1. LA PINTURA
DEL BARROCO
SIGLOS XVII Y
XVIII

2. En el barroco podemos distinguir
tres períodos:
a)Temprano o primitivo, de 1580 a 1630
b) Pleno, de 1630 a 1680
c) Tardío o rococó, de 1680 a 1750

3. La pintura barroca europea, así como la
arquitectura, se dividen en escuelas nacionales
con características particulares, pero con rasgos
comunes:
Barroco en Italia
Barroco en
Flandes y Holanda
Barroco en
España
Caravaggio Rubens Velázquez
Annibale Carracci Van Dyck Ribera
Guido Reni Rembrandt Zurbarán
Il Domenichino Frans Hals Murillo
Artemisia
Gentileschi
Vermeer de Delf
Pietro da Cortona

4. Características de
la Pintura Barroca
Importancia del
estudio y
captación de la
luz - Tenebrismo
Dominio de la
tercera dimensión
por medio de la
perspectiva lineal
Predominio
del color
sobre el
dibujo
Libertad en la
composición,
con
preferencia
por la
composición
radial
Preocupación por
plasmar el
movimiento
Importancia
del color
Temas
religiosos y
mitológicos
naturalezas
muertas,
retratos

5. Características de
la Pintura Barroca
Formas
voluptuosas y
exageradas y
figuras de gran
expresividad
Acentuado
naturalismo,
recurriendo para ello
incluso a lo feo o
viejo
Liberación
respecto de la
simetría y las
composiciones
geométricas
precedentes
Tendencia al
realismo e
incluso al
hiperrealismo
Predominio
de la
pincelada
sobre la
línea.
Teatralidad.
El artista
intenta
conmocionar
emotivamente al
espectador

6. ESCUELAS NACIONALES
EUROPEAS
ESCUELA
ITALIANA:
CARAVAGGIO
CARRACCI
GENTILESCHI
ESCUELA
HOLANDESA:
REMBRANDT
FRANS HALS
VERMEER
VAN DYCK
ESCUELA
FLAMENCA.
RUBENS
ESCUELA
ESPAÑOLA:
VELÁZQUEZ
RIBERA
ZURBARÁN
MURILLO
ESCUELA
FRANCESA.
POUSSIN
RIGAUD

7. Las Escuelas de la
Pintura Barroca

8. La escuela italiana:
Michelangelo Merisi da
Caravaggio (1573 – 1610)

9. LA PINTURA BARROCA ITALIANA:
EL TENEBRISMO
De Caravaggio se ha dicho que fue
un revolucionario tanto por su vida
turbulenta como por su pintura, en la
que planteó una oposición consciente
al Renacimiento y al manierismo.
Siempre buscó, ante todo, la
intensidad efectista a través de
vehementes contrastes de claroscuro
que esculpen las figuras y los objetos,
y por medio de una presencia física de
vigor incomparable.

10. Introdujo una profunda
revolución en la pintura
italiana del XVII. Dos son
las características básicas
de su obra, el naturalismo,
rechazó los ideales
clásicos; cuando pintaba
una escena de tipo
religioso, introducía en los
cuadros lo vulgar, las
escenas con gente
corriente, sin ningún tipo de
idealización.

11. En segundo lugar, el
tenebrismo, para acentuar el
realismo, realza sus figuras y
escenas por los efectos de
luz, haciéndolas destacar
sobre el fondo oscuro, la luz no
se difunde suavemente, sino
que surge de un vano lateral y
cae sobre las figuras, sobre la
escena, delimitando
claramente las formas
iluminadas en las que los
colores son vivos e intensos
y destacan sobre las zonas
oscuras.

12. Probablemente, fue el artista que más tropezó con
la censura artística que se derivó del Concilio, por
su personalísimo modo de representar las historias
religiosas, tan del gusto popular y, al mismo
tiempo, tan censurable para determinados sectores
religiosos. El extremado realismo de sus figuras,
una clara reacción contra el manierismo anterior,
chocaba con el gusto de aquellos, que lo
consideraban vulgar e inapropiado como modelos
de santos y vírgenes.

13. Dentro de la enorme obra que realizó
Caravaggio, podemos distinguir 3 períodos
dentro de la misma:
El Caravaggismo Claro (1592 - 1599)
El Caravaggismo Claroscurista (1599 - 1606)
El Estilo Meridional (1606 - 1610)

14. El Caravaggismo Claro (1592 - 1599)
Las primeras obras de Caravaggio muestran en su
mayoría figuras de medio cuerpo sobre fondos
neutros, aunque no necesariamente oscuros.
La iluminación utilizada es homogénea y clara,
siendo muy diferente a la utilizada en sus obras
posteriores.

15. Baco
borracho
(Autorretrato)

16. Caravaggio utiliza un dibujo rotundo y neto, con una
pincelada esmaltada de acabado lustroso en la cual
apenas se parecían las pinceladas. Pinta alla prima,
sin bosquejos, dibujando directamente sobre el
lienzo con el asta del pincel.
Cesto de frutas
1595
Memento mori

17. Baco enfermo
(Autorretrato)

18. CABEZA DE MEDUSA
Autorretrato

19. El Caravaggismo Claroscurista (1599 - 1606)
En este período se produce un cambio radical en
la pintura de Caravaggio. Comienza a utilizar un
estilo llamado tenebrismo no es más que una
aplicación radical del claroscuro, por la cual
únicamente las figuras temáticamente centrales
destacan iluminadas de un fondo
generalizadamente oscuro.

20. La llamada de
San Mateo
1599-1600
Óleo sobre lienzo,
322 x 340 cm
Capilla Contarelli,
San Luigi dei
Francesi, Roma

21. La luz funciona como un espacio
autónomo, como un personaje más
en el cuadro, como tiempo, pues
introduce el ritmo narrativo.
El foco luminoso nunca aparece
en el lienzo y suele ser artificial,
procedente de algún ángulo lateral.
Simboliza siempre la presencia de lo
sobrenatural o lo divino, ¡Dios es
luz!.

23. Los personajes aparecen en actitudes
sorprendentes, en clara ruptura con lo que se
consideraba “decoroso”; el autor quiere mostrar, de
esta manera, la psicología y las pasiones de los
personajes.
Cena en Emaús, 1601/02. Óleo sobre lienzo.
1,39 x 1.95 m. National Gallery de Londres

25. Desde los inicios de su
estancia romana rechazó
la característica belleza
ideal del Renacimiento,
basada en normas
estrictas, y eligió el camino
de la verdad y el realismo,
realizando sus obras
mediante copias directas
del natural, sin ningún tipo
de preparación previa a la
obra.
La crucifixión de San Pedro
1600. Óleo sobre lienzo,
230 x 175 cm
Capilla Cerasi, Santa Maria
del Popolo, Roma

26. La incredulidad de San Mateo
1602 – 1603 - Óleo sobre tela; 107 x 146 cm

27. La “narración” se reduce al momento culminante de la
historia y tiene, en muchas ocasiones, el aspecto de una
fotografía instantánea. En ese instante se concentraba
toda la acción, todo el dramatismo. La ausencia de
fondos, por otra parte, acentuaba el contraste luminoso.
Las figuras, parcialmente iluminadas contra la oscuridad,
se destacan enfatizando sus gestos y expresiones.
Judith
decapitando a
Holofernes
Óleo sobre tela
145 x 195 cms.
Museo de Arte
Antiguo
Roma - Italia

29. En síntesis: la
suma de trucos
(o recursos) tan
efectistas que
deslumbran la
mirada
(claroscuros,
contrapicados,
gestualidad de
los personajes,
etc.), crean un
espacio
profundamente
teatral, rico en
significados y
deslumbrante, a
pesar de la
“atmósfera
tenebrosa” que
domina muchas
de sus
composiciones.
El martirio de San Mateo,
Óleo sobre lienzo
3.23 x 3.43 mts. Capilla Contarelli, San Luis de los franceses, Roma

31. David con
la cabeza
de Goliat
1599-1600
110x91 cms.
Museo del Prado
Madrid

32. El Estilo Meridional (1606 - 1610)
Inmediatamente después de finalizar La Muerte
de la Virgen, Caravaggio ha de abandonar Roma
tras matar a un muchacho en una reyerta en el
juego de pelota, siendo perseguido por la
justicia. Se instala en la isla de Malta, para poco
tiempo trasladarse al sur de Italia, donde ya
enfermo de malaria, morirá en 1610.

33. Resurrección
de Lázaro
1609
380 x 265 cms
Museo Nacional de
Messina

34. David con la
cabeza de
Goliath
(Autorretrato)
1609 – 1610
125 x 101 cms
Galeria Borghese - Roma

35. Decapitación de San Juan Bautista
1608 – 361 x 520 cms. – Catedral de San Juan - Malta

36. Artemisia Gentileschi: 1593 - 1654

37. Hija del pintor caravaggista Orazio
Gentileschi, quien reconoce su coraje y
talento, nace en Roma en 1593, ella desarrolla
sus cualidades artísticas frente a los
esquematismos machistas (sociales y
religiosos) de la época que intentan limitar su
arte.

38. Susana y los viejos

39. Judith
decapitando a
Holofernes
1612-1613

40. Esther y Asuero

41. La escuela flamenca y
holandesa:
La tradición pictórica de Flandes es
sobradamente conocida. Se centra en el gusto
burgués por lo cotidiano y los detalles, y la
exaltación de su modo de vida.
En el siglo XVII Holanda se coloca entre las
grandes escuelas de la pintura con un marcado
carácter nacional, gracias al desarrollo de la
burguesía, que demandó gran cantidad de
cuadros en los que se mostrase su estilo de vida.
Presta atención al dibujo. Los colores son fríos, y
el resultado es más realista que efectista.

42. Rembrandt van Rijn (1606 – 1669):
Artista holandés del barroco, es uno de los más
grandes pintores de la historia del arte occidental.
Fue un intérprete excepcional de la naturaleza
humana y un maestro de la técnica, no sólo
pictórica sino también del dibujo y del grabado. Su
obra produjo un gran impacto en sus
contemporáneos e influyó en el estilo de muchos
artistas posteriores.

43. El pintor en su estudio (1626-28)

44. Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632)

46. El
Descendimiento
de la cruz
(1633)

47. El buey desollado
(1655)

49. La ronda de noche (1640-1642)

52. Esculturas de Alexander Taratynov y Mikhail Dronov
para conmemorar el 400 aniversario del nacimiento de
Rembrandt (2005).

53. Jan Vermeer de Delft – (1632-1675)
Fue un artista que pasó
completamente desapercibido en
su tiempo, tal vez porque nunca
se dedicó a la pintura de una
manera profesional. Vermeer se
dedicaba a la pintura en sus ratos
libres y es probable que también
ejerciese como marchante de
obras de arte. Sus cuadros suelen
ser de pequeño tamaño,
presentándonos una paleta de
escasos colores, pero muy
brillantes y claros, con los que
consigue reflejar como nadie la
luz sobre los objetos.

54. Representaba sobre todo interiores, en los que
aparecen frecuentemente personajes femeninos.
Muchas veces estas mujeres de los cuadros de
Vermeer están solas o, mejor dicho, acompañadas
de la luz que entra por una ventana (siempre a la
izquierda) y las sitúa en el cuadro, captándolas en
relación con la tarea en la que se ocupan

55. Joven
vertiendo
leche
1659-1660

56. La joven
del arete
de perla
1665

57. La lección
de música
entre 1662
y 1665

58. Alegoría de
la pintura
1665 - 1666

59. Callejuela de
Delft
1659 - 1660

60. La escuela española:
El barroco es para España la época de oro de la
pintura siendo su tema principal: el religioso. La
Iglesia es el gran mecenas de artistas, junto con
la Corte, por lo que los temas religiosos dominan
sobre todos. Los pintores españoles conocen el
arte europeo más que por los viajes porque
muchos de los grandes artistas trabajan en algún
momento en España. Su técnica preferida es el
óleo, aunque utilizan todas. Al igual que en Italia,
la pintura se debatirá ente el tenebrismo y el
eclecticismo.

61. Escuela
Valenciana
Escuela
Andaluza
Escuela
Madrileña
Francisco
de Ribalta
Francisco
de
Zurbarán
Diego de
Velázquez
José de
Ribera
Francisco
Pacheco

62. Diego de Silva Rodríguez y Velázquez
1599 - 1660
Fue, probablemente, el pintor más genial de todo el
período. Velázquez viaja a Italia y es pintor de la Corte,
lo que le libera de la servidumbre del mecenazgo
religioso. Recibe la influencia de Rubens. Hace grandes
avances técnicos, como la resolución de la perspectiva
aérea. Pinta temas mitológicos, aunque alegóricos,
como La fragua de Vulcano, y temas históricos como La
rendición de Breda. Retrata a la familia real y a su
corte, junto con sus bufones. En estos retratos consigue
plasmar toda la profundidad psicológica del personaje.
También pinta cuadros de gran complejidad
compositiva, como Las hilanderas o Las meninas.

63. Vieja friendo huevos - 1618

64. El triunfo de Baco o Los borrachos
1628 - 1629

65. La fragua de Vulcano - 1630

66. El Conde-Duque
de Olivares a
caballo
1634

67. El niño de
Vallecas
1643 - 1645

68. El enano
Sebastián
de Morra
1645

69. Felipe IV
1656

70. Príncipe
Baltasar
Carlos
1635

71. Reina Mariana de
Austria, esposa
de Felipe IV
1652

72. La fábula de Arácne o Las Hilanderas
1645 - 1648

73. En las Hilanderas, sitúa el mito de Aracne, la habilidosa tejedora
perseguida por Atenea en el taller de tapices de Santa Bárbara, el mito va
tejiéndose en las formas de un tapiz al fondo, mientras en un primer
plano las obreras trabajan, lo real y lo mítico se funden. La rueca, en
constante movimiento, se convierte en el elemento que mejor ejemplifica
la “instantaneidad” del momento; esa rueca al girar, genera un vacío que
lo absorbe todo, la realidad y el mito. La estancia iluminada por la
vaporosa luz que penetra, se llena de aire. Velázquez logra pintar la
atmósfera, el aire que envuelve a las figuras. La pincelada suelta, de
apariencia inacabada, las manchas de color que sugieren detalles o
formas; todo en esta obra se aproxima a un lenguaje nuevo que todavía
está por nacer, el impresionismo.

75. Las
meninas
1656

76. El término perspectiva se aplica a la forma de representar sobre una
superficie objetos de tres dimensiones y supone que esos objetos se
representan como se ven desde un determinado punto de vista. Se
observa que, para conseguir el realismo visual, hay que "deformar" la
realidad material, esto es, se representan oblicuas algunas líneas que
son paralelas, se varía el tamaño de las figuras según sea su distancia
al primer plano y se cambia la intensidad de los colores en función de la
mayor o menor iluminación que reciban.
El artista decide desde qué posición se ve el cuadro y el espacio de
la realidad (o la ficción) que representa encuadrando la escena y
desechando el resto.
La perspectiva lineal:
- establecimiento del punto y las líneas de fuga.
- disminución gradual del tamaño de las figuras.
- inclinación de los objetos respecto a la perpendicular
La perspectiva aérea:
- dirección de la luz interna del cuadro.
- iluminación de los objetos e intensidad del color.
- representación del aire ambiente.

78. El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un
efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el
pintor hubiese pintado el aire entre las figuras.
Perspectiva lineal: diversas líneas imaginarias o no (línea del
techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista
hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte
tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un
suelo neutro que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo,
con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra
que subrayan el efecto de alejamiento.
Perspectiva aérea: la difuminación progresiva de los contornos
y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la
distancia y el alejamiento.
Perspectiva ilimitada: como remate, Velázquez pone un
agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una
estancia donde no vemos el fin.

79. Perspectivas
Punto de fuga
Líneas de fuga

81. Las interpretaciones formales consideran el
cuadro como una representación clásica
fuertemente realista en el tratamiento de la luz y su
incidencia sobre el color, el volumen de las figuras
y, sobre todo, en la representación del espacio. La
veracidad en la sensación de la profundidad se
alcanza desde la pura geometría con la aplicación
de la perspectiva lineal y también a través de la
perspectiva aérea que consigue la creación del
espacio mediante el aire que envuelve a los
personajes y los desdibuja a medida que se sitúan
más al fondo.

82. Las interpretaciones iconológicas del cuadro
entienden que en él se esconden significaciones
simbólicas quizá sólo comprensibles o conocidas
por aquel a quien iba dirigido, Felipe IV, patrono y
amigo del pintor. En esta corriente hay varias líneas
interpretativas según el criterio conceptual que las
protagoniza.

83. La disposición de las figuras sirve a algunos críticos para
argumentar que encierran una simbología referida a las
constelaciones (pues uniendo las cabezas de Velázquez,
Mª Agustina, la Infanta, Isabel y José Nieto se obtiene
una forma similar a la de la constelación Corona Borealis
de la que la estrella central se llama ... Margarita)

84. La gama cromática empleada por
Velázquez en esta obra es limitada y
contenida, predominan los grises y los
ocres, no obstante, aplica colores fuertes
como el rojo fuego en pequeños detalles
de la vestimenta de las niñas como lacitos,
pasadores de pelo y adornos florales. De
este modo rompe la monotonía de colores
y atrae nuestra atención.

85. Infanta Margarita

86. Otros retratos de la infanta Margarita de Velázquez

87. Isabel de Velazco

88. María Agustina
Sarmiento

89. Mari Bárbola

90. Perro
“Palomino”

91. Diego de Velázquez

92. El Rey Felipe IV y la
Reina Mariana de
Austria

94. Situación del espectador
y punto de vista del cuadro
con su perspectiva correcta.
Posición del espectador si
el punto de fuga estuviese en el
espejo.
(Se ha corregido la perspectiva del
cuadro)

95. Picasso
Equipo
Crónica

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