Resumen de estandares de aprendizaje las vanguardias. Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Expresionismo, Abstracción, Dadaismo, Surrealismo y Picasso, Miró y Dalí Estándares de aprendizaje. 2º de Bachillerato LOMCE.

1. DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL FAUVISMO.
El término fauvismo tiene su origen en la palabra fauves (fieras), que el crítico Louis Vauxcelles usó
peyorativamente en octubre de 1905 tras su visita al Salón de Otoño. El crítico dijo haber tenido la
impresión de haber colocado a "Donatello en una jaula de fieras“, en alusión a la fiereza con que
empleaban el color en grandes manchas y rompiendo con los convencionalismos artísticos al contemplar
una escultura de Donatello entre sus cuadros
Fue un movimiento fugaz en la historia de las vanguardias, pues tan sólo duró unos pocos años, hasta
1907/8 y no fue un movimiento conscientemente definido y careció de un manifiesto programático,
aunque se ha considerado como el primer movimiento artístico de las vanguardias del siglo XX.
El modo de pintar de estos jóvenes artistas supondrá un claro rechazo a los convencionalismos artísticos,
de romper con las normas existentes, a la vez que una exaltación de la búsqueda de un lenguaje personal
por parte del artista.
En su intento por realizar una pintura más personal, de pintar lo que se sentía, y exaltar el valor expresivo
del color, pintores como Matisse, Derain, De Vlaminck o Marquet, encontraron su inspiración en el
pasado en pintores como Gustave Moreau, Gauguin, Van Gogh, Cezanne, los pintores neoimpresionistas y
en manifestaciones artísticas exóticas o primitivas.
Hacen un uso totalmente subjetivo del color, al creer que los colores pueden transmitir emociones y
sentimientos, renunciando a la representación naturalista y realzando el valor del color en sí mismo.
Rechazan la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de colores violentos
para crear un mayor énfasis expresivo.
Aplican el color de un modo arbitrario, siendo habituales las grandes manchas de color y los colores
planos, desdeñando cualquier referencia externa a su propia visión artística, liberando al color tanto de la
sujeción al naturalismo como a la forma, empleándolo de modo totalmente subjetivo.
Exaltan tan solo los propios valores pictóricos a través de la recreación personal del autor en su obra de
arte, especialmente del color, afirmando el principio de autonomía de la obra de arte: nada puede
mediatizarla, ni las tradiciones ni tan siquiera la realidad exterior.
Suelen emplear una pincelada espontánea, directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando
matizar los colores y el detallismo, acentuando la sensación de espontaneidad.
El trabajo pictórico de la luz tiende a desaparecer y con ella también las sombras, el claroscuro y la
sensación de volumen y profundidad. Es habitual también el empleo de líneas de contorno potentes,
enmarcando sus expresivas manchas de color plano.
Sus composiciones valoran solo la expresividad del color, por lo que suelen tener un aspecto plano,
renunciando a los procedimientos tradicionales de la perspectiva y del modelado y clarooscuro,
probablemente por su afán de simplicidad e influencia de la estampa japonesa.
En su afán por dar protagonismo al color, también es habitual la simplificación de las formas y la
recuperación de la línea, simple, sinuosa… Probablemente por influencia del arte africano, valorando su
primitivismo expresivo, se procede a esa simplificación y estilización de las formas, llegando incluso a la
deformación.
Los temas que escogen suelen ser muy variados, muchos de ellos semejantes a los de los pintores
impresionistas y postimpresionistas: paisajes, interiores, bodegones, retratos… En general, de su pintura
se desprende una especie de interpretación lírica de la realidad, una sensación de carácter amable,
optimista.

2. La exaltación arbitraria del color y su simplificación formal serán el inicio de una renovación estética que
marcará, junto con el Cubismo, toda la pintura del siglo XX.
 El principal representante y líder del grupo será Henri Matisse, que continuará a lo largo de toda
su vida desarrollando este tipo de pintura. Empleará colores vibrantes, en manchas planas, con
líneas sinuosas, casi arabescos, con gran simplificación formal, en composiciones planas,
renunciando a la perspectiva y el modelado. Su pintura mostrará una visión amable, serena,
apacible, exaltando la alegría de vivir a través del color.
 André Derain comienza a experimentar en el uso del color con Matisse y suele emplear colores
puros, muy vibrantes, agresivos y contrastados, sin mezclar, muchas veces directamente del
tubo, con pinceladas rápidas, impetuosas, muy amplias y con grandes manchas de color.
 Maurice de Vlaminck, emplea pigmentos puros con contrastes de colores muy intensos, líneas
vibrantes, onduladas, muy influido tanto por el colorismo como por el uso expresivo del color de
Van Gogh.
La alegría de vivir de Matisse
Derain De Vlamink Matisse

3. DESCRIBE EL PROCESO DE GESTACIÓN Y LAS CARACTERÍSTICAS DEL CUBISMO, DISTINGUIENDO ENTRE
CUBISMO ANALÍTICO Y SINTÉTICO.
El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia que surge entre 1906 y 1907, fechas en las que
Picasso finaliza su obra “Las Señoritas de Avignon”, considerada la primera obra cubista y cuando
comienzan a colaborar en la búsqueda de un nuevo lenguaje plástico Pablo Picasso y Georges Braque.
En el proceso de gestación del cubismo se encuentran:
 La búsqueda personal de un nuevo lenguaje personal diferente de la tradición artística occidental
por parte de los jóvenes pintores y que dará lugar a las diferentes vanguardias artísticas.
 La obra de Paul Cézanne, por su interés en reducir las formas de la naturaleza a sus formas
geométricas más simples, revelando la estructura fundamental de los objetos y por el empleo en
un mismo cuadro de diferentes puntos de vista simultáneamente, rompiendo con la tradicional
perspectiva renacentista y abriendo la vía de la visión múltiple del cubismo.
 El arte primitivo africano, especialmente a través de la escultura, por su simplicidad, capacidad
expresiva, esquematización de formas y por el tratamiento de la figura a través de planos
angulares.
 La escultura ibérica, de la que se celebró una exposición en el Louvre en 1906, por el interés en
su simplicidad y la estilización de los rasgos o la simplicidad de la pintura románica, que Picasso
admiró.
 La obra de los pintores neoimpresionistas, como Seurat, por resaltar mediante su técnica el
aspecto geométrico.
El término cubismo procede del crítico el Louis Vauxcelles, al referirse a la forma de pintar Braque algunos
paisajes “con pequeños cubos”.
El cubismo supuso una ruptura radical respecto de la tradición pictórica occidental, rompiendo
prácticamente con todas sus convenciones, y tendrá una gran influencia en todo el arte del siglo XX.
Es un arte básicamente intelectual, que renuncia a reproducir la apariencia de la realidad, y pretende
captar lo que consideran su esencia, más allá de las
apariencias.
En su intento por captar la esencia de los objetos,
tenderán a su geometrización, reduciendo las formas
de la naturaleza a sus formas más simples mediante la
geometría.
Emplearán simultáneamente la visión múltiple,
renunciando a la perspectiva tradicional: no se
conforman con la visión monofocal de la perspectiva
tradicional y pretenden contemplar el objeto desde
innumerables puntos de vista, multiplicando los
ángulos de visión de un mismo objeto y yuxtaponiendo
esas diferentes visiones en el cuadro.
De este modo, se destruye la sensación de profundidad
y la perspectiva tradicional y se sustituye por una perspectiva múltiple, como si tomáramos fotografías de
un motivo desde ángulos diferentes y las sintetizáramos en una sola como resultado de todas ellas. Las
formas se fragmentan y el espacio se descompone en diferentes planos que se superponen, se
yuxtaponen o incluso penetran unos en otros.

4. De este modo, la superficie pictórica se convierte en bidimensional, no diferenciándose los primeros
planos de los fondos.
El color no es descriptivo, como en la naturaleza, ni simbólico, como en los fauvistas, pero se libera de su
conexión con la realidad, aunque –en general- se emplearán habitualmente colores neutros.
En el desarrollo del cubismo pueden diferenciarse distintas etapas o fases:
Cubismo cezanniano o protocubismo: Picasso como Braque están
aún ensayando su propio lenguaje plástico y en gran medida se
inspiran en la geometrización de formas de Cezanne y en la
simplificación del arte primitivo, pintando paisajes mediante
formas geométricas simplificadas.
Cubismo analítico (entre 1909 y 1911): Analizan y descomponen la
realidad desde muchos puntos de vista, fragmentando los
volúmenes en numerosas facetas independientes, que se
superponen. Las formas y las líneas del dibujo se descomponen en
esos planos diferentes, dando lugar a una visión facetada. Todo se
facetiza en un entramado geométrico.
Al multiplicar el número de puntos de vista representados, los
cuadros se hacen muy complejos y la imagen representada es
difícil de reconocer, a no ser por pequeñas pistas que suelen
aparecer en los cuadros (una pipa, unas letras, algún elemento
representativo del tema para que el espectador pueda
reconstruirlo).
También se conoce por el nombre de cubismo hermético, por lo
difícil que se hace reconocer los objetos en los cuadros. Pablo Picasso, Retrato de Ambroise Vollard (1909-1910)
Cubismo sintético (entre 1912 y 1914): Ante la descomposición de
las formas y el riesgo de caer en la abstracción total, y la dificultad
para el espectador de recomponer la obra, los pintores cubistas
evolucionan.
Con el fin de devolver la conexión con la realidad, los artistas
deciden simplificar los puntos de vista y las yuxtaposiciones de
planos, reduciendo los objetos a sus aspectos más esenciales,
sintetizando los diferentes planos a su fisionomía más esencial.
En vez de descomponer el objeto en visiones de facetas múltiples,
crean nuevas formas simples que sintetizan el objeto
representado: Crean una nueva realidad.
El objeto ya no es despedazado/analizado en multitud de planos,
sino que empieza a ser sintetizado en sus formas esenciales y
volverá a ser fácil de descifrar. Frente al análisis de la realidad, se
prima su construcción, su composición con planos reconocibles,
resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura
representada.
Pablo Picasso: Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage: la inserción en el cuadro de elementos de la vida
cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El collage ayuda a recuperar el referente concreto y esta
técnica permite a Picasso y Braque que el cuadro sea una nueva realidad, en lugar de reemplazar a esta. Les da
la posibilidad de pegar pequeños trozos de realidad en el cuadro.
Suelen usar un colorido más brillante que en la etapa anterior, que ayuda a reconocer los objetos.

5. DESCRIBE EL IDEARIO Y PRINCIPIOS BÁSICOS DEL FUTURISMO
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del siglo XX.
No deseaban limitarse al arte, sino que pretendían transformar la vida entera del hombre, identificándose
con los nuevos avances tecnológicos y rompiendo abrupta y violentamente con "las reliquias del pasado."
El movimiento surge en torno a la ciudad industrial de Milán, claramente vinculado a los avances técnicos
que la Segunda Revolución Industrial había introducido en Europa y a una admiración por todos los
avances tecnológicos del mundo moderno y gira en torno a la figura de Filippo Tommaso Marinetti, que
publica en 1909 el Manifiesto Futurista.
En el manifiesto muestra un rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista y
orientado hacia el futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica
moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. Pretenden hacer tabla rasa del pasado y
crear desde cero un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna y la nueva realidad social.
Por el contrario, consideraban a la tradición, al pasado, a los museos como sitios equivalentes a los
cementerios, y expresan su deseo de destruir los museos, bibliotecas, academias, para “liberar a este país
de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios”.
Expresan su fascinación por la civilización urbana, las máquinas, la tecnología, la velocidad y el dinamismo
propios del vertiginoso desarrollo industrial y técnico de la época.
Extraen sus temas de la vida moderna y de la cultura urbana: las ciudades, las máquinas, los deportes, la
guerra, vehículos en movimiento, etc., exaltando el movimiento, el dinamismo, el ímpetu e incluso la
violencia y la guerra, todo ello como ejemplo de modernidad y de un ímpetu que quiere arrasar todo el
pasado. Como expresan en el Manifiesto:
 “El esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un
automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es
más hermoso que la Victoria de Samotracia.”
 “El artista moderno debe liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para
centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como
temas artísticos proponemos la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.”
La exaltación del dinamismo, la velocidad, el movimiento, se convierte en uno de sus rasgos básicos,
como algo característico de los tiempos modernos.
En ese contexto de optimismo y de futuro, la juventud y su ímpetu son también objeto de admiración
frente al pasado, a lo caduco, a la tradición.
También exaltan una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte, de la fuerza masculina, de
la agresividad, de la guerra, de la violencia y del peligro y ultranacionalista, que con el tiempo terminará
en una clara politización, hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti.
Tienen una actitud consciente de provocación y buscan escandalizar a la sociedad de su tiempo mediante
sus famosas Veladas futuristas, que en ocasiones terminaban en tumultos y peleas con l público.
A nivel plástico, probablemente el principal interés del Futurismo radica:
 En la novedad de sus temas, vinculados siempre al mundo moderno, la técnica, la ciudad, las
máquinas, el movimiento….
 En captar la plástica de la velocidad, del dinamismo y del movimiento, empleando todos los
medios a su alcance, tratando de representar al modelo o al objeto en movimiento, acentuando la
sensación de dinamismo y velocidad:

6. o En ocasiones multiplicarán líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un
caleidoscopio o a una película, tratando de dar como resultado la impresión de
dinamismo al descomponer las imágenes y superponerlas, en una especie de
simultaneidad.
o Otras veces tratarán de reflejarlo mediante el uso de potentes líneas diagonales de color,
las llamadas líneas de fuerza, que descomponen la materialidad de los objetos, como si
estuvieran desenfocados, como si los objetos en movimiento estuviesen movidos.
o En ocasiones, tras conocer las posibilidades de geometrización y visión múltiple del
cubismo, emplearán una técnica geométrica, en la que los planos y las líneas
descompongan la materialidad de los objetos, tratando de reflejar el movimiento
mediante planos sucesivos. Llegarán a descomponer y geometrizar al máximo las formas
y los contornos, sacrificando todo para expresar el dinamismo, llegando a tender a la
abstracción
A nivel expresivo adoptarán diferentes estilos, tratando de emplear cualquier recurso formal para
expresar lo moderno y el dinamismo, por lo que –con el tiempo- tenderán a adoptar en gran medida el
lenguaje cubista, aunque acentuando al máximo
Este movimiento afectará a todas las artes y la literatura e incluso, en su afán de ruptura con el pasado y
de modernidad, el futurismo también afectó a todos los campos de la vida: la arquitectura, la escultura, la
fotografía, el vestido, la cocina…
Aparte de la figura de Marinetti, a nivel de las artes plásticas sus principales representantes serán
Umberto Boccioni, Gino Severini, Giacomo Balla o Carlo Carrá. También el artista, asociado al movimiento
dadaísta Marcel Duchamp adoptará sus principios en su famoso “Desnudo bajando una escalera”.
Los fantásticos proyectos arquitectónicos de carácter visionario y futurista de Antonio Sant’Elia también
pueden considerarse representativos de este movimiento.
Umberto Boccioni: La ciudad que emerge, 1910
Umberto Boccioni: Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913

7. EXPLICA LAS CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL EXPRESIONISMO Y ESPECIFICA LAS DIFERENCIAS ENTRE
LOS GRUPOS ALEMANES EL PUENTE Y EL JINETE AZUL.
El término Expresionismo alude a cualquier tipo de manifestación artística que propugna la intensificación
de la expresión, incluso a costa del equilibrio formal. Por ello puede señalarse que es una tendencia
general que ha aparecido en diferentes etapas y artistas a lo largo de la Historia del Arte.
No obstante, el término Expresionismo se refiere concretamente al arte experimental y contestatario, de
vanguardia, que surge en Alemania en torno a 1905 y que se convertirá en uno de los movimientos de
vanguardia que mayor repercusión ejercerá en el arte del siglo XX.
Es un movimiento comprometido que afectó a todas las esferas de la creación: pintura, escultura,
arquitectura, literatura, música, cine… y que como el resto de las vanguardias rompe con los principios
tradicionales del arte y, muy especialmente, a su concepción como mímesis de la realidad en aras de
lograr la máxima expresión interior del artista.
Fue un movimiento global, comprometido y enfrentado a una realidad con la que no estaba de acuerdo,
desarrollando una profunda crítica hacia la sociedad y el mundo con una visión habitualmente nihilista o,
en muchos casos, pesimista, angustiosa. Es un movimiento que trata de expresar las inquietudes del ser
humana ante los cambios y riesgos de la nueva sociedad moderna, de carácter industrial, urbano,
tecnológico… y su pretendido progreso.
Este movimiento busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la
representación de la realidad objetiva. Frente a la impresión exterior, tratan de expresar el mundo
interior del artista, su visión subjetiva del mundo, sus pasiones y sentimientos más íntimos, para
despertar las emociones del espectador, sin preocuparse de su relación con la realidad exterior.
Para ello recurrirán habitualmente a la deformación de la realidad, el empleo arbitrario y expresivo del
color, la simplificación y esquematización de las formas…, buscando un efecto emocional en el
espectador, y no la representación de una realidad física.
El expresionismo es un movimiento de carácter subjetivo: desde el interior hacia el mundo exterior, hacia
el que el artista se proyecta imprimiendo su huella en el objeto representado.
Es un movimiento crítico con la sociedad del momento, que tratará de revelar el lado oscuro y pesimista
de la vida moderna, la cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la hipocresía,
masificación…. Tratarán de expresar los sentimientos más íntimos del ser humano, la angustia existencial
del hombre contemporáneo, la soledad, la incomunicación, sus miedos… con una gran carga dramática,
pesimista y crítica, tanto del hombre como de la sociedad. Serán muy habituales los temas que expresen
los aspectos más ocultos y oscuros del ser humano y de la sociedad
Todos los recursos del lenguaje artístico se pondrán al servicio de esa expresión, entre ellos:
 Predominio de trazos y formas violentas,
empastadas y agresivas, a veces angulosas.
 Colores intensos y contrastados, incluso
estridentes, de carácter arbitrario.
 Acentuación de la fuerza expresiva de las
imágenes mediante el empleo de formas simples
de carácter plano o con poco efecto de volumen
 Esquematización, desproporción y distorsión de
las formas de carácter expresivo.
 Destrucción del espacio tridimensional y la
perspectiva y aglomeración de las formas y
figuras
 Utilización del color y el trazo para subrayar
(expresar) simbólicamente unos estados de
ánimo.
 Composiciones y puntos de vista complejos,
dramáticos y agresivos.
 Habitualmente pinceladas rápidas, gruesas,
empastadas, muy expresivas.

8. Algunas de sus fuentes de inspiración serán el primitivismo, la escultura medieval alemana, las Pinturas
Negras de Goya o el uso expresivo del color de Gauguin y Van Gogh y la deformación expresiva y uso
expresivo de los valores pictóricos de Van Gogh.
Como predecesores directos de este movimiento deben señalarse a:
El belga James Ensor: refleja una visión
grotesca de la humanidad,
representando a los individuos de modo
caricaturesco, como payasos o
esqueletos o máscaras de carnaval,
proporcionando una visión satírica y
macabra. Colores agresivos, pinceladas
violentas…
El noruego Edvard Munch, cuya pintura refleja su interior atormentado
y pinta angustiosas representaciones, basadas en sus obsesiones y
frustraciones personales. Deforma conscientemente las figuras, emplea
simbólicamente el color, las pinceladas largas y ondulantes, mediante
las que transmite agobiantes sensaciones de angustia, sufrimiento,
soledad… como en El Grito (1893).
Los dos grandes grupos del Expresionismo alemán de principios del siglo XX fueron:
El Puente-Die Brücke: Fundado en 1905 en Dresde.
Posición muy radical, crítica y comprometida ante la
vida y la sociedad, desean destruir todas las reglas y
crear un arte nuevo.
Vocabulario estético muy simplificado:
Formas reducidas a lo esencial, muy simplificadas, en
ocasiones angulosas, cuerpos deformados,
primitivismo, aspecto salvaje…
Enorme agresividad en el empleo del color.
Empleo de líneas de contorno y pinceladas gruesas,
nerviosas, violentas...
Representantes: Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel…
Kirchner: La calle, 1913-14
El Jinete Azul-Der Blaue Reiter (Munich, 1911).
No fue un movimiento unitario y cada artista
desarrolló su propio estilo, expresando libremente
su interior.
Más tendente a la exploración formal, a lo espiritual
y al lirismo. Tiene gran carga teórica.
Frente a la actitud temperamental de Die Brücke,
tenía una actitud más refinada y espiritual,
pretendiendo captar la esencia espiritual de la
realidad, depurándola, y despertar de ese modo la
sensibilidad del espectador, infundirle expresiones a
través de la pintura.
Frente a la deformación de la realidad, optan por su
depuración, llegando incluso a la abstracción.
En general sus obras tendrán un carácter más
amable y lírico, predominando las líneas curvas y los
contrastes de colores más suaves.
Entre ellos, el
artista ruso
Wassily Kandinsky
mostrará una
cierta visión
mística y un gran
interés por la
música, tratando
de depurar
completamente la pintura y desarrollar la
expresividad al máximo, incluso sin referencia al
mundo exterior, un arte espiritual, lo que
desembocará en la abstracción.
Otros artistas: Franz Marc, August Macke...

9. DESCRIBE EL PROCESO DE GESTACIÓN DE LA PINTURA ABSTRACTA, DISTINGUE LA VERTIENTE
CROMÁTICA Y GEOMÉTRICA, Y ESPECIFICA ALGUNAS DE SUS CORRIENTES MÁS SIGNIFICATIVAS, COMO
EL SUPREMATISMO RUSO O EL NEOPLASTISCISMO.
La Abstracción no es un movimiento pictórico, ni una vanguardia, sino una tendencia artística consistente
en el alejamiento de lo representado en la obra de arte frente a la realidad. Se centra en la obra de arte
en sí, no en lo que representa, ni en su posible parecido con nada preexistente. Es el ejemplo máximo de
la autonomía de la obra de arte: la creación de una nueva realidad, con sus propias reglas y significados,
independiente de la captada por los sentidos.
Rechaza la copia o la imitación de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista y prescinde de
cualquier figuración. La obra de arte es un todo por sí misma y no hace referencia a nada exterior a la
obra en sí misma, tal y como venía siendo tradicional en el arte occidental, sino que propone una nueva
realidad ajena a la percibida en la naturaleza.
El arte abstracto emplea un lenguaje visual propio, autónomo, dotado de sus propias significaciones y
basado en valores meramente plásticos: luz, color, formas, líneas, puntos, composición… Mediante este
lenguaje crea sus propios significados y provoca diferentes sensaciones en el espectador: como la música,
que es un arte abstracto, pero que combinando sus elementos produce sensaciones en el oyente, la
combinación de los colores y las formas, sin referencia alguna a la realidad, pueden generar en el
espectador sensaciones y sentimientos semejantes.
No es un invento del arte moderno occidental, pues ya desde la prehistoria y en culturas no occidentales
se venían practicando artes visuales de carácter no figurativo, pero en la tradición occidental, sobre todo
desde el Renacimiento, el arte estaba sometido a reproducir una ilusión de la realidad visible, a la
imitación de la realidad.
Frente a esta esclavitud ya se habían rebelado artistas que defendían la libertad creativa y que pueden
considerarse como los iniciadores de un camino que conducirá a la abstracción:
 Las atmósferas nebulosas de Turner, que desmaterializan los objetos en aras del sentimiento.
 Los pintores impresionistas, que sacrifican la sujeción a un tema concreto y desean captar la
impresión fugaz del momento, la luz, valorando los propios valores pictóricos y desmaterializando las
formas y contornos. Las últimas pinturas de Monet (Ninfeas) se quedan casi a las puertas de la
abstracción.
 La libertad creativa de los postimpresionistas, y su pintura antinaturalista, liberando a la pintura de
su relación con la naturaleza y primando la libertad del color, de la propia expresión, la búsqueda de
las formas subyacentes en la realidad…
 Las diferentes vanguardias, que son la que abren auténticamente el camino hacia la abstracción:
o La liberación absoluta del color y la simplificación formal del Fauvismo.
o La descomposición del objeto en planos y facetas y la visión múltiple del Cubismo analítico,
que estarán a punto de acabar con cualquier referencia a la realidad exterior.
o El interés por la plasmación del dinamismo y la velocidad del Futurismo, que disolverá las
formas para acentuar estos valores.
o Muy especialmente, el Expresionismo, sobre todo los miembros del grupo El Jinete Azul, que,
en su búsqueda de un arte espiritual, expresivo y depurado formalmente, mera expresión de
sentimientos mediante valores pictóricos, irá progresivamente alejándose de la realidad hasta
llegar a la abstracción.
Fue el ruso Wassily Kandinsky, miembro de este grupo, quien –en el deseo de alcanzar lo absoluto, de
crear un arte esencial basado en un lenguaje visual universal, sometido solo a valores plásticos y liberado
de la esclavitud de la realidad, en algo semejante a la música y su capacidad de transmitir sentimientos-

10. pintó la Primera acuarela abstracta hacia 1910 (aunque hoy en día se reconocen a otros pintores como autores de
obras abstractas anteriores, como Hilma af Klint o Hans Schmithals y otros artistas que también se iban encaminando a la par que
Kandinsky por esa senda, como los rayonistas rusos, o los pintores del cubismo órfico). Para él el arte debía expresar de un
modo depurado libremente el espíritu, la realidad interior, los estados de ánimo, los sentimientos…
De esas experiencias expresionistas de Kandinsky surgirá la llamada abstracción lírica o cromática:
primará la expresión libre del sentimiento a través del color, las formas, liberadas de cualquier referencia
exterior. Con sus pinturas, o las de Paul Klee (también ligado al Jinete Azul), mediante manchas de colores
y líneas dinámicas, muchas veces ondulantes, de aspecto libre e irregular, pretende transmitir al
espectador emociones espirituales semejantes a las de la música. Incluso Kandinsky llegó a estudiar cómo
cada color y cada forma llegaban a afectar al espíritu del espectador, como señala en su obra De lo
espiritual en el arte (verde-tranquilidad; rojo-inquietud; amarillo-locura; azul-quietud; blanco-silencio; negro-la nada; círculo-
perfección; triángulo-energía…). Se basa en la combinación de la
función expresiva y simbólica de los colores, pretendiendo
plasmar el estado emocional del artista a través de las manchas
de color, y del valor expresivo de las formas.
De este modo pintará sus famosas acuarelas abstractas o sus
impresiones e improvisaciones.
Tras su contacto posterior con el Neoplasticismo y el
Suprematismo ruso y su incorporación a la escuela de arte
Bauhaus, irá evolucionando hacia una abstracción más
geométrica, combinando las formas geométricas con el uso
expresivo del color: suma los efectos emocionales del color a los
propios efectos expresivos de las formas geométricas, mediante
los que compone la pintura.
Una vertiente diferente de la abstracción será la denominada abstracción geométrica, basada en la
reflexión, el orden y la racionalidad, aspirando a la máxima objetividad y a la universalidad, frente a la
mayor libertad formal y expresiva de la abstracción lírica o cromática.
Para ello, estos artistas simplifican al máximo las formas pictóricas, empleando únicamente elementos
geométricos puros, que confieren claridad, precisión y objetividad a la obra. Se basan en las leyes de la
geometría y en las matemáticas y normalmente componen los cuadros mediante líneas y formas
geométricas puras, que enmarcan manchas de colores planos.
En esta vertiente estará representada fundamentalmente por el Suprematismo, el Constructivismo y el
Neoplasticismo.
El Suprematismo surge en la Rusia prerrevolucionaria y su principal representante fue Kasimir Malevich.
Quería crear un arte nuevo y comprometido para el nuevo mundo que querían crear tras la revolución, y
que tenía como objetivo la búsqueda de "la supremacía de la sensibilidad pura" en el arte, desprovisto de
cualquier significación simbólica o racional, eliminando cualquier referencia al mundo, procurando
conseguir una no-objetividad y un lenguaje universal, que todo el mundo pudiera comprender,
Vasili Kandinsky: Sobre blanco II o
Lírica sobre blanco, 1923

11. constituido únicamente por formas geométricas y colores. Pretende "liberar al arte del lastre del mundo
de las cosas."
Niega cualquier referencia a la presencia física de los
objetos del mundo material y desarrolla un estilo de
formas básicas y de colores puros, reduciendo la
pintura a sus elementos geométricos más simples.
Este lenguaje está formado únicamente por formas
geométricas de colores planos dispuestas en la
superficie del cuadro, especialmente rectángulos y cuadrados, que se combinan y superponen sobre el
fondo del lienzo, generando diferentes sensaciones que el espectador puede interpretar. Los máximos
ejemplos de esta depuración formal serán sus famosos Cuadrado negro sobre fondo blanco y Cuadrado
blanco sobre fondo blanco, llevando al extremo no solo la depuración geométrica formal sino también
haciendo un uso cada vez más restrictivo del color. Con ellas consideraba haber llevado la pintura
abstracta hasta su esencia más pura.
La obra de arte se refiere a sí misma, no hay en ella ningún tipo de alusión ni de evocación.
El Constructivismo ruso fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió también en Rusia en
1914 y que tuvo especial relevancia tras la Revolución Rusa. Trataban de romper con el arte tradicional y
burgués y sustituirlo por un nuevo tipo de arte utilitario, que estuviese al alcance de todos y que
contribuyese a construir la nueva sociedad soviética, un arte nuevo que no tuviese que ver con el pasado.
En su afán por un nuevo lenguaje artístico que rompiese con el pasado y que fuera comprensible para
todos, emplearán las líneas puras, las formas simples, geométricas y abstractas.
El Neoplasticismo surgió en Holanda en torno a la revista De Stjil, a través
de artistas como Piet Mondrian y Theo van Doesburg. Quieren crear una
nueva plástica, un nuevo estilo universal e intensamente espiritual,
despojado de todo elemento accesorio, de lo particular, un nuevo lenguaje
objetivo que aspirase a captar lo universal. Para ellos, el objetivo de la
pintura debía ser intentar revelar lo que hay más allá de la realidad,
mediante una pintura abstracta, como un paso hacia la esencia de la
armonía y el equilibrio universales. “La realidad se opone a lo espiritual.”
Excluyen cualquier emoción o sentimiento y se inspiran en la máxima
racionalidad, en el rigor matemático y en la simplificación radical de la geometría. También rechazan la
línea curva (Mondrian llegará a rechazar la línea diagonal), cualquier tipo de profundidad y de modelado,
evitando las texturas de la pincelada, como medio para buscar el principio universal más allá de la
apariencia del mundo y de cualquier sentimiento o subjetividad.
Se basaron únicamente en la racionalidad de las formas geométricas más puras y en la combinación de
líneas verticales y horizontales en ángulos rectos, que sugerían esa armonía universal y los principios
universales que organizan el mundo y la vida. Organizarán sus composiciones en equilibradas armonías
mediante líneas verticales y horizontales, empleando solamente rectángulos y cuadrados, y únicamente
colores primarios totalmente planos, así como los anticolores: blanco, negro y gris.
El único contrapunto de desequilibrio lo introducirán a través de la composición, con la asimetría habitual
en la disposición de las formas geométricas en el cuadro, careciendo de un centro o de un eje de simetría.
El neoplasticismo tendrá también presencia en el mundo del diseño y de la arquitectura a través de la
obra de Gerrit Rietvel, e influirá, al igual que el Constructivismo, en la influyente escuela de Arte y diseño
que se fundará en Alemania, la Bauhaus, en la que se formarán grandes artistas.
Piet Mondrian: Composición II, 1920

12. DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL DADAISMO COMO ACTITUD PROVOCADORA EN UN CONTEXTO DE
CRISIS.
El dadaismo fue un movimiento global y de carácter antiartístico que surgió en torno al Cabaret Voltaire
de Zurich en 1916 cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades, que procedían del cubismo, el
futurismo y el expresionismo, se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra
Mundial. Posteriormente se difundió a otros núcleos como Nueva York, París y Alemania, en parte, gracias
a la revista Dada. Serán sus principales representantes artistas como Hugo Ball, Tristan Tzará o Jean Arp;
en Nueva York Marcel Duchamp o Man Ray; en Alemania Kurt Schwitters y Max Ernst.
Estos artistas tenían en común su rechazo a los horrores de la Primera Guerra Mundial, que destruyó la
esperanza y confianza en la sociedad burguesa y tecnificada, y mostrarán una actitud de rebeldía ante una
sociedad que había sido capaz de desencadenar esa tragedia. Consideraban que una sociedad capaz de
producir algo tan horrible como la Guerra era una cultura a destruir.
Se oponen a los valores racionalistas del positivismo de la época y adoptan una posición de nihilismo
filosófico, producido por el horror de la guerra, y un desencanto ante la humanidad, rebelándose contra
las convenciones sociales, literarias y artísticas y burlándose de la sociedad burguesa y de todos sus
medios de expresión, entre ellos el arte.
El propio origen del término “dadá”, que no significa nada,(palabra obtenida al azar de un diccionario,
balbuceos de un niño…), expresa su interés por lo absurdo, lo irracional, lo primitivo, lo espontáneo, lo
casual del azar, un nuevo arte sin referencia alguna al pasado…
Más que una estética o un estilo, Dada era una actitud, un posicionamiento ante la vida, queriendo
romper con el pasado, cuestionarlo todo y demostrar que existían otras formas de pensar y de existir,
rechazando los valores de la época a través de la burla, la provocación y la sátira.
En su rechazo a toda creación de la sociedad anterior, este subversivo
movimiento de protesta se mofó de todos los valores tradicionales, del buen
gusto, oponiéndose a todo lo establecido: al arte burgués, a las convenciones
estéticas (incluso de las vanguardias anteriores) y rechazan la idea de belleza e
incluso el concepto de arte. No defienden un nuevo tipo de arte, sino que
pretenden acabar con él, destruirlo, llegando a burlarse de los objetos artísticos
que habían sido venerados durante siglos (Duchamp llega a pintar en 1919
bigotes a una imagen de la Gioconda y a ponerle un título ridiculizante,
L.H.O.O.Q.) y también a incorporar como elementos artísticos los objetos
cotidianos (la Fuente de Duchamp, mediante la reutilización artística de un
urinario) o los materiales de desecho.
Se manifiestan contra la belleza eterna, la eternidad de los principios, las leyes de la lógica, la inmovilidad
del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, la razón, la construcción consciente y lo
universal, lo clásico y lo moderno en el arte, pretendiendo destruir todas las
convenciones con respecto al arte, incluso contra el propio concepto de
dadaísmo, creando, de esta forma, un anti-arte.
Defienden, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad,
lo inmediato, lo aleatorio, lo contradictorio, el caos, el absurdo, la creación
inconsciente, el azar…, llegando a realizar creaciones artísticas basadas tan solo
en el azar, como algunos collages de Jean Arp o el famoso Gran Vidrio, de
Duchamp, al que no consideró terminado hasta que se rompió accidentalmente
al ser trasladado a una exposición.

13. El humor, la ironía, la burla, la crítica ácida, la provocación y el escándalo serán algunos de sus principales
medios expresivos, buscando dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los
valores estéticos y sociales establecidos.
No obstante, en su rechazo al arte establecido y como ejemplo de ruptura y uso de una absoluta libertad
creativa, incorporarán nuevos medios expresivos, que tendrán repercusión en el arte posterior, como el
fotomontaje, la pinto-escultura con diversos materiales, incluso de desecho
encontrados en la calle, el ensamblaje y –especialmente- el ready-made.
 Los Merz de Kurt Schwitters se realizaban a modo de collages
tridimensionales realizados con desechos o cosas sin utilidad,
presentándolos en una nueva creación como objetos artísticos.
 También emplearon habitualmente la técnica del ensamblaje, colocando
unos junto a otros objetos tridimensionales, normalmente de uso común
o de desecho, rompiendo los límites entre pintura y escultura.
 El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte
elementos de uso corriente (un secador de botellas, una rueda, un
urinario…) a los que denominó ready-made (ya hecho). Los ready-
made u objetos encontrados, son objetos de uso común que, por
el mero hecho de haber sido seleccionados por el artista, o por
haberlos sacado de su contexto habitual, o a través de una mínima
intervención en su colocación o posición, se convierten en objeto
de arte, como su famosa Fuente, máximo ejemplo de ironía,
desacralización del arte y de provocación y humor. El ready-made
muestra que basta la propia intención para convertir algo en
objeto artístico, reduce el acto creativo a la mera elección de
“ready-mades”.
 También fueron pioneros en algunos de los aspectos que hoy denominamos arte de acción, como
las performances, que ya habían experimentado los futuristas, a través de representaciones,
muchas veces basadas en la improvisación y la libre expresión, en las que mezclaban la poesía, las
artes plásticas, la música, la danza, el vestuario, el teatro… y que en formaban un concepto total,
interactuando en ocasiones con el público, y tratando de provocar reacciones, normalmente de
escándalo, en el espectador. Fueron famosas las que realizó Hugo Ball en el Cabaret Voltaire de
Zurich.
 En la Alemania de postguerra, el dadaísmo adquiere un cariz marcadamente político y crítico,
consecuencia de los tiempos turbulentos que vivía ese país, incorporando las nuevas técnicas
artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje, que utilizaron para
criticar ferozmente la realidad que les circundaba, utilizando material visual extraído en ocasiones
de los medios de comunicación.
 No obstante, en su cuestionamiento del arte, consideran más importante el propio acto creador,
la propia idea, que el producto creado, concediendo prioridad a los procesos que al producto
final, planteando al espectador determinados interrogantes, abriendo las vías a lo que en la
segunda mitad del siglo se denominaría “arte conceptual”.
A pesar de su idea de la destrucción del arte, Dada influyó enormemente en el arte posterior: en el
Surrealismo por su valoración del azar y de lo inconsciente, por aportaciones como los Ready-made, los
ensamblajes, fotomontajes, como los de los artistas alemanes o los de Man Ray, por iniciar aspectos de
absoluta libertad y de provocación del artista.
Marcel Duchamp: Fuente, 1917
Mertz

14. EXPLICA EL ORIGEN, CARACTERÍSTICAS Y OBJETIVOS DEL SURREALISMO.
El Surrealismo fue un movimiento artístico y literario anti-racionalista que surge hacia 1924 en París en
torno a la figura de los poetas Paul Éluard, Louis Aragon y, especialmente, André Breton, que fue el líder
del movimiento y que expuso sus ideas en el Manifiesto Surrealista..
Herederos en parte de Dada, consideraban que la situación histórica del mundo tras la Primera Guerra
Mundial exigía un cuestionamiento profundo y que la razón y la ciencia no eran suficientes para entender
el mundo, por lo que era preciso indagar en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre
en su totalidad, en el inconsciente y obtener de él la creatividad. Frente a la actitud destructora de Dada,
los surrealistas querían construir un arte y un mundo nuevo y para ello buscaron su inspiración en el
mundo de los sueños y en el inconsciente.
En gran medida se inspiraron en las teorías psicoanalíticas de Freud y en la existencia de del mundo oculto
del inconsciente, que afloraba a través de los sueños y las patologías y que se podía convertir en fuente
de inspiración creadora a través del arte, sacando a la superficie lo más profundo, lo oculto, lo censurado
por la lógica y la razón.
No fue solo un movimiento artístico y literario sino una actitud ante la vida, la sociedad, el arte y el
hombre, que se oponía a los principios morales de la sociedad establecida y pretendía la liberación total
del ser humano, de sus represiones personales y sociales, asumiendo la liberación de lo irracional, de lo
inconsciente en el arte y en la vida. Por ello mantendrán –en general- una actitud crítica y de compromiso
político, acercándose algunos a las posturas del partido comunista.
El término procede del francés Surréalisme (sobre o por encima de la realidad), aludiendo a una especie
de sobre-realidad que supera la realidad consciente y la conecta con el inconsciente, con lo onírico,
fuente de libertad creadora. Tal y como señala Breton en el Manifiesto, el surrealismo es “Automatismo
psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el
funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la
razón, ajeno a toda preocupación estética o moral”.
Para ellos la razón no era más que un impedimento al libre desarrollo de la imaginación y del inconsciente
y para romper las ataduras de la razón era tener acceso libre a lo más profundo del ser humano, al mundo
del inconsciente. Valorarán lo irracional en el arte y tratarán de plasmar, tanto por medio de formas
abstractas como figurativas, las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, de su
subconsciente y del mundo de los sueños.
Pretenden visualizar el inconsciente en su estado puro, despojado de las trabas que le impone la razón y
al margen de los convencionalismos sociales y morales, mostrar en el arte el mundo interior más
escondido: los deseos, los sentimientos, los miedos, las fobias, las obsesiones… que anidan en lo profundo
de la mente humana. Por eso muchos de sus temas serán escandalosos.
Para acceder a ese mundo inconsciente libre de toda traba racional, proponen trasladar sus imágenes
mediante la asociación libre, sin ninguna intromisión censora de la conciencia. Por ello, uno de los
métodos preferidos para indagar en el inconsciente será el automatismo, la expresión directa,
automática, sin control alguno por parte de la razón, de las imágenes e impulsos inconscientes del artista.
Con este fin llegarán a experimentar tanto con la hipnosis, las sustancias psicotrópicas, la creación
artística en estados de extenuación, como con determinadas técnicas que les ayudaban a dejar surgir
libremente ese automatismo inconsciente:
 El “cadáver exquisito”: varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin
ver el trabajo del anterior, logrando imágenes interesantes e ilógicas.

15.  El frottage, basado en el azar, frotando un lápiz sobre papel colocado sobre una superficie dura
con irregularidades y a partir de esas impresiones aleatorias elaborar la pintura, sugerida por esas
imágenes aleatorias.
 El grattage o raspado: raspar o rascar con objetos los pigmentos de pintura ya secos sobre la
superficie de madera o del lienzo, creando una especie de textura y obteniendo imágenes.
 La decalcomanía: aplicar tinta sobre un papel, sobre el que luego se coloca otro y se aplica
presión, separando las hojas antes de que se seque a tinta y originando imágenes aleatorias, de
aspecto orgánico.
 La asociación libre, que les permitía acceder al mundo de los sueños, yuxtaponiendo objetos
reales o imaginados sin aparente relación o conexión alguna racional, de modo casual, o
deformándolos, que desconciertan y crean una nueva realidad, tal y como ocurre en el mundo de
los sueños, donde los elementos más dispares se conectan por simbólicas relaciones secretas e
irracionales.
Para mostrar esas imágenes del inconsciente u oníricas, esas asociaciones libres será muy habitual el
empleo del collage, el ensamblaje de objetos incongruentes, como en los llamados objetos surrealistas, el
fotomontaje…
Consideraban que de este modo afloraba el verdadero ser interior del hombre, pues la creación artística
surgía directamente de su inconsciente, sin limitación o represión alguna por parte de la razón consciente.
Esto les llevó a mostrar temas hasta ahora inéditos e incluso provocadores socialmente, pues en ellos se
refleja sin censura alguna el interior más tenebroso del ser humano: miedos, pulsiones, lo grotesco, lo
perverso, lo cruel, lo inquietante… y, como herederos de la tradición
freudiana, las obsesiones sexuales.
Se suelen considerar como predecesores de este movimiento a artistas
que ahondaron en el mundo de lo oculto, o que habían rechazado el
mundo de la lógica y la razón, y habían creado mundos imaginarios y
fantásticos, oníricos: El Bosco, Füssli, William Blake, Goya o Rousseau el
aduanero. No obstante, su predecesor más cercano fue Giorgio de
Chirico, que en su Pintura Metafísica mostraba extrañas asociaciones
de objetos descontextualizados, como estatuas o maniquíes, que
aparecían ubicados en escenarios oníricos, como extrañas, silenciosas y
deshumanizadas profundas perspectivas y plazas clasicistas…
El surrealismo no tuvo un lenguaje común para hacer aflorar ese mundo
de los sueños y cada artista explorará individualmente diferentes
lenguajes: desde la figuración hasta la abstracción, llegando algunos de
ellos a crear auténticos mundos oníricos propios, tanto figurativos como abstractos, regidos tan solo por
sus propias leyes y poblados de formas y seres muy característicos.
En su afán por explorar el mundo onírico e inconsciente libre de
cualquier atadura estética o moral, convivirán varias vertientes
expresivas:
 Algunos artistas explorarán el acceso al inconsciente de un modo
totalmente libre, mediante la pintura automática, el collage, el
frottage, el grattage¸ la decalcomanía, el cadáver exquisito…
dejando fluir libremente y de modo automático sus impulsos
inconsciente, como harán André Masson, en algunos momentos
Max Ernst, o el joven Joan Miró.

16.  Otros como Yves Tanguy o Joan Miró emplearán un lenguaje próximo a la abstracción, creando
universos surreales muy característicos poblados de extrañas criaturas, habitualmente de aspecto
orgánico, fruto únicamente de su imaginación. Dejarán volar libremente su imaginación de un modo
casi automático, asociando formas y colores de modo espontáneo, imágenes que surgen de manera
rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido tradicional.
Joan Miró: El carnaval de arlequín (1924-25) y Mujeres y pájaros a la luz de la luna, (1949)
 Otros, como Salvador Dalí o René Magritte y –en algunos momentos Max Ernst- emplearán un
lenguaje figurativo, empleando el modelado, el claroscuro y la perspectiva tradicional. Lo
desconcertante en sus cuadros es la libre asociación de elementos que en el mundo racional no
tienen conexión alguna, yuxtaponiéndolos en extraños mundos de carácter alucinatorio que se
abren ante el espectador; otras veces es la mutilación o la deformación del aspecto o del material
con que parecen estar pintados lo que sorprende. En otras ocasiones crean auténticos engaños para
la mente, como las obras de Magritte, que hacen dudar al espectador sobre los límites de la realidad.
Es precisamente el aspecto de realidad de esas imágenes oníricas lo que desconcierta al espectador.
Salvador Dalí: El juego lúgubre, 1929
Max Ernst: El elefante de las Célebes. 1921. René Magritte: La llave de los campos,
1937
Salvador Dalí: La persistencia de la
memoria.1931
Yves Tanguy: El mobiliario del tiempo, 1939

17. EXPLICA LA IMPORTANCIA DE LOS PINTORES ESPAÑOLES PICASSO, MIRÓ Y DALÍ EN EL DESARROLLO DE
LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS
Algunos artistas españoles serán fundamentales en el desarrollo de las vanguardias históricas, como
Pablo Ruiz Picasso, que será el pintor más famoso del siglo XX y ejemplo de artista de la época,
considerado -junto con Georges Braque- como padre de una de las mayores revoluciones históricas del
arte moderno, el cubismo. A él hay que sumar las figuras de Joan Miró, uno de los máximos
representantes de la vertiente lírica o abstracta del surrealismo, y a Salvador Dalí¸ que –a través de su
método paranoico-crítico- realizará una pintura surrealista de carácter figurativo, con un dibujo muy
preciso, que pretenderá ahondar en el mundo del inconsciente, dejando fluir sus obsesiones, miedos y
temas, que llegarán a escandalizar a los propios surrealistas.
Pablo Ruiz Picasso experimentará diferentes estilos de vanguardia, aunque fue protagonista directo del
nacimiento del cubismo. También será un gran innovador a nivel técnico, experimentando diferentes
lenguajes plásticos, como pintura, escultura, grabado o cerámica y haciendo
aportaciones fundamentales como el collage. Su vida y su arte estarán
íntimamente ligados, desarrollando estilos muy diferentes a lo largo de los años.
Tras su formación clásica, mostrándose como un talento precoz, de carácter
realista, frecuenta los círculos intelectuales de Barcelona, donde entra en contacto
con el postimpresionismo y el modernismo. En torno a 1901 desarrolla su primer
estilo propio, el llamado Periodo Azul, por el uso mayoritario de este color y por
escoger temas de carácter triste y melancólico, con personajes alegóricos
famélicos y desolados, mendigos, prostitutas, representados con rostros y
miembros muy estilizados, de influencia de de El Greco.
En 1904, inicia una etapa vital optimista, que se traducirá en su llamado Periodo
Rosa, y su paleta cambia a tonos rosados y ocres, más alegre, desapareciendo los
desamparados de su etapa anterior y sustituyéndolos por personajes del mundo
del circo, aunque aún con una cierta melancolía.
Posteriormente se fascinará por la simplicidad de la
escultura románica, del arte ibérico y por la esquematización
y geometrismo de las máscaras africanas, lo que le llevará a
depurar sus formas y a simplificarlas, de un modo
antinaturalista. Este periodo será conocido como
Etapa negra, por la influencia del arte africano,
iniciando el proceso que conducirá al cubismo.
Influido por esa simplicidad geométrica y por la
pintura de Cézanne y su interés por el empleo simultáneo de diferentes
puntos de vista y por las captar las formas geométricas más simples en
la naturaleza, pintará entre 1906 y 1907 Las señoritas de Avinyó,
considerado como el primer cuadro cubista y que será revolucionario, al
romper con todas las convenciones de la pintura occidental: convierte a
la pintura en algo totalmente plano, rompiendo la diferencia entre fondo
y figuras, emplea simultáneamente varios puntos de vista y geometriza y
deforma radicalmente sus personajes.
Con su amigo Georges Braque experimentará este nuevo lenguaje
simplificando y geometrizando al máximo los volúmenes, primando la
recuperación de la forma frente al color. Poco a poco, en torno a 1909-

18. 1911, irán avanzando en la descomposición de las formas y los volúmenes en
cada vez mayor cantidad de facetas, de planos cortados y fragmentados,
yuxtaponiendo cada vez un mayor número de vistas simultáneas del mismo
objeto, dando lugar al cubismo analítico, descomponiendo y analizando la
realidad en innumerables planos correspondientes a diferentes visiones del
objeto.
Ante el riesgo de perder la referencia de la realidad y caer en la abstracción,
en 1912 trata de recuperar las formas
mediante el empleo de planos de mayor
tamaño, sintetizando los objetos a sus
aspectos más esenciales y reconociblesy
superponiéndolos sobre el cuadro.
Es el llamado cubismo sintetico,
reduciendo los objetos a sus
formas geométricas más
esenciales, pero suficientes para caracterizarlos. En este periodo
introduce la técnica del collage, introduciendo fragmentos de realidad
exterior en la propia realidad del cuadro, lo que le ayudará a volver a
conectar la pintura con la realidad material.
A partir de 1915, los planos son cada vez más grandes y contrastados,
mediante el uso de un colorido mucho más rico, que algunos han denominado cubismo decorativista, una
vertiente del cubismo sintético.
Tras dar lugar al cubismo seguirá experimentando
diferentes lenguajes en los años posteriores, en ocasiones
de modo simultáneo, son las llamadas Etapa clásica y
Etapa surrealista, en la que experimentará el lenguaje de
esta nueva vanguardia, apareciendo formas distorsionadas
e incluso seres de carácter mitológico y monstruosos.
Á lo largo de los difíciles años 30, su pintura va volviéndose
más intranquila y violenta, acentuándo la deformación y convirtiéndose en una
pintura cada vez más expresionista, que mezcla esas extrañas formas orgánicas de su etapa anterior con
trazos violentos y angulosos. El cubismo será la base formal fundamental de este periodo, que algunos
han llamado Etapa expresionista, pero incorporando de modo expresivo todos sus experimentos
anteriores. Fruto de
este espíritu serán
sus dramáticas obras
coincidentes con la
tragedia de la
Guerra Civil
Española. Picasso
había tomado
partido por la
República, para el
que expresa de modo dramático y con una pintura desgarrada y expresiva los horrores de la guerra y sus
consecuencias, en una visión de auténtica pesadilla. Es una clara denuncia no solo de los horrores
universales de la guerra sino también de la barbarie del fascismo.

19. Durante la II Guerra Mundial podrá vivir en París sin ser molestado por la ocupación nazi y continuará
pintando obras que siguen expresando su sentiminto por el horror. Tras la guerra continuará pintando,
haciendo grabados, esculpiendo y creando cerámicas, reinterpretando en muchas ocasiones tanto su
propio lenguaje, como también a los grandes clásicos de la pintura, experimentando diferentes estilos y
técnicas hasta su muerte en 1973.
Joan Miró, tras experimentar el cubismo en una
cierta clave naif, entró en contacto con los
surrealistas en 1924 y se interesó por descubrir
las posibilidades creativas del automatismo,
anulando el control racional de la pintura y
explorando al máximo las posibilidades
creadoras del inconsciente en el arte, hasta el
punto de que Bretón lo consideró como “el más
surrealista de todos nosotros.”
Su pintura surrealista aportará una visión no
solo del mundo inconsciente y onírico, sino
también mostrará una visión poética, un mundo mágico lleno de ingenuidad, como el mundo infantil,
ajeno a las convenciones de la lógica y la racionalidad del mundo adulto.
Empleará un lenguaje pictórico próximo a la abstracción, creando un universo
muy particular, poblado de trazos, signos y seres fantásticos, fruto de su propia
imaginación, algunos de ellos propios de este universo inconsciente, aunque
reconocibles (animales, pájaros, estrellas, soles, lunas, mujeres, insectos…,
metamorfosea sus formas en clave lúdica) y otros que parecen signos,
ideogramas, también muy característicos.del mundo mironiano. En los cuados
de Miró desaparecen las imágenes reales y en su lugar surge un colorido
mundo sugerente de apariencia biomórfica, con personajes inventados, otros
metamorfoseados, con un encantador tono infantil y poético.
Sobre fondos habitualmente planos, se disponen sus característicos personajes, de formas simples,
estilizadas y con vigorosos contornos, tratados con colores vivos y planos, que conviven con signos, líneas,
manchas de color…
Con el tiempo, sus formas y signos se irán estilizando y simplificando, hasta convertirse prácticamente en
signos, en auténticos ideogramas de un universo particular, fácilmente reconocible para el espectador.

20. Por el contrario, Salvador Dalí, que se incorporará de modo tardío
al grupo surrealista, tras ser expulsado de la Academia de Bellas
Artes y haber colaborado con Lorca y Buñuel (Un perro andaluz),
empleará un lenguaje plenamente figurativo. La llegada de este
excéntrico artista supondrá un nuevo momento de esplendor para
el grupo, tanto por sus aportaciones pictóricas como teóricas,
llegando a ser reconocido por el propio Freud: “Hasta entonces me
sentía tentado de considerar a los surrealistas -que aparentemente
me han elegido como santo patrón- como locos integrales. Aquel
joven español, con sus espléndidos ojos de fanático e innegable
dominio técnico, me movió a reconsiderar mi opinión."
Su principal aportación será su modo de hacer visible el mundo
oculto del inconsciente y de los sueños, mediante lo que él llamó
método paranoico-crítico: “un medio espontáneo de conocimiento
irracional basado en la asociación interpretativo-crítica de los
fenómenos delirantes.” Según Dalí, mediante este método el
cerebro puede percibir enlaces ocultos entre objetos que racional o aparentemente no están conectados,
como en el mundo de los sueños, revelando imágenes surreales que surgen desde lo más profundo,
desde lo que ha sido reprimido por el cerebro consciente, como las pulsiones, los traumas, los miedos
más ocultos, las obsesiones personales, las fantasías más delirantes… Esas serán las imágenes que
trasladará a sus pinturas, abordando aspectos jamás tratados hasta ahora en la pintura y que resultarán
escandalosos incluso para los propios surrealistas.
Dalí plasmará esas visiones oníricas en espacios
inquietantes, aunque aparentemente reales, a
través de asociaciones insólitas y delirantes de
objetos, muchas veces descontextualizados, otras
deformados, mutilados, putrefactos, con juegos
entre formas blandas que contrastan con otras
duras… y que revelan los desos y temores más
ocultos en su interior. A través de objetos
reconocibles crea delirantes asociaciones de
imágenes que inquietan al espectador precisamente
por su apariencia de realidad.
Porque, precisamente, lo más paradójico y que resulta aún más inquietante es que esos objetos,
personajes, así como los paisajes en que se insertan, están pintados con una técnica de aspecto
tradicional, especialmente minuciosa, casi de modo
fotográfico, que les dota de una auténtica
apariencia de realidad: dibujo muy meticuloso,
colorido brillante y luminoso, modelado preciso,
luces claras y transparentes, empleo de sistemas de
perspectiva tradicionales…
Con el tiempo su pintura se irá haciendo más
comercial y tanto Dalí como su obra se convertirán
en símbolos de la cultura de masas capitalista,
despojado de los aspectos más interesantes de sus
primeras y geniales creaciones.