Antropologia trabajo 4to periodo

1. VANGUARDIAS del siglo XXLos ismos Leslie Vazquez 25361 2002 4to Periodo

4. El Fauvismo Maurice Vlaminck, Restaurante de laMachine a Bougival. (1905)

5. En 1906 el grupo liderado por Henri Matisse (1869 – 1954) expuso en el Salón de los Independientes de París. En esta exposición, el crítico de arte Louis Wauxcelles los describió como “fauves” (“fieras”, por la violencia cromática de su obras). Este grupo tuvo una breve existencia ya que la mayoría de sus miembros pasaron a otros estilos. Vista de Colliure, Henri Matisse, 1905 El fauvismo representó el nacimiento de la escuela de París y compartió la responsabilidad de crear un arte del siglo XX. El Fauvismo podría estar situado a la mitad del camino entre el impresionismo y el expresionismo .

6. FAUVISMO Fauvismo, (Fauvisme francés), prosperó en Francia a partir de 1898 a 1908. Henri Matisse fue el líder del movimiento. Los pintores Fauvistas utilizaron color puro, brillante, aplicado derecho de los tubos de la pintura en una manera agresiva, directa crear un sentido de una explosión en la lona (masa de color). Sus trabajos fueron envueltos en una reacción expresiva fuerte ante los temas que pintaron.

8. Plasmación de lo real de manera subjetiva: el artista trata de captar lo esencial interpretando la naturaleza y sometiéndola al espíritu del cuadro.

9. Énfasis cromático mediante colores puros, saturados, principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y sin referencia al tema o a su figura.

10. Eliminación de la perspectiva espacial.

11. Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana).

12. Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva e intuitiva, con predominio de colores complementarios.

14. Las obras de Vincent Van Gogh expuestas en 1901 tuvieron un gran impacto en la formación del grupo por el fervor de su color y la fuerza emotiva de sus formas. La casa amarilla, Vincent Van Gogh, 1888 Otra influencia importante seria Paul Gauguin, que en 1889 se estaba acercando a un estilo que combinaría la espontaneidad, el misticismo y un completo desdén por la fidelidad a la naturaleza” con el uso de colores no descriptivos. El Cristo Amarillo, Paul Gauguin, 1889

15. Bathers, André Derain, 1907 El pintor fauvista expresa en sus obras su sensibilidad, aquello que le produce sensaciones. Los artistas no tienen ninguna relación exclusiva con ninguna clase especial de temática; pintan paisajes, bodegones, retratos… Los àrboles, André Derain, 1908 Utilizan los colores planos en forma de manchas de gran intensidad no para sugerir sino para expresar. El fauvismo se llegó a conocer como el uso nada inhibido del color con la intención de definir la forma y expresar el sentimiento.

16. Henri Matisse, desde la época de 1906 comenzaría a producir sus obras más espectaculares, con una evolución continua del color y una libertad total para percibir la realidad Armonía en Rojo, Henri Matisse, 1908 Entre los vinculados a Matisse a principios de siglo, el más íntimo fue Albert Marquet (1875 – 1947). Marquet evitaba los colores brillantes y puros de Matisse y se mantenía más próximo a realidad Vista de Argel, Albert Marquet, 1904

17. André Derain (1880 - 1954) formó parte de los fauves, usó el color directamente del tubo aplicado en líneas cortadas por pinceladas rápidas e impetuosas. Barcos en Colliure, AndreDerain, 1905 Su descubrimiento del uso emotivo del color debe tanto a los puntillistas como a Van Gogh, creando obras de una lucidez organizada, admirables por su coherencia emocional. El arrabal de Colliure, André Derain 1905

18. El río, André Derain,1904 La experiencia Fauve representó para numerosos artistas un periodo de liberación. El escape de las convenciones del realismo y de los límites de la paleta convencional. Esto produjo una toma de conciencia, sobre lo cual se construirían las futuras carreras: la que el artista debía dedicarse a su propia visión personal y a la creación de un mundo que fuera controlado por él mismo.

19. Expresionismo

20. El expresionismo surge en Alemania en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía nietzschena (llena de nihilismo) y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla.El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes. Paul Gauguin, Espíritu de la muerte observando, 1892. óleo 72.4x92.4 Vincent Van Gogh, Noche estrellada 1889. Óleo sobre tela 29 x 36 ¼ pulgadas

21. En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos. El primero se desarolla en Dresde, a raíz de la constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El Puente), y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está protagonizado por el grupo DerBlaueReiter (El jinete azul), del que surgirá la primera pintura abstracta; el tercero se desarrolla en el período de entre guerras (desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el nazismo) y está unido al concepto de "NeueSachlichkeit" (nueva objetividad), con un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los otros grupos citados. El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.

23. Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.

24. Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).

25. Utilización del color y el trazo para expresar simbólicamente estados de ánimo.

26. Destrucción del espacio tridimensional.Aglomeración de formas y figuras.

28. Oskar Kokoschka.La Tempestad(1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm. Öffentliche Kunstsammlung. Basilea EmileNolde. La última Cena (1909)

29. CUBISMO Pablo Ruiz Picasso: “Guernica”

31. Su origen gira en torno a 1907 en Francia. Inicia con la obra de Picasso “Las Señoritas de Avignon”. No utiliza la perspectiva convencional ni los colores de la realidad ni un punto de vista único. Utilizan tonos neutros: grises, blancos, verdes claros. Tratan de obtener la cuarta dimensión a partir de la suma de todas las perspectivas. Se caracteriza por el empleo y el dominio sobre otros conceptos de figuras geométricas No introducen automóviles o trenes. Presenta los objetos tal y como son concebidos por la mente y como existen, no como son vistos. Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza. Ausencia de profundidad espacial.

34. Presenta una descomposición de objetos simples en colores ocre, verde oscuro y gris.

35. Descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes.

37. Es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto.

38. Técnica del collage.

40. Pintores Cubistas: Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm.óleo sobre lienzo, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.

41. George Braque: Juan Gris: “ El bodegón de la guitarra” “Naturaleza muerta”

42. Fernando Leger: “ Los discos de la ciudad”

43. Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm., óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid. Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo, MuseoNacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

44. Pablo Picasso . MaJolie (Womanwith Guitar) (1911-12) Pablo Picasso . El poeta (1910)

45. GeorgesBraqueCasas en L´Estaque, 1908óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm, Kunstmuseum Bern. Georges Braque. Viaducto en L’estaque. 1908. GeorgesBraque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.

46. FUTURISMO

47. El Futurismo, (Futurismo italiano) era un movimiento artístico temprano del siglo XX que se centró en Italia y acentuó el dinamismo, la velocidad, la energía de la máquina y de la vitalidad, del cambio, y la vida rápida moderna en general. El nombre Futurismo, acuñado por el poeta italiano y redactor Filippo Tommaso Marinetti, reflejó su énfasis en el desecho de lo que él concibió para ser el estático y arte inaplicable del pasado, y celebrando el cambio, la originalidad, y la innovación en cultura y sociedad.

48. En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

50. Arte Abstracto

51. WassiliKandinsky es el iniciador de la abstracción. La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario. La primera etapa de la abstracción (1900-1914) la representa Kandinsky. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le importa la mancha de color y la expresión. Con Malevich y el Suprematismo se va caminando hacia una plástica pura en las artes figurativas. El uso restringido del color y las formas simples, caracterizan el Suprematismo. Después Rodchenko siguió la misma línea.

52. Wassily Kandinsky.Composición VII. Óleo sobrelienzo.195 x 300 cm.Galería Estatal Tretjakov. Moscú.

53. KasimirMalevich: SuprematistComposition, White on White (1918) Wassily Kandinsky.Upwards, 1929.

54. Kasimir Malevich Suprematism.1915Stedelijk Museum, Amsterdam

55. Dadaísmo Jean Arp, Overturned Blue ShoewithTwoHeelsUnder a Black Vault, 1925, Madera Pintada

56. El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922. Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta rumano TristanTzara. Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York, donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados ready-mades). A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este movimiento evolucionaron hacia el surrealismo.

58. Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.

59. Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.

60. Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).

61. Auge del disparate.

62. Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades: Término utilizado por Marcel Duchamp para designar los objetos del entorno (un botellero metálico, un urinario, una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en si mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de objetos artísticos

64. En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes. Sin informar a nadie, el propio Duchamp envió para exponer en esa exposición este urinario de porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al jurado y el incidente causó un escándalo que sacudió al mundo del arte.

65. KurtSchwittersMerz 199-2, 1921 Francis PicabiaParada Amorosa, 1917, Acuarela Hannah Hoch, PrettyMaiden, 1920

66. SURREALISMO

67. El “ Ismo” cuya preocupación central es el subconciente de la mente es el Surrealismo Surrealismo - significa “más allá de lo verdadero”. El término fue inventado por Apollinaire en 1917 Los Surrealistas utilizaron a menudo sueños como fuente de la inspiración. La obra de los relojes es de Salvador Dalí “La Persistencia de la memoria” El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro. La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa.

69. Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.

70. Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse.

71. Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa.

72. Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.

73. Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales.

74. Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc.

75. Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías).

76. Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.

77. Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí).

78. Utilización del claroscuro y del color modelado.

80. Salvador Dalí, Crucifixión o Corpus Hipercubicus, 1954, 194.5 x 124 cm., óleo sobre lienzo, MetropolitanMuseum, New York. Salvador Dalí.Sueño Causado por el Vuelo de una Abeja en Torno a una Granada un Segundo antes de Despertar, 1931, 51 x 41 cm., óleo sobre lienzo

81. René Magritte. La condición humana (1933) NationalGallery of Art, Washington René MagritteEl dominio de Arnheim (1949)

82. René Magritte. El imperio de las luces (1954) Museo Peggy Guggenheim. Venecia. René Magritte. El castillo de los Pirineos (1959)

83. Joan Miró -TheSkiingLesson- 1966 Joan Miró. Nocturno (1940).

85. MINIMALISMO

86. El Minimalismo era una tendencia en la pintura y la escultura que se desarrolló sobre todo en los EE.UU. durante los años 60 y los años 70, planteando la idea de reducir una obra de arte al número mínimo de colores. Valora las formas, las líneas y las texturas. No se hace ninguna tentativa de representar o de simbolizar ningún otro objeto o experiencia anecdótica. Es arte experimental, intentando descubrir los límites de la simplicidad al usar los elementos del diseño de la imagen. Mientras que el nombre implica, el arte Minimalista, él es puramente abstracto, objetivo y anónimo, libre de la decoración superficial o del gesto expresivo. Minimalismo se puede ver como reacción contra la emotividad y el Expresionismo abstracto.

87. Neoplasticismo

88. Surge en Holanda en 1917.El neoplasticismo o movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética renovadora basada en la depuración formal.El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente claro en la frase programática de uno de sus creadores, Doesburg, que dijo: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo”PietMondrian fue quien formuló las bases teóricas de la nueva estética y que posteriormente denominaría "Neoplasticismo".

90. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.

91. Planteamiento totalmente racionalista.

92. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.

93. Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.

94. Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).

96. Action - Painting

97. Término acuñado por el crítico norteamericano Harold Rosenberg, para designar una técnica pictórica gestual, que consiste en aplicar el color directamente sobre un lienzo extendido en el suelo, mediante el procedimiento conocido como dripping o "chorreo". El ActionPainting es una corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un “espacio de acción” y no en la mera reproducción de la realidad. El ActionPainting tiene sus orígenes en las creaciones automáticas de los surrealistas; por ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson.

98. Jackson Pollock. Número 8 (1949). Jackson Pollock. Número 1 (1949)

99. Op Art

100. Surge en EE.UU. hacia 1958. La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló "TheResponsiveEye" (El ojo sensible). Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos ópticos se remontan al año 1932, recibió el primer premio de la Bienal de São Paulo. El Op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos críticos lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento de este estilo artístico.

102. Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente, muaré) mediante tramados, líneas sinuosas paralelas, cambios de tamaño, inversiones de figura y fondo, seriaciones, repetición y multiplicación de estructuras, combinaciones de formas y figuras ambiguas .

103. Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos y en variación.

104. Participación del observador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.

105. Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecablemente lisos y uniformes.

107. Pop Art

108. Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta.El término de “Pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas.La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general.Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público.En Europa, una tendencia relacionada con el pop norteamericano recibe el nombre de "nouveau realismo" (nuevo realismo).

109. POPULAR ART/ POP ART Durante el período del arte pop, el pretentiousness del arte de la galería fue desafiado, y el acercamiento épico fue substituido por una celebración del diario vivir; los diseños y los productos producidos en serie de la cultura del consumidor. Los medios y la publicidad eran temas favoritos para las celebraciones a menudo ingeniosas del arte pop de la sociedad de consumidor. Era una nueva manera de mirar los iconos temerarios, ordinarios del supermercado, las películas y los compartimientos brillantes.

110. POPULAR ART/ POP ART Quizás el artista más grande del estallido, cuyas innovaciones han afectado tanto al arte subsecuentemente, era el artista americano, Andy Warhol (1928-87). Los artistas del estallido reaccionaron contra el Expresionista abstracto que los juzgaban de ser pretentious y sobre-intenso. El arte pop trajo arte de nuevo a las realidades materiales de la vida diaria, a la cultura popular, en la cual las gentes normales derivaron la mayoría de su placer visual - de la televisión, de los compartimientos, o de los tebeos.

112. Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

113. Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

115. Robert RauschenbergRétroactive 2. 1964Sérigraphie et peinture à l'huileGalerieLLenaSonabend, Paris Robert Rauschenberg. Trophy II (forTeeny and Marcel Duchamp), 1960oil, charcoal, paper, fabric, metal oncanvas, drinkingglass (not original), metal chain, spoon90 x 118 in.

116. Tom Wesselmann: Great American Nude No. 98, 1967 Jasper Johns. Flag(1954)

117. RoyLichtenstein,El beso. RoyLichtensteinWoman in Bath, 1963Oiloncanvas171 x 171 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid