2. INTRODUCCIÓN SIGLOXX
CONTEXTO HISTÓRICO:
El siglo XX es un periodo de
cambios acelerados. El desarrollo
de las comunicaciones y de las
tecnologías van a influir en gran
medida durante el transcurso de
este periodo. Sin embargo, los
problemas socioeconómicos y
políticos
derivados
de
la
Revolución Industrial culminan a
principios de siglo con la Primera
Guerra Mundial (1914-1918)

3. CONTEXTO CULTURAL:
•El siglo XX es un periodo en el que los
cambios y las novedades en el mundo del
arte se van a dar con gran velocidad.
•Los cambios y las tendencias se suceden
de forma acelerada.
•El contacto de la sociedad europea con
culturas lejanas, propiciado por el avance
de las comunicaciones y las exposiciones
universales aportará nuevos horizontes a
la creación artística.
•Desde finales del siglo XIX la pintura
asume un liderazgo indiscutible en el
terreno artístico, ya que encabezará todos
los cambios y vanguardias que vayan
surgiendo en el transcurso del siglo XX.

4. CONTEXTO MUSICAL:
•El mundo de la música también se
verá influido por ese cambio social y
cultural.
•Gran
cantidad
de
estilos
vanguardistas musicales se irán
yuxtaponiendo en el transcurso del
siglo en busca de la novedad y la
experimentación, a través de un
cambio estético que dará lugar a las
composiciones más variopintas.
•La aparición de nuevos géneros
como el jazz o el rock y sus
derivados arrebatará a la música
culta
el
protagonismo,
casi
exclusivo, del que había gozado
durante siglos.

5. CARACTERÍSTICAS MUSICALES
•La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya que no hay
un lenguaje y un tipo de expresión únicos, sino una pluralidad de
movimientos. Cada compositor busca su propio lenguaje musical para
expresarse.
•La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo abandono del
lenguaje tonal, que parece haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran
protagonismo.
•Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para
ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier
objeto puede ser capaz de producir música.

6. MÚSICA EN LA 1ª MITAD DE SIGLO XX
•A comienzos de siglo, los nuevos
lenguajes se fueron imponiendo de
manera
gradual,
y
con
mucha
dificultad, en un mundo aún dominado por
los últimos grandes compositores del
Postromanticismo y del Nacionalismo.
•La nueva concepción de componer vino
de dos ciudades diferentes, que fueron
París y Viena. En el primer caso con las
aportaciones del Impresionismo de la
mano de C. Debussy, que supone un
punto de partida para la música de
vanguardia; en el segundo con la ruptura
que suponía la música de Arnold
Schoenberg y sus discípulos en la
Escuela de Viena.

7. IMPRESIONISMO
•El Impresionismo puede considerarse
como
la
primera
manifestación
contemporánea del siglo XX. En las
últimas décadas del Romanticismo, un
grupo de pintores franceses se interesaron
por el trabajo al aire libre.
•El impresionismo musical será un
movimiento
típicamente
francés,
relacionado con la tendencia pictórica.
Posiblemente es la corriente más
novedosa y original de todas las que se
dan en esta época. El compositor más
destacado de este movimiento es Claude
Debussy, con obras como "Preludio a la
siesta de un fauno" (1894).

8. Las características de esta música son:
•Melodías desdibujadas (igual que en
pintura), sin líneas ni cadencias claras, que
utilizan
escalas
modales, pentatónicas, cromáticas o de tonos
enteros.
•Armonía libre, con acordes incompletos a los
que Debussy llama flotantes, que toman su
valor por su sonoridad, no por su función
tonal, para convertirse en líneas y manchas
que se desvanecen en el tiempo y el espacio.
•Incorporación de elementos musicales
orientales, tanto melódicos o rítmicos como
armónicos.
Uno de los continuadores de la obra
impresionista de Claude Debussy será el
francés Maurice Ravel, conocido por su obra
"El bolero".

9. EXPRESIONISMO
El término Expresionismo aparece a partir de 1911
para designar un estilo pictórico en el que, poco a
poco forma y color dejan de estar obligados a
imitar la realidad.
Se caracteriza por buscar la expresión del alma
del ser humano de forma dura y pesimista. El
tema principal del Expresionismo es el hombre y
su vivencia interior llena de conflictos y
temores, que muestra una realidad distorsionada
marcada por el dolor y la angustia.
La obra "El grito", de Edward Munch, es
considerada como la primera manifestación
expresionista. En música, el compositor más
representativo de esta tendencia es Arnold
Schoenberg, que considera la música como medio
para expresar la personalidad del hombre.

10. Las principales características del
Expresionismo son:
•Búsqueda de lo dramático mediante el uso
constante de disonancias que producen una
tensión continua, sin momentos de reposo.
•Utilización de un sistema atonal, que rompe
con todas las reglas tradicionales de
organización melódica y armónica.
•Pérdida del concepto de melodía en favor
de un canto recitado (sprechgesang), que
tiene como objetivo la expresión violenta y
agresiva del texto.
Una de las obras más destacadas de esta
corriente es "Pierrot Lunaire", ciclo de 21
melodramas compuestos sobre poemas de
Albert Giraud.

11. ATONALISMO
•El Atonalismo nace cuando una serie de
compositores, con Arnold Schoenberg a la
cabeza, deciden otorgar a la disonancia la misma
importancia que a la consonancia y escribir sus
obras con una tonalidad concreta. Esto implica
que todas las notas tienen el mismo valor, sin
jerarquías. De ahí la sensación de que se han
perdido los puntos de equilibrio y de
orientación, por lo que para nuestros oídos, la
música atonalista suena desafinada.
•Los fundamentos de la música dodecafónica
fueron elaborados y desarrollados a comienzos
del siglo XX por el compositor austríaco Arnold
Schoenberg y dos de sus discípulos y amigos:
Alban Berg y Anton Webern, que son conocidos
en conjunto como Escuela de Viena. Este método
fue creado en 1923 y también fue conocido como
Serialismo.

12. •La técnica dodecafónica consistía en
definir una serie con las doce notas de
la escala cromática (distancia de medio
tono entre notas), que podían ordenarse
de la forma que el compositor decidiera.
Desaparece, por tanto, la jerarquía entre
los grados de la escala, originando una
música atonal que podríamos asociar a
la pintura abstracta de autores como V.
Kandinsky.

13. Es un movimiento estético nacido en Italia en
1909. Se trata de la corriente más radical del
siglo XX, y su principal precursor es Tómmaso
Marinetti, artista y escritor que tuvo gran
repercusión en las artes plásticas
El movimiento futurista se basa en la
introducción de los ruidos y las
máquinas en la música
Los futuristas se inspiran en el ambiente
industrial de la sociedad del siglo XX.
Buscan enriquecer el sonido y
desvincularse del pasado, declarando la
guerra a la tradición y a los timbres
limitados
de
los
instrumentos
convencionales

14. • Russolo, en 1913, publica "El manifiesto de los ruidos", obra en la
que se dan a conocer los fundamentos de esta corriente.
• En este libro, el autor clasifica los instrumentos de la orquesta
futurista en seis familias, en las que podemos encontrar
gruñidos, silbidos, risas, gritos, golpes.
•
Russolo, fue capaz de crear un instrumento capaz de producir
ruidos variados. A este artefacto lo denominó "entonarruidos"
• Entre los músicos más influenciados por el Futurismo podemos citar
a Edgar Varese, con obras como "Ionization" (primera obra en la
historia escrita únicamente para instrumentos de percusión) o Arthur
Honegger, con "Pacific 231" (obra que describe el movimiento de
una locomotora).

15. El Neoclasicismo (nuevo Clasicismo)
surge entorno a 1920 como reacción
al Post-Romanticismo, el
Impresionismo y el Expresionismo.
Es un movimiento artístico y
literario que consiste en la imitación
de los modelos griegos y
latinos, considerados como
estéticamente perfectos. Como
movimiento, nace con el
humanismo del Renacimiento
italiano y luego se extiende por
toda Europa.

16. En sentido general, "clasicismo"
significa sobriedad, mesura, buen
gusto
y, consiguientemente, rechazo de
todo lo que sea ruidoso, chillón o
extravagante.
El clasicismo es también una
búsqueda de la perfección, pues el
artista trata de organizar todo lo
que está inacabado, lo que es
incoherente: intenta darle una
unidad. La obra clásica, en lugar de
detenerse en los pequeños
detalles, en los hechos demasiado
particulares o accidentales

17. Herederos de las novedades aportadas en las
primeras décadas, durante a segunda mitad de
siglo el arte en general y en particular la música
siguen las pautas de ruptura con lo establecido
marcadas por los autores de las generaciones
anteriores.
Ya ha desaparecido de forma definitiva el lenguaje
universal tonal, llegamos en este periodo a la
concreción de estilos artísticos mucho más radicales e
individualistas, en los que todo es válido para crear
una obra de arte, que, muy a menudo, va a sorprender
al un público que no está preparado para este tipo de
música.

18. Por primera vez en la historia de la música los medios
electrónicos, que se van desarrollando debido al gran
avance de la tecnología, formarán parte de la
composición. Los instrumentos tradicionales van
dejando su sitio a otros instrumentos de nueva
creación, que se congregarán en el laboratorio musical
y más tarde en el ordenador.

19. El Serialismo Integral es un movimiento que se da a partir
de la segunda mitad del siglo XX. Consiste en la
aplicación del concepto de serie, introducido por el
Dodecafonismo, a todos los parámetros integrantes del
sonido (timbre, altura, duración, intensidad...), y no sólo a
la altura de las notas.
La música serial se caracteriza, por tanto, por el minucioso
ordenamiento de los parámetros musicales y su alto grado de
elaboración previa, ya que el compositor organiza la obra
como si las piezas de un puzzle se tratara.
los compositores más destacados cabe recordar a Oliver
Messiaen, con obras como "Modos de valor e intensidad", y a
Pierre Boulez, con "El martillo sin dueño" o "Sonata para
piano nº 3".

20. Hacia mediados del siglo XX surge esta corriente, que se inspira en
el Futurismo, ya que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la
realidad.
El compositor se lanza a la calle grabadora en mano, recogiendo todos
los sonidos que cree interesantes; estos sonidos posteriormente se
manipulan en un laboratorio musical (se cortan, se pegan, se modifican
algunas de sus cualidades...) y se montan en una cinta magnetofónica.
El resultado es una composición de música concreta.

21. Para resumirlo un poco, se le denomina concreta, porque es música que se
hace por medio de grabaciones, mezclando el sonido de una puerta, el
maullido de un gato, y el sonido de un tren que se aleja, se usa
mucho, aún, para crear música incidental, es decir, música escrita
específicamente para fortalecer un momento de una película, video, o algún
discurso, pronto subiré algo mas detallado sobre música incidental.
Entre los compositores pioneros se encuentran los francese Pierre
Schaeffer, que expone sus teorías en "El tratado de los objetos musicales" y
Pierre Henry. Algunos de los títulos de las obras de estos artistas son: "Estudio
de ruidos", "Sinfonía para un hombre solo", "Variaciones para una puerta y un
suspiro" o "El micrófono bien temperado".

22. Esta corriente surge influenciada por
la música concreta. Como hemos
visto, esta música se basaba en la
grabación de un conjunto de sonidos
reales que se manipulaban; sin
embargo, en la música electrónica el
sonido es creado completamente en
un laboratorio, son sonidos que no
existen en la realidad, que se
crean, se procesan y se graban
electrónicamente. Este tipo de
música suprime totalmente los
intérpretes y las partituras.

23. La música electrónica es un estilo de
música muy popular, cuyo nombre
implica el uso de la tecnología e
instrumentos musicales electrónicos de
diversas características.
El género también admite el uso de
medios electromecánicos, lo que permite
producir efectos y sonidos
diferentes, únicos (el género
tradicionalmente ha estado ligado a la
experimentación sonora).
Entre los compositores más destacados de este
movimiento está: Karl Stockhausen, que desde
1953 dirige el Estudio de Música Electrónica de
Colonia (Alemania). Su obra más conocida es "El
canto de los adolescentes". Otros autores que
seguirán los pasos de Stockhausen son Luciano
Berio y Bruno Maderna.

25. Años 60
 Reacciona contra el serialismo
mayor libertad
compositiva
 Música indeterminada, de la libertad de quien la
interpreta.
 Compositor no escribe obra acabada y cerrada, confía
en la reacción e independencia del músico para hacer de
cada acción una obra única e irrepetible.
 Emplea notaciones muy libres y sugerentes, o textos en
los que se invita a la creación.


26. JOHN CAGE
“4´3” cualquier número y
clase
de
instrumentos”, escrita en
1952
 Intérpretes: permanecen
sentados y en silencio
ruidos de la sala, del
público y del exterior los
que construyen la pieza.


28. siglo XX
busca de lenguajes propios y nuevas
formas de expresión
 tendencias que intentan presentar una música más
incomprensible para el público
 Característica:
más común, abandono de la
experimentación y la búsqueda de lenguajes más
sencillos y asequibles.


29. ESTILOS
MINIMALISMO: (Música repetitiva)
 nace en los EEUU a principios de los años 70
 Basa: creación de sencillos elementos melódicos, que
se transforman mínima e insistentemente a lo largo de su
desarrollo (trata de crear un mínima célula melódica y
repetirla)
 El principal representante de ésta
tendencia en Michael Nyman
que
crea una obra
minimalista que
más tarde
formara parte de la
banda
sonora de la película
“El piano”.


30. EL NUEVO ROMANTICISMO: (Nueva Simplicidad)
 surge en Alemania en la segunda mitad del siglo XX
 Principales compositores: reúnen la practica de la
experimentación y de la complejidad que caracteriza las
obras de la mayoría de los compositores de vanguardia.
 Incorpora elementos nuevos junto con los tradicionales.
 Destaca en este movimiento
el compositor Bernard
Herrmann, con
obras como
“Escenas de amor”.


32. Huye: Danza al servicio de la expresión, sin someterse a
reglas ni academicismos estrictos.
 Sergei Diagjhilev, cambio
destino de danza fundando los
“Ballets
Rusos” en 1909. (contrata
mejores
artistas del momento),
diseñadores: L.
Bask, pintores:
Picasso, Dalí o
Miró, compositores:
Debussy, Stravinsky, coreógrafos:
L. Massine, o Fokine.
 Primeros éxitos: tres ballets de Stravinski “el pájaro de
Fuego”, “Petrushka” y “La consagración de la
primavera”, español M. de Falla titulado “el sombrero de
tres picos”, con decorados de Pablo Picasso.
 1929 con la muerte de Diaghlev,


34. 





Misma época se produce un intento de renovar y modernizar
el ballet (más acorde con nuevas tendencias artísticas)
caracteriza: rechazo al espectáculo y a las normas del ballet
tradicional, hacia unas formas de movimientos naturales
bailarina Isadora Duncan, que solía
bailar desnuda con una simple
túnica,
aportando espontaneidad y libertad
mayor en la expresión del
cuerpo,
huyendo de la estereotipada
técnica
elástica.
busca expresión profunda de los sentimientos.
Concepción del ballet: muestra lo bello y lo feo de la
vida, incorpora el trabajo en suelo y evita rigidez de los pasos
definidos, mayor libertad de movimientos
continuadores como
R. V. Laban, M Graham o M.
Cunningham, danza moderna que se sigue desarrollando hasta
la actualidad.

35. COMPOSITORES DESTACADOS
Berg, Alban
 Debussy, Claude
 Honneger, Arthur
 Messiaen, Oliver
 Ravel, Maurice
 Satie, Erik
 Schoenberg, Arnold
 Stockhausen, Karlheinz
 Stravinski, Igor
 Webern, Anton von


36. AUDICIONES DEL TEMA
“Preludio a la siesta de un fauno”. Música
impresionista. C. Debussy
 “Juegos de agua”. Música impresionista. M Ravel
 “La noche transfigurada”. Música atonal. A.
Schoenverg
 “Pierrot Lunaire”. Expresionismo. A. Schoenverg
 “Opus 21”. Música dodecafónica.
 “Pacific 231”. Musica futurista. E. Varese
 “Gymnopédie”. Música neoclásica. Erik Satie
