Catalogo Flecha 2014

Presentación
¡Agradecimientos a la vida, al Centro Comercial Arturo Soria
Plaza, propietarios, comerciantes y plantilla, al público que
lo visita y a los artistas que exponen su obra en FLECHA por
cumplir un año más con esta cita con el ARTE!
Según las ideas de Rène Guènon, esta curiosa palabra ARTE
parece que viene de la palabra sánscrita RITA de la raíz RT, de
donde viene “rito” que parece que equivale a orden.
ARTE implica pues un acto o gesto de ordenar.
Y esto es específicamente humano, es una actividad del alma.
Las potencias del alma son intelecto y voluntad.
La acción implica por lo menos voluntad.
Anterior a ella es la contemplación y concepción de ideas que
se implican en la acción.
La contemplación intelectual, que sucede sobre todo en el
corazón, es el primer paso, que provocará la visión y hará
concebir en la mente la imagen, que será expresada y activada
por medio de la voluntad.
Y voluntad implica querer y querer es amar.
Así inevitablemente el arte es también la expresión del amor
a lo contemplado.
Esperamos que la selección de artistas y obras presentes en
FLECHA 2014 aporten algo de todo lo dicho a todos los que se
acerquen a ellas.
Que sea una experiencia positiva y enriquecedora para todos.
Jælius Aguirre, enero 2014
5

Artistas
Charlotte Adde
8
Jælius Aguirre
10
Violeta Aguirre
12
Mar Alcón
14
Leandro Antolí
16
Javier Arcos Pitarque 18
Borja Barrajón Acedo 20
Sira Bee
22
María Blanco Cobaleda
24
Verónica Bustamante Loring
26
José Luis Casas
28
Chama 30
Lina Cofán
32
Müller-Franco Connection
34
Jesús Curiá
36
Michael de Coca Leicher
38
Enar de Dios Rodríguez
40
Raquel de la Cruz
42
Carlos Díaz de Bustamante
44
Leticia Felgueroso
46
María Fernández Armero
48
Damián Flores
50
Gorka García Herrera
52
Gema Goig
54
Piter 56
Carlos I. Faura
58
le frère
60

Toya Legido
62
Iñigo Lizarraga
64
Irene López de Castro
66
Irene Mala
68
Carlos Javier Márquez Martínez 70
Nacho Montero
72
Celia Muñoz
74
Ouka Leele
76
Silvia Papas
78
Carolina Pingarrón
80
Said Rajabi
82
Carlos Regueira
84
Roberto Reula
86
Gonzalo Rodríguez
88
Arún Roy
90
Marta Sánchez Luengo
92
Daniel Sanseviero
94
Ana Sanz Llorens
96
Markus Schroll
98
Fernando Suárez
100
Alberto Tejeda
102
Ube 104
Menchu Uroz
106
Ana Valenciano
108
Eduardo Vega de Seoane
110
Mercedes Vizcaíno
112

7

Charlotte Adde
Falun (Suecia), 1969

“ o que la oruga interpreta como
L
el fin del mundo es lo que el maestro
denomina mariposa.”
Richard Bach

Mariposas, 2013
8

Técnica Mixta. 35 × 35 cm.

9

Esta representación plástico-geográfica de una historia de amor en la que los
amantes son dos personajes geográficos, dos Mares, incluye como uno de sus
resultados, el descubrimiento mutuo de las culturas (indo)europea y americana.
Plantea otra visión más amorosa de la historia del “descubrimiento de América”
que puede complementar los ángulos más duros en los que normalmente se
incide: La violencia al servicio de la economía.
Los dos personajes en esta historia son el Mare Nostrum, masculino o yang,
conocido como el Mediterráneo y el Caribe, femenino o yin, conocido también
como el Mediterráneo Americano.
Comienza hace millones de años en el período Jurásico. Eurasia y América
estaban unidas y los movimientos de la corteza terrestre los separaron. Desde
entonces en mi historia, el Mediterráneo añoraba y tendía hacia el Caribe, y este
presentía la llegada de aquel, como las almas platónicas que, como dos mitades de
la misma naranja, anhelan reunificarse y están predestinadas a hacerlo.
Cuando el desarrollo de la cultura y las técnicas aparejadas a ella conocen el
suficiente desarrollo en el Mediterráneo, cuando está suficientemente “maduro”,
parte un viaje iniciático, nupcial y fecundatorio desde la occidental salida del Mare
Nostrum… al Mediterráneo Americano: El viaje de Colón.

Jælius Aguirre
Madrid, 1956

La cultura mediterránea fecunda América y ésta a su vez a la nuestra… la edad
moderna no puede entenderse sin este apareamiento.
Jælius Aguirre, Panamá-Madrid. 2013

Una Historia de Dos Mares, 2013
10

Esculturas de cobre patinado y dibujo de grafito sobre paneles de madera. Medidas variables.

11

Violeta Aguirre
Madrid, 1993

Como persona intuitiva que soy, mi forma de trabajar también lo es. Veo como
mi obra va encajando a medida que produzco y le doy un poco de tiempo o la veo
con más perspectiva. Encontré un factor común muy fuerte entre las dos series
que expongo: ‘Taj Mahal es un Mausoleo’ y ’Toreo’. Busco plasmar la esencia,
ver lo invisible. Esas estelas representan almas.

Estelas 01, 2013
12

Fotografía blanco y negro. Papel fotográfico mate. 100 × 70 cm.
Edición de 20 ejemplares.

13

Al final, donde nadie encuentra poco de lo que busca, aparece el agua; y ella, como
un cuento más de las mil y una noches, recuerda que el amor y nuestra propia
existencia las tenemos muy cerca, tanto, que a veces apenas lo notamos.

Mar Alcón
Badajoz, 1963

La obra que este año expongo va dedicada a la pereza del alma para sentir su
esencia.
Mar Alcón

Aguas, 2013
14

Cerámica de alta temperatura. 23 × 23 × 23 cm.
Pieza única.

15

“Igual que sucedía, siendo niños, con las mágicas gotas de mercurio,
que se multiplicaban imposibles en una perturbada geometría, al romperse
el termómetro, y daban a la fiebre una pátina más de irrealidad, el clima
incomprensible de los relojes blandos. Algo de ese fenómeno concierne
a nuestra alma. En un sentido estricto, cada cual es obra de un sinfín de
multiplicaciones, de errores de la especie, de conquistas contra la oscuridad.
Un individuo es en su anonimato una obra de arte, un atávico mapa del
tesoro tatuado en la piel de las genealogías y que lleva hasta él mismo a sangre
y fuego. No hay nada que no hayamos recibido ni nada que no demos en
herencia. Existe una razón para sentir orgullo en mitad de esta fiebre que no
acaba. Somos custodios de un metal pesado, lujosas gotas de mercurio amante.”

Leandro Antolí
Madrid, 1962

Metales Pesados
Carlos Marzal

MB 12, 2012
16

Técnica mixta sobre papel alfa de grabado. 29 × 21 cm.

17

Escultura construida con piezas recicladas de coches, aparatos de medición
eléctrica y radios antiguas. Estas partes cobran vida en forma de robot de las
películas de Ciencia Ficción de los años 50.
Cada robot es, según el autor, una pieza única e irrepetible elaborada de forma
totalmente artesanal. “Detrás de estas pequeñas obras de arte se esconde una
historia contada por las piezas antiguas y originales que he ido encontrando
por todo el mundo”. Por su forma de trabajar, Javier Arcos defiende todos los
preceptos de la corriente artística del objet trouvé, para la que los ‘objetos
encontrados’ representan la capacidad del arte para dar significado a cosas
comunes. “Los artistas emplean estos artículos cotidianos sin ninguna o apenas
alguna modificación. En ocasiones solos o a veces incorporados en trabajos
formados por un grupo de objetos de este tipo u otros elementos a los que se ha
dado forma y color de manera deliberada.”

Javier Arcos Pitarque
Guayaquil (Ecuador), 1962

18

Publicitario de profesión, Arcos ha sido un apasionado de los robots desde
pequeño. Lo que comenzó siendo un hobby para evitar el estrés le ha llevado
a inaugurar su propio taller de autómatas, Pitarque Robots, donde trabaja en
sus creaciones y desarrolla todos sus proyectos. Un espacio en Madrid donde
conviven sus criaturas robóticas junto a piezas antiguas de radios, cámaras de
fotos, piezas de coches de colección… “y todo tipo de objetos con una historia
detrás preparados para convertirse en un ser vivo”.

Salomón, 2013
Collage industrial. 32 × 12 × 8 cm.

19

Siempre ha sido la escultura el medio que durante toda mi trayectoria me ha
permitido sumergirme en la búsqueda de nuevos conceptos, en donde poder
mostrar mas cómodamente mis inquietudes como artista. Considero la piedra el
material capaz de permitirme realizar reflexiones durante todo el desarrollo de la
obra, su dureza, su propio ritmo, y el considerar el vacío como parte de la propia
escultura, asientan en mi sentimientos sobre el orden que la materia debe ocupar
en el espacio, alcanzando por tanto construcciones contenedoras de multitud de
sensaciones y nuevas formas de poder conectar con el observador.
Realizo búsquedas de formas inesperadas, composiciones de carácter abstracto
surgidas a través de la experimentación que conlleva el propio trabajo, cada paso
en la ejecución de la escultura es un nuevo problema a resolver.

Borja Barrajón Acedo
Madrid, 1985

A día de hoy me siento como un explorador inundado por las ansias de descubrir.
Considero que la comprensión del espacio, la forma, la materia y el vacío
es un terreno con infinidad de posibilidades e interpretaciones, donde poder
seguir investigando y aportando mi visión sobre el orden que estos elementos
han de ocupar, siempre por supuesto bajo mi perspectiva y entendimiento
personal de los mismos.

Borja Barrajón Acedo

Gravitación, 2012
20

Talla en mármol blanco Macael. 35 × 45 × 43 cm.

21

“Si el sueño fuera (como dicen) una
tregua, un puro reposo de la mente,
¿por qué, si te despiertan bruscamente,
sientes que te han robado una fortuna?
¿Por qué es tan triste madrugar? La hora
nos despoja de un don inconcebible,
tan íntimo que sólo es traducible
en un sopor que la vigilia dora
de sueños, que bien pueden ser reflejos
truncos de los tesoros de la sombra,
de un orbe intemporal que no se nombra
y que el día deforma en sus espejos.
¿Quién serás esta noche en el oscuro
sueño, del otro lado de su muro?”

Sira Bee
Madrid, 1985

El Sueño
Jorge Luis Borges

Las Tres, 2013
22

Autorretrato. Fotografía Digital. 40 × 41,49 cm.

23

María Blanco Cobaleda
Madrid, 1971

“Nadando en línea recta uno no puede llegar muy lejos...”

Sin título, 2013
24

Fotografia pintada y digitalizada. 40 × 50 cm.

25

Verónica
Bustamante Loring
Madrid, 1960

“ l oír del alma es ver con entendimiento.”
E
San Juan de la Cruz

Conspiración, 2013
26

Oleo sobre lienzo. 100 × 81 cm

27

Mi camino comenzó indagando el exterior de la forma, conociendo táctilmente
los orígenes de la materia: Transformándola, acariciándola, quemándola,
cambiando su textura… Luego quise ahondar los bordes, traspasar esa frontera,
vislumbrar el interior.
He jugado con las construcciones, con las adiciones, con los contrarios, con los
sometimientos de la forma, con los desalojos espaciales y geométricos.
He tratado de abrazar los materiales, de abarcarlos, de reivindicar los vacios, de
producir tensiones de elementos enfrentados, conjugados, retenidos.
He querido, en cada piedra (en cada golpe) heredar su memoria, apresar el aire,
detener el tiempo, encontrar una esencia…

José Luis Casas
León, 1979

Pero me he dado cuenta que he estado caminando en el límite. ”En el linde, entre
el misterio y el mundo halla el hombre el recurso del sentido; por ello su
inteligencia se provee de símbolos para rebasar (precariamente) ese límite,
y para exponer (analógica e indirectamente) lo que trasciende“.
Eugenio Trías

Estela XIII, 2013
28

Piedra y acero inoxidable. 28 × 14 × 14 cm.

29

“Muchas nubes y sol, es la predicción meteorológica para estos días.
Una columna de cedés, casi todos del mismo autor. En el equipo Michael Nyman y
la Orquesta Andalusí de Tetuán.
El fracaso y el triunfo tienen la misma puerta. !Atraviésala! A este lado ya sabes lo
que hay. El fracaso es un triunfo si es tu fracaso.
El sentido profundo de la vida es el viaje al principio del mundo. “Volver al origen
no es retroceder”, dice la canción.
Para entender a las nubes hay que ser nube. Qué locura para aquel que vive su
secreto.
Las rocas fueron nubes una vez, pero dudaron de sí mismas.
Allí estaba yo, de pie, viéndolas pasar o soñándolas, no sé.
Tú, envuelta en nubes. Nubes más altas que el cielo, nubes galopando sobre tus
hombros y nubes sobre la mesa. Como si un trozo de cielo se te hubiera caído.
Nubes llenas de amor, con pensamientos, nubes heridas, atadas y olvidadas. Nubes
sin fronteras como el aire, como la música.”

Chama J. Mugarza
Tudela (Navarra), 1952

30

7 de Diciembre
Miguel Reyes

Nube, 2014
Porcelana y óxido silicatado.
14 × 5 × 64 cm.

31

“Mine eye and heart are at a mortal war,
How to divide the conquest of thy sight;
Mine eye my heart thy picture´s sight would bar,
My heart mine eye the freedom of that right.
My heart doth plead that thou in him dost lie,
A closet never pierced with crystal eyes,
But the defendant doth that plea deny,
And says in him thy fair appearance lies.
To ´cide this title is impanneled
A quest of thoughts, all tenants to the heart;
And by their verdict is determined
The clear eye´s moiety and the dear heart´s part:
As thus; mine eye´s due is thine outward part,
And my heart´s right thine inward love of heart.”
Sonnets
Shakespeare
“Mi ojo y mi corazón están en guerra mortal,
por como repartirse la conquista de tu aspecto;
mi ojo a mi corazón quisiera esconder tu imagen,
mi corazón a mi ojo la libertad de aquel derecho.
Mi corazón alega que en él tú resides,
reducto nunca penetrado por ojos cristalinos,
pero el adversario refuta el argumento,
y dice que en él tu bella apariencia reside.
Para resolver este litigio se convoca
un jurado de pensamientos todos vasallos del corazón;
y por su veredicto se determina
que parte corresponde al límpido ojo y qué parte al querido corazón:
y así, la deuda de mi ojo es tu parte exterior,
y el derecho de mi corazón tu interior amor de corazón.”

Lina Cofán
Celanova (Orense), 1964

Sonetos
Shakespeare

Varios Cactus
32

Gres esmaltado. Medidas varias.

33

“Aquí tienen el resultado: una combinación de técnicas analógicas y digitales.
Un inmenso collage cromático, donde la figura se confunde con la técnica;
y ésta, con la intuición. Apuntes mitológicos de lo Universal se ocultan tras crines
impecables, en una sucesiva combinación de soportes y motivos, en constante
paradoja de ingenuidad y erudición.

Müller-Franco Connection
Peter Müller, Lima (Perú), 1953
Carlos Franco, Madrid, 1951

Imágenes que sugieren vinculaciones con realidades tan dispares como la moda,
el mundo editorial, lo exquisito o lo primario. Coincidencia de dos artistas que
comparten generación y proyección internacional, así como su pasión por el mito
y lo plástico. Madurez que sugiere una vuelta a los orígenes. Tal vez a un pueblo
junto al mar donde los caballos cabalguen junto a las olas.”
Zahara Magazine 2012
Susana Mato

Europa, 2012
34

Combinación de técnicas analógicas y digitales de pintura y fotografía. 200 × 98 cm.

35

Ya en los sesenta McLuhan [I] desarrolló amplia y certeramente la idea de los
medios como extensión de los sentidos y lo que se veía venir –desde Huxley la
ciencia ficción ha contemplado prácticamente todas las distopías posibles–, la
implantación de dispositivos de intercomunicación, la generalización del uso de
prótesis radioeléctricas, la omnipresencia de los aparatos devídeovigilancia, etc...,
fue brillantemente asimilado y superado en los años ochenta por una teórica
posfeminista, Donna H. Haraway, quien en su famoso y vitriólico Manifiesto
Cyborg [II] demostró que, en realidad, los medios –y muy especialmente la
red– podían servir para deconstruir cierto número de entramados ideológicos
perversos –especialmente, los “masculinos”– precisamente porque aquellos
podían dejar de ser percibidos como las prótesis definidas por McLuhan y pasar a
ser entendidos como un auténtico cuerpo trans o post genérico: “el cyborg es una
criatura de un mundo posgenérico”. La lúcida creadora delMito Cyborg, que luego
escribiría el canónico Testigo_Modesto@Segundo_Milenio.HombreHembra©_
Conoce_Oncoratón®[III], anticipó una realidad que hoy ya nos es familiar: los
ciudadanos de esta segunda década del siglo XXI –y muy especialmente las
mujeres- se nos aparecen siempre, en sus espacios de ocio o en los transportes
públicos, provistos de una prótesis mecánica con la que se mantienen en contacto
permanente con personas –a las que a veces no han visto jamás- situadas en
lugares lejanos; pero además, tal como aseveraba Haraway (“¡La red es femenina!”,
etc..), Internet es realmente el cuerpo mecánico –digámoslo claramente, el
avatar– que la mujer tiende a emplear para relacionarse toda vez que su cuerpo
biológico es, ya en la teoría feminista clásica, sospechoso de haber sido –y ser
en todo momento– construido por la mirada del hombre: “La historia del arte lo
demuestra: la imagen de la mujer es la imagen que el hombre tiene de ella” [IV].

Jesús Curiá
Madrid, 1969

[I] Marshall McLuhan. Understanding media. 1964
[II] Donna H. Haraway. Manifiesto Cyborg. 1984
[III] Donna H. Haraway. Testigo_Modesto@Segundo_Milenio. HombreHembra©_
Conoce_Oncoratón®. Feminismo y tecnociencia. 1997
[IV] Mujer. La vanguardia feminista de los años 70. Obras de la Colección
Sammlung Verbund, Viena. Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2013.
Javier Rubio Nomblot

Naranja, 2013
36

Mármol blanco y resina. 28 × 30 × 24 cm.

37

“Vor mir war keine Zeit, nach mir wird keine seyn.
Mit mir gebiert sie sich, mit mir geht sie auch ein”
“Antes de mí no había tiempo, después de mí tampoco habrá.
Conmigo se genera, conmigo también se va”
Sexcenta Monodisticha Sapientum, III. (1655)
Daniel von Czepko

Michael de Coca Leicher
Madrid, 1968

“Almacenes, Archivos y Construcciones” son obras que hablan de lo efímero de
la existencia, de la lucha por perdurar en el recuerdo y del anhelo por conseguir
la inmortalidad. Obras que revelan mensajes y recuerdos imprecisos, resucitan
momentos olvidados manipulando el tiempo para crear la ilusión de permanecer…

Archivo de Recuerdos Perdidos I, 2013
38

Técnica mixta y serigrafía sobre lienzo. 130 × 97 cm.

39

Enar de Dios Rodríguez
Ourense, 1986

El objetivo de esta serie es encontrar y capturar la única realidad que existe: la
subjetiva. La fotografía, sin embargo, se proclamó objetiva desde sus inicios (el
aparato, sí, el apparatus, siempre interponiéndose entre la realidad y el sujeto) y
así la imagen técnica se convirtió en la más fuerte creadora de memoria visual
histórica. Por suerte, con el tiempo, se condenó la verdad que deja al descubierto
la fotografía, se condenó el resultado de sus verdades; se consideraron sus
mentiras. El aparato, sin embargo, siempre presente, siguió arañando la posibilidad
de una fotografía subjetiva. Solo a través del control total del elemento esencial
de la imagen técnica, la luz, y solo cuando la cámara quede relegada a la simple
restauración de la gesticulación del sujeto, se puede llegar a una imagen técnica
subjetiva. Después de esta conclusión, el nacimiento de estas fotografías era
irremediable.

Portraits 1, 2013
40

Impresión digital sobre papel baritado, montada sobre dibond. 54 × 54 cm.

41

“I am a searcher...
I always was... and I still am...
searching for the missing piece.”

Raquel de la Cruz
Madrid, 1991

42

“Soy un buscador...
Siempre lo fui... y aún lo soy
buscando la pieza que falta.”
Louise Bourgeois

2013
Fotografía digital.
15 × 21 cm.

43

Carlos Díaz
de Bustamante
Madrid, 1963

44

“… Carlos construye lugares para mirar el mundo. A veces, invita a mirar hacia
dentro, a entrar en el lugar. Otras más secreto, ciega la visión, cierra las puertas.
Y en algunas ocasiones son lugares los que, como ventanas, se asoman hacia
nuestros lugares. Un juego de lugares, un juego fractal, en el cual lo de dentro y
lo de fuera se funden y se confunden en su inquietante propuesta: lugares desde
los que mirar el mundo. O los mundos, más bien, porque como entendieron los
“exploradores” ilustrados, cada ventana puede abrir posibilidades infinitas.”
Lugares desde los que Mirar el Mundo
Estrella de Diego

Pabellón de mi Recreo, 2012
Collage. Técnica Mixta.
35 × 70 × 29 cm.

45

“Decía Picasso que la naturaleza está llena de maravillas, que es necesario querer, saber,
buscar, ver y encontrar, “atentos como el que monta un reloj, la invención parte de ahí”.
Hace mucho tiempo, Leticia me enseñó a los Talking Heads (a los que por entonces
prestaba yo poca atención) y también a Bruce Nauman (al que no prestaba atención
alguna). Gracias.
Al principio de Blue Velvet, la cámara se dedica a fisgonear por entre las hierbas
de un jardín hasta que acaba topándose con una oreja humana. Esa oreja es el origen
de toda la sucesión de alucinaciones por las que Lynch nos paseará todo el resto
de la película. En su jardín, Leticia encuentra pequeños elementos casi anónimos,
piezas que disecciona como un cirujano, cataloga y sistematiza y que luego cocina
y reconstruye, para mostrarnos su investigación como un escaparate de visiones
personales, sorprendentes e inquietantes, frutas extrañas, flores locas y bodegones
barrocos e imposibles.
Encontró, más allá, cosas mas grandes, medusas, peces, coliflores, edificios,
y el relojero seguía allí montándolas, desmontándolas, prendiendo fuego, sumergiendo,
vaciando, pintando y enseñándonoslas en sus fotos sistemáticamente.
Ahora hurga en otros cuerpos, otras escalas, con más distancia, pescados, camas,
repollos, puertas misteriosas, estrellas de mar, que sigue armando y ajustando con su
paciencia y meticulosidad de artesano, devolviéndonos imágenes compuestas
de paradojas y suposiciones inquietantes, escenarios insólitos y cajas inexplicables.
Parece a veces, que se intuye el fantasma del mítico encuentro entre un paraguas
y una máquina de coser sobre una mesa de operaciones: es normal, todo se andará.
¡No se la pierdan!”

Leticia Felgueroso
Madrid, 1991

Nota de Calle de Cristóbal Bordiú 40 en Madrid
Rafael Roca

Silla, 2013
46

Gelatina de plata sobre papel RC. 120 × 90 cm.

47

“Cloro
Ayer me asomé a la ventana,
y me vi muerta en la piscina.
Flotaba.
Al verme ahogada pensé que no estaba
mal para la edad que tenía.
Mi pelo que de viva era muy desaliñado, ahora
se veía bonito. Una medusa de tinta de calamar.
Fuerte.
Los muslos que de viva nunca me gustaron, parecían
piernas de acriz de cine francés.
Muerta, me encanta la vida.”

María Fernández Armero
Febrero, Gijón

48

Todo Flota
Coloma Fdez. Armero

Medusa
Fotografía
analógica en papel
Hahnemühle,
procesada en
metacrilato en
el laboratorio
Fotosintesis.
74 × 100 cm.
Edición de 4
ejemplares.

49

“Siempre me han interesado los estudios de los pintores. Esos lugares mágicos,
de luz algodonosa y olores casi nutritivos: a trementina y óleo, disolvente y papel.
Tengo la secreta certeza de que la creación, ese paradigma de la fragilidad, de
lo azaroso, está de alguna manera vinculada al entorno, a esa geografía de lo
propicio de la que cada pintor se rodea, y donde se encuentra a gusto.
Así que visito el estudio de Damián Flores, en Madrid, de techos altos, cruzados
de fluorescentes, paredes blancas y el suelo gris con rastros de pintura. Hay un
sillón, un viejo caballete, una mesa con libros –veo a Claudio Rodríguez, a Pessoa,
a José Ángel Valente– lápices, tubos de acuarela, avellanas y nueces.
Y en medio, una columna donde tiene, colgado de una escarpia, un cartón con
pequeños dibujos. Porque tiene la costumbre, Damián Flores, tal vez supersticiosa,
de reproducir sus exposiciones en cartón: anota la forma y el tamaño, el título
a veces, y hace un bosquejo de cada uno de los cuadros.
De modo que mirando los dibujos uno puede recorrer la exposición a escala:
escaleras de caracol, cristales y ventanas, edificios, columnas, sombras, luces
y cielos de tormenta. Hay algo luminoso en su pintura. Algo de esa realidad
insuficiente, casi metafórica, al tiempo fidedigna y también de algún modo
imaginada. Un mundo que es poderosamente real, y al tiempo una invención
posible. Incluso preferible, o deseable.”

Damián Flores
Azehúche (Cáceres), 1963

Pintar Metáforas
Jesús Marchamalo

Interior del Hipódromo de la Zarzuela, 2013
50

Óleo sobre tela. 30 cm de diámetro.

51

Gorka García Herrera
Jerez de la Frontera (Cádiz), 1952

“Donde nada permanece, allí soy, allí fui, allí seré.”

Seré, 2010-2013
52

Oleo sobre tabla. 195 × 130 cm.

53

La obra de Gema Goig nos sugiere dos niveles de interpretación: sencillo
y sensitivo, profundo e intelectual. Ambos se complementan como la irrealidad
y la realidad, la vigilia y el sueño, la evocación y el olvido, tener y ser.
Obra pura, ligera de equipaje, sin ambages, sin efectos especiales, nunca
confundida con lo simple o naïf. Sus fondos muy trabajados a base de distintas
capas y técnicas que incorporan desde el grabado hasta la impresión con papeles,
y que son capaces de evocar diferentes dimensiones y profundidades. Cuida
sus composiciones con la difícil elección de ubicar el objeto para conseguir el
equilibrio compositivo y sus formas. No nos habla del juego infantil sino del adulto,
o mejor, del juego que el adulto recuerda, encuadrado bajo la fuerza de su propio
marco, rememorado desde un pensamiento literario y silencioso.
Hay una austeridad emocional inmersa en toda su producción, un silencio
inquietante, tan solo roto por la irrupción de citas literarias a Dickinson
o a Stevenson y la mejor inspiración de los grandes ilustradores ingleses.

Gema Goig
Valencia, 1960

Frente a la seriedad literaria de su obra, un sutil aire corrosivo late en el fondo
de su juego creativo a la vez que una realidad pura se manifiesta tan vulnerable
como un niño o un recuerdo de la infancia. En sus cuadros no se juega a ganar;
la observación es puramente emocional, no parte de la propia obra sino de
nuestro propio interior.
Jesús Lázaro Docio

A Golpe de Tambor, 2012
54

Acrílico sobre tabla, 50 × 50 cm.

55

“Un modisto debe ser un arquitecto para los planos, escultor para las formas,
pintor para el color, músico para la armonía y filósofo en el sentido de la medida.”
Cristóbal Balenciaga
“Mi padre me enseñó que componer una sinfonía es como construir un edificio.
Y vi que compositores y arquitectos utilizan el mismo pensamiento para
componer o proyectar un edificio. Para inspirarme, me sentaba a escuchar
a Beethoven. Él también fue un gran arquitecto. Ambos tipos de mente son
bastante parecidos porque componen y construyen, dibujan y proyectan
de la misma manera.”
Frank Lloyd Wright

Piter
Madrid, 1982

“La Arquitectura no tiene presencia, la música no tiene presencia; me refiero
al espíritu de la arquitectura y al espíritu de la música. Este espíritu se conoce
como la Verdad. Esa atmósfera que va de la luz al silencio, del silencio a la luz,
de modo que podamos verlo y entenderlo como un todo, no como una suma
de detalles; y luego tal vez podamos tocar el piano de la composición que
equivale, en cierto sentido, a la arquitectura del edificio. Un compositor entiende
la música como algo que oye. La arquitectura debería leerse como un ámbito
de espacio y luz. Deberíamos ser capaces de leer la luz que entra en esos
espacios: es una música de espacios en la luz. Silencio y luz. La luz es la creadora
de un material, y el material se creó para proyectar una sombra, y la sombra
pertenecerá a la luz.”
Louis Kahn

(S)kels (S)onoros, 2014
56

Composición de 2 elementos. Madera y hierro. 29,7 × 29,7 × 29,7 cm cada uno.

57

“La obsesión por el orden externo tal vez sólo refleja
un profundo desorden interior.
El desorden externo y material tal vez sea reflejo
del cansancio que produce ordenarse por dentro.”

Carlos I. Faura
Madrid, 1988

58

Cartografía del Laberinto,
2012

Orden
Javier Bozalongo, 2011

Hierro oxidado.
100 × 100 × 100 cm.

59

Como artista y como ciudadano me interesa lo que me ocurre y lo que ocurre
a mi alrededor, lo que me afecta, transforma y condiciona como persona y como
elemento que habita en un contexto social determinado.
La obra que propongo es un díptico formado por los retratos del ministro
de educación, José Ignacio Wert y el pintor Antonio López, ambos dibujados
a bolígrafo sobre papel de baño.

le frère
Madrid, 1975

60

Con ello quiero lanzar una reflexión sobre el panorama institucional que se
nos presenta y el papel que les corresponde, no solo a dichas instituciones
responsables o a los personajes principales, también al nuestro como ciudadanos,
como espectadores y como artistas en cuestión de educación arte y cultura.

Retrato del Ministro de
Educación José Ignacio
Wert Sobre Papel de
Baño, 2013
Bolígrafo negro sobre papel
higiénico (doble capa).
90 × 140 cm.

61

Esta serie de imágenes se inspira en la botánica y hace una revisión del concepto
clásico de naturaleza muerta mediante la re-organización de lo vegetal. Versa
sobre el medio ambiente como fuente de inspiración pero también como materia
prima de la obra de arte.

Toya Legido
Albacete, 1968

62

La idea principal partía de la construcción de una serie de esculturas naturales
que fueran efímeras, cambiantes y ecológicas. Con ellas pretendía poner
de manifiesto el paso del tiempo, y la imposibilidad de detenerlo. Quería alejarme
de lo construido por el hombre, de la belleza de lo artificial y me interesaba
señalar el potencial de lo banal como materia escultórica.

Esculturas Naturales I
(Amapolas V), 2013
Copia de pigmentos minerales sobre
papel algodón.
70 × 100 cm.

63

“Yo observaba la costa. Observar una costa que se desliza ante un barco equivale
a pensar en un enigma. Está allí ante uno, sonriente, torva, atractiva, raquítica,
insípida o salvaje, muda siempre, con el aire de murmurar: ‘Ven y me descubrirás’.
Navegábamos a lo largo de la costa, nos deteníamos, desembarcábamos soldados,
continuábamos, desembarcábamos empleados de aduana para recaudar
impuestos en algo que parecía un páramo olvidado por Dios. Algunos, por lo
que oí decir, se ahogaban en la rompiente, pero, fuera o no cierto, nadie parecía
preocuparse demasiado. Eran arrojados a su destino y nosotros continuábamos
nuestra marcha.
La voz de las olas, oída de cuando en cuando, era un auténtico placer, como
las palabras de un hermano. Era algo natural, que tenía razón de ser y un sentido.”

Iñigo Lizarraga
Madrid, 1966

El Corazón de las Tinieblas
Joseph Conrad, 1899

La Costa, 2013
64

Acuarela sobre papel. 70 × 50 cm.

65

Innovar a veces es volver a los orígenes, como supone el trabajo sobre piedra
de Irene López de Castro, pintora acostumbrada a viajar, tanto para inspirarse
(Africa o La India), como para exponer sus lienzos, que llevan más de una década
recorriendo Italia o Francia. No es la primera vez que expone en Flecha, en
1997 y 1998 ya lo hizo y de nuevo vuelve a Flecha para mostrar al público sus
Litopinturas, probablemente una de sus creaciones más íntimas. Se trata de
diferentes intervenciones sobre calizas, pizarras o sales del desierto del Sahara.

Irene López de Castro
Madrid, 1967

Piedras, muros, grutas... San Francisco de Asís dormía sobre la roca, porque decía
que ahí se sentía más cerca de Dios... y sí, debe haber algo de sagrado en todo lo
que está hecho de piedra; parece contener un potencial, una energía que inspira
a esta pintora nómada y que supone un juego de intercambio, inspiración,
equilibrio y fusión; las formas de las piedras llaman a los trazos y colores del
pincel y más formas se definen, apareciendo finalmente, como si siempre hubieran
estado ahí dentro, esperando.

Litopinturas, 2013
66

Técnica mixta sobre piedra. Medidas varias.

67

“La obra de Irene Mala se caracteriza por acercar los sentimientos más profundos
del ser humano a través de su particular mirada: unas veces popular, otras
aparentemente inofensiva. En su pintura encontramos un desarrollo temático
que nos habla de soledad, de la adversidad que nos rodea y nos nutre, y de la
inconsistencia de nuestras emociones. Frente a estos temas, expresión de la
fragilidad y extravagancia humanas, Mala responde con una forma detallista,
expresada por una armonía de colores lustrosos. Su pintura remite a la tradición
de la ilustración con una mirada donde manifiesta la fijación por lo grotesco
y ridículo del ser humano, y a la que da forma con una técnica donde emergen
el afecto y la empatía. En este sentido, en la poética pictórica de Irene Mala se
produce un choque entre los temas desarrollados y la técnica pictórica. Del lado
del contenido, en sus obras la artista hurga en entrañas emocionales, arrojándose
a pasiones personales, la incomodidad con el mundo y la inconformidad con lo
que se espera de cada uno. Del lado de la forma, su técnica es aguda, buscando
la armonía en formas gráciles por las que es capaz de comunicar de manera
universal esas grietas y amarguras. Del choque emerge la ternura como motor
y resultado de su obra: cada pintura se manifiesta como un extraño divertimento
o un exótico despropósito, mostrando esa capacidad de transmitir lo grotesco
humano a partir de esa ternura técnica.”

Irene Mala
Sevilla, 1978

De una Grotesca Ternura
Daniel López García

Chica Mascando Chicle, 2013
68

Acrílico sobre papel. 35 × 28 cm.

69

Por un lado tablas, bastidores, imprimación, óleos, aceite de linaza, secativo de
cobalto, esencia de trementina, pigmentos, temple de huevo, agua, pinceles,
brochas, caballetes, ordenador, tubos fluorescentes, cámara fotográfica,
barnices, lápiz…
Del otro lado colores primarios, secundarios, grises coloreados, contrastes
simultáneos, complementarios, fríos, cálidos, entonación, composición,
pinceladas largas o cortas, secas o frescas, arrastradas o toques, espesas
o disueltas, opacas o transparentes…

Carlos Javier Márquez
Martínez
Granada, 1976

Lo juntas todo, le añades disciplina, paciencia, capacidad de observación,
aprendizaje, exigencia y por supuesto, buena música… Y puede que tengas
un buen trabajo.

12 Tarifa, 1976
70

Técnica mixta sobre tabla. 99 × 99 cm.

71

Plegar papel es un ejercicio curioso e hipnótico dónde lo frágil
se combina con lo rotundo, lo flexible y noble. Manipular esta materia
nos impregna de años de cultura y nos prepara para para la fascinante
aventura de jugar con el volúmen y provocar que la luz invente
sus caprichosas formas que modeladas por el tiempo ya nunca
serán iguales.
Hipnometrías es una etapa en el proceso infinito de abrir puertas
y descubrir caminos.

Nacho Montero
Madrid, 1959

Hipnometría nº 6, 2013
72

Plegado de papel. 50 × 50 × 6 cm (marco vitrina).
Ejemplares únicos firmados y sellados.

73

“Canaletto dormitaba pensando que el sueño era un poder fantástico. Dieron
las nueve y cuarto, nuestro hombre se levantó, vistió, calzó, abrió la puerta
de su casa y salió a la calle. Fue a una de las típicas plazas de Venecia, se acercó
a un bar y, sentado en la terracita, contempló las magníficas torres blancas que
se elevaban sobre la ‘ciudad flotante’, entonces, pensó que todos los pintores
merecían muchedumbres en las exposiciones mundiales.”

Celia Muñoz
Madrid, 1972

Canaletto en Venecia y el Bar Flotante
Lucía y Teresa

Canaletto Proyectado I, 2012
74

Acrílico sobre tela. 92 × 92 cm.

75

“Pero qué es este disfraz que nos creemos
que tanto amaríamos si supiéramos
que tanto destruimos no sabiendo,
que no es más que nuestro cuerpo.
Al saber, honraríamos el milagro
y alabaríamos, lo que es el privilegio de tenerlo.
Por ignorar, o tal vez, por olvidar,
no escuchamos cómo habla
cómo pronuncia el primero de todos,
el único verbo.”

Ouka Leele
Madrid, 1957

El Regalo de los Regalos
17 noviembre de 2013

El Misterio del Bolso, 2013
76

Carbón y carboncillo sobre papel. 65 × 50 cm.

77

“Her palette in the style of ‘The Red and the Black’, to quote Stendhal, draws
from these two colours that same symbolism which in the novel is a metaphor
for passion on the one hand, and grieving on the other. This dual color scheme
is also used by Silvia Papas, almost as if her women were part of a game
of chance in which the numbers have only two faces, and no half-measures.”

Silvia Papas
Padova (Italia), 1969

“Su paleta estilo ‘Rojo y Negro’, para citar a Stendhal, saca de estos dos colores
ese mismo simbolismo que en la novela es una metáfora de la pasión por un lado
y del sufrimiento por el otro. Este esquema dual de color es usado por Silvia
Papas, casi como si sus mujeres formarán parte de un juego de azar en el que
los números tienen sólo dos caras, sin medias tintas.”
Luca Beatrice

Venice Story, 2013
78

Acrílico sobre lienzo. 160 × 120 cm.

79

“El corazón de los hombres tiene un agujero a través del que, si tienes el coraje
de asomarte, se ven esas últimas cosas. Ese lugar se encuentra entre la esquina
de uno mismo, justo antes de llegar al siguiente encuentro, y que va con billete
de ida hasta una estación no muy lejana.

Carolina Pingarrón
Madrid, 1980

80

Se hace un viaje a la soledad, a ese país donde cada uno tiene un lenguaje,
una expresión, unos movimientos naturales, que se traducen en exterioridad
con fronteras. Las maletas que nos llevamos a este país contienen los sueños
y deseos íntimos, casi comunes a todos los hombres, sólo lo esencial, lo que
tenemos que colmar, para llegar hasta el final.”
Virginia Wollstein

El País de las Últimas
Cosas, 2013
Fotografía digital.
40 × 50 cm.

81

Said Rajabi
Teherán (Irán), 1963

“Cuando pinto una moto según un patrón fotográfico,
pretendo pintar la moto, no la fotografía.”
David Parrish

DiBocca Restaurante
82

Óleo sobre tabla. 117 × 45 cm.

83

Carlos Regueira
La Coruña, 1958

“Cualquier paisaje es un estado del espíritu.”
Henri-Frédéric Amiel

Horton Plains, 2013

84

Impresión con tintas pigmentadas Ultrachrome K3 en papel Fine Art German Etching de 310 g.
70 × 50 cm.

85

Roberto Reula
Madrid, 1970

86

“Fracasa lo antes posible, para dedicarte a lo que verdaderamente importa.”
Roberto Reula

Esperando tu Llamada, 2014
Madera, resina, bronce y un baúl. 30 × 30 × 18 cm.
Pieza única.

87

“Para lograr entender realmente la naturaleza, necesito comprender lo efímero,
todo aquello que no permanece, que se deteriora y cambia. […] Durante unos años
me interesaron mucho las construcciones de hojas y el proceso de recolectarlas,
de examinar su arquitectura.”

Gonzalo Rodríguez
Córdoba, 1984

Andy Goldsworthy, 2007.
Entrevista realizada con motivo de su exposición en el Palacio de Cristal, Madrid.

Jardines del Parque de María Luisa, 2012
88

Óleo sobre tela. 130 × 60 cm.

89

“Con una espátula apliqué rayas y manchas de colores sobre el lienzo y las hice
cantar con toda la intensidad que pude...”
Wassily Kandinsky

Arún Roy
Madrid, 1962

“¿Quién le ha dicho que uno pinta con colores? Uno hace uso del color, pero pinta
con las emociones”
Jean Siméon Chardin

Fiordo V, 2013
90

Grabado. Aguafuerte y aguatinta. 52 × 54 cm.

91

Marta Sánchez Luengo
Madrid, 1972

“Los silencios del mundo permanecen
mientras,
los contemplo.”

Callada Conversación, 2013
92

Resina epoxi policromada. Transfer sobre hierro. 29 × 70 × 19 cm.
Obra original.

93

“La importante producción artística hiperrealista de Daniel Sanseviero atestigua
de manera irrefutable una sensibilidad estética y una obra capaz de producir
valores textuales y compositivos. En dichas composiciones impera un acrisolado
esmero en la ejecución del dibujo. Ante el espectador se halla una cantidad
de objetos que tienen sentido en su conjunto, encubiertos criptológicamente
por el colorido, el humor, la armonía por contrastes, lo vivido de tonos y matices,
traducidos y descubiertos por la inteligencia en disponerlos y colocarlos, forjando
belleza, plasmando vivencias infantiles, tendiendo puentes de comprensión para
interpretar pictóricamente objetos, peluches, juguetes y el mundo del niño.
Su visión tiene la función de sublimar la tensión creada por la lucha perpetua
entre el mundo del adulto y del niño que lo lleva a descubrir una pintura auténtica,
comprendiendo con nuevos ojos el universo de los párvulos hasta llegar
a saborear esos mundos. Sus cuadros están habitados por formas de utilería
fantástica, artesanías del inconsciente o de museo de niños detrás de cuyos
objetos mágicos están sus propios duendes listos para comenzar a mover los hilos
del espectáculo de cada obra.”

Daniel Sanseviero
Caracas (Venezuela), 1978

Orlando Campos
Curador y crítico de arte

El Elefante Azul, 2013
94

Óleo sobre tela. 46 × 54 cm.

95

Ana Sanz Llorens
Valencia, 1957

“Tornasol de culturas,
espejismo de luces
en el cristal
de tan altas copas.”
Ana Martínez Mongay

La Mirada del Reflejo, 2013
96

Tintas Ultrachrome en papel Ilford Galerie Proffesional 290 g montado sobre dibond. 120 × 85 cm.

97

“El interés de mis series fotográficas se centra en una particular forma de
entender el binomio del mundo natural y artificial. Carreteras, bosques, trozos
de césped, troncos de árboles aparecen de forma metafórica en mis
composiciones fotográficas como los últimos fantasmas de un mundo real.
Parto de elementos naturales que descontextualizo en un entorno artificial
provocando situaciones inesperadas y extrañas. Las imágenes resultantes
no son montajes fotográficos sino escenarios creados y preparados en el estudio.
No existe una manipulación digital, la luz la escenografía, el instante se capta
en el momento real, en el acto de tomar la fotografía.

Markus Schroll
Rüdesheim am Rhein (Alemania), 1961

El fotógrafo es sólo constructor casual que capta el azar de los materiales
y que los aglutina en un escenario construido. En mi trabajo compagino
la fotografía de estudio con reportajes realizados en viajes.”
Statement

Waldgesiter, 2012

98

Version null: zwei. (Fantasmas del bosque. Version cero: dos).
Serie: anatomía del bosque.
Impresión en metacrilato de 5 mm. Montado sobre dibond de aluminio. 135 × 90 cm.

99

“Contemplar las esculturas de Fernando Suárez supone un viaje al
descubrimiento, ese con el que cómics y tebeos sembraron de nuevos mundos
nuestra adolescencia, a la vez que desde sus figuras se destila el sentir de un
instante atrapado en su misma concepción.
Bestiarios, ciudades de ficción galáctica, seres comprimidos en la atemporalidad,
lenguajes sin palabras, reflexiones minerales cargadas de vaticinios. Un universo
estático que nos absorberá a través de un agujero negro hasta la firme realidad
del metal, un metal que no es frío sino que late en su plena dimensión para
agudizar nuestros sentidos.

Fernando Suárez
Oviedo, 1966

100

El hierro, la resina o la cera son algunos de los instrumentos que Fernando utiliza
para dar rienda suelta a sus fantasías y de paso a las nuestras. Posee
la característica de los grandes artistas, ser reconocido por encima de tendencias
y estilos. Por su trayectoria y proyección estamos ante un escultor honesto
y comprometido con su tiempo.”
Eugenio Mateo, escritor y comisario de exposiciones

Entrepalos, 2013
Bronce y hierro.
47 × 55 × 32 cms.
Pieza única.

101

Alberto Tejeda
Aranda de Duero (Burgos), 1979

“Siempre buscando esa luz que buscan los castellanos, que está en el Madrid
de Valle–Inclán, y que tan bien ha reflejado Antonio López y las generaciones
de pintores que le han seguido. Es ahí donde está Alberto Tejeda, madrugando,
recorriendo las calles trípode en mano, instalándose horas hasta conseguir
encontrar esa luz tenue, de grises cálidos y pequeños matices saturados que
te invitan a crear el color. Siempre vinculado con la naturaleza, sea en paisaje
urbano o rural, la imagen se presenta de forma clásica, dando la importancia al
objeto protagonista y permitiéndonos descansar la vista en puntos desdibujados
a través de un cuidadoso trabajo analógico y digital. Este fotógrafo nos muestra
un mundo racional marcado por un horizonte siempre presente, que aunque es
roto por curvas y diagonales, siempre busca armonía. Si como dijo Hume,
la belleza de las cosas existe en el espíritu de quien las observa, Tejeda
la encuentra en la armonía presente en una mirada minuciosa.”
Jorge Izquierdo Vera, Tudela (2013)

Palacio de Oriente, 2013
102

Fotografía impresa en papel Canson Platine con tintas pigmentadas. 120 × 46 cm.

103

Ube
Guernika, 1961

“Hay hombres que luchan un día y son buenos
Hay hombres que luchan un año y son muy buenos
Hay mujeres que luchan toda una vida, esas son las imprescindibles...”
Ube

Ámame, 2013
104

Madera de roble, chapa galvanizada, acero inoxidable. 37 × 50 × 90 cm.

105

“Hasta que no hayas amado a un animal, parte de tu alma estará dormida.”
(Anatole France)

Menchu Uroz
Les (Lleida), 1966

“Todo lo que una mujer quiere de verdad –un perro, un hombre, Dios, cualquier
cosa– lo quiere como a un hijo.”
(Antonio Gala)

Amigos, 2013
106

Acrílico sobre tabla. 60 × 60 cm.

107

“Para el diccionario de la R.A.E. el infinitivo es la forma no personal del verbo.
Pero me gusta lo que añade el WordReference: Forma no personal del verbo que
no expresa número ni persona ni tiempo determinados.
Se ve que no quiere expresar nada. Sin embargo, esa imprecisión hace del infinitivo
un lugar lleno de posibilidades.
Pienso en un verbo cualquiera, comer, y al sumar palabras… comer con la espalda
recta… comer pipas… comer solo… apenas con unas letras vamos creando
un mundo, definiendo una vida, situándonos en un escenario extensible, un
descansillo con infinitas puertas tras las que se esconde una infinita sucesión de
datos. El infinitivo apenas dice y tú te imaginas lo demás. Apenas impone
y tú eliges. Es lo más parecido a la libertad.

Ana Valenciano
Madrid, 1951

Esta serie titulada INFINITIVOS era un modo de atrapar acciones y movimientos
intrascendentes de la vida oculta, esa que transcurre silenciosamente por debajo
del ruido de lo definido y añadirle una pista que uno pueda seguir.”
Infinitivo viene de Infinito

Regar la Aspidistra, 2013
108

Bronce. 11 × 11 × 12 cm apróx.
Edición de 5 ejemplares y PA.

109

“A través de la noche urbana de piedra y sequía
entra el campo a mi cuarto.
Alarga brazos verdes con pulseras de pájaros,
con pulseras de hojas.
Lleva un río de la mano.
El cielo del campo también entra,
con su cesta de joyas acabadas de cortar.
Y el mar se sienta junto a mi,
extendiendo su cola blanquísima en el suelo.
Del silencio brota un árbol de música.
Del árbol cuelgan todas las palabras hermosas
Que brillan, maduran, caen.
En mi frente, cueva que habita un relámpago…
Pero todo se ha poblado de alas.”

Eduardo Vega de Seoane
Madrid, 1955

Visitas
Octavio Paz

Blau Blau, 2013
110

Acrílico y óleo sobre lienzo. 130 × 81 cm

111

Mercedes Vizcaíno
Guadalajara (España), 1968

“En el ir y venir de una ciudad loca procuro no perder el sentido obligatorio,
la huida de la mediocridad.”

Sentido Obligatorio, 2013

112

Fotografía analógica. Gelatino-bromuro de plata sobre papel baritado con virado de selenio.
50 × 50 cm.

113

Agradecimientos
A la vida por darme el privilegio de hacer FLECHA y a través
de ella relacionarme con todos vosotros, personas que me
emocionáis con vuestras personalidades y me hacéis crecer
descubriendo cosas nuevas todo el rato.
A los Propietarios y Comerciantes del Centro Comercial
Arturo Soria Plaza, por la labor de mecenazgo que año tras
año ha posibilitado la existencia de FLECHA y del premio
“El Flechazo”.

A AON Gil y Carvajal por los reaseguros y el segundo premio.
A los Cocomisarios (que han ido variando algunos y otros
no) por su ayuda para la selección de los artistas, labor no
exenta de riesgos.
A la plantilla de Lumimar (Lorena, Cristina, Alfonso, Enrique,
Alfredo…) que me estarán escuchando.
A Nicolás Yebes por los transportes.

A todo el equipo del Centro Comercial (Dirección,
Mantenimiento, Seguridad, Limpieza, etc), por su paciente
colaboración con estos chalados que todos los años
invadimos su territorio.

A Tim y a Daniel que ayudan de 7 formas diferentes
como mínimo.
A Lorenzo de DDnet por su web-maestría.

A los periodistas que encuentran huecos para FLECHA
en los medios de comunicación en un mundo en el
desgraciadamente las malas noticias, la política y el fútbol
cada vez dejan menos espacio para todo lo demás.
A Javier Cavero por idear FLECHA y tantas otras cosas.
A los artistas por su fé en la providencia en general
y en FLECHA en particular.
Bueno claro, y cómo no, a la providencia misma que provee
lo suyo a tope.
Al público que tan cariñosamente nos acoge siempre.
A los coleccionistas cuya a veces anónima labor
es la auténtica madre del cordero.

Centro Comercial Arturo Soria Plaza
Arturo Soria, 126-128, 28043 Madrid
Telf. 91 759 76 32
www.flecha.es
Contacto FLECHA: jaelius@flecha.es

Este cátalogo se acabó de imprimir en Enero del 2014
en los talleres de C.G.A, Madrid.
Diseño: Tim Simmons y a Daniel de Loyzaga
Coordinación, traducción y cocorrección: Jaelius Aguirre
Imagen cubierta: “Una Idea Genial”, de Menchu Uroz
Maquetación y fotomecánica: Lumimar
Impresión: C.G.A.

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