Pinturas del Renacimiento italiano: Fra Angélico, Masaccio, Mantegna y otros

Comentario de imágenes del Renacimiento
(… y Parte 4)
20. LA ANUNCIACIÓN (FRA ANGÉLICO, 1430-1432)
Es la tabla central de un retablo. Las dos figuras se disponen bajo una arquitectura
propiamente renacentista, con un rayo de luz, que parte de la mano de Dios y la paloma
del espíritu santo dirigiéndose a María. A la izquierda aparece un jardín donde están Adán
y Eva, al ser expulsados del paraíso. La trinidad se completa con el busto de Jesús,
representado en el medallón central.
El tema es de fuerte arraigo en Florencia. Muestra novedades del renacimiento como la
perspectiva que da profundidad en el jardín y la habitación abierta de María. En la predela
aparecen escenas de la vida de la Virgen.
Se trata de una obra que utiliza nuevos recursos de la pintura del renacimiento como la
perspectiva, con otros del pasado gótico como los dorados o el tratamiento del tema de la
anunciación.
El cuadro fue pintado para la Iglesia de Santo Domingo (Florencia). Llegó a España como
regalo al Duque de Lerma, valido de Felipe III, y actualmente se expone en el Museo del
Prado.
Giovanni da Fiesole (1387-1455) se caracteriza por sus pinturas de suave luz, de ahí su
sobrenombre de FRA ANGÉLICO. Entendía el arte como medio de comunicación con
Dios y fue beatificado por Juan Pablo II. Trabajó principalmente como decorador del
convento de San Marco en el que residió y en el Vaticano.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento
italiano), Título/Obra (La Anunciación), Autor (Fra Angélico), Situación (Museo del Prado,
España), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Fra Angélico cronológica y
estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia
obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el
Arte).
21. LA TRINIDAD (MASACCIO, 1427)
Fresco en Santa Mª Novella (Florencia) siendo una de las primeras veces que se hace
uso de la perspectiva lineal. La composición se flanquea con dos pilastras y arco con
enjutas. En el centro, Dios-padre ofreciendo a su hijo. Jesús crucificado, y entre ellos, la
paloma del espíritu santo (completándose la Trinidad). A los lados, San Juan y la Virgen
que miran hacia fuera de la escena. Fuera del espacio arquitectónico, dos figuras
(donantes) arrodillados, y en la zona baja, un altar con un sarcófago y un esqueleto,
símbolo de la muerte inevitable, y la leyenda: FUI LO QUE TÚ ERES Y LO QUE YO SOY
TÚ SERÁS.
La obra se caracteriza por sus grandes contrastes cromáticos, la unidad de toda la
composición y el perfecto uso de la perspectiva lineal.
Tommaso di Ser Giovanni, llamado MASACCIO (1401-1429) fue en su corta vida uno de
los primeros revolucionarios de la pintura del Renacimiento. Muy admirado por sus
coetáneos, desarrolló con sus estudios de matemáticas, el uso de la perspectiva.
italiano), Título/Obra (La Trinidad), Autor (Masaccio), Situación (Iglesia de Santa María
Novella en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, sobre todo con el
precedente de Giotto, situando a Masaccio cronológica y estilísticamente comparándolo
con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del

renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva
sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

22. CRISTO YACENTE (MANTEGNA, 1480)
En esta obra, el pintor de Pádova demuestra un claro ejemplo de las características de
sus obras inspirado en Donatello, sus figuras son escultóricas, pétreas.
Mantegna sorprendió y escandalizó con este alarde de dominio de la perspectiva y la
proyección geométrica. Aplicando leyes matemáticas, Mantegna dibujó un cuerpo según
el canon renacentista, perfectamente proporcionado, y lo proyectó hacia un punto de fuga
central que nos muestra un violento escorzo del cadáver de Cristo. La muerte se abalanza
sobre el espectador, que pueden contemplar simultáneamente las llagas de los pies, los
pliegues del sudario, el vientre hundido, las llagas de las manos y la patética faz de Jesús,
con los labios entreabiertos y la piel amoratada.
A los lados, la virgen María, San Juan y un tercer rostro anónimo lloran la muerte. Al
fondo una vasija de aceites que manifiesta el cercano entierro.
Considerada la obra maestra de Mategna se expone en la Pinacoteca de Brera (Milán).
ADREA MANTEGNA (1431-1506). Demostró siempre interés por la perspectiva. Trabajó
principalmente en Pádova y Mantua. Esta obra significa uno de los hitos más importantes
de la pintura universal.
italiano), Título/Obra (Cristo yacente), Autor (Mantegna), Situación (Pinacoteca de Brera
en Milán, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Mantegna cronológica y
estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia
Arte).

23. EL NACIMIENTO DE VENUS (BOTTICELLI, 1485)
El cuadro trata sobre la llegada de Venus, diosa del amor y la belleza, a la isla de Citerea
donde llegó tras nacer de la espuma del mar, según La Metamorfosis de Ovidio. En la
orilla, la primavera, una de las estaciones, la espera para arroparla con un manto. A la
izquierda, Céfiro, el viento del Oeste, abrazado a su esposa Flora, diosa de las flores
perpetuas soplan el viento que arranca las rosas.
La belleza es un don divino, el mito se convierte en expresión del neoplatonismo, según
el cual el ser humano debe buscar la unidad de la belleza, el amor y la verdad que en el
cuadro se identifican con los tres elementos (tierra, mar y aire) y la unidad en la figura de
Venus que metafóricamente llega a Florencia.
Pero no es solo una exaltación pagana de la belleza femenina; entre sus significados
implícitos se encuentra también el de la correspondencia entre el mito del nacimiento de
Venus desde el agua del mar y la idea cristiana del nacimiento del alma desde el agua del
bautismo. La belleza que el pintor quiere exaltar es, antes que nada, una belleza espiritual
y no física.
La obra destaca por sus colores suaves, la luz uniforme y los contornos nítidos. Las 4
figuras se interrelacionan. El viento sopla sobre Venus, que se desplaza hacia el abrazo
de la Primavera. El paisaje es un marco idealizado con la belleza de la diosa.
La obra supuestamente encargada por los Médicis, decoró la Villa de Castelo en
Florencia. Actualmente se expone en la Galería de los Uffizi.
SANDRO BOTTICELLI (1444-1510), se inició como orfebre hasta entrar en el taller de
Lippi. Recibió encargos de los Médicis y del Vaticano, donde pintó alguna pared de la

capilla sextina. Su obra se interesa más por la belleza y la idealización, técnicamente es
muy importante el dibujo y rescata los temas mitológicos para la pintura.
italiano), Título/Obra (Nacimiento de Venus), Autor (Sandro Botticelli), Situación (Galería
de los Ufizzi en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Botticelli
cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del
Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los
cambios de la Edad Moderna en el Arte).

24. ENTREGA DE LAS LLAVES A SAN PEDRO (PERUGINO, 1480-1481)
Su gran fama lo llevó a ser llamado por el Vaticano para decorar con frescos los muros
laterales de la capilla Sixtina, donde actuaron otros autores como Botticelli o Ghirlandaio,
con temas sobre la vida de Moisés y la de Cristo.
Perugino realiza este pasaje del evangelio de Mateo en el que Pedro, arrodillado frente a
Cristo, recibe las llaves del reino de los cielos, símbolo de la soberanía y del primer vicario
de Dios en la tierra. En el fondo para dar profundidad, el templo de Jerusalén con formas
renacentistas y dos arcos del triunfo que imitan al de Constantino. En segundo plano se
hallan descritos otros dos episodios evangélicos: pago del tributo y la tentativa de
lapidación de Cristo. En el personaje con la gorra negra y melena oscura se ha querido
ver un autorretrato del autor.
Pietro di Cistóforo, il PERUGINO (1448-1523) se formó en Florencia en el taller de
Verrochio, influenciado por Piero Della Francesca en cuanto a los fondos arquitectónicos y
paisajes. Maestro de Rafael, sus obras más importantes las hizo en las paredes de la
Capilla Sixtina.
italiano), Título/Obra (Entrega de las llaves a San Pedro), Autor (Il Perugino), Situación
(Capilla Sixtina en El Vaticano, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Perugino
cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del
Quattrocento y con la obra de Rafael, ya del Cinquecento, principalmente los Desposorios
de la Virgen), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
cambios de la Edad Moderna en el Arte).

25. LA VIRGEN DE LAS ROCAS (LEONARDO, 1483-1486)
Se trata de la primera versión que sobre el tema hace Leonardo (posteriormente en 1492,
realizará una nueva versión que se conserva en la National Gallery de Londres) destinada
para la Iglesia de San Francisco el Grande de Milán y que hoy se conserva en el Louvre
(París).
Es un perfecto ejemplo de armonía renacentista, englobando las figuras en una
composición triangular (considerada la más perfecta de la época), cuyo vértice es la
Virgen, a sus lados Jesús y San Juan niños, y al lado el ángel Uriel que señala quién es el
Mesías.
En esta obra se desarrolla ya perfectamente el sfumato, lo que se une a la luz tenebrosa
de la cueva, creando ese ambiente característico de luces difusas y contornos que se
difuminan que dan una mayor y más realista profundidad. Al uso de la perspectiva aérea,
añadir la depurada y virtuosa técnica del autor, como el trabajo magistral para la mano de
María.

Además es interesante por la relación psicológica y gestual de todos los personajes y que
redondea ese realismo que se buscaba.
LEONARDO DA VINCI (1452-1519) Destacó ampliamente en todos los campos del
saber. Inició su formación en el taller de Verrochio, y su actividad científica hizo que su
producción artística no fuera muy extensa. Destaca su faceta de pintor por la aportación
del nuevo sistema de perspectiva, la aérea, conseguida por la técnica del sfumato, de ahí
el aire misterioso de sus cuadros.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (La Virgen de las Rocas), Autor (Leonardo da Vinci), Situación
(Museo del Louvre en París, Francia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la
obra de los otros dos genios del Cinquecento, Rafael y Miguel Ángel), Influencia obra-
época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el
Arte).

26. LA GIOCONDA (LEONARDO, 1503-1505)
Tal vez el retrato más famoso del mundo, representa a la esposa de Francesco del
Giocondo, llamada Lisa y más conocida como Mona Lisa, aunque no está clara su
verdadera identidad.
Es un típico retrato renacentista de busto que se prolonga hasta los brazos, con una
composición triangular, tocada con un velo (símbolo de castidad propia de las esposas)
pero algunos elementos lo hace muy distintos.
Primero el uso del sfumato que envuelve a la figura en un halo de misterio. El paisaje que
lo enmarca es inquietante, parece independiente del retrato ya que la línea de horizonte
no coincide a ambos lados creando dos planos de visión. Además la expresión ha dado al
cuadro su fama mundial, el claroscuro en los ojos y la comisura de los labios le imprimen
una ambigüedad como si el tiempo se hubiera detenido en su misteriosa sonrisa.
El retrato fue encargado en 1503, pero no es seguro que Leonardo llegara a entregarlo,
ya que siguió retocándolo durante años. Adquirida por el rey Francisco I de Francia,
actualmente se conserva en el Museo del Louvre.
italiano), Título/Obra (Gioconda o Monna Lisa), Autor (Leonardo da Vinci), Situación
(Museo del Louvre en París, Francia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
Arte).

27. LA ÚLTIMA CENA (LEONARDO, 1494-1497)
Fresco para decorar el refectorio de la iglesia de Santa Mª delle Grazie (Milán) encargado
por Ludovico el Moro. Desgraciadamente, Leonardo experimentó con óleo sobre yeso y
de ahí su gran deterioro. Representa una escena horizontal de gran teatralidad. En el
centro Jesús, y sus lados, seis y seis apóstoles, agrupados de tres en tres. Destaca el
primer grupo a la derecha de Jesús, formado por Pedro que se inclina sobre San Juan, y
Judas Iscariote que termina de formar el grupo. La composición, que puede parecer
casual, está muy estudiada, destacando Jesús en el centro con composición triangular y
con espacio entre los apóstoles que lo hacen una figura aislada y destacada.
El momento es dramático, justo después de anunciar Jesús que va a ser traicionado por
uno de ellos.

Usa una arquitectura y ventanas por las que se aprecia el paisaje para dar profundidad,
pero la escena está iluminada por una luz artificial y uniforme en la que usa el sfumato.
italiano), Título/Obra (La Última Cena), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Santa Mª
delle Grazie en Milán, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
Arte).

28. MADONNA DEL GRAN DUQUE (RAFAEL, 1504)
Al poco tiempo de llegar a Florencia, Rafael pinta una serie de vírgenes con niño entre las
que destaca ésta, encargada por los Médicis. En el cuadro, aparece la Virgen con vestido
rojo y manto azul, de pie, sosteniendo al niño, sobre un fondo totalmente negro. Se trata
de una de las obras más sencillas del autor, donde sólo los cuerpos en una ligera rotación
se contraponen.
En Florencia, Rafael había aprendido el sfumato de Leonardo y lo aplica en el cuadro, que
junto a su maestría en el modelado, dan a sus personajes verdadera apariencia divina.
La obra fue adquirida en 1799 por Fernando III, Gran Duque de la Toscana, que jamás se
separaría de él en vida y pasó a formar parte de la colección del Palacio Pitti, donde se
expone en la actualidad.
italiano), Título/Obra (Madonna del Gran Duque), Autor (Rafael Sanzio), Situación
(Palacio Pitti en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-
Arte).

29. LA ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL, 1510-1511)
Forma parte de los frescos que Julio II encarga para decorar las estancias del Vaticano,
en concreto la Signatura, biblioteca privada del Papa. En ella, pinta La Disputa del
sacramento y la Escuela de Atenas.
La obra representa la filosofía, justo en la pared donde se situaban los libros de esta
materia. El espíritu del Renacimiento en búsqueda de la verdad, representando a los
sabios de la Antigüedad e identificándolos con los artistas del Renacimiento, dignificando
su labor.
La escena se desarrolla en un marco arquitectónico inspirado en los proyectos de
Bramante para San Pedro, con una perfecta perspectiva. En el centro las figuras de
Platón (retrato de Leonardo) sosteniendo el Timeo y Aristóteles con la Ética. Alrededor,
grupos de personajes entre los que destacan Miguel Ángel como Heráclito, pensativo
sobre un bloque de piedra.
Pitágoras (matemática y música) que escribe sobre una tabla, Diógenes que había
renunciado a todos los bienes, se despereza sobre la escalera. Sócrates explica sus
teorías a su discípulo, Alejandro Magno. Ptolomeo, de espalda sosteniendo el globo
terráqueo, y junto a él, mirando al espectador, el propio Rafael, junto a su maestro
Perugino, de blanco.

Con esta obra, Rafael cambia su estilo, su luz es diáfana, colores suaves y sus
composiciones son más dinámicas, con grupos de personajes que se mueven y adoptan
incluso posiciones forzadas que caminan hacia el manierismo.
RAFAEL SANZIO, de Urbino (1483-1520). Hijo de pintor se forma entre otros talleres en
el de Perugino. Primero trabaja en Florencia y aprende de Miguel Ángel (los cuerpos) y
Leonardo (esfumado).
En 1508, se traslada a Roma trabajando para el Vaticano como pintor (decorador y
retratista) y arquitecto. Murió repentinamente con 37 años, pero dejando un legado
suficiente para ser apodado el Divino.
italiano), Título/Obra (La Escuela de Atenas), Autor (Rafael Sanzio), Situación (Estancias
Vaticanas, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros
dos genios del Cinquecento, Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la
influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

30. LA CREACIÓN DE ADÁN (CAPILLA SIXTINA, MIGUEL ÁNGEL, 1508-1512)
Encargo de Julio II para la capilla levantada por Sixto IV, que ya estaba decorada en los
muros laterales con dos ciclos: La historia desde Moisés hasta Cristo y la historia a partir
de Cristo.
Para la bóveda Miguel Ángel concibe la historia desde la Creación hasta Moisés para
completar el ciclo narrativo.
Divide la bóveda de cañón con arcos fajones simulados en 9 tramos con escenas del
Antiguo Testamento, además dos falsas cornisas que dan resultado de recuadros con
temas secundarios (profetas y sibilas).
La escena más famosa es la Creación de Adán, representa el momento justo anterior,
Dios desde el cielo, envuelto en una nube de ángeles, se acerca Adán, que desde la
tierra, levanta su mano débil, para recibir la vida. Es una escena conmovedora que ha
pasado a la Historia como la imagen universal de Dios.
A pesar de no recibir el encargo con agrado, M.A. dedicó en exclusiva 4 años de su vida.
Realizó numerosos bocetos para imprimir a sus figuras la terribilitá de su escultura, figuras
forzadas, desequilibrantes, y volviendo triunfante al desnudo de la Antigüedad. Utilizó
colores manieristas, fuertes y luminosos, con pinceladas libres y enérgicas.
Miguel Ángel logró una obra descomunal, cumbre de la pintura de todos los tiempos.
italiano), Título/Obra (La Creación de Adán), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación
(Capilla Sixtina, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Rafael, y con la pintura
Manierista), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina,
el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad
Moderna en el Arte).

31. EL JUICIO FINAL (CAPILLA SIXTINA MIGUEL ÁNGEL, 1535-1541)
Gracias al maravilloso resultado de la obra de Miguel Ángel en la bóveda de la capilla,
años más tarde los papas Clemente VII y Pablo III le encargan pintar el testero de la
capilla con el tema del Juicio Final. Inspirándose en obras como el Apocalipsis de San
Juan y la Divina Comedia de Dante, el autor inicia la obra.

La composición son dos planos superpuestos: arriba el cielo, abajo la Tierra. Toda la
escena está en movimiento en torno a la figura central de Dios, como un dios clásico. La
profundidad desaparece y todo se desarrolla en un cielo azulado con figuras en primer
plano que destacan por sus desnudos volumétricos y expresivos (como las esculturas de
su autor).
En el centro Cristo Juez, junto a María, dictamina el destino de los hombres. Rodeado de
Apóstoles y Santos, algunos identificables por sus atributos, y bajo ellos, los ángeles. En
el plano terrestre, a la derecha de Dios, los bienaventurados ascienden al cielo (algunos
resucitan), mientras a la izquierda, los condenados son arrojados a las tinieblas,
trasladados en la barca de Caronte, y entre ellos el rey Minos, juez infernal y rey
despiadado.
Toda la composición es un torbellino que se aleja del orden y serenidad renacentistas, el
repertorio de formas es la principal fuente de inspiración del manierismo y el color destaca
por su oposición a cualquier armonía, vivos y contrastando luces y sombras.
Antes de ser acabada la obra fue criticada por los prelados del Papa, ya que sus
desnudos no eran dignos del lugar. Miguel Ángel no respondió, sólo pintó, y representó al
más vehemente de sus críticos, Blas de Cesena, en el rostro del rey Minos, y él se
autorretrató en la piel desollada de San Bartolomé.
En 1541, se mostró el resultado final y sólo cinco años después se censuraron los
desnudos, encargándose a Daniel de Volterra tapar las vergüenzas de las figuras, lo que
le valió el apodo de Il Braghetone.
italiano), Título/Obra (El Juicio Final), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación (Capilla
Sixtina, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros
dos genios del Cinquecento, Leonardo y Rafael, y con la pintura Manierista), Influencia
Arte).

32. CARLOS V A CABALLO EN MÜHLBERG (TIZIANO, 1548)
Es un retrato ecuestre donde se muestra al emperador como un soldado de Cristo en
lucha contra el protestantismo. Tras la victoria en 1548, encarga este cuadro a Tiziano.
Siguiendo una composición clásica que rememora antiguos retratos romanos, el autor
hace un estudio profundamente psicológico del personaje que se muestra sereno e
impasible. Con rigor histórico pinta con todo detalle la valiosa armadura de Carlos V
tallada en oro y plata. Tras él, se abre un bosque de luz rojiza frente al río Elba donde se
desarrolló la batalla.
Tiziano protegido por Carlos V y su hijo Felipe II, fue el retratista oficial de la Casa Real
Española. Maestro del color y captación de la psicología del retratado, sus obras están
llenas de solemnidad. También para la monarquía española pintó cuadros mitológicos y
religiosos, por ello, que muchas de sus obras como ésta se expongan en el Museo del
Prado.
italiano, Escuela Veneciana), Título/Obra (Carlos V en Mülberg), Autor (Tiziano Vecellio),
Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura del Quattrocento y Cinquecento en
Italia, situando además a Tiziano cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra

de otros pintores de la Escuela Veneciana y haciendo mención a su influencia posterior en
el Barroco), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina,

33. VENUS DE URBINO (TIZIANO, 1538)
Encargada a Tiziano en 1538, destaca un juego de planos original que acentúa la
profundidad. Con un cortinaje, divide la escena en dos. En primer plano, desnuda y
acostada la Venus se muestra en plenitud erótica, de texturas cálidas y color pastoso que
resalta sobre el cortinaje oscuro y aterciopelado. A su lado, un pequeño perro, símbolo de
la fidelidad, aparece dormido. En una segunda escena, dos mujeres permanecen ajenas
en sus quehaceres y con ellas se abre un callejón perspectivo que aumenta con la
ventana abierta en la pared.
Inspirada en la Venus del Giorgione, ahora la diosa se muestra orgullosa de su belleza y
desnudez y mira directamente al espectador. La obra que será inspiración de muchos
artistas posteriores como Manet, se expone en la Galería de los Ufizzi.
TIZIANO (1490-1576): Su vida fue larga así como su producción. Principal pintor de la
Venecia del s. XVI, cultivó diversos géneros pero destacó en el retrato. Influenciado tras
conocer las pinturas de Miguel Ángel, su sello de identidad lo da el color que usa con
libertad plena, espléndido y expresionista de gran influencia posterior.
italiano, Escuela Veneciana), Título/Obra (Venus de Urbino), Autor (Tiziano Vecellio),
Situación (Galería de los Ufizzi en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época
histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura del Quattrocento y
Cinquecento en Italia, situando además a Tiziano cronológica y estilísticamente
comparándolo con la obra de otros pintores de la Escuela Veneciana, especialmente
Giorgione), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina,

34. EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ (EL GRECO, 1586-1588)
Se trata de una obra de gran formato encargada por la parroquia de Santo Tomé de
Toledo, donde se expone aún hoy. Conmemoran la muerte de Gonzalo Ruiz, Conde de
Orgaz, benefactor del templo y muerto 250 años antes de pintarse la obra, en cuyo
entierro aconteció el milagro de la aparición de San Esteban (diácono) y San Agustín
(obispo) que desde el cielo descendieron para darle sepultura.
La escena se divide en dos partes, recurso muy usado por el Greco.
La superior o celestial, forma un arco donde Cristo y la Virgen presiden el entierro,
acompañados de santos y bienaventurados entre los que se ha identificado a Felipe II. En
la parte inferior terrenal, los santos vestidos con ropas litúrgicas sostienen el cadáver del
conde, rodeados de los asistentes al funeral donde el autor hace una galería de retratos
del Toledo de la época, entre los que están el de su hijo y él mismo, mirando al
espectador. Todos dispuestos como un friso a la misma altura que marca una línea de
separación con el cielo, con el que se une solamente con la figura de un ángel que porta
el alma del difunto.
Técnicamente, también hay diferencias entre la parte inferior más realista, y la superior
propiamente manierista con pinceladas sueltas, figuras ingrávidas y luces fantasmales,
expresando a la perfección el contraste entre la tierra y el cielo.

No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Bajo
Renacimiento en España), Título/Obra (Entierro del Señor de Orgaz), Autor (El Greco),
Situación (Iglesia de Santo Tomé en Toledo, España), Cronología (siglo XVI), Época
histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (situar la obra de El Greco
cronológica y estilísticamente mencionando las distintas influencias tras su paso por
Creta, Venecia, Roma y España y las características debidas exclusivamente a la
genialidad del pintor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo mención a las peculiaridades
renacentistas españolas por la fuerte religiosidad).

35. EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO (EL GRECO, 1577-1579)
Se trata de uno de los retratos más conocidos que El Greco hizo de la sociedad toledana
de su época. La identidad del caballero ha suscitado numerosas hipótesis, lo más seguro
es que se trate de Juan de Silva, marqués de Montemayor, notable mayor de Toledo y
caballero de la Orden de Santiago, ya que tras ser restaurado el cuadro se aprecia una
deformidad en el hombro izquierdo, ya que Silva fue herido por un disparo.
Su pose es hierática. La luz sólo ilumina el rostro y la mano que a modo de juramento se
posa sobre el pecho. Contrasta con el fondo y ropaje oscuro, aunque permite apreciar la
riqueza de su ropa, el medallón de oro que le cuelga y la espada dorada toledana,
resultando la representación clásica del hombre del Siglo de Oro español.
EL GRECO: Doménico Theotocopoulos (Creta, 1541-Toledo, 1614) Aprendió en su tierra
las formas bizantinas. En Venecia aprendió los colores de su escuela. Después en Roma
estudió las formas manieristas de las figuras de Miguel Ángel. Llegó a España para
participar en la decoración de El Escorial, pero fue rechazado por Felipe II, tal vez por su
muy revolucionaria pintura. Instalado en Toledo hasta su muerte, alcanzará el éxito,
convirtiéndose en el mejor ejemplo de pintura manierista del arte español.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Bajo
Renacimiento en España), Título/Obra (El Caballero de la mano en el pecho), Autor (El
Greco), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVI), Época
histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (situar la obra de El Greco
cronológica y estilísticamente mencionando las distintas influencias tras su paso por
Creta, Venecia, Roma y España y las características debidas exclusivamente a la
genialidad del pintor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo mención a las peculiaridades
renacentistas españolas).

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