Este documento describe las características generales de las vanguardias históricas del siglo XX, incluyendo el fauvismo y el cubismo. Resalta que las vanguardias surgieron como una ruptura con el arte figurativo tradicional y se caracterizaron por incorporar lo experimental, nuevas técnicas y la influencia del impresionismo. También destaca a Henri Matisse como figura clave del fauvismo y explica que el cubismo, liderado por Picasso y Braque, rompió con la perspectiva tradicional al representar objetos desde mú

1. LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS
Características generales de las vanguardias.
A principios de siglo XX aparece un cambio morfológico de las artes figurativas
consistente en una nueva forma de afrontar la realidad y a la vez, también se
producen cambios a nivel intelectual, social, científico y político.
Desde el punto de vista artístico hay que considerar la evolución que ha tenido
lugar desde finales de siglo XIX, especialmente en el terreno pictórico: el
impresionismo y sus posteriores revisiones supusieron una nueva propuesta
para la concepción de la obra artística, en la cual empezaba a prescindirse de
la reproducción fiel del objeto de la realidad. La escultura y la pintura buscarán
nuevas formas de expresión, nuevos lenguajes. Surge así un arte de ruptura
cuyo germen se encontraba ya en la segunda mitad del siglo XIX. Se
configuran así las “vanguardias históricas”: manifestaciones artísticas que se
dan hasta la I Guerra Mundial y durante el período de entreguerras.
Las vanguardias históricas poseen algunos rasgos comunes:
 Influencia del impresionismo y en especial, del postimpresionismo:
Cézanne, Van Gogh y Gauguin: geometrismo, pincelada gruesa, línea
curva, colores intensos, estudios de color y de luz hasta sus máximas
consecuencias.
 Incorporación de lo experimental. Se rechaza la imitación y
experimentan con materiales, técnicas y configuraciones nuevas
(collage). Influyen los avances científicos y su repercusión en el
progreso (maquinismo)
 Aportaciones de pensadores y filósofos. La idea de modernidad:
innovación, cambio y rechazo de lo anterior, aunque con matices según
las corrientes
 Impacto de la I Guerra Mundial (1914-18) que genera destrucción y
odios. La obra de muchos artistas queda cortada. Aparece la idea de
“generación sacrificada”.
Extensión y cronología.
Existe una variedad de “ismos” que a la vez se interrelacionan con otras
corrientes artísticas. Se establece que las primeras vanguardias aparecieron en
1905. En este año se desarrolla en París el fauvismo y aparecerían en
Alemania las primeras manifestaciones del expresionismo. A partir de este
momento la sucesión será rápida:

2.  1907: cubismo
 1909: futurismo italiano
 1910: Kandinsky inicia la abstracción
 1914: suprematismo ruso
 1916: dadaísmo
 1917: neoplasticismo holandés
 1919: racionalismo arquitectónico, escuela de la Bauhaus, escuela de
Chicago, constructivismo ruso.
 1924: primer manifiesto surrealista.
FAUVISMO.
A principios de s. XX surge una tendencia antirrealista y antiimpresionista,
dentro de la cual se inscriben el fauvismo y el expresionismo. De sus
aportaciones surgirá el arte abstracto.
El fauvismo no desarrolló ningún manifiesto ni programa común, incluso sus
miembros tenían opiniones muy diversas. Por esta razón, se consideran las
ideas y escritos de Henri Matisse como el corpus teórico del movimiento.
Matisse, admirador de Cézanne, valora la forma, la luz pasa a ser un accesorio.
Su obra se basa en la solidez y es una creación mental, no óptica.
El fauvismo tuvo corta duración. Su máximo auge se dio en las exposiciones
del Salón de Otoño de 1905 y 1906, si bien influirá notablemente en posteriores
manifestaciones artísticas.
Supone una reacción frente al impresionismo, frente a la desmaterialización del
objeto y su reducción a tonalidades luminosas. Se valora el color y el objeto. La
forma es clave. Se trabaja con los colores primarios y complementarios,
también con los contrastes cromáticos fuertes. El objeto mantiene su silueta
con el dibujo que lo rodea, aunque no guarde relación con la realidad. El objeto
es autónomo de la realidad, tiene la forma y el color que el artista le ha
concedido. La luz desaparece, de ahí que la composiciones sean planas,
recordando mucho a Gauguin.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y
este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación
naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la
paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los
colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas,
evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas
en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de
sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la

3. máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva
clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a
desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas
muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras
africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un
evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la
esquematización.
Sus principales representantes: Matisse, Vlamik, Derain.
Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de
1954) “cuando pongo verde, no es hierba; cuando pongo azul, no es el cielo"
Fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido
del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como
pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas
del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los
años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del
color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió
por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras
centrales del arte moderno.
Al comienzo de su trayectoria artística practicó el dibujo del natural en un estilo
más bien tradicional, como se aprecia en El tejedor bretón, y realizó copias en
el Louvre. Más adelante pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la
Costa Azul, dejándose llevar por los aires impresionistas de la época, y practicó
esporádicamente el divisionismo.
En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia
de Cézanne, pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la
manera fauve: supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que
obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía, como Lujo, calma y
voluptuosidad o El marinero de la gorra.
Mediante zonas de color diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el
espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos y crear un ritmo
característico en sus cuadros, como en Las alfombras rojas. Su uso del color
fue de una gran sensualidad, aunque siempre muy controlada por una
metódica organización estructural. Como él mismo declaró: «Sueño con un arte
de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como
un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón».
Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros
como La habitación roja (o Armonía en rojo) o Naturaleza muerta con
berenjenas, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el

4. uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o
en último plano.
En 1910 viajó a España; en Madrid visitó el Museo del Prado y su estancia en
Granada y Sevilla contribuyó a acercarle a la estética oriental. En 1912 y 1913
viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos
de gran colorido, como Los marroquíes.
Hacia 1916 se inició un período en el que se percibe la influencia del
movimiento cubista, de creciente importancia, que se traduce en un concepto
más geométrico de las formas y una simplificación aún mayor, como en El
pintor y su modelo.
Hacia 1917 se instaló en Niza, conoció a Renoir, y su estilo se hizo más sutil.
Produjo en este período algunas de sus obras más célebres, como Ventana en
Niza y la serie de las Odaliscas, donde queda claramente plasmado el gusto de
Matisse por la ornamentación y el uso de arabescos. En los años siguientes
viajó por Europa y Tahití, donde concibió la obra en gran formato La danza.
Hacia la década de 1940, el colorido de sus telas se tornó más atrevido, como
en La blusa rumana y en el Gran interior rojo, antecedentes de los gouaches
que realizó a finales de los años cuarenta, en los que cortaba y pegaba papeles
coloreados. Es famosa en esta técnica su serie Jazz, de 1943-1946.
En 1950 decoró la capilla del Rosario de los dominicos de Vence, en la obra
que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas.
Realizó así mismo un gran número de dibujos a pluma e ilustraciones para
escritores como Mallarmé y Joyce. En cuanto a sus grabados, el número de
piezas alcanza las quinientas, entre litografías, aguafuertes y xilografías.
También esculpió en bronce y colaboró escribiendo artículos para distintas
revistas especializadas.
En 1963 se abrió en Niza el Museo Matisse, que reúne una parte de su obra.
Henri Matisse es considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes
artistas del siglo pasado

5. CUBISMO
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido
en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es
una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del
siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura
tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el
mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en
el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo,
despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se
originó así el concepto de «cubismo».
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último
estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los
cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la
naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y
superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan
todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo
pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un
punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso
aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por
ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está
de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte
horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de
profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el
objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la
presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos,
y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el
fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises,
verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del
cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite
que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma.
El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que
represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de
objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista
inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que
necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el
discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahi en
adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron
acompañados de textos críticos que los explicaban.

6. El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y
maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y
los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente
se inicia con el cuadro "Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon).
Como elemento precursor del cubismo destaca la influencia de las esculturas
africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul
Cézanne (1907).
El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera
de las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su
surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el
arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne
pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales,2
intentando representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de
una manera nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya antes que
él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar
geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne
fue la técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las
cosas, dando a los objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias
impresionistas que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda
exclusiva de los efectos de la luz.
Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras
civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas
exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que
simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura
tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos
conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece
actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia
directa de las máscaras africanas con la obra picassiana.
Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al
representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a
este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen
ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la
mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las
cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos
hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser
diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden
existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y
la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su
estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana.
Tipos:
El cubismo analítico (1909-1912), en donde la pintura es casi monocroma en
gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante
eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo.
Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la
descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se

7. multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la
perspectiva renacentista. Se introducen en la pintura los «pasos», definidos
como ligeras interrupciones de la línea del contorno. Los volúmenes grandes se
fragmentan en volúmenes más pequeños. Entre las obras de esta fase del
cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de
Chicago).
El cubismo sintético (1912-1914).El color es más rico que en la fase anterior,
Las obras sintéticas son más simples, más sencillas de entender en cuanto a
que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los
objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas
perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos
esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca y sin lo cual no
serían lo que son. Por ello, aunque reducido a lo esencial, queda claro en todo
momento lo que son. Para representar los objetos «tipo» de manera objetiva y
permanente, y no a través de la subjetividad del pincel, se recurre a lo que
parece un ensamblaje. Los cuadros están formados por diversos materiales
cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras de papel de
tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas.
El cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al
óleo) como nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música
inspiraron estos bodegones. Otras obras de Picasso pertenecientes a esta fase
del cubismo sintético son El jugador de cartas (1913-14) o Naturaleza muerta
verde (1914). Braque realiza en esta época El clarinete (1913), el Correo
(1913), Aria de Bach (1913-14) o Violeta de Parma (1914).
Pablo Ruiz Picasso (n. Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins,
Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue creador, junto
con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la
génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y
ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.
Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en
museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros
géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la
cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del
Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-
Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del
castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone)
Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con
todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la
perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere a un
burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo

8. de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen
desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan
máscaras africanas.
Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La
fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.
En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta
introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá
definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran
libertad, como el surrealismo y el expresionismo.
El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el
bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica,
responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del
surrealismo y a las deformaciones expresionistas.