Este documento describe un proyecto escultórico titulado "Mediterráneo I" que representa una figura humana inerte ahogada en el mar. El proyecto se inspira en la crisis de refugiados en el Mediterráneo y busca capturar tanto el drama individual como una reflexión metafórica sobre el viaje de la existencia humana. El proceso incluyó bocetos, una maqueta a escala menor y la construcción de un armazón interno de acero antes de moldear la figura a tamaño real en arcilla roja.

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índice
1. enunciado y objeto 02
2. motivación 03
3. contextualización histórica 04
4. el proyecto
4.1. descripción del proyecto 12
4.2. croquis y bocetos 12
5. el proceso
5.1. materiales 18
5.2. proceso de ejecución 19
6. conclusión 28
7. bibliografía 28
8. anexo_documentación gráfica original 29

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1. enunciado y objeto
En la presente memoria se desarrollarán los diversos aspectos relativos a la
realización de una obra escultórica en bulto redondo. Se analizarán los antecedentes, la
motivación y origen, la contextualización de la obra, así como el proceso de ejecución y
finalmente, una evaluación de resultados.
El objeto de la obra se encuadra dentro de los trabajos incluidos en la programación
del módulo de Volumen del primer curso de Técnicas Escultóricas de la Escuela de Arte
Dionisio Ortiz de Córdoba. Cristina Román Escutia, es la docente que imparte y dirige este
módulo en el actual curso 2016/17.
La escultura ejecutada en arcilla roja, responde al enunciado que pide la realización
de un torso realista de género fantástico. Torso, entendido como tronco del cuerpo humano
sin extremidades, esto es, sin brazos, piernas y sin cabeza. Está compuesto por el tórax y la
columna vertebral y contiene la gran parte de los órganos más importantes del cuerpo
humano.
Para nuestro proyecto, al torso se le une la cabeza
como licencia artística, entendiendo a la escultura como un
fragmento sesgado por un plano horizontal, que es la base de
apoyo, de la totalidad de la figura.
A la temática enunciada, se une las dimensiones
máximas propuestas. Estas quedan limitadas a una dimensión
máxima lineal de sesenta centímetros. La obra propuesta, se
engloba en una forma cúbica de dimensiones no mayores a
las establecidas. De esta forma, se obtiene un prisma cúbico
de dimensiones en planta 60x60 cm y de una altura de 50 cm.
La postura adoptada está a medio camino entre la figura erguida y la yacente. Se
encuentra en una posición de ascenso vertical sumergida. Esta disposición, unida a su forma
de paralelepípedo, hace que no presente una visión predominante. Esto es, se persigue la
multiplicidad de puntos de vista, sin que haya vistas principales frente a otras subordinadas.
Invitando, por tanto, al espectador a rodearla.

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2. motivación
Sumergidos forma parte de una serie de obras propuestas que arranca con la presente y
que persigue mostrar una doble faceta de las personas que, inmersos en un mar resultan
ahogados.
La primera visión viene motivada directamente, por la dramática situación que, ante
los ojos de Europa, se vive en el Mediterráneo en los últimos años. Se trata de la continua
sangría a la que se enfrentan personas que abandonando sus lugares de origen se arrojan a
una travesía en la que, en numerosas ocasiones, se alcanza la tragedia.
Procedentes de diversos países del África subsahariana, y con distintas motivaciones
para realizar su particular éxodo, los inmigrantes anhelan alcanzar el continente europeo. En
los últimos años este fenómeno ha aumentado en número, en parte por situaciones de
guerra como en Siria, la negativa de países vecinos a seguir acogiendo a más refugiados o por
la expansión del Estado Islámico. Y desgraciadamente también ha aumentado
proporcionalmente el número de vidas que se ahogan en el Mediterráneo. Por un lado,
debido a políticas continentales restrictivas y de cierre y por otro por el incremento de mafias
y por las malas condiciones en las que realizan el traslado de estas personas.
Según el Alto Comisionado de Naciones Unidas para los Refugiados (Acnur) y la
Organización Internacional para las Migraciones (OIM), una media de catorce personas

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mueren al día, y parece que va en aumento. Sólo en el pasado año 2016, más de cinco mil
vidas quedaron sumergidas para siempre en este mar nuestro.
Es en este contexto en el que surge la intención de estas obras, como testigo de lo que
sucede en la orilla de nuestra casa.
Una segunda visión, metafórica, nos adentra en los mares particulares del individuo.
Sumergidos es también una reflexión sobre el abandono que el hombre puede sentir en el
propio viaje personal de su existencia.
La figura inerte, se encuentra boca abajo, semierguida, presentando un movimiento
ascendente, hacia la superficie. Hacia la redención o aceptación de la realidad que le ha
tocado. Con la esperanza de que, al otro lado, el mar que le espera sea el lugar deseado, los
anhelos alcanzados.
3. contextualización histórica
Las referencias históricas en las que se apoya esta obra recorrer desde el mundo antiguo
hasta nuestros días. En especial dos grandes etapas de la historia de la escultura. En primer
lugar, la mirada hacia la Grecia clásica y en especial la helenística y, por otro lado, las
vanguardias de finales del XIX y principios del XX.
Con el período clásico de la escultura griega que abarca la segunda mitad del siglo V
y el siglo IV a.C., se persigue la idealización de la figura, dotándola de más movimiento.
Llevando a cabo, además, la fijación de cánones y alcanzando la máxima perfección técnica
y estética. De la primera época detenemos la mirada en el escultor griego más famoso, Fidias
y de la segunda a Scopas.
Fidias recoge y profundiza el movimiento de las figuras y pone en valor al vacío, en el
espacio hueco entre volúmenes.

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Scopas, precursor del helenismo lleva a cabo figuras con una enorme capacidad de expresión.
Y aunque esta no es la componente directa que se traslada a la obra, en este caso inerte, si
hay cierto patetismo inherente perseguido. Asimismo, nos interesa, a partir de la torsión de
la figura de la Ménades, la aparición de la multiplicidad de los puntos de vista, dotando a la
figura de mayor dimensionalidad.

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Con el período helenístico, Grecia echa la mirada hacia oriente, aumentando la
capacidad expresiva en la escultura. Se persigue mayor realismo, exagerando el movimiento,
con mayor drama y tensión. En la Escuela de Atenas se realizan figuras que adquieren
posturas corporales no vistas hasta este momento. Es el caso de la Afrodita agachada,
concebida para estar rodeada y reflejarse en agua. Esta nueva y tan sugerente forma de
posicionar a la escultura se refleja en nuestro proyecto.
Nuevas posiciones y movimientos que también queda reflejado en el Torso de
Belvedere. Obra que además introduce la puesta en valor del fragmento. El entendimiento
de movimiento en la figura, así como la idea de que la obra puede ser concebida terminada
a partir de una porción de la figura total, nos acompaña en la realización de nuestro propio
proyecto.

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Esto enfoque contemporáneo de La Escuela de Atenas, influye directamente en la
producción de artistas como Miguel Ángel en el Renacimiento, en obras como el Moisés o La
Creación para la capilla Sixtina. Pero también deja su impronta en artistas contemporáneos
como Rodin a finales del XIX.
Y de la mano del renacimiento, nos detenemos en Donatello. Y de su producción,
señalamos la María Magdalena, obra realizada al final de su trayectoria y en un momento de
crisis personal, donde se cuestiona sobre todo la religión, pero también la riqueza, el
humanismo y la propia estética. No hay un rechazo del ideal clásico de belleza, sino más bien
una evolución hacia una escultura más expresiva y naturalista.

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Es aquí donde desarrolla un extraordinario trabajo de libertad creativa tanto en el
enfoque temático como en la materialización física de la misma. La figura se presenta
estilizada, con ropa ajada y con el rostro y cuerpo demacrados por el ayuno y abstinencia de
la penitente.
Lleva a cabo un recurso en la captación del drama y el abandono del personaje. Así
como un tratamiento expresivo del material, donde se confunden piel, cabello y tejidos, y
que la sitúa en una contemporaneidad incontestable.
Nos interesa el desdibujado de las formas, así como el recurso que posteriormente
incorporará Miguel Ángel del “non finito”. Aquí se plantea una cuestión inicial sumamente
interesante que es la definición del momento en que la obra se acaba. Pero, además, ese
intencionado inacabado ofrece una enorme capacidad expresiva en la texturación y la puesta
en valor de lo inacabado.
Miguel Ángel inicia el proceso de trabajo desbastando con el puntero, luego utiliza
cinceles. En concreto el cincel dentado, de diferentes cortes y dientes, y a medida que
avanzaba, el rayado se hacías más menudo, se acercaba a la emoción de la piel. Los abrasivos
suavizarían luego la superficie, borrando esa huella. Pero el artista, percibió que con la huella

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del cincel dentado la obra latía, y por ello, en ciertas esculturas, detuvo el proceso; continuó
alisando ciertas partes, pero dejó en otras la evidencia del desbastado y el cincelado. Hoy nos
acercamos a esos fragmentos con veneración.
Y a finales del siglo XIX, Auguste Rodin, lleva a cabo una de las esculturas más
conocidas en la historia del arte, El pensador. Esta obra impresionista, de referencias clásicas,
presenta a un hombre en actitud reflexiva, que simboliza la expresión del pensamiento
torturado en abandonarse del trágico destino de la humanidad. Involucra todo su cuerpo en
la acción de pensar.
Junto con el propio significado de la obra, nos interesa sobremanera la capacidad
dialéctica que la postura del cuerpo establece. Así como la factura poco pulida de la estatua,
que provoca, en su superficie, juego de luces y sombras. Esa rugosidad de la fundición en
bronce, hace que la escultura gane más intensidad y fuerza.
Asimismo, señalamos también, la referencia a la multiplicidad de puntos de vista que
incorpora El Pensador.

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En relación directa con Rodin, la obra de la torturada escultora Camile Claudel, se
sumerge también en un universo expresivo, donde el movimiento del cuerpo, torsiones y
fragmentaciones de las piezas son elocuentes.
Y nos detenemos, en otra escultora contemporánea, Käthe Kollwitz.

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Pintora, escultora, escritora y pacifista, fue una de las figuras más importantes del
realismo crítico de finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX. Nos sugiere directamente
la posición que adaptan sus obras, figuras encorvadas, alejadas de la linealidad. Empleo
también de figuras inertes en su temática.
Por último, y en relación a la temática desarrollada, destacamos la obra de dos
autores actuales. Ambos presentan una escultura hiperrealista y retratan a personas
ahogadas. Una refleja el propio ahogamiento individual del autor, y la otra la denuncia de
una vergonzante realidad.
En el primer caso, Jeremy Millar, lleva a cabo una instalación donde el centro es su
propio cuerpo inerte que el mar ha devuelto. Con detalle, se reproduce a sí mismo, con la
huella de la erosión y el desgaste en su ropa y en su propia piel.

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El artista finlandés Pekka Jylhä, representa al niño sirio ahogado en una playa del
suroeste de Turquía, Aylan Kurdi en 2015.
4. el proyecto
4.1. descripción del proyecto
El proyecto escultórico planteado, se enmarca dentro de una serie “Sumergidos”, y que
como se ha expuesto anteriormente, retrata personajes ahogados en el mar. Esta obra se
titula Mediterráneo I y forma parte inicial de un conjunto que trata esta temática.
Se presentan a continuación croquis y dibujos, donde se refleja esa idea de conjunto
como idea inicial, y la posterior materialización en una figura concreta, objeto del presente
trabajo.
Mediterráneo I es la representación en forma de autorretrato, de una figura inerte
que presenta una posición vertical, semierguida, de ascenso. El cuerpo se secciona por un
plano horizontal. De esta forma, tanto el tronco como los brazos se encuentran cortados y
sirven de apoyo a la escultura.
Presenta una dimensión en planta de 60X60 cm y una altura de 50 cm.
4.2. Croquis y bocetos

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5. proceso
5.1. materiales
El material empleado es arcilla roja para cocer a baja temperatura. Comercialmente se
presenta envasado en paquetes de 12,5Kg. A continuación, la ficha técnica:
Junto el material base, se ha empleado diversos tipos de palillos en madera, vaciadores,
tableros conglomerados y elementos metálicos para la estructura base.

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5.2. proceso de ejecución
En primer lugar, se parte del análisis las ideas iniciales que se plasman gráficamente
mediante los bocetos y dibujos preliminares. Posteriormente se realiza el levantamiento de
los bocetos definitivos con el objetivo de realizar a escala una maqueta previa de trabajo en
arcilla. La escala de la maqueta es la 1:3.
La maqueta sirve para la realización de los volúmenes generales de la obra, como
comprobación y como corrección tanto de aspectos que el dibujo no abarcaba, como de
mejoras de cara a la ejecución final.
Tras la realización de la maqueta, se trasladan a la información gráfica las
correspondientes modificaciones y se realizan los dibujos definitivos a escala natural.

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En los dibujos se marcan líneas y ejes principales que posteriormente se trasladaran al
modelo en barro.
A continuación, se plantea la construcción de una
estructura interna que sirva de soporte al modelo a
escala 1:1. Se realiza en mediante barras de acero
corrugado de 16mm y pletinas también de acero para
la base, todo unido mediante soldadura.
A la estructura, y para aumentar la superficie de
agarre, se le enrolla alambre realizando lazos.
Dicha estructura se ancla a una base de
aglomerado mediante clavos en dos direcciones.
La estructura, situada en el interior de la figura, y
que se muestra en la figura adjunta, se representará
asimismo en los planos a escala natural, para que sirva
de referencia para la comprobación del traslado de
medidas.
A continuación, se procede a recubrir el acero con pellas de arcilla, bien presionadas
mediante paletas de madera.

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1. enunciado y objeto
En la presente memoria se desarrollarán los diversos aspectos relativos a la
realización de una obra escultórica en bulto redondo. Se analizarán los antecedentes, la
motivación y origen, la contextualización de la obra, así como el proceso de ejecución y
finalmente, una evaluación de resultados.
El objeto de la obra se encuadra dentro de los trabajos incluidos en la programación
del módulo de Volumen del primer curso de Técnicas Escultóricas de la Escuela de Arte
Dionisio Ortiz de Córdoba. Cristina Román Escutia, es la docente que imparte y dirige este
módulo en el actual curso 2016/17.
La escultura ejecutada en arcilla roja, responde al enunciado que pide la realización
de un torso realista de género fantástico. Torso, entendido como tronco del cuerpo humano
sin extremidades, esto es, sin brazos, piernas y sin cabeza. Está compuesto por el tórax y la
columna vertebral y contiene la gran parte de los órganos más importantes del cuerpo
humano.
Para nuestro proyecto, al torso se le une la cabeza
como licencia artística, entendiendo a la escultura como un
fragmento sesgado por un plano horizontal, que es la base de
apoyo, de la totalidad de la figura.
A la temática enunciada, se une las dimensiones
máximas propuestas. Estas quedan limitadas a una dimensión
máxima lineal de sesenta centímetros. La obra propuesta, se
engloba en una forma cúbica de dimensiones no mayores a
las establecidas. De esta forma, se obtiene un prisma cúbico
de dimensiones en planta 60x60 cm y de una altura de 50 cm.
La postura adoptada está a medio camino entre la figura erguida y la yacente. Se
encuentra en una posición de ascenso vertical sumergida. Esta disposición, unida a su forma
de paralelepípedo, hace que no presente una visión predominante. Esto es, se persigue la
multiplicidad de puntos de vista, sin que haya vistas principales frente a otras subordinadas.
Invitando, por tanto, al espectador a rodearla.

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consistencia. Todo el peso de la figura se situaba en la parte inferior delantera, alejada de la
barra de acero, que se encontraba casi superficialmente con respecto a la espalda.
Para su reparación se procedió a descubrir la barra de acero, implementarla con
alambre en forma de lazada y coser todo el barro separado.
En la segunda ocasión, en la cuarta sesión, se produjeron grietas en cabeza, cuello y
brazos, tal como se aprecia en las imágenes. Se produjeron como consecuencia de la
combinación de un exceso de humedad y elevado peso de los paños mojados que se
utilizaron para conservar la pieza.
Esta vez la reparación fue más rápida y sencilla, consistiendo en el cosido de las piezas
mediante palillos de madera que mezclan material a uno y otro lado de la grieta y con
incorporación de más material en la misma.
El trabajo se continuó durante varias sesiones en las que se iba ajustando el volumen
y se utilizaron fotografías del natural y material gráfico de anatomía para la comprobación
de formas.
Finalmente, se dio por finalizada la escultura. Alcanzada la forma, la textura final de
la superficie quedó marcada por la huella y marcas de los palillos utilizados para la realización
de la misma. En determinadas zonas, como en la parte delantera del tronco o en especial el
rostro, se optó por un desdibujado intencionado del volumen.
Antes de proceder al vaciado, la imagen que presentaba la obra es la siguiente:

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Antes de realizar el vaciado, se analizaron previamente los cortes a realizar mediante
hilo de acero. Para la retirada del material interior sobrante se utilizaron los correspondientes
vaciadores o ahuecadores.
A continuación, se presentan las imágenes de la obra una vez vaciada y cosida. Para
coser las distintas piezas se realizaron hendiduras de pequeña profundidad en distintas
direcciones con palillos de madera, en las distintas piezas a unir y se empleó la barbotina
como material de unión.

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Las imágenes finales de la obra terminada una vez cocida se presentan en el anexo gráfico.

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6. conclusión
En primer lugar, señalamos que los problemas técnicos ocurridos durante el proceso de
ejecución y que se señalan en el punto anterior, así como las alternativas y soluciones, fueron
afortunadamente resueltos en el aula con la ayuda de la profesora.
Como trabajo académico ha sido completamente satisfactorio, ya que se han podido
poner en práctica los conocimientos adquiridos durante todo el curso. Asimismo, se trata de
un ejercicio completo a nivel de proyecto, ya que, partiendo de un trabajo de investigación,
apoyado en el aula con imágenes y obras, se ha procedido a la realización gráfica del mismo
mediante los correspondientes croquis, la maqueta a escala y finalmente la obra a escala
natural.
Y mayor satisfacción a nivel personal. El proceso de trabajo ha sido fluido y enormemente
gratificante. Este trabajo, como finalización de todo lo visto en el módulo de Volumen, da
sentido a mi interés personal en el estudio de este ciclo. Muchas gracias Cristina.
7. bibliografía
NAVARRO LIZANDRA, J.L. (2011). Maquetas, modelos y moldes. Materiales y técnicas para
dar forma a las ideas. Castelló de la Plana : Publicaciones de la Universitat Jaume I.
FLYNN, T. (2002). El cuerpo en la escultura. Madrid : Akal.
CIVARDI, G. (2009). Modelado de la cabeza humana y de la figura. Madrid : El Drac.
RAFOLS, J.F. (2000). Historia del arte. Barcelona : Óptima.
JARRASSÉ, D. (1993). Rodin, la passion du mouvement. París : Pierre Terrail.
MARTÍN GONZÁLEZ, J.J. (1995). Las claves de la escultura. Barcelona : Planeta.
ÁLVAREZ COLLADO, I. (2017). Apuntes de historia de la escultura. Córdoba.
PEÑALVER GARCÍA, R. (2017). Tuitearte. Blog de historia del arte.
https://tuitearte.es/2013/10/10 [Consulta: 29 de mayo 2017]

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8. anexo_documentación gráfica original