Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertiente cromática y geométrica, y especifica algunas de sus corrientes más significativas, como el Suprematismo ruso o el Neoplastiscismo. Historia del Arte, 2º de Bachillerato LOMCE

1. DESCRIBE EL
PROCESO DE
GESTACIÓN DE LA
PINTURA
ABSTRACTA,
DISTINGUE LA
VERTIENTE
CROMÁTICA Y
GEOMÉTRICA, Y
ESPECIFICA
ALGUNAS DE SUS
CORRIENTES MÁS
SIGNIFICATIVAS,
COMO EL
SUPREMATISMO
RUSO O EL
NEOPLASTISCISMO
Vasili Kandinsky: Sobre blanco II, 1923

2. La Abstracción
no es un
movimiento
pictórico, ni una
vanguardia, sino
una tendencia
artística
consistente en el
alejamiento de
lo representado
en la obra de
arte frente a la
realidad.
Se centra en la
obra de arte en
sí, no en lo que
representa, ni en
su posible
parecido con
nada
preexistente.
Vasili Kandinsky: Composición 218, Dos óvalos, 1919

3. Rechaza la copia o la
imitación de cualquier
modelo exterior a la
conciencia del artista.
Prescinde de toda
figuración (espacio real,
objetos, paisajes,
figuras, seres animados
e incluso formas
geométricas si se
representan como
objetos reales, con
iluminación y
perspectiva) y no hace
referencia a algo
exterior a la obra en sí
misma, sino que
propone una nueva
realidad distinta a la
percibida en la
naturaleza. Piet Mondrian: Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1921

4. El arte abstracto
deja de considerar
justificada la
necesidad de la
representación
figurativa y tiende a
sustituirla por un
lenguaje visual
autónomo, dotado
de sus propias
significaciones.
Usa un lenguaje
visual de formas,
colores y líneas
para crear una
composición que
existe con
independencia de
referencias visuales
del mundo real.
Vasili Kandinsky: Improvisación 26, 1912

5. Las obras de arte abstracto existen independientemente de los modelos del mundo real
y se preocupan solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje
visual expresivo, capaz de provocar diferentes interpretaciones en el espectador.
Vasili Kandinsky: Rojo, azul y amarillo, 1925

6. El arte abstracto:
• Renuncia al
tradicional
concepto de arte
como mímesis,
como imitación
de la naturaleza.
• Renuncia al
iconismo, al
simbolismo de
los elementos
representados en
la obra de arte.
• Renuncia, en
algunos casos
incluso, al
aspecto
decorativo de la
obra de arte. Kasimir Malevich: Círculo negro, 1915

7. Se crea un mundo
nuevo, propio, en el
que las reglas
exteriores no tienen
cabida.
Lo único importante
es la propia esencia
de la pintura.
Se ahonda en la
primigenia
naturaleza
intelectual de la
pintura.
El cuadro no tiene
que parecerse a
nada conocido
Es una nueva
realidad que existe
por sí misma.
František Kupka: Primavera cósmica I, 1913

8. Concede primacía a
los propios valores
plásticos del arte,
de modo
independiente y sin
conexión alguna
con ninguna
realidad externa a
la propia obra de
arte.
Abstrae las formas,
alejándolas de la
imitación o
reproducción fiel o
verosímil de lo
natural y rechaza
cualquier forma de
copia de cualquier
modelo exterior a la
conciencia del
artista.
Robert Delaunay: Prismas eléctricos, 1914

9. Como la música, que es un arte abstracto, pero que combinando sus notas produce
sensaciones en el oyente, la combinación de los colores y las formas, sin referencia alguna
a la realidad, pueden generar en el espectador sensaciones y sentimientos semejantes.
Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910-13

10. La abstracción no es
un invento del arte
moderno occidental.
Ya desde la
prehistoria y también
en culturas no
occidentales se
venían practicando y
admirando artes
visuales de carácter
abstracto, como la
caligrafía, existiendo
también una infinidad
de muestras de
formas geométricas y
estilizadas empleadas
desde los orígenes
del arte.

11. En el mundo occidental, por el contrario -y especialmente desde el Renacimiento- el arte
estaba sometido a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible, sirviéndose de
diferentes ficciones, entre las que destacaban para la imitación de la naturaleza, la perspectiva
y el modelado.
Francesco di Giorgio: Vista arquitectónica. Hacia 1490

12. La aparición de la fotografía
supondrá un cambio
fundamental:
Registrará todo tipo de sucesos
más rápidamente y con mayor
precisión de detalles que la
pintura, por lo que esta se verá
libre de la servidumbre de
tener que reproducir la realidad
exterior y los artistas podrán
dedicarse por entero a explorar
su propio lenguaje, basado en
las líneas, los colores, las
formas, la pincelada, la
composición…
Diferentes artistas irán creando
obras que se irán alejando poco
a poco de la tradición artística y
que desembocarán en las
vanguardias y en la abstracción.
Nicéphore Niépce: Primera fotografía, 1826
James Clerk Maxwell: Primera fotografía en color, 1861

13. Los antecedentes
más lejanos
podemos
encontrarlos en
las atmósferas
nebulosas de
William Turner,
que sin llegar a la
abstracción,
desmaterializan
los objetos, en
una pintura
romántica que
relaciona color y
sensibilidad.
Sin embargo,
sigue existiendo
una conexión con
la realidad
exterior.
«Se ha demostrado que el cromatismo produce una
impresión particular en el ser humano, lo que significa que
es propio de la mirada y de la sensibilidad conjuntamente.»
Goethe, Teoría de los colores, 1810.
William Turner: Puesta de sol sobre un lago, 1840

14. Desde el último tercio del
siglo XIX muchos artistas
sintieron la necesidad de
crear un nuevo tipo de arte
que asumiera los cambios tan
radicales que se estaban
produciendo la sociedad.
Los pintores Impresionistas
fueron los primeros en
proponerse representar no la
realidad, sino su impresión
de ella
Ya no es el tema lo que
importa, sino plasmar la
fugacidad de la luz en los
objetos, conduciendo a un
alejamiento de la realidad
externa.
Claude Monet: Series sobre la Catedral de Ruan, 1891

15. El interés de Monet por
captar la instantaneidad
de la luz, a través de su
pintura impresionista en
una nueva experiencia
plástica, y su manera de
expresar su experiencia
personal por medios
meramente pictóricos le
llevó a las puertas de la
abstracción.
Sus últimas series
pintadas en Giverny, en las
que tradujo los reflejos
cambiantes de la
superficie del agua con
trazos abocetados,
repetitivos, sinuosos,
establecen un diálogo
visual con la abstracción.
William Turner: Puesta de sol sobre un lago, 1840
http://www2.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2010/Monet-y-la-abstraccion/
Claude Monet: Ninfeas, 1907

16. Los pintores postimpresionistas de finales del siglo XIX dieron un paso más frente a la visión
del arte como mímesis de la realidad, exaltando sus propias visiones personales del arte.
Cézanne Gauguin y los nabis Van Gogh
Reducción de la realidad a
formas geométricas.
Visión múltiple de los
objetos.
Uso simbólico del color.
Renuncia a la perspectiva.
Deformación expresiva de la
realidad.
Uso expresivo del color y de
la materia pictórica.

17. Las diferentes vanguardias de comienzos del siglo XX supusieron las rupturas
fundamentales con la tradición pictórica que abrieron paso a la abstracción pictórica.
Fauvismo Expresionismo Cubismo Futurismo
Liberación absoluta
del color respecto de
la realidad visible.
Simplificación de las
formas.
Deformación
expresiva de la
realidad.
El arte como
expresión de
sentimientos
interiores más allá
de cualquier realidad
externa.
Descomposición del
objeto en planos
geométricos.
Fusión de figuras y
fondo.
Desaparición de la
perspectiva.
Disolución de las
formas para reflejar
el dinamismo y el
movimiento.

18. Como tendencia pictórica del arte
occidental, la abstracción surge en
torno a 1910 ligada a los diferentes
movimientos de vanguardia.
Trata de prescindir de todos los
elementos figurativos, para
concentrar la fuerza expresiva en
formas y colores sin ninguna
relación con la realidad visual
Desarrolla un lenguaje visual
independiente de la
representación de la naturaleza.
Supone la consideración de las
artes plásticas en si mismas, la
pintura por la pintura 
Ya no se valora la obra por lo que
imita sino por los elementos que la
componen: líneas, color, forma,
materia pictórica, pincelada….
Vasili Kandinsky: Improvisación 7, 1910

19. Fueron varias las tendencias de la vanguardia histórica que acabaron desembocando en
creaciones no figurativas y en la abstracción:
Expresionismo
Cubismo

20. Fueron varias las tendencias de la vanguardia histórica las que acabaron desembocando en
creaciones no figurativas y en la abstracción:
Rayonismo
Futurismo

21. • El deseo de alejamiento de
la realidad, al considerar
que el figurativismo ya
estaba agotado como vía
artística, y de crear un arte
totalmente nuevo.
• El deseo de evasión de una
realidad social e histórica en
un mundo sometido a los
cambios tecnológicos y en
crisis.
• El deseo de alcanzar lo
absoluto, de crear un arte
esencial basado en un
lenguaje visual universal,
sometido solo a valores
plásticos y liberado de la
esclavitud de la realidad.
Kasimir Malevich:
Composición
suprematista, 1915-16
De acuerdo con algunos autores, la
abstracción surgió por:

22. Si bien se ha considerado
tradicionalmente a Vasili
Kandinsky como padre de la
abstracción, probablemente los
primeros cuadros abstractos
fueron pintados por la pintora
sueca Hilma af Klint en torno a
1906.
Su obra no fue conocida hasta
1986, pues la artista dejó claro en
su última voluntad que sus
pinturas debían permanecer
ocultas del público durante al
menos veinte años después de su
muerte.
Creó su obra como una forma de
plasmar las experiencias
supraterrenales que afirmaba
sentir en sesiones de espiritismo,
en una especie de pintura
automática que se anticipó al
surrealismo en casi 20 años.
Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910-13

23. En 1906, Hilma af Klint se
embarcó en Las Pinturas
para el Templo, trabajo
encargado por uno de sus
guías espirituales, Amaliel.
Las pinturas manejaban un
idioma visual abstracto
experimental y único, y
fueron las que más tarde
decidió no mostrar sino
hasta veinte años después
de su muerte, pues estaba
convencida de que no
serían comprendidas hasta
entonces.
Tuvieron que pasar más de
cuarenta años para que
una selección de estas
obras se exhibiera por
primera vez: en 1986.
Los Diez Mayores, nº 3, Juventud, 1907

24. Desde comienzos del siglo XX también otros
artistas fueron experimentando el
alejamiento de la figuración, como Francis
Picabia, o Hans Schmithals.
Estas experiencias no tuvieron un sustrato
teórico como las que se desarrollaron
posteriormente, pero son muestra del
interés por desarrollar un lenguaje pictórico
nuevo, alejado de la imitación de la realidad.
Francis Picabia: Caoutchut, 1909
Hans Schmithals: Estrella polar y constelación Dragón), 1902

25. Igualmente otros pintores como los representantes del cubismo órfico (František Kupka,
Robert y Sonia Delaunay) o los pintores rayonistas rusos (Larionov y Goncharova) estaban
desarrollando contemporáneamente a Kandinsky experiencias que también condujeron a la
abstracción en los primeros años de la década de 1910.
František Kupka: Discos de Newton, 1911-12
Mijail Larionov: Composición rayonista. Dominancia del rojo, 1912

26. • La primera, elaborada a
partir de las experiencias
fauvistas y expresionistas,
que exaltan la fuerza del
color, dio lugar a la llamada
abstracción lírica o
cromática.
• La segunda, basada en la
racionalidad, la
estructuración y
descomposición formal del
cubismo y futurismo, dio
lugar a la llamada
abstracción geométrica.
Las dos principales corrientes que dieron lugar a la abstracción inspiraron sus principales
tendencias:
Piet Mondrian: Composición II, 1920
Kazimir Malevich: Cuadrado negro
sobre fondo blanco, 1915
Vasili
Kandinsky:
Composición
VII, 1913

27. Abstracción lírica o cromática
Enfatiza la expresividad de los
colores, las formas y la materia, sin
referencias directas con la realidad,
con el fin de provocar emociones
en el espectador.
Responde al predominio de lo
intuitivo, siendo el resultado de la
libre expresión de las emociones
del artista que las deja fluir sin
pretender racionalizarlas.
Su lenguaje se basa en la función
expresiva y simbólica de los colores
y a través de las manchas de color,
pretende plasmar el estado
emocional del artista y causar una
impresión anímica en el espectador.
Suele emplear formas libres,
improvisadas, irregulares.
Vasili Kandinsky: Improvisación 31, 1913

28. Surge de las
experiencias llevadas a
cabo por Vasili
Kandinsky, fundador
del grupo
expresionista Der
Blaue Reiter.
En su afán por
expresar la emoción y
el sentimiento fue
progresivamente
estilizando y
depurando las formas,
expresándose en un
lenguaje basado en el
color y en las líneas.
A través de ellos
pretendía transmitir
la emoción y la
verdadera fuerza
interior, sin sujeción
alguna a la realidad
visible.
Pareja a caballo, 1906/07
Murnau, 1908
Murnau con Iglesia I, 1910
Composición IV, 1911

29. El misticismo, el
sentimiento y la
espiritualidad estaban
muy presentes en su
concepción del arte y de la
vida, influido por las
corrientes teosóficas y
esotéricas que estaban de
moda a comienzos de siglo.
Llegó a una abstracción
impregnada de
sentimiento  su pintura
está destinada a despertar
la emoción en el
espectador.
Para él, el arte debía
expresar el espíritu, la
realidad interior, los
estados de ánimo, los
sentimientos.
Vasili Kandinsky: Pintura nº 201, 1914

30. “Una mañana, al
entrar en mi estudio,
advertí la presencia
de un cuadro
indeciblemente bello
y que jamás creía
haber visto antes.
Me aproximé y vi
que no era sino una
de mis propias
pinturas en el
momento en que,
recibiendo la luz del
sol, se perdía la
sustancia del
asunto, en tanto los
colores obtenían un
brillo inédito”.
Vasili Kandinsky Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910-13
Este hecho le hace reflexionar acerca de la validez de las representaciones sin argumento y
en 1910 lleva a cabo la Primera acuarela abstracta.

31. Sobre un espacio imaginario
flotan y se mueven formas
abstractas coloreadas en las que
no se encuentran referencias
miméticas a la realidad.
Sin referencia figurativa alguna
crea un universo de manchas de
color y líneas nerviosas, que
permiten la libre expresión de
emociones.
Reduce la pintura a sus
elementos esenciales, creando
así un mundo propiamente
pictórico, ajeno por tanto a la
realidad circundante.
Un mundo místico, sólo de
sentimientos, provocados por
las formas y los colores
dispuestos en armonía.
Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta, 1910-13

32. Kandinsky es un profundo teórico
y en su obra Lo espiritual en el arte
considera que el arte debe ser
algo espiritual, alejado de la
materialidad.
Compara la pintura abstracta con
la música y su capacidad
expresiva para transmitir
emociones y sentimientos a
través de la forma y del color:
• El color es la tecla.
• El ojo el macillo.
• El alma es el piano con muchas
cuerdas.
• El artista es la mano que, por
ésta o aquella tecla, hace vibrar
adecuadamente el alma
humana.
“El color es el medio más poderoso para llevar a cabo
el cambio de rumbo espiritual. Los colores aparecen
vinculados a vibraciones musicales; a cada color
corresponde un tono espiritual, una vibración
interna.”

33. Tras esa primera
experiencia, comienza a
pintar lienzos llenos de
manchas cromáticas y
formas simplificadas.
El alejamiento del natural y
su tendencia hacía lo
abstracto se efectuó en una
serie de obras que
denominó Impresiones
(inspiradas en la naturaleza)
e Improvisaciones, que son
expresiones espontáneas
de carácter espiritual, que
no reproducen nada
material.
Serán el antecedente
directo del expresionismo
abstracto o pintura informal
que se desarrolló en todo el
mundo a partir de 1945.
Vasili Kandinsky: Composición VII, 1913
Jackson Pollock:
Convergence,
1952

34. Tras su regreso a Rusia con la Primera Guerra Mundial, entra en contacto con el Constructivismo y el
Neoplasticismo y posteriormente ejercerá como profesor en la Bauhaus; su pintura tenderá a ir
incorporando progresivamente las formas geométricas, que complementan el uso expresivo del color.
Vasili Kandinsky: Línea transversal, 1923

35. En su obra Punto y línea sobre el plano
(1926) lleva a cabo un estudio de los
elementos geométricos en el plano: trata
del valor del punto, de las líneas (la línea
horizontal está asociada a lo estático, a lo
frío; la vertical es cálida y las diagonales
templadas), del plano (posee cuatro
campos de fuerza, a cada uno de los
cuales le corresponde una sensación, un
sentimiento: arriba, sensación de libertad,
ligereza; abajo, represión, pesadez, etc.).
Estudia y experimenta sus efectos
emotivos, sumados al color, como
manifestación del espíritu puro y que
genera diferentes efectos (atraen o alejan,
el azul crea sensación de movimiento
centrífugo, el amarillo centrípeto…).
Las formas geométricas agudizan o
retraen el carácter de cada color y señalan
direcciones y puntos de tensión en la
superficie del cuadro.
Vasili Kandinsky: Distinc t connection, 1925

36. En esta época y durante su
estancia en la Bauhaus
realiza numerosas
Composiciones, que a
diferencia de las impresiones
y las improvisaciones son
construcciones
enormemente calculadas,
sobre la base de apuntes
previos, cuyas líneas y colores
habían sido trazados
instintivamente.
Sus factores determinantes
son la razón, la conciencia, la
intención y la finalidad. De un
nivel más complicado, sólo se
pueden lograr tras largos
trabajos preliminares.
Aúnan lo intuitivo con el rigor
compositivo.
Vasili Kandinsky: Rojo, azul y amarillo, 1925
Vasili Kandinsky: Composición VIII, 1923

37. Es un ejemplo de esta nueva forma de
expresión de Kandisnky en su época de la
Bauhaus, en la que suma los efectos
emocionales del color a los propios
efectos de las formas geométricas con
que compone la pintura.
Es un trabajo de análisis detallado y de
rigor y equilibrio compositivo, en el que
juega con las diferentes formas
(cuadrado, triángulo, círculo) y diferentes
colores que se relacionan y superponen,
así como con las líneas diagonales, que
equilibran la composición.
La combinación de elementos como
líneas, puntos, colores, formas
geométricas dan una sensación de
tensión, armonía, ritmo y tratan de
causar o provocar una sensación en el
espectador
Pese al empleo de formas geométricas,
como los constructivistas y
neoplasticistas, Kandinsky nunca renuncia
al carácter expresivo de la pintura.
Vasili Kandinsky: Sobre blanco II, 1923
“El encuentro de un círculo y la punta de un
triángulo no causa menos efecto que el roce del
dedo divino con el de Adán en la obra de Miguel
Ángel".

38. También suelen
considerarse como
ejemplos de la
abstracción lírica o
cromática las
obras de Robert
Delaunay, que
parte del cubismo
órfico y se interesa
especialmente por
los efectos de los
contrastes de
color y los ritmos
de las formas,
aunque sus obras
tienden a la
abstracción
geométrica.
Robert Delaunay: Ritmo, alegría de vivir, 1912

39. Abstracción
Geométrica
Trata de desarrollar
una pintura abstracta
basada en la
reflexión, el orden y
la racionalidad,
aspirando a la
máxima objetividad y
a la universalidad.
Para ello simplifica al
máximo las formas
pictóricas,
empleando
únicamente
elementos
geométricos, que
confieren claridad,
precisión y
objetividad a la obra.
Kazimir Malevich: Composición suprematista, Avión volando, 1915

40. Se basa en las leyes de la
geometría y en las
matemática y busca la
simplificación máxima de las
formas hasta su presentación
más elemental.
Normalmente componen los
cuadros mediante líneas y
formas geométricas puras,
que enmarcan manchas de
colores planos.
Los pioneros de la
abstracción geométrica son
Kazimir Malevich y
Piet Mondrian, creadores
respectivamente del
Suprematismo y del
Neoplasticismo.
Kazimir Malevich:
Cuadrado negro
sobre fondo
blanco, 1913
Piet Mondrian:
Composición en rojo,
amarillo y azul, 1921

41. El Rayonismo
Los artistas de la
vanguardia rusa
deseaban realizar un arte
totalmente nuevo, de
acuerdo con sus ideas
revolucionarias para
crear un mundo nuevo.
Los pintores Rayonistas
(Mijail Larionov y Natalia
Goncharova) proponen
descomponer el tema en
haces de líneas oblicuas,
empleando líneas de
fuerza como si fueran
rayos de luz, creando
secuencias rítmicas, en
cierto modo
emparentadas con el
cubismo y el futurismo.
Mijail Larionov: Rayonismo rojo, 1911

42. El Suprematismo
Fue desarrollado por el pintor ruso
Kazimir Malevich.
Suprematismo significaba una
pintura que permitía captar formas
y color, pero que no evocaba
asociaciones ni sentimientos.
Pretendía, de una manera mística,
expresar estados "puros" de
conciencia o de inconsciencia no
alterados por pensamientos reales.
Trataba de crear un arte nuevo que
tenía como objetivo la búsqueda de
"la supremacía de la sensibilidad
pura" en el arte, desprovista de
toda significación simbólica o
racional, de un sentimiento de no-
objetividad, en el sentido de que
pretendía, según sus palabras,
"liberar al arte del lastre del mundo
de las cosas."
Kazimir Malevich: Composición suprematista: cuadrado rojo y
cuadrado negro, 1915

43. Niega cualquier
referencia a la
presencia física de los
objetos del mundo
material y desarrolla
un estilo de formas
básicas y de colores
puros.
Reduce la pintura a sus
elementos geométricos
más simples,
rectángulo, cuadrado,
círculo y triángulo,
hasta llegar al cuadro
como único elemento
geométrico.
También practica un uso
restrictivo del color,
pues este excita la
emoción, hasta llegar al
uso exclusivo del blanco
y el negro.
Kazimir Malevich: Autorretrato en dos dimensiones 1915

44. Su pintura fue
evolucionando hacia
una total simplificación
geométrica,
convirtiéndose sus
lienzos en objetos
completamente
independientes, que
no habían de provocar
ningún tipo de
emoción en el
espectador y
eliminando cualquier
referente figurativo del
mundo exterior al
cuadro.
Él mismo consideraba
haber llevado
la pintura
abstracta hasta su
esencia más pura.
"La pintura se compone de forma y color, dichas formas no
serán la repetición de los objetos que viven en la vida, sino
serán en sí mismas un objeto vivo. La superficie coloreada es la
forma viva real"
Kasimir
Malevich:
Círculo negro,
1915
Kasimir Malevich:
Cruz negra, 1915
Kasimir Malevich:
Cuadrado negro sobre
fondo blanco, 1915

45. El suprematismo parte de los
elementos geométricos y de sus
valores estéticos y no pretende
expresar nada que no sea un
sentimiento artístico,
conseguido con formas
geométricas y colores planos,
cuya conjunción adquiere valor
estético en sí misma.
Cuadrado negro sobre fondo
blanco (1915) fue expuesto y
colocado en un lugar muy
especial, una esquina de la sala,
lugar reservado para los iconos.
Malevich se vale de este
simbolismo para romper con el
arte anterior y marca lo que él
entendía como el punto cero
desde el cual se configuraría
una nueva estética artística
lejos de los convencionalismos y
la mímesis más tradicional.
Vista de Última
Exhibición
Futurista 0.10,
con el Cuadrado
negro en la
esquina, 1915.

46. “El arte ya no quiere
estar al servicio de la
religión ni del Estado;
no quiere seguir
ilustrando la historia
de las costumbres; no
quiere saber nada del
objeto como tal, y
cree poder afirmarse
en la cosa (por lo
tanto, sin la fuente
válida y
experimentada de la
vida), sino en sí y por
sí”.
“Cuando en el año 1913, en mi intento desesperado de arte libre del lastre de la
objetividad, me refugié en la forma cuadrada y exhibí un cuadro que consistía en
nada más que un cuadrado negro sobre un fondo blanco, la crítica y, junto con ellos,
el público, suspiró, ‘Todo lo que hemos querido se ha perdido. Estamos en un
desierto… ¡Ante nosotros no hay más que un cuadrado negro sobre un fondo
blanco!’ (…) Sin embargo, este desierto se llena con el espíritu de la sensibilidad no-
objetiva que lo impregna todo.”
“La cara del
nuevo arte,
el primer
paso hacia
la creación
pura.”
Cuadrado negro
sobre fondo blanco
(1915)
Dos negros peleando en una cueva

47. Debajo de la pintura hay un dibujo cubo-futurista y también una broma racista. Las palabras en ruso
leen: "Dos negros peleando en una cueva", que aluden a una obra del escritor y humorista francés
Alphonse Allais de 1897, perteneciente un grupo de artistas de París llamados Les incohérents. El
principio de este movimiento era la risa, no tomarse nada en serio. La incoherencia, la irreverencia, la
irracionalidad, la sátira, la estridencia, la parodia y, sobre todo, el sentido del humor, caracterizaban las
obras de este grupo.

48. Recolección del tomate por
cardenales apopléjicos a
orillas de un mar rojo
Combate de negros en
una cueva durante la
noche
Primera comunión de
niñas anémicas en la
nieve
Rufianes, todavía en
plenitud, con el vientre en
la hierba, bebiendo
absenta

49. Su obra más radical será Cuadrado
blanco sobre fondo blanco (1918):
Un cuadrado blanco suspendido en
un fondo blanco con una ligera
modificación en la textura y en la
intensidad del blanco para distinguir
la figura y el fondo.
El cuadrado es la forma más
elemental, y al suprimir el color,
elimina cualquier residuo de
simbolismo cromático.
Resalta el valor simbólico de los dos
únicos elementos del cuadro: el
cuadrado y el color blanco, llegando
a la máxima pureza formal y
cromática.
Introduce una sensación de tensión
al ubicar el cuadrado pequeño de
forma oblicua al cuadrado grande.
La obra de arte se refiere a si misma, no hay en
ella ningún tipo de alusión ni de evocación.

50. El constructivismo ruso
Fue un movimiento artístico y
arquitectónico que surgió en
Rusia en 1914 y que tuvo
especial relevancia tras la
Revolución Rusa.
Trataban de romper con el arte
tradicional y sustituirlo por un
nuevo tipo de arte utilitario, que
estuviese al alcance de todos y
que contribuyese a construir la
nueva sociedad soviética, a
través de un arte nuevo que no
tuviese que ver con el pasado.
Reivindicaban el carácter
revolucionario del arte,
renunciando a la idea del arte
por el arte en favor del diseño
industrial y las artes aplicadas al
servicio de la nueva sociedad
comunista.
Vladimir Tatlin: Monumento a la
Tercera Internacional, 1919

51. Muestran su rechazo al
arte burgués y se inspiran
en la tecnología y la
mecánica industriales para
el arte nuevo que exigía la
nueva sociedad socialista.
Defendían el diseño
industrial, frente a la
mera creación artística,
considerada como
estética burguesa, por lo
que consideraban que los
artistas debían dedicarse a
actividades que fueran
verdaderamente útiles
para la sociedad,
integrando las diversas
artes, como la
arquitectura, la
producción industrial, el
diseño publicitario, la
tipografía, etc.
El Lissitzky:
Proun 19 D,
1922
Liuvov
Popova:
Arquitectura
pictórica,
1917

52. Arte y utilidad van
de la mano,
concibiendo sus
creaciones con
“ansias
reconstructivas de
una nueva
sociedad”, con un
afán de
transformación
profunda del
entorno social, para
lo que se sirvieron,
entre otras, de la
arquitectura, el
diseño y la
escenografía.
Serán especialmente
conocidos sus
diseños de carteles
al servicio de la
Revolución soviética.
El Lissitzky: Golpead a los blancos con la cuña roja, 1919

53. En su afán por un
nuevo lenguaje
artístico que rompiese
con el pasado y que
fuera comprensible
para todos, emplearán
las líneas puras, las
formas simples,
geométricas y
abstractas.
Las obras de Vladimir
Tatlin, Alexander
Rodchenko, Naum
Gabo, Antoine
Pevsner, El Lissitzky o
Liubov Popova
tendrán gran
influencia fuera de
Rusia y contribuirán a
la difusión de la
abstracción
geométrica.
Naum Gabo:
Columna, 1923

54. La experiencia vanguardista constructivista tendrá su punto final con el estalinismo y la
imposición oficial del Realismo Socialista.
Varios de estos artistas marcharon a Europa occidental y otros languidecieron en la URSS.
Isaak Brodsky: Discurso de V.I. Lenin ante los destacamentos del Ejército Rojo que se dirigían al frente occidental el 5 de mayo de 1920, 1933

55. El Neoplasticismo
Surge en Holanda en 1917 en
torno a la revista De Stijl (El
Estilo), y sus principales
representantes serán Piet
Mondrian, Theo van Doesburg
y Gerrit Rietveld.
Pretenden un arte puramente
racional, que trascienda la
realidad material externa,
reduciendo la pintura a formas
geométricas y colores puros,
para hacerla universal.
Buscan un "arte puro",
despojado de todo elemento
accesorio, de lo particular, para
llegar a un nuevo lenguaje
objetivo que aspirase a captar
lo universal, una nueva plástica,
que denominaron
Neoplasticismo.
Piet
Mondrian:
Cuadro 1,
1921

56. Para ellos, el verdadero
arte no debe plasmar
imágenes de objetos
reales, sino que el
objetivo de la pintura
debe ser intentar
revelar lo que hay más
allá de la realidad.
La pintura abstracta
era un paso hacia la
armonía y el equilibrio
universales,
desprovista de
cualquier sentimiento
provocado por la
representación de la
realidad, pues
consideraban que
ofuscaban la esencia
pura del universo. “Para lograr un enfoque espiritual en el arte, se necesita
apoyarse lo menos posible en la realidad, porque la
realidad se opone a lo espiritual”. Piet Mondrian
Piet Mondrian:
Cuadro 2, 1922

57. Aspiraban a una pintura
no sentimental, no
subjetiva, independiente
de cualquier carga
histórica, cultural o
geográfica.
Excluye toda emoción, y
se inspira en el rigor
matemático y en la
simplificación radical de
la geometría.
Además, rechazan la
línea curva, cualquier
tipo de profundidad y de
modelado y las texturas,
y prescinden de los
detalles y de la variedad
de la naturaleza,
buscando el principio
universal bajo la
apariencia del mundo.
Piet Mondrian: Composición en rojo, azul y amarillo, 1930

58. Muy interesado en el
movimiento teosófico,
Mondrian creía que era
posible lograr un
conocimiento de la
naturaleza más profundo que
el proporcionado por los
medios empíricos.
A través de la abstracción
geométrica, Mondrian busca
encontrar esa estructura
básica del universo, la
supuesta “retícula cósmica”
que él intenta representar
con el no-color blanco
(presencia de todos los
colores) atravesado por una
trama de líneas de no-
color negro (ausencia de
todos los colores) y con los
planos de colores primarios. Piet Mondrian: Trafalgar Square, 1939-43

59. Para ello emplearán un lenguaje
estrictamente geométrico,
reduciendo todas las formas a la
oposición y el equilibrio entre la
línea vertical y la horizontal, que
forman ángulos rectos, y todos los
colores a los tres primarios
(considerados como los colores
elementales del universo), además
de incorporar la negación del color
(el blanco, el negro y el gris) a la
composición de la obra.
Sus cuadros se organizan tan sólo
a través de planos geométricos
simples, principalmente cuadrados
y rectángulos, y de colores puros y
planos bien delimitados.
Mondrian llegó incluso a rechazar
el empleo de líneas diagonales,
por entender que con ellas se
rompe la pureza de la obra de arte.
"Todo artista verdadero ha sido siempre
inconscientemente movido por la belleza de la
línea, del color y de las relaciones entre ellos y no
por lo que sean capaces de representar".
Piet Mondrian: Composición A, 1923

60. • Planteamiento totalmente
racionalista.
• El cuadro se convierte en
un objeto autónomo de la
realidad, que posee sus
propias leyes internas.
• Lenguaje plástico objetivo
y como consecuencia,
universal.
• Se elimina todo lo
superfluo hasta que
prevalece sólo lo
elemental, en un intento
de llegar a la esencia.
• Depuración de las formas
hasta llegar a sus
componentes
fundamentales: líneas, y
planos.
• Importancia de los valores
de estructura y
composición.
Piet Mondrian: Composición II, 1920

61. • Estructuración a base de
una armonía de líneas y
masas coloreadas
rectangulares, verticales y
horizontales, formando
ángulos rectos.
• Estricta geometría que
dispone los planos de una
forma regular, haciendo uso
de complicadas relaciones
matemáticas.
• Nunca se recurre a la
simetría, aunque hay un
marcado sentido del
equilibrio por la
compensación de las
formas y los colores.
• Empleo de colores planos,
puros (primarios: amarillo,
azul, rojo), y los anticolores
(blanco, negro y grises).
• Superficie plana de formas y
colores. Piet Mondrian: Composición II, 1920

62. En 1924 Mondrian se separa de Theo van Doesburg cuando éste quiere introducir la
diagonal como signo de dinamismo y abandona De Stijl para trasladarse a Londres y,
finalmente, a Nueva York.
Theo van Doesburg: Contra-Composición de disonancias XVI, 1925

63. Estimulado por la vitalidad
de la gran ciudad,
Mondrian sustituyó las
líneas rectas negras por
una secuencia de
recuadros coloreados.
Además incluyó
numerosas teselas
amarillas y algunos
recuadros grises.
No obstante, se
mantienen los mismos
principios de geometría y
racionalidad.
En el titulo ofreció un
homenaje a la verticalidad
de los rascacielos de
Manhattan y al ritmo de la
música de George
Gershwin. Piet Mondrian: Broadway Boogie Woogie, 1942-43

64. Este tipo de abstracción geométrica se extendió a otros campos fuera de la pintura,
como la escultura, la arquitectura, las artes gráficas y el diseño industrial.
Gerrit Rietveld: Casa Schroder
(1924) y Silla roja y azul (1917)

65. La influencia del neoplasticismo y del constructivismo se hará sentir en la Bauhaus, en
la que fueron profesores artistas como Kandinsky, Paul Klee o van Doesburg, y a lo largo
de sus años de existencia, en sus creaciones se apreciará una gran depuración del
lenguaje y un creciente predominio de las formas geométricas, vinculado con la
abstracción geométrica.

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• https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-abstracto/