas Obras Poéticas. Segundo Moisés “existem dois Bocages: o que
o vulgo fixou através de anedotas, verdadeiras algumas e falsas outras, mas todas raiando na obscenidade grosseira, e o que a tradição literária nos
legou. Este é que importa, pois o primeiro segue
trajetória secundária e infensa a qualquer configuração, visto o povo atribuir-lhe todos os ditos picantes
que, não tendo paternidade conhecida, devem forçosamente pertencer a alguém. (...) O segundo
Bocage escreveu uma vasta obra poética fracionada
em dois sectores fundamentais: o satírico e o lírico.
Quanto ao primeiro, Bocage alcançou ser estrela de
primeira grandeza, ao lado dum Gregório de Matos,
graças ao temperamento agressivo, impulsivo, cortante, amparado no dom da improvisação feliz e
certeira. Contudo, a sátira ocupa lugar menos relevante em sua obra, seja porque de cunho pessoal e
bilioso, seja porque dura tanto quanto o acontecimento que lhe dá causa e sentido”.
VII – ROMANTISMO (1825-1865)
O Romantismo é a expressão literária e plástica
da consciência burguesa. Acredita no progresso,
porque o progresso foi a mola econômica da burguesia; entoa o canto da liberdade, porque para o
burguês parece evidente que a liberdade não é senão o exercício do poder por ele próprio; exalta o
sentimento contra a barreira das convenções, porque o sentimento é ele e as convenções são as
sobrevivências das barreiras sociais que ainda se
opõem à sua caminhada triunfal; inventa a alma do
povo, ou o espírito nacional, porque se considera o
legítimo representante desses mitos; reinventa a
história porque a história lhe permite reconstituir um
pergaminho coletivo e apresentar-se como sendo
ele o verdadeiro nobre, o representante das gerações que, durante séculos, desbravaram o caminho
da liberdade.


O romantismo português normalmente é associado à revolução liberal de 1834. Essa revolução
representa um corte com a tradição, pois confiscou
os bens da nobreza, da Igreja e aboliu as ordens
religiosas. Era necessário criar uma nova literatura,
com novas formas e novos temas, para uma nova
sociedade, uma vez que os românticos da primeira
geração ainda estavam muito ligados aos árcades.
Garrett e mesmo Herculano, ambos conheceram
“in loco” o novo gosto literário, porque foram forçados a emigrar para a Inglaterra, como refugiados
políticos. Antônio Feliciano de Castilho procurou
mostrar-se ao corrente da moda romântica em obras como A Noite do Castelo, de cenário afetadamente medieval.
Didaticamente, costuma-se dividir o romantismo
em três fases:
a) 1ª fase (de 1825 a 1838): momento, ainda, em
que atuam os valores neoclássicos. São representantes dessa fase Almeida Garret, Alexandre Herculano e Antônio Feliciano de Castilho.
b) 2ª fase (de 1838 a 1860): há, então, a incorporação do chamado movimento ultra-romântico. Camilo
Castelo Branco é seu principal representante.
c) 3ª fase (de 1860 a 1865): fase de transição para
o Realismo. Tem como representantes Júlio Dinis e
João de Deus.
Além das características gerais (individualismo e
subjetivismo, ânsia de liberdade, culto da natureza,
idealização da mulher, insatisfação ou “mal do século”, etc.), convém destacar que o Romantismo português caracteriza-se por um retorno ao passado.
Os escritores portugueses procuram ambientar seus
romances na Idade Média, tentando recuperar ideais de hora e coragem. Esta tendência dá forte cunho nacionalista às obras do Romantismo português, pois ao evocar o passado, exalta-se a Pátria,
cultuam-se as tradições lusitanas. Trata-se da evocação saudosista de um passado de glórias.
O PRIMEIRO MOMENTO DO ROMANTISMO
O primeiro "momento" romântico, que se desenvolve mais ou menos entre 1825 a 1838. O Romantismo foi introduzido em Portugal por Almeida Garret, com a publicação, em 1825, do poema Camões,
obra que, apesar de não representar fielmente os
ideais românticos, traz consigo algumas características deste movimento literário.
GARRETT
O Romantismo, em Portugal, teve como marco a
publicação do poema “Camões”, de Almeida Garrett, em 1825, a partir do exílio, na Inglaterra e posteriormente na França. Garrett, através destas circunstâncias, parece ter compreendido a necessidade de existir um novo gênero de relações entre o
escritor romântico e o novo público, isto é, os espectadores do escritor passam a ser o povo e burguesia, e a sua obra a maneira de chegar até este. Segundo Garrett, o novo público desejava assuntos
sentimentais e focados na recuperação do nacionalismo posto de lado pela cultura clássica. O seu
principal modelo literário é Filinto Elísio.

103

Em Camões, poema narrativo em torno de um
herói byroniano, Garret canta as amarguras e a
saudade da pátria. As descrições remetem ao cenário romântico, os versos brancos (não rimados). Já
no prefácio, o autor afirma o seu nacionalismo e
declara não ser clássico, nem romântico, repudiando, tanto as regras de Aristóteles e Horácio, como a
imitação de Byron, anunciado seguir apenas "o coração e os sentimentos da natureza".

É a fase mais intensa de sua atividade literária,
e política, na defesa das idéias liberais. Interpretando com desassombro e espírito crítico alguns fatos
da história de Portugal, como a batalha de Ourique,
cujo aspecto lendário destrói com sólida argumentação, acaba provocando enérgica reação do clero.
Junto com Garrett, foi um intelectual que atuou bastante nos programas de reformas da vida portuguesa.

Em “D. Branca”, obra contemporânea de “Camões”, reconta a história em verso de uma infanta
portuguesa raptada pelo último rei mouro, introduzindo ingredientes exóticos, folclóricos e mágicos,
orientais e medievais.

Herculano é o verdadeiro teorizador do Romantismo em Portugal. Pensava que uma revolução
política e social se devia refletir na literatura. Assim,
na ficção de Herculano, prevalece o caráter histórico
dos enredos voltados para a Idade Média, enfocando as origens de Portugal como nação, temas de
caráter religioso e na sua obra não-ficcional, renovou a historiografia, introduzindo o conflito de classes sociais para explicar a dinâmica da história.

A obra Viagens na minha terra, em seu conjunto,
narram um passeio pelas paisagens portuguesas.
Obra híbrida em que impressões de viagem, de
arte, paisagens e costumes se entrelaçam com uma
novela romântica sobre fatos contemporâneos do
autor e ocorridos na proximidade dos lugares descritos. A naturalidade da narrativa disfarça a complexidade da estrutura desta obra, em que alternam e se
entrecruzam situações discursivas, estilos, narradores e temas muito diversos, em especial críticas
sociais e políticas.
Garrett inovou também na poesia.
Em Flores sem fruto e Folhas caídas, introduz a
espontaneidade e a simplicidade como em "Pescador da barca bela", pela proximidade com a poesia
popular ou das cantigas medievais. A liberdade
métrica, o vocabulário corrente, o ritmo e a pontuação são marcas de sua obra.
Garrett empenhou-se intensamente na renovação do teatro em Portugal, objetivando uma produção de qualidade que elevasse o gosto e a cultura
do povo. Sua vocação pela dramaturgia está representada pelas obras: Um Auto de Gil Vicente, O
Alfageme de Santarém, Frei Luís de Sousa, D. Filipa de Vilhena, além das comédias, Falar verdade a
mentir, Profecias do Bandarra, Um Noivado no Dafundo, entre outras. Frei Luís de Sousa é indubitavelmente o que melhor realiza o seu ideal de sobriedade artística, combinando o fato da tragédia clássica e a atualidade do drama familiar, permanece
ainda hoje um texto modelar da literatura dramática
nacional. É, segundo Saraiva, “um dos pontos mais
altos atingidos pela Literatura Portuguesa”.
ALEXANDRE HERCULANO
Alexandre Herculano nasceu em Lisboa, em
1810. De família modesta, não pode fazer curso
universitário, entretanto, fez vários cursos entre os
quais o curso de Diplomática na Torre do Tombo,
onde conhece a Marquesa de Alorna.
Herculano exilou-se na Inglaterra e na França,
criando polêmica com o clero, por participar da lutas
liberais.
Em 1836, inicia sua carreira de prestígio intelectual com a publicação d’ A Voz do Profeta. Nos anos
seguintes, inicia a publicação de suas obras de ficção: as Lendas e Narrativas, O Bobo, o Monge de
Cister.

104

Segundo Moisés, “Alexandre Herculano é diametralmente oposto a Garrett em todos os aspectos:
personificação da sobriedade, do equilíbrio, do rigor
crítico; espírito germânico, dir-se-ia, enquanto o
outro é latino, sobretudo francês. A obra de Herculano reflete-lhe o temperamento e o caráter: manteve-se imperturbável na posição de homem que apenas se julga convicto das idéias que defende depois
de longa e cuidadosa meditação. Daí sua intransigência e sua indignação diante da pouca receptividade de suas idéias”.
Suas principais obras são: poesia (A Vox do
Profeta, mais adiante incluído na Harpa do Crente),
romances (O Bobo, O Monge de Cister, Eurico, o
Presbítero), contos (Lendas e Narrativas), historiografia (História de Portugal, História da Origem e
Estabelecimento da Inquisição em Portugal, Portugaliae Monumenta Historica).
Impõe-se observar que o forte de Herculano era
a historiografia, por se identificar com o mais íntimo
de seu temperamento e formação, e a tal ponto que
tudo quanto escreveu reflete essa afinidade e predisposição.
Para Massaud Moisés, “embora romântica pelos
temas, a poesia de Herculano caracteriza-se por
uma contensão que jamais cede a qualquer impulso
para o derramado. Antes, solene, hierática, teatral,
majestosa, é mais poesia pensada que sentida,
denotadora duma inautêntica inclinação para o gênero: tendo-a cultivado apenas nos anos juvenis
(...). De sua poesia merece algum destaque o poema "A Cruz Mutilada", onde perpassa, apesar de
tudo, muito pensamento sem emoção, além de subsistir a tendência para o declamatório altissonante”.
Em sua essência, Herculano era demasiado historiador para se entregar a uma visão poética do mundo e dos homens: faltava-lhe a necessária imaginação transfiguradora da realidade sensível, e sobejava-lhe o espírito crítico e a erudição.
ANTONIO FELICIANO DE CASTILHO
Castilho nasceu em Lisboa, em 1800 e aos seis
anos, acometido de sarampo, fica praticamente
cego para o resto da vida. Com a ajuda de seu irmão Augusto Frederico de Castilho, faz o curso
secundário e ingressa na Faculdade de Cânones de
Coimbra.


Publica as Cartas de Eco e Narciso e A Primavera e se torna figura central da Sociedade dos Amigos da Primavera, organizada em sua homenagem.
Em 1865, provoca a Questão Coimbrã com sua
carta-posfácio ao Poema da Mocidade, de Pinheiro
Chagas. Cercado de glória e do carinho de seguidores fiéis, falece em 1875, em Lisboa.
A carreira poética de Castilho inicia-se sob a
égide do Arcadismo, especialmente de Bocage,
quando escreve Cartas de Eco e Narciso, A Primavera e Amor e Melancolia. Em 1836, publica suas
obras sob a influência romântica: A Noite do Castelo
e Os Ciúmes do Bardo, seguidos mais adiante de
Escavações Poéticas.
O SEGUNDO MOMENTO DO ROMANTISMO
O segundo "momento" romântico, que se desenvolve mais ou menos entre 1838 e 1860, diverge
segundo Moisés, do anterior: desfeitos os laços
arcádicos que inibiam os escritores do tempo, entra
um período que corresponde ao pleno domínio da
estética romântica.
Soares de Passos nasceu no Porto, de família
burguesa, vê-se obrigado a trabalhar no balcão do
armazém paterno enquanto faz seus estudos. Vai
estudar Direito em Coimbra, onde funda O Novo
Trovador. Já formado recolhe-se no seu quarto meses a fio, indiferente a tudo, inclusive à poesia, em
virtude da tuberculose adquirida nos tempos da
faculdade.
Soares de Passos reuniu suas composições num
volume, Poesias, onde se entrega a um negro pessimismo, a um desalento derrotista, próprio de quem
sente a morte próxima e cultiva sua presença, um
tanto por morbidez, um tanto por "literatura": é a
poesia da decomposição, do cemitério, como em "O
Noivado do Sepulcro."
Segundo Herculano, o poeta estaria “destinado
a ser o primeiro poeta lírico português deste século”.
Soares de Passos constitui a encarnação perfeita
do "mal-do-século", pois viveu segundo Moisés, “na
própria carne os desvarios de que se nutria sua fértil
imaginação de tuberculoso narcisista e misantropo,
sua vida e sua obra espelham claramente o prazer
romântico da fuga, fuga, no caso, das responsabilidades concretas do mundo social”.
CAMILO CASTELO BRANCO
Camilo transita do Ultra-Romantismo para um
Naturalismo coerente com suas tendências de cronista da sociedade burguesa da segunda metade do
século XIX. Reflete a angústia do ideal romântico e
o desmontar das novas correntes ideológicas de
origem Francesa. A biografia de Camilo é uma novela camiliana. Filho bastardo, órfão de pai e mãe
desde a infância, ficou aos cuidados de parentes
religiosos em Trás-os-Montes, onde foi iniciado no
latim e conheceu a literatura dos seiscentistas e
onde, também, “aprendeu a caçar bichos e raparigas, iimpulsivo participou de guerrilhas miguelistas.
Batia-se com freqüência em jornais e duelos por
amores e por rixas literárias. Viveu amores passageiros e escândalos pessoais até seu grande romance da vida real, quando conheceu Ana Plácido.


Ela fugiu do marido para viver com ele, o que era
neste tempo um escândalo passível de ação judiciária. O casal passa algum tempo como fugitivos,
escondendo-se de terra em terra, até que os dois
amantes se vêem forçados a entregar-se à prisão,
onde Camilo escreveu seu romance “Amor de Perdição”. Julgados e absolvidos, posteriormente se
casaram. Por fim, a cegueira, o levou a matar-se.
Na vastíssima produção de Camilo, é possível
distinguir o romance-folhetim, à maneira de Eugênio
Sue ou Alexandre Dumas: Mistérios de Lisboa, Livro
Negro do Padre Dinis; o romance do amor trágico:
Amor de Perdição; o romance-sátira: A Queda de
Um Anjo, O Que Fazem Mulheres; o romance de
costumes aldeãos: Novelas do Minho, Brasileira de
Prazins; o romance histórico: O Judeu, O Olho de
Vidro; o romance naturalista, que caricaturou: n’A
Corja e n’O Eusébio Macário.
O pensamento mais profundo dos enredos camilianos pode talvez considerar-se como tipicamente
pré-romântico. Quem quer que se interponha no
caminho dos amantes aparece sob uma capa de
ridículo ou de odioso. A mulher de todas as condições é quase sempre o anjo adorável, capaz de
todas as abnegações e sacrificada ao egoísmo, à
vaidade ou ao simples capricho masculino. Os heróis dos seus romances, freqüentemente, são manequins que vestem sentimentos emprestados pelo
autor, e a sua vida psicológica desenvolve-se de
maneira forçada e incoerente.
Camilo é talvez o único escritor português da
estirpe de Balzac. No entanto, falta-lhe objetividade
e o espírito analítico que caracterizam o escritor
realista. Tende a oscilar entre o lirismo e o sarcasmo. Freqüentemente, em vez de retrato, faz caricatura. Não é por acaso que a expressão “novela camiliana” é freqüentemente usada, em vez de romance de Camilo: a diferença entre um e outro é
que na novela camiliana a ação é uma sucessão de
acontecimentos independente da dimensão tempo,
que tem grande importância no romance de Dickens
ou de Balzac.
O TERCEIRO MOMENTO DO ROMANTISMO
Esse período é marcado pela presença de autores como os poetas João de Deus, Tomás Ribeiro,
Bulhão Pato, Xavier de Novais e Pinheiro Chagas, e
do romancista Júlio Dinis.
João de Deus foi um lírico de vibração interior
ficando à margem das marcas do tempo e do meio.
Mantendo-se fiel até o fim a um desígnio estético e
humano que lhe transcendia a vontade e a vaidade.
Contemplativo por excelência, sua poesia é a dum
"exilado" na terra a mirar coisas vagas e por vezes a
se deixar estimular concretamente. Cultiva os mestres Tomás Antonio Gonzaga, Camões, Dante, Petrarca e a Bíblia. Entre suas obras, destacam-se
Campos de Flores.
Manuel Pinheiro Chagas teve em Castilho seu
grande mestre. Seu Poema da Mocidade motivou a
Questão Coimbrã, começo da batalha entre românticos e realistas, em virtude da apresentação escrita
por Castilho, onde tece elogios aos ultra-românticos
e critica os jovens que começam a fazer a literatura
realista.

105

Júlio Dinis
Os seus enredos ambientam-se entre o meio
mercantil do Porto ou a vida doméstica no campo
em casa de proprietários-lavradores. Nos romances
ambientados no Porto como “Uma Família Inglesa”,
a ação gira em torno da praça, onde pululam o
grande e o pequeno comerciante, o guarda-livros, o
rapaz dos recados, o caixeiro, o capitalista reformado, o rico filho-família herdeiro de uma grande firma.
Quando nos transporta para a aldeia como em
“As Pupilas do Senhor Reitor”, “A Morgadinha dos
Canaviais”, “Os Fidalgos da Casa Mourisca”, o ambiente é mais convencional: a casa do lavrador abastado, pintada de maneira muito vaga, com cores
frescas, novas, e principalmente o coração dos mexericos da terra: a venda, onde se reúnem os lavradores, o brasileiro, o morgado decadente, o candidato a deputado e, de passagem, a beata da aldeia
ou a criada do Senhor Abade, o ambiente burguês
do proprietário ou ao solar do velho fidalgo.
Seus tipos são magistralmente caracterizados
com uma leve formação caricatural e humorística, o
que não exclui a ternura.
Júlio Dinis deu um passo decisivo na nossa prosa de ficção ao criar em Portugal o gênero burguês
e moderno por excelência, o romance “contemporâneo”, amparado certamente por um público que
tivera tempo de amadurecer desde os primeiros
ensaios do romance histórico.
O TEATRO NA ERA ROMÂNTICA
O teatro português retorna no romantismo, graças ao esforço despendido por Garrett, a grande
figura da época. Com seu dinamismo e imaginação
reformou o gênero através de suas obras de feição
nacional e de alto sentido patriótico, uma das quais
é obra-prima da dramaturgia Portuguesa e européia,
o Frei Luís de Sousa.
VIII – REALISMO (1865-1890)
Nos anos seguintes a 1860, o Romantismo entra
em declínio e sofre os primeiros ataques por parte
da nova geração que surge, os rebeldes estudantes
de Coimbra.
Em 1861, Antero de Quental funda a Sociedade
do Raio, com cerca de duzentos estudantes de Coimbra, com o objetivo de instaurar a aventura do
espírito no seio do convencionalismo acadêmico e
político. Num gesto de ousadia, Antero em 1862,
escolhido para saudar o Príncipe Humberto da Itália,
exalta a Itália livre e Garibaldi, então ferido em combate.
Empolgados pelas novas idéias revolucionárias,
Teófilo Braga publica dois volumes de versos, a
Visão dos Tempos e as Tempestades Sonoras, e
Antero edita as Odes Modernas.
Enquanto isso, no ultra-romantismo, Pinheiro
Chagas escreve o Poema da Mocidade e Castilho,
seu mestre nas Letras, escreve em um posfácio
onde exalta o fiel discípulo e critica os jovens de
Coimbra, em especial Antero e Teófilo, afirmando
que lhes falta talento e gosto refinado.

106

Estava armada a polêmica, que passou a chamar-se Questão Coimbrã: uma intensa polêmica em
torno do confronto literário entre os ultra românticos
liderados por Castilho e os jovens estudantes de
Coimbra, cujo líder era Antero de Quental, iniciada
após a publicação do livro Poema da Mocidade, de
Pinheiro Chagas, onde Castilho escreve um posfácio ironizando os jovens de Coimbra com o título
"Bom senso e Bom gosto". Os jovens reagem: Antero escreve o folheto "A Dignidade das Letras e as
Literaturas Oficiais", Teófilo de Braga escreve o
folheto "Teocracias Literárias". Ramalho Ortigão e
Camilo Castelo Branco destacam-se na defesa de
Castilho. Esta polêmica durou meses, com freqüentes publicações críticas de ambos os lados, terminou com a vitória dos ideais da Geração de 1870, o
que provocou uma autêntica renovação cultural e a
afirmação do realismo.
Mais tarde, este grupo com alguns acréscimos
promove, em 1871, As Conferências Democráticas
do Cassino Lisbonense, objetivando colocar Portugal na modernidade, “estudando as condições de
transformação política, econômica e religiosa da
sociedade portuguesa".
Com a Questão Coimbrã, estava definida a crise
de cultura que inicia o Realismo em Portugal.
POESIA DA ÉPOCA DO REALISMO
A poesia do Realismo retoma o prestígio lírico de
Bocage e Camões seguindo várias direções: a poesia "realista", a poesia do quotidiano, a poesia
metafísica e a poesia de aspiração parnasiana. Sem
se confundir com o Parnasianismo, teve caráter
revolucionário, serviu como arma de combate, de
ação, em suma, poesia "a serviço" da causa realista. Entre os poetas destacam-se Guerra Junqueiro,
Gomes Leal, Antero de Quental, Teófilo Braga e
outros.
A POESIA METAFÍSICA: ANTERO DE QUENTAL
Contrapondo-se à poesia, a poesia metafísica ou
transcendental busca responder às indagações que
a consciência do homem formula: "que sou?", "por
que sou?", "de onde vim?", "para onde vou?", "que é
que vale?", "por que a morte?", etc. Nessa época,
esse gênero de poesia encontra o seu mais alto
representante, Antero de Quental, porém continua
presente em Fernando Pessoa, Mário de SáCarneiro, José Régio, Miguel Torga e outros.
Para Moisés, “a poesia metafísica nasceria sempre como uma via de escape à angústia geográfica
histórica e cultural em que vive o homem português,
encurralado num território diminuto entre o continente europeu e o Oceano Atlântico, a sonhar glórias
perdidas no século XVI”.
De educação católica e de família conservadora,
de caráter profundamente religioso, sofreu um profundo abalo ao encontrar-se num meio onde penetravam idéias e leituras que confrontavam sua crença tradicional.
Crente na razão e na justiça, como o tinha sido
na fé, questionou e promoveu marchas e protestos
contra a academia, a sociedade, a literatura.


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