Este documento resume las principales características y artistas de la pintura impresionista y postimpresionista de la segunda mitad del siglo XIX. Explica que los impresionistas como Monet, Manet y Renoir pintaban al aire libre, usando colores puros y pinceladas sueltas para capturar las impresiones momentáneas de la luz. Los postimpresionistas como Van Gogh y Toulouse-Lautrec exploraron temas más expresivos y el dibujo, mientras que Cézanne buscaba las formas geom

1. TEMA 18
LAS ARTES FIGURATIVAS DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX. LA
PINTURA IMPRESIONISTA (EDUARD MANET, CLAUDE MONET, A.
RENOIR). LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS (VINCENT VAN GOGH,
PAUL CÉZANNE, HENRY TOULOUSE-LAUTREC). LA ESCULTURA (A.
RODIN)
1.- LA PINTURA IMPRESIONISTA: CARACTERÍSTICAS GENERALES
La escuela impresionista surge en Francia en el último tercio del siglo XIX. El
nombre se debe a un cuadro de Monet expuesto en la exposición de 1874, titulado
“Impresión. Sol naciente”. La crítica satíricamente bautizó este movimiento con el
nombre de impresionismo.
El impresionismo es una derivación del realismo, pero cambia la estética y la
técnica. La sensación es la base de los impresionistas. Todo parte de lo que el ojo ve. Es
una pintura sensitiva. El impresionismo defiende la pintura al aire libre, el pintor sale
con su caballete, como el fotógrafo lo hace con su cámara. La pintura se enriquece con
nuevos temas: los bulevares, las calles de las ciudades, las carreras de caballos, escenas
de circo, bailarinas, etc. La naturaleza sigue siendo el tema fundamental. Se trata de
pintar las impresiones momentáneas de la naturaleza. El problema es el rápido cambio
de los colores. El pintor ha de trabajar deprisa. La pintura al aire libre va acompañada
de nubes, nieblas, lluvia, nieve, puestas y salidas de sol. En los cuadros impresionistas
se adivina la estación del año y la hora del día. Los pintores pintan los reflejos y los
rayos de luz y como ésta incide a través de las hojas de los árboles o en las aguas de ríos
y en el mar.
Los impresionistas dejan de mezclar los colores en la paleta. Los colores se
aplican directamente sobre la tela, con los pinceles, la espátula, los dedos, aplicando
mucha cantidad de materia. Emplean una pincelada suelta que se mezcla en la retina
del espectador. De cerca los cuadros parecen bocetos. De lejos se obtiene la correcta
visión de la pintura al producirse la mezcla óptica. Se usa una gama reducida de
colores, los colores puros. Se emplean los primarios (rojo, amarillo y azul) y los
binarios (compuestos por dos de ellos). Estos pueden pintarlos directamente o servirse
de la mezcla óptica. Por ejemplo se puede utilizar el anaranjado del tubo, o juntar dos
pinceladas de rojo y amarillo, que al alejarse el espectador darán en la retina, dicho
color anaranjado. También se usan con maestría los complementarios (rojo-verde,
azul-naranja, amarillo-violeta)). Los impresionistas no usan el negro ya que constituye
la negación de la luz.
Técnicamente el impresionismo tiene precursores: Velázquez, Goya, Turner,
Watteau, Fragonard, etc. También se considera un precedente la escuela de Barbizon.
Fue acogido con hostilidad. Fueron considerados pintores malditos, rechazados por la
crítica aunque a la larga serán reconocidos, muchos después de su muerte. La zona de
formación del impresionismo transcurre en la bahía del Sena, donde desde hacía tiempo
se habían dado cita pintores ingleses y franceses que recogían en sus obras las
variaciones del estado atmosférico.
2.- LOS MAESTROS DEL IMPRESIONISMO
EDOUARD MANET (1832-1883)
Antes de aceptar el impresionismo es la gran figura del realismo en su última
etapa. Su primera obra maestra, Desayuno sobre la hierba, en la que presenta a dos
jóvenes desnudas sobre el césped, acompañadas de dos caballeros vestidos a la moda
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2. provoca una protesta violenta. Se considera una ofensa a la moralidad. Sin embargo es
una revisión del concierto campestre de Giorgione. Trata de unir la tradición clásica del
renacimiento con el realismo. En ella se observa su preocupación por la luz. Fue
expuesta en el Salón de los Rechazados. Su Olimpia es una interpretación libre de la
Venus de Tiziano o de la Maja desnuda de Goya y también fue un escándalo. En ella
coloca a una sirvienta negra y a un gato del mismo color sobre un fondo oscuro.
Contrasta el color rosa del vestido de la sirvienta con la oscuridad del fondo. El ramo de
flores rodeado de un papel blanco centra el cuadro. Lo novedoso en estos cuadros de
Manet no son los temas sino el tratamiento del color. Son los colores los verdaderos
protagonistas de su pintura. Siente gran entusiasmo por los temas españoles, realizando
un viaje a España en 1865. Fue un admirador de Velázquez y Goya. Este pintor le
inspiró la pasión por los toros. Su cuadro titulado El balcón deriva de Las majas del
balcón de Goya. De su admiración por lo español también podemos citar su Lola de
Valencia o la Ejecución de Maximiliano de Austria, en el que copia los Fusilamientos
del 3 de mayo de Goya. La última etapa es ya impresionista. Del final de su obra
destaca el retrato de Zola, defensor de Manet. Sobre la pared del fondo aparecen dos
estampas japonesas y los Borrachos de Velázquez. Al final de su obra logra representar
las multitudes no como conjunto de individuos, sino como manchas de color claras y
oscuras. Así lo hace en Carreras de caballos en Longchamps y en su obra maestra El
Bar del Folies Bergére.
CLAUDE MONET (1840-1926)
Es quien verdaderamente define el impresionismo. Se forma en el realismo.
Recibe la influencia de Courbet, como en sus Mujeres en el jardín. En la representación
de las multitudes como masas de color sigue a Manet. Después de su estancia en
Holanda y de su viaje a Londres, donde conoce la técnica de Turner, se dedica al
paisaje. Elimina los colores opacos, utilizando los más luminosos: verde, amarillo, rojo,
etc. Aplicados unos junto a otros, sin mezclarlos y pintando siempre al aire libre. Se
estableció en Argenteuil. Llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros, la mayoría paisajes,
marinas y escenas fluviales; de Argenteuil hizo su centro de trabajo, de la captación de
los centelleos luminosos en la superficie del agua su devoción. Sus series: Catedral de
Ruán, Acantilados, Vistas de regatas, etc., traducen las más sutiles modificaciones de
la atmósfera. De la catedral de Ruán hizo más de cuarenta versiones casi desde el
mismo ángulo pero siempre con un aspecto diferente. También capta la atmósfera de las
estaciones de tren llenas de humo dentro de arquitecturas de hierro (Estación de San
Lázaro de París). Las barcas de vela y los remansos de Argenteuil han sido
considerados como los temas de sus cuadros más puros, pero en Monet hay un afán
denodado por captar las formas en continua vibración y su aportación al Impresionismo
radica en su sensibilidad más que en obras aisladas. Las Ninfeas de su jardín, obra de
vejez, muestran el grado supremo de disolución etérea al reflejarse las luces temblorosas
sobre la superficie quieta y sucia del estanque familiar.
Cualquier pretexto le sirve para mostrar su concepción fluida de la naturaleza:
los peñascos entre las olas, la aldea sobre la colina, los barcos de vela que surcan el río,
los pinos doblados por el viento. De cerca sus telas vibran con listados de rayas
anaranjadas, rojas, azules y amarillas.
AUGUSTE RENOIR (1841-1919)
Es el pintor de la vida parisina, con composiciones de riquísimo colorido,
destacando también sus desnudos femeninos. Pintó reuniones públicas, bailes y fiestas.
También pintó las riberas de Argenteuil. Es al mismo tiempo un revolucionario y un
artista con un fuerte peso de la tradición; siempre opinó que los museos eran los mejores
maestros. Su técnica a veces, recuerda a la de Tiziano; sus figuras de mujeres gruesas a
Rubens. También admiró a Delacroix. Con tonalidades fuertes, rojas y amarillas, capta
las vibraciones de la luz ondulante entre las hojas; así puede admirarse en Le moulin de
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3. la Galette (1876), su obra más famosa. A veces elige una amplia extensión de flores y
hierba para resaltar los colores vivaces. Ningún pintor ha pintado como él la filtración
de los rayos de sol a través de las hojas, para iluminar el rostro humano.
Otos pintores impresionistas son:
 DEGAS, el pintor de bailarinas, captadas en posturas diversas (el giro,
ensayando, el momento de atar la zapatilla). Siente especial interés por la figura
humana y su capacidad de contorsión. Su sensibilidad por el movimiento se
concreta en su tema constante de las bailarinas, pero también en sus numerosos
cuadros de carreras de caballos, y en sus esculturas (bailarinas y caballos).
 PISARRO era el mayor del grupo y jugó un papel de cohesionador, de
fortalecedor de los lazos de amistad entre los pintores. Capta las luces en los
árboles, caminos, tejados de las casas. A partir de 1885 se interesa por .los
ensayos de Seurat y Signac.
 En la obra de SISLEY se encuentra el mayor parentesco con los temas acuáticos
de Monet, con el que convive en Argenteuil.
En los años 80 algunos maestros sustituyen la pincelada larga por pequeños toques,
puntos de colores puros. Es el período puntillista o divisionista, que aplica la ley de
los contrastes simultáneos de Chevreul. Sus maestros destacados son SEURAT, quien
expone en la última exposición impresionista, Un domingo por la tarde en la Grande
Jatte, y SIGNAC, más inclinado a los temas marinos.
3.- LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS
Dos pintores de biografía trágica, TOULOUSE-LAUTREC y VAN GOGH,
presiden la etapa denominada postimpresionismo, en la que se inicia la revisión de
algunos postulados de la escuela. El postimpresionismo supone entre otras cosas una
recuperación de la importancia del dibujo y la preocupación por captar no sólo la luz
sino también la expresividad de las cosas y las personas iluminadas.
Henri TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) nace en Albi, y es descendiente
de los condes de Toulouse. Una fractura de niño en una caída impide el crecimiento de
sus piernas. En el alcohol y en la bohemia parisina intenta olvidar su tragedia. Es capaz
de ennoblecer con sus pinceles los bajos fondos de París. Su cobijo es Montmartre, el
Moulin Rouge y el Moulin de la Galette, cabarets donde toma apuntes de las bailarinas
y los tipos singulares. Destaca su dibujo coloreado lleno de expresión. Le interesa el
mundo en movimiento, tanto los bailes como las carreras de caballos. Es un gran
caricaturista. Sus composiciones estuvieron influidas por las estampas japonesas (se
había celebrado en París una exposición de grabados nipones).A los 40 años muere, tras
un período en el que eleva el cartel a la categoría de obra de arte.
El holandés Vincent VAN GOGH (1853-1890) tiene una vida de personaje de
tragedia. Sintió vocación religiosa y realizó labores humanitarias en una mina de
carbón. Finalmente se inclinó por la pintura. Estuvo influido por Rubens en el color y la
estampa japonesa influye en sus perfiles sinuosos. Llega a París en 1886, aprende la
técnica impresionista. Allí su naturaleza melancólica le hace sentirse triste y en febrero
de 1888 se establece en Arlés, en la Provenza francesa. Plenamente entusiasmado con la
luz de la Provenza pinta paisajes y figuras de formas serpenteantes, onduladas,
flamígeras, que traducen su fuego interior. Los cipreses llameantes, los suelos que
parecen estremecidos por terremotos, los edificios de líneas retorcidas, constituyen los
temas preferidos de su extensa obra, y en sus pinturas se transparenta su locura. En
Auvers-sur-Oise pinta sus últimas obras maestras. Cuando sólo tenía 37 años, se suicida
con un disparo de revólver, en un lamentable ataque de locura. Algunos fundamentos de
la pintura del siglo XX se encuentran apuntados en la obra del genio holandés. Sólo los
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4. diez últimos años de su vida se dedicó a la pintura, pero su fecundidad no puede ser
mayor. Algunos de sus cuadros más famosos fueron realizados en una sola jornada.
Empleó siempre colores puros con los que expresaba sentimientos de angustia, tristeza,
soledad. Entre sus cuadros más famosos podemos señalar las vistas de los campos de
San Remy, su habitación, sus numerosos retratos y autorretratos, El puente levadizo, La
noche estrellada, La silla, Los girasoles, etc.
Más revolucionario todavía es el arte de Paul CÉZANNE (1839-1906), en el
que se inspiran los grandes maestros del siglo XX. El pintor de Aix-en-Provence no vio
reconocido en vida su genio; a partir de 1885, hasta su muerte en 1906, vive retirado en
la Provenza, solitario y desconocido, meditando en las relaciones entre la forma y el
color. Superando la representación visual de sus compañeros de las primeras
exposiciones impresionistas, Cèzanne busca en la naturaleza las formas esenciales, que
para él son figuras geométricas, el prisma, la esfera, la pirámide, y en consecuencia
procede a la geometrización de lo que contempla. En sus paisajes destaca la silueta de
los árboles, concebidos como cilindros, los volúmenes de sus casas, cuya geometría
arquitectónica resalta mediante la unión de series de planos, de los caminos con cercas
de contornos enérgicos; las sombras violáceas (no usa el negro ni el gris) resaltan el
volumen de sus objetos y figuras. Concibe el cuadro a base de formas geométricas. Sus
cuadros más famosos son sus bodegones, sus naturalezas muertas y también sus paisajes
de Provenza. Hizo varias versiones de Los jugadores de cartas. Los fauvistas y los
cubistas le reconocerán sucesivamente como su maestro indiscutible.
Otro pintor postimpresionista es Paul GAUGUIN se inicia en el Impresionismo
con Pisarro; deja una vida confortable y a su mujer e hijos y se instala pobremente en
París y Bretaña; durante algún tiempo convive con Van Gogh en Arlés; finalmente se
traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas; es la suya una biografía
de renuncias para consagrarse de manera plena a su vocación artística. La luz pierde en
Gauguin su protagonismo absoluto en favor de una exaltación del color, principio en
que se basa años después el fauvismo. No empela la pincelada suelta impresionista sino
que extiende el color en campos extensos, como si realizara vidrieras, y en sus figuras
grandes, contorneadas de manera nítida, cual tallas de madera. Al mismo tiempo
renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras. También estuvo influido
por las pinturas japonesas. Inaugura el gusto por lo exótico y lo primitivo, que marca
también años después a los cubistas y otras vanguardias.
4.- EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA
Este movimiento del último cuarto de siglo está representado en España
especialmente por el valenciano Sorolla.
La obra de Joaquín SOROLLA (1863-1923) asombra por su fecundidad; casi
tres mil cuadros y más de veinte mil dibujos y apuntes. Se formó en Roma. Estuvo en
París en donde conoció la pintura impresionista. Nadie ha pintado como él los cuerpos
mojados de los niños en la playa ni la luz de Valencia. Sus pescadores, sus bañistas, sus
mujeres son un pretexto para sus cuadros en donde el verdadero protagonista es la luz.
Su mayor logro es pintar como nadie el impacto deslumbrador del sol. Sorolla mantiene
en muchos de sus cuadros un dibujo poderoso y afronta problemas de composición y
movimiento. El estudio de Velázquez y Goya influye sin duda en él. De su obra
destacan sus escenas valencianas de playa y pesca, en las que con una técnica suelta de
mancha gruesa capta la vibración lumínica del cielo mediterráneo y sus brillos en las
velas desplegadas, en las arenas y sobre todo en los cuerpos mojados de los niños que
juegan en la orilla. El tema social se trata en el lienzo Aún dicen que el pescado es caro.
El Museo Sorolla de Madrid posee una colección maravillosa de este pintor.
5.- LA ESCULTURA. RODIN
En los años finales del siglo XIX el impresionismo influye también en la
escultura, alejándose de la repetición de los modelos clásicos.
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5. La personalidad de AUGUSTO RODIN (1840-1917) es una de las más grandes
de la historia de la escultura y desborda los límites del impresionismo, a pesar de lo cual
sus contemporáneos franceses rechazaron la mayoría de sus creaciones con excepción
de el Beso.
Sus estudios de modelado con Carpeaux le enseñan a plasmar el movimiento;
pero son dos viajes los que definitivamente conforman su estilo. Un viaje a Bélgica,
para decorar en equipo la Bolsa de Bruselas, le descubre el barroco flamenco, el
naturalismo y la vida que bulle en las obras de Rubens y los bodegonistas. En 1875
viaja a Italia y puede venerar la obra de Miguel Ángel, cuya terribilitá le seduce
definitivamente. También de éste aprendió la belleza de lo inacabado, dejando
deliberadamente a veces inconclusas partes de algunas de sus obras. Su arte rompe
todos los cánones académicos, y mientras los críticos le defienden y conquista encargos
oficiales, el público se burla de sus creaciones más personales. En el arte de Rodin se
funden la técnica impresionista, la rugosidad de las superficies y la multiplicación
de planos. Con ello obtiene unos efectos de luz que dan una vida profunda y una fuerza
colosal a las figuras.
En 1864 esculpe su Hombre de la nariz rota, de una fealdad intencionada que
fue rechazada por los academicistas. De esa época es la Edad del Bronce, de una
realismo que fue acusado de ser un vaciado de un cuerpo humano real, procedimiento
clandestino que empleaban algunos escultores. El escultor pudo demostrar la falsedad
de las acusaciones.
En las Puertas del Infierno, emplea un considerable número de figuras, de
pequeño tamaño. Parece que se inspiró en el libro del Infierno, de la Divina Comedia de
Dante. En el Pensador parece representar a Dante. En esta obra la influencia
miguelangelesca se refleja con mayor intensidad.
En 1884, la ciudad de Calais le encarga un monumento para conmemorar en
quinto aniversario de la liberación de los ingleses. Para realizar los Burgueses de
Calais, Rodin se documentó sobre este hecho histórico. El rey inglés prometió liberar la
ciudad si seis de sus ciudadanos más ilustres se entregaban. Es el momento que refleja
el grupo escultórico. Los seis burgueses descalzos, sin camisa, se disponen a entregar
las llaves de la ciudad. Cada uno representa un estado anímico. El grupo es novedoso en
la forma de emplazarse en el espacio urbano, sin pedestal, a nivel de suelo para que el
espectador se introduzca en la escena que acontece.
Numerosos retratos salieron de sus manos, que son también retratos interiores
del representado. Entre ellos destaca el de Víctor Hugo o el monumento a Balzac.
Para realizar este último viajó a la localidad en donde Balzac había vivido para obtener
la más completa información sobre él. La técnica empleada es totalmente impresionista
con profundos huecos abiertos en la materia, que incluso recuerda la técnica usada por
Goya en la pintura.
Otras de sus obras más reproducidas son el Beso (1886) o la Catedral., dos
manos en posición orante con un gran simbolismo.
La escultura del siglo XX tiene su punto de partida en este extraordinario
creador. Sus numerosos seguidores así como las imitaciones y falsificaciones de su obra
han producido una influencia decisiva en la escultura posterior.
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