1) El expresionismo abstracto surge después de la Segunda Guerra Mundial y se caracteriza por la acción painting, donde el artista pinta directamente sobre el lienzo usando sus manos y materiales. 2) Jackson Pollock fue el máximo representante del dripping, donde dejaba gotear la pintura directamente desde el tubo sobre el lienzo colocado en el suelo. 3) El pop art recuperó los objetos cotidianos y las imágenes de la publicidad para aplicarlos al arte, siendo Andy Warhol el máximo exponente con sus serigrafías de lat

2. EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO.EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO.
Surge después de la Segunda Guerra Mundial.
Peculiar elaboración de las obras: pintura en acción: la
action painting. El artista pinta con las manos, deja gotear,
arrastra, esculpe materiales que se secan en la tela.
Se buscan texturas y combinación de materiales,
collages.
Nuevas técnicas como el dripping: administrar
directamente la pintura desde el tubo.

3. J. POLLOCKJ. POLLOCK
La obra de Picasso despertó gran admiración en Pollock.
De los muralistas mexicanos tomo la obsesión por el gran formato y la
intensa expresividad.
Los surrealistas le ayudaron a explorar nuevos caminos pictóricos .
Hacia 1947 había concretado su estilo: abstracciones libres, informales,
basadas en una técnica de goteo y manchones sobre el lienzo.
Para entender su lenguaje pictórico hay que conocer al artista: fue un
rebelde empeñado en triunfar con la abstracción pura, un neurótico que sufrió
importantes depresiones, un mujeriego y un alcohólico violento, grosero e
irreverente.

4. J. POLLOCKJ. POLLOCK
Máximo representante de la Action Painting, según la cual hay que realizar la
pintura en un mínimo tiempo, gracias al desarrollo de una acción gestual rápida
sobre el lienzo. Para conseguir este resultado empleaba la técnica del dripping
(goteo), que consiste en hacer gotear o salpicar la pintura sobre la tela sin
tensar, colocada en el suelo. Y en lugar de pinceles, utilizaba palos, cucharas y
botes agujereados.
En el momento de pintar, Pollock ejecutaba una especie de ballet onírico y
salvaje en torno a una tela mientras escuchaba música a todo volumen.
Después de la II Guerra Mundial, con Pollock y De Kooning, la capitalidad
artística mundial se desplazó de París a Nueva York; era la primera vez que se
situaba fuera de Europa.

5. Composición núm. 1. J. Pollock
En Composición núm. 1 se aprecia cómo las líneas negras y blancas, que
parecen adquirir velocidad, se entrecruzan con diversa intensidad sobre un
fondo de manchas de diferentes colores (ocres, grises,…).
Los trazos son enérgicos, producto de la violencia gestual con que han sido
realizados.
La pintura se distribuye en formas siempre irrepetibles: siluetas, grumos,
gotas …
Esta tela es un rico arabesco de complicadas filigranas que crean masas de
diferente densidad.

6. Composiciónnúm.1.J.Pollock Proceso de creación.

7. Composición núm. 1. J. Pollock

8. Composición núm. 1. J. Pollock
Esta obra se ejecuta como estilo all-over, denominado así porque llena toda
la superficie del soporte y evita la existencia de un único centro de atención y
de una jerarquía de formas.
La obra está constituida por un trazado de finas líneas que se superponen
unas encima de otras, de manera que el cuadro no parece tener límites.
Pollock titulaba sus cuadros al final del proceso creativo y para no influir en
el espectador, prefería darles un número, llamarlos sin ti tulo o referirse a
ellos por la fecha de creación.

9. Ritmo de Otoño nº 30. J. Pollock

10. Untitled nº 2. J. Pollock

11. EL INFORMALISMO . (M. Millares)EL INFORMALISMO . (M. Millares)
El Informalismo es una corriente que surge en Francia y luego se
extendería por toda Europa, ejerciendo una muy fuerte influencia en España.
Las diversas teorías existencialistas que plantearon Jean Paul Sartre y Martín
Heidegger, resaltando la libertad completa del artista para expresar sus
vivencias y emociones revolucionarían el arte a mediados del siglo XX.
Este movimiento pictórico se oponía a las tendencias existentes, como el
cubismo, donde el rigor geométrico es el eje central de las obras. Por el
contrario, el informalismo lo rechaza completamente, prescindiendo de la
voluntad formal y proponiendo la creación según los ritmos que nuestro
instinto nos dicta, plasmándolo en manchas de color y gran cantidad de
líneas entremezcladas entre sí.
La forma no importa lo que importa es la materia, su consistencia, su
textura y los cambios que se puedan conseguir con ella.
Grupos de artistas como El Paso: Saura, Millares.

12. M. MillaresM. Millares
El arte de Millares es ante todo el de la transmutación de la materia, pues lacera, mutila y
perfora la tela, mientras sus «arpilleras» simbolizan una humanidad tan cínica como
violenta.
Costuras, suturas y nudos transforman al cuadro en receptáculo de un univer­so de
desechos y desperdicios donde se patentiza la acusación contra el univer­so humano e
industrial.
El cromatismo, limitado al negro, al rojo y al blanco, exaspera las tensiones plasmadas
sobre el lienzo perforado.

13. Cuadro 57, M. Millares

14. Cuadro 77, M. Millares

15. Arpillera, M. Millares

16. Serie de Homúnculos, M. Millares

17. Serie de Homúnculos, M. Millares

18. Serie de Homúnculos, M. Millares

19. Serie de Homúnculos, M. Millares

20. Grande Équerre, A. Tàpies

21. Litografía/Collage, A. Tàpies

22. Crucifixión, A. Saura

23. El Grito núm. 7, A. Saura

24. Retrato imaginario de Brigitte Bardot, A. Saura

25. EL MINIMAL ART. R. MORRIS.EL MINIMAL ART. R. MORRIS.
Abstracción geométrica. Inspirados en Mondrian.
Se tiende a reducir al máximo los elementos de la obra.
Colores planos, formas geométricas, repetición de formas.
Sencillez en la composición.
El minimal-art es, básicamente, una tendencia escultórica, en la que se
tiende a reducir al máximo los elementos de la obra.
En pintura se utilizan colores planos, formas geométricas y composiciones
sencillas.
En la escultura se consigue reduciendo el cuerpo escultórico a simples
formas, también geométricas, de colores planos, y repitiendo
sistemáticamente la forma elegida.
Se prefieren materiales industriales, como el acero inoxidable, la formica,
los plásticos o los conglomerados, aunque siempre buscando la mínima
expresión compositiva.

26. Robert Morris.

27. Robert Morris.

28. Labyrinth, R. Morris.

29. R. Morris.

30. Observatory, R. Morris.

31. Observatory, R. Morris.

32. Observatory, R. Morris.

33. Observatory, R. Morris.

34. Installation in the Green Gallery, New York, R. Morris.

35. Clara, Clara, Richard Sierra, 1984.

36. Clara, Clara, Richard Sierra, 1984.

37. Clara, Clara, Richard Sierra, 1984.

38. Donald Judd

39. Donald Judd

40. El pop-art quiere recuperar lo cotidiano, el vocabulario de los
símbolos ya familiares para el gran público, y aplicarlo al campo del
arte.
Los seguidores del movimiento recurren a una figuración objetiva,
una simplificación y rejuvenecimiento de los contenidos, y un espíritu
divertido y juvenil.
Utilizaron los recursos que ponían a su disposición los modernos
medios de comunicación de masas.
La publicidad, el comic, la fotografía, etc., fueron usados con decisión
y sin prejuicios.
TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: El Pop Art.TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: El Pop Art.

41. Todos los artistas de esta corriente tienen en común una figuración
fría, de acabado pulido hasta situarse en la antítesis del gesto
expresionista.
Pero entre ellos existen diferentes fuentes de inspiración, así
mientras Warhol se concentra en los objetos cotidianos y la imágenes
extraídas de la publicidad, Lichtenstein parte de viñetas del cómic y
Wesselmann del desnudo femenino.
TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: El Pop Art.TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: El Pop Art.

42. R. Lichtenstein

43. Lichtenstein

45. Wesselmann

46. El Pop Art: A. Warhol.El Pop Art: A. Warhol.
En sus primeros cuadros, Warhol representa botes de sopa Campbell.
Los temas más recurrentes de su producción artística fueron los productos
comerciales (sopa Campbell, Coca-Cola . . .), las estrellas del espectáculo (Marylin
Monroe, Liz Taylor, Elvis Presley . . .), los líderes políticos (Mao, el Che . . .) y
algunos símbolos de la cultura norteamericana (estatua de la Libertad . . .)
Su objetivo era romper la frontera entre arte y vida, y conseguir que los objetos
de uso popular y cotidiano entraran en los museos.
A partir de 1962 utilizó la serigrafía, con un potencial creativo superior al
permitir imprimir fotografías del tamaño deseado sobre lienzos u otros soportes.

47. El Pop Art: A. Warhol.El Pop Art: A. Warhol.
El artista llamó a su estudio The Factory (La Fábrica) para recalcar que lo que él
producía era arte en serie, y que la obra de arte había perdido su carácter de única.
Uno de los aspectos más sorprendentes en la pintura de A. Warhol es la
utilización variada y altamente expresiva del color.
Una visión de la obra de Warhol revela una serie de temas centrales en su obra,
entre los cuales destacan la fama, el glamour, la muerte, la violencia, los desastres y
el dinero.

48. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Bote de sopa Campbell, 1965.
Reprodujo en multitud de ocasiones,
y siempre de manera diferente, los
botes de sopa Campbell, en esta
versión cambia los colores originales.
El color rojo de la etiqueta de la lata
original queda relegado a las partes
metálicas. El azul sustituye al rojo
habitual en la parte superior de la
etiqueta; el verde ácido, al blanco en la
inferior; el rosa al amarillo en el escudo
de la Exposición Universal, en la
sombra de las letras soup y en la
cenefa inferior; y las palabras
Campbell’s y condensed aparecen de
color amarillo, en lugar de blancas y
silueteadas por un filete negro.

49. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
La lata está representada en
perspectiva sobre un fondo de color
que permite resaltar su contorno con
nitidez.
Aparte de la elección y disposición
arbitraria de los colores, la lata
reproduce fielmente el original.
El lienzo es una reproducción gráfica
de un bote de sopa, la preferida de
Warhol, con grandes variaciones de los
colores del original, presentada como
medio para desmitificar el arte.
Uno de los objetivos de pop art era
explorar las relaciones entre el arte y la
cultura popular, y exaltar la
cotidianidad y la banalidad.

50. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Liz Taylor.

51. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Liz Taylor.

52. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Liz Taylor.

53. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Liz Taylor.

54. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
A. Hepburm

55. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Elvis Presley

56. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Mao Zedong

57. Mao Zedong

58. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Che Guevara.

59. El Pop Art: A. Warhol.El Pop Art: A. Warhol.
Coca-Cola

60. El Pop Art: A. WarholEl Pop Art: A. Warhol
Marylin Monroe

63. EL HIPERRREALISMO. ANTONIO LÓPEZEL HIPERRREALISMO. ANTONIO LÓPEZ
El hiperrealismo o realismo radical o fotográfico, es una
corriente artística desarrollada en la costa oeste de los Estados
Unidos a finales de los años 60, y que llega a Europa diez años
más tarde.
Esta particular forma artística se propone reproducir la
realidad de la manera más verosímil posible partiendo de una
fotografía. Es decir, se trata de conseguir con la pintura al óleo o
la escultura, el mismo detalle que la cámara ofrece.
Por esto mismo, el hiperrealismo se ha caracterizado por la
obsesión por los detalles que para muchos es exagerada. Lo que
caracteriza al hiperrealismo de América del norte es la
reproducción de los objetos de consumo y de las imágenes
publicitarias correspondientes.
La producción artística europea que no parece influenciada
por el pop-art, sino por el surrealismo -destacando el artista
español Antonio López.

64. ANTONIO LÓPEZANTONIO LÓPEZ
Antonio López, (1936) es uno de los grandes artistas
españoles de todos los tiempos. Al margen de cualquier
tendencia, corriente o moda, ha llevado a cabo desde los
mismos inicios de su carrera, una obra prodigiosa basada no
sólo en una capacidad técnica privilegiada y única, sino
también en una sensibilidad exquisita.
Antonio López no es simplemente un realista. Su pintura (y
también su escultura), al igual que la del siglo XVII español,
parte de la realidad cotidiana, el entorno más familiar y los
objetos más vulgares, para trascenderlos hasta una
experiencia espiritual.
Su pintura se convierte en la más plena, intensa y
sobrecogedora vivencia emocional de la que es capaz el ser
humano.

65. ANTONIO LÓPEZANTONIO LÓPEZ

66. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ. Lavabo.Lavabo.
Su plasmación de la realidad no parte de imágenes fotográficas ni resulta frío, sino
que es fruto de un lento proceso de aproximación, que cuida minuciosamente los
detalles y que se interesa por su entorno más inmediato.
La ciudad, objetos de uso cotidiano, los familiares, etc.
Por muy vulgares que sean los objetos que pinta, el artista siempre los trata con
lirismo, dándoles una trascendencia de la que aparentemente carecen.

67. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ. Lavabo.Lavabo.

68. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ.
Gran VíaGran Vía

69. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ. NeveraNevera

70. ANTONIO LÓPEZ.ANTONIO LÓPEZ.
Mis padresMis padres