Silvia Favaretto. Escuela de Arte Dionisio Ortiz. Curso 2015-16. Para el blog Volumen cerámico.

1. MACETA “ERRANTE”
Curso 1º - Ciclo Superior de Cerámica Artística
Escuela de Arte Dionisio Ortiz de Córdoba. 2015-2016
SILVIA FAVARETTO

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INDICE
Enunciado 3
Introducción 5
Contextualización histórica 7
Información gráfica 31
Proceso 57
Conclusión 89
Bibliografía 91

3. 3
Enunciado.
MACETA:
Contenedor, normalmente de forma en cono truncado con un agujero en el fondo
para el drenaje, utilizado para cultivar planta tanto de exterior como de interior,
tradicionalmente fabricado en barro cocido pero también de diferentes materiales,
como fibra de vidrio, plástico, madera, piedra, cemento e incluso materiales
biodegradables.

4. 4

5. 5
Introducción.
Este proyecto ha nacido a raíz de la adquisición de nuestra casa en Córdoba donde
la terraza y el patio han sido el detonante para el nacimiento de esta idea. Los
habitantes principales de los espacios externos sueles ser semillas, plantas y
animales de distintos tamaños. En este sentido ha cobrado vida la idea de
transformar un animal que normalmente tiene una dimensión diminuta en una
presencia contundente. Me refiero a los caracoles que habitan las macetas, los
muros y recodos de la arquitectura de una casa.
La investigación ha proporcionado una amplia base de caracoles terrestres pero lo
que más me fascinó fue una familia muy peculiar de caracoles acuáticos, en concreto
marinos. El nombre general de este espécimen es nudibranquio (Nudibranchia) y el
significado de la palabra es “con las branquias al desnudo”. Caracterizados por un
cuerpo simétrico, una cabeza con diferentes órganos sensoriales y un pie musculoso
en la parte ventral como medio de locomoción, no tienen concha ya que su coloración
espectacular alerta de su gran toxicidad y pueden medir hasta 40 cm. Respiran por
branquias que tienen distintas formas localizadas en varias zonas del cuerpo y que
en algunos casos se parecen a hojas y tallos vegetales.
En este sentido he unido varios factores como el concepto de animal, tierra, agua,
planta, aire, oxígeno y he optado por mezclar la especie marina con un medio
terrestre. Una creatura ajena al ambiente seco que sin embargo sí puede vivir en el
imaginario fantástico de la creación de una obra. Además su posición es de un animal
en movimiento, que recorre el espacio y que podría estar buscando un sitio en el
patio o en su medio acuático. Por este motivo, su nombre es maceta errante, porque
es de paso, de visita, pero también puede elegir quedarse. Además es un animal que
convive con la vegetación que la rodea; las plantas hasta viven en ella y como la
babosa está hecha de agua, las plantas prosperan. Una especie de simbiosis que
impulsa a que las creaturas animales y vegetales compartan espacios y recursos
esenciales para sobrevivir “a gusto”.

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Contextualización histórica.
Los libros de biología siempre me han fascinado por su función de divulgación sobre
el conocimiento del organismo animal o vegetal y no solo en su faceta estética si no
sobretodo en su funcionamiento intrínseco relacionado con su medio más próximo.
Ver los estratos, moléculas, órganos que solucionan una necesidad de adaptación y
que son cada uno tan originales como numerosos que casi no sorprende tanta
variedad desarrollada en millones de años.
Posteriormente la aproximación al aspecto artístico ligado a la forma elegida, me hizo
descubrir cuantas artes ya se habían acercado al estudio de la naturaleza, aunque
algunas de ellas en forma esquemática, pero recogiendo sin duda sus fundamentos.
Forma
En la historia del arte, en concreto en las obras pictóricas antiguas conservadas en
el museo del Prado, descubrí animales claramente fantásticos que podrían ser una
directa inspiración de algún caracol o animal marino. Estoy hablando de la obra del
pintor holandés Hyeronimus Bosch (1450-1516) (El Bosco) que realizó el tríptico del
Jardín de las Delicias en el que cobran vida escenas con bestias míticas o
inventadas. En concreto en la tabla de izquierda se encuentra un detalle con conchas
y animales de cuerpo curvilíneo saliendo del agua como si se tratara de un grupo de
seres en evolución.
Hyeronimus Bosch, “El Bosco” – Jardín de las delicias (1505) –l Museo del Prado – Madrid

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El escultor José Luis Fernández cuyas obras menos conocidas son piezas muy
orgánicas, recurre al uso de espirales, curvas, formas sinuosas como caracoles e
intersecciones de huesos muy similares al pie de una babosa.
Obras del escultor José Luis Fernández

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Aunque perteneciente a la corriente artística del Surrealismo, los famosos relojes
derretidos de Dalí me recodaban una babosa moviéndose como “cuerpo blando y
fluido” que adhiere lentamente al espacio que recorre sin importar el transcurrir del
momento, como concepto de un tiempo y espacio relativos.
Salvador Dalí (1904-1989) – “La persistencia de la memoria” (relojes blandos) y “El caracol y el ángel”–
España
El Modernismo o Art Nouveau tuvo mucha afinidad con la naturaleza y fue una
corriente artística europea de final del siglo XIX e inicio XX que querría distanciarse
de los estilos dominantes de la época y crear algo completamente nuevo y libre de
constricciones o reglas prestablecidas. Se fundaba en la inspiración de la naturaleza
ligada a la creación de objetos en serie de carácter industrial. Su forma de entender
la representación artística se fundamenta sobre los elementos naturales,
entrelazados entre ellos en formas sinuosas, curvas, redondas, de tipo orgánico,
asimétricas, volcados en crear un objeto de decoración para uso doméstico, público
o de adorno personal apto a embellecer cosas y personas. Sus artistas fueron
joyeros, arquitectos, escultores, pintores e ilustradores.
Luis Masriera (1872-1958) – Cataluña – España René Lalique (1860-1945) – Francia

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Antonio Gaudí, arquitecto catalán, hasta se adelantó a los tiempos cuando empezó
en la realización de su obra. En ella ya estaban las características que
posteriormente definirían el Modernismo en España.
Antoni Gaudí (1852-1926) – Lagarto del Parque Güell y Tortuga del Templo Expiatorio de la Sagrada
Familia - Barcelona - España
Antoni Gaudí (1852-1926) – Formas orgánicas en la cubierta de la Pedrera (Casa Milá) - Barcelona -
España

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Antoni Gaudí (1852-1926) – Formas orgánicas en la cubierta de la Casa Battló - Barcelona - España
Antoni Gaudí (1852-1926) – Formas orgánicas en la fachada de la Casa Battló - Barcelona - España

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De Gaudí fácilmente podemos dar el salto a la arquitectura orgánica contemporánea.
Una forma de construir lugares que ahonda sus raíces en el equilibrio entre hábitat
humano y naturaleza, imita a la sinuosidad acentuada de los elementos naturales,
su asimetría en busca de un carácter zoomórfico pero dentro de un claro proyecto
geométrico. Simplemente no se respetan las reglas cartesianas del espacio y la
verticalidad dada por la gravedad terrestre. Mis fuentes de inspiración han sido
arquitectos que han realizado edificios en claro contraste con la forma de construir
el habitual panorama urbano. El arquitecto mexicano, Javier Senosiain, creador de
la “Casa Nautilus” o “Amibas”, animal marino que acoge en su seno un lugar donde
prima la búsqueda de una visión ecológica, formas curvas que reflejan nuestras
mismas líneas corpóreas, sin ángulos y líneas rectas. Además la importancia de los
colores que influyen en el ánimo humano está tratada en consonancia con la luz del
sol que atraviesa los cristales cromáticos, cambiando su tonalidad según la
progresión de las horas y radiación a lo largo del día.
“Casa Nautilus” - Javier Senosiain - México
“Casa Amiba” - Javier Senosiain – Sau Paulo – Brasil

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Senosiain realizó también un “conjunto satélite” de viviendas semienterradas
destinadas a no deteriorar demasiado el espacio medioambiental “robando” la
mínima superficie útil y dejando amplias zonas verdes. Además alberga tanques de
agua enterrados para el aprovechamiento de este preciado recurso. Lo mismo vale
por la cola de cascabel del crótalo que tiene la función de depósito de agua. Así
mismo este criterio fue inspiración para crear un depósito interno a la maceta donde
alojar el agua de riego para las plantas. Es decir, una forma de autoabastecimiento
que queda en el interior de la obra sin necesidad de regar con asidua regularidad
durante varios días.
“Conjunto satélite” y “Nido de Quetzalcoatl” - Javier Senosiain – México

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Otro arquitecto que me inspiró fue Antii Lovag idealizador de este conjunto en
Cannes llamado Palais Bulles o Bubble House que sugiere una vez más formas
orgánicas en un entorno natural. Podrías parecerse a una enorme babosa
deslizándose por el acantilado en busca de vital humedad y atrapando luz por sus
numerosos ojos y poros de la piel. El mismo pasillo interno siguiere un conducto que
distribuye en los varios órganos funcionales del animal.
“Palais Bulles” – Antii Lovag – Cannes - Francia

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De la arquitectura orgánica habitable se pasa a manifestaciones de arquitectura
efímera que imitan estructuras ultraligeras de increíble resistencia que se han
perfeccionado en los seres vivos durante millones de años. Las formas orgánicas
parecen amoldarse con facilidad al entorno gracias a la evolución formal de las
creaturas en el afán por sobrevivir.
Hay muchas obras de “landart” que han inspirado mi trabajo, por su capacidad de
hacernos sentir como parte necesaria del mensaje que quiere transmitir, la
provocación de vivir incluso “desde dentro” con todos nuestros sentidos una
construcción que no es una vivienda pero que no deja de ser un cobijo, aunque sea
del alma.

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Sandworm - Marco Casagrande - Taipei

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Laura Ellen Bacon - Francia

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Laura Ellen Bacon - Francia
Henrique Oliveira – Sao Paulo - Brasil

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Peter Gentenaar - France
Amy Jean Boebel – EE.UU.

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Andy Goldsworthy – Reino Unido
Arte Sella – Borgo Valdugana - Italia

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Color
Los fascinantes colores de tan peculiares babosas marinas me recordaron una
pintora y escultora francesa del s. XX, Niki de Saint-Phalle, que elaboró piezas muy
coloristas inspiradas en la naturaleza. En la fuente de Stravinsky en Paris, cerca del
centro Pompidou, hay una instalación de obras escultóricas en movimiento que
juegan con el agua. Cuando las visité me resultaron casi hipnóticas debido a su
cromatismo en continuo movimiento. El uso de formas curvas, voluptuosas y
orgánicas también se habían usado en su obra mayor, el Giardino dei Tarocchi cerca
de Florencia en Italia, plasmando formas con fuertes contrastes cromáticos y que
fueron inspiradas por las esculturas del mismo Parque Güell de Gaudí.
Niki de Saint-Phalle (1930-2002) – “Fuente Stravinsky” – Paris – Francia
Niki de Saint-Phalle (1930-2002) – Giardino dei Tarocchi – Capalbio – Italia

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Otra fuente para el estudio del color de mi proyecto y que ha influido con su fuerte
cromatismo son las pinturas de Hundertwasser, artista austriaco, además de haber
ejercido como arquitecto que “devuelve el espacio robado” a la naturaleza y que
conecta los seres humanos con su origen. En definitiva un artista que consolida en
sus creaciones la armonía entre el medioambiente, lo humano y el construido.
Friedensreich Hundertwasser (1928-2000) – Museo Kunst Haus Wien – Viena
Rogner bad Blumau - Friedensreich Hundertwasser (1928-2000) - Viena

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Texturas
Las texturas han sido una búsqueda muy grata gracias al sin fin de elementos
decorativos que una pieza podría contener en su acabado final.
En el sector textil, la artista californiana Andrea Graham me ha inspirado con sus
formas y texturas en imaginar detalles para mi pieza.

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A raíz de una charla de Antonio Vivas, director de la revista Cerámica, empecé a
bucear en el mar de los ceramistas contemporáneos y fue como descubrir una nueva
tierra. En relación con las texturas la artista japonesa Ikuko Iwamoto ha sido fuente
de inspiración juntos a otros creadores como Chris Garofalo.
Ikuko Iwamoto – Japón/Londres y Chris Garofalo - EE.UU.

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Ikuko Iwamoto – Japón/Londres

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Otros ceramistas que me fascinan son Arnold Annen de Suiza y el irlandés Francis
Lambe por su texturización diminuta que hace parecer la pieza cerámica a una roca
volcánica o a seres extraterrestres.
Arnold Annen - Suiza
Francis Lambe - Ireland

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v
Francis Lambe - Ireland

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Yayoi Kusama, artista pop japonesa apodada como “the polka dots princess” que ha
estado exponiendo junto a Andy Wahrol en la década de los años sesenta, fue un
descubrimiento asombroso dada su obsesión por las repeticiones de patrones.

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La artista australiana Margarita Sampson crear fascinantes animales marinos
realizados en tejido con formas y colores llamativos.

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En la búsqueda de los acabados no puedo dejar de mencionar las imágenes que,
por formas y texturas, el microscopio electrónico me ha facilitado acercándome al
microcosmo de polen, semillas, huevos, microbios y diatomeas.
Todo este recorrido entre pintura, escultura, arquitectura y naturaleza me hace
reflexionar sobre dónde empieza y acaba una corriente artística y como
continuamente devuelve una renovada retroalimentación que da vida a nuevos
procesos creativos.

31. 31
Información gráfica.
A raíz de toda esta información empecé a dibujar el nudibranquio así como lo veía
en las fotos reales para entrar en contacto con su morfología, estudiar sus curvas,
sus elementos característicos. Me fascinaba su forma de resolver el aparato
respiratorio y ofrecía una variedad morfológica asombrosa apta a la respiración.
Algunos “pulmones” me reconducían a las formas y desarrollo de las plantas, con
sus ramas, nervaduras y hojas. Por eso la funcionalidad de la pieza fue casi
instantánea. Las branquias marinas iban a transformarse en plantas, ambas aptas a
recoger oxígeno, una del agua y la otra de la atmosfera. Además el animal es un ser
acuático formado en su mayoría de agua, la misma que sustenta la vida del huésped
vegetal. Paulatinamente empecé a jugar sobre las variaciones formales con respecto
a su cuerpo teniendo en cuenta la funcionalidad que debía satisfacer. Al principio la
pieza proporcionaba un solo punto de alojamiento para una planta y poco a poco fue
transformándose en dos puntos de alojamientos aislados que finalmente se
comunicaron entre sí.
Croquis de estudio previo

32. 32
Croquis de posibles COMBINACIONES DE FORMAS, COLOR Y TEXTURAS

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Paletas de posibles COLORES EPIDÉRMICOS
Paletas de posibles FORMAS DE ANTENAS y BRANQUIAS
Paletas de posibles formas de DOBLECES EPIDÉRMICAS
Paletas de posibles formas de TEXTURAS EPIDÉRMICAS

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Crear una maqueta de estudio fue muy rentable a la hora de solucionar problemas
espaciales con una visión real directa en 3D, además aportó datos esenciales como
la proporción entre las partes, la escala y las medidas principales. La pieza fue
cambiando su posición. Es decir, mientras, en un primer momento, se movía en un
plano horizontal o vertical según la preferencia, pensé que hubiera sido interesante
posicionarlo en un movimiento progresivo entre la línea horizontal-vertical o al revés.
Es decir que el nudibranquio está posicionado sobre una meseta con la mitad de su
cuerpo pero se está deslizando hacía abajo o, si se prefiere, puede deslizar hacía
arriba. En la imagen se entienden las posiciones posibles.

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Croquis de estudio de los colores de acabado

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37. 37
Croquis de estudio de los colores de acabado

38. 38

39. 39
Croquis de estudio de los colores de acabado

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41. 41
Croquis de estudio de los colores de acabado

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Croquis de estudio de los colores de acabado

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Claro está que con tanta variedad morfológica la tentación ha sido dar vida a otro
elemento que, junto con el primero, pudiese crear una especie de escena pero que
finalmente se ha quedado en una pieza única en “ele” debido a la complejidad de la
realización.

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El paso siguiente fue determinar el tamaño. Pensando en un poyete de un tamaño
de 40 cm. se ha fijado la dimensión máxima en 30 cm. aunque en principio estaba
más pequeño como se evidencia en el croquis.
Al cuerpo se le ha aplicado también una ligera doble torsión dada la gran flexibilidad
del animal exento de esqueleto interno. Por un lado se tuerce la cola y por el lado
contrario la posición de la cabeza en un intento de buscar el equilibrio necesario para
deslizar correctamente.

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En el animal se alojan varios elementos. Debe de contener, por un lado, el depósito
de tierra necesaria para las plantas y por otro lado el depósito de agua. Este último
en un principio estaba conectado con el segundo depósito de agua pero finalmente
decidí dividir los dos compartimientos, uno arriba y otro abajo sin estar comunicados
entre sí para garantizar una mejor humedad repartida entre la superficie que rodea
la tierra. La entrada del agua se coloca en puntos estratégicos con orificios que no
permitan la salida del líquido según se le quiera dar cualquiera de las dos posiciones
posibles.

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Finalmente se ha elegido la forma definitiva representada usando el programa de
AutoCAD 2017 con vista lateral, de frente y desde arriba con sus correspondientes
dimensiones finales, incluyendo el poyete en la representación gráfica.
Dibujos con vista lateral, frontal y desde arriba

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Proceso.
El material elegido para realizar las piezas es un gres refractario chamotado que
puede resistir a una cocción hasta más de 1200ºC. La chamota es de tamaño “medio”
con una granulometría entre 0-1 mm. Su referencia es GRES CH-VICENTE DIEZ y
distribuido por la empresa Esmaltycolor. (Adjunto FICHA TECNICA)
Es una arcilla muy buena para la conformación manual usando herramienta de
modelado y garantiza la resistencia a media y alta temperatura en horno eléctrico
con cocción oxidante o reductora por ejemplo con técnica de Raku.
En la elección cromática hay que tener en cuenta el color de base después del
bizcocho que puede ser útil a la hora de decidir la decoración del acabado final. Por
ejemplo, si optamos por una cocción oxidante de media temperatura a 980ºC la pasta
sin colorear resultará de una tonalidad rosada. Muy diferente si subimos a alta
temperatura a 1200ºC que dará como resultado una pasta de aspecto beige tostado
muy cálido. Finalmente si decidimos “reducir” la pieza con el método de Raku,
tenemos que focalizar muy bien las partes que queremos mantener negras para
aprovechar al máximo la técnica. Estos factores cromáticos pueden jugar a nuestro
favor si interpretados correctamente.
Teniendo bien a mente la base con la que partimos, los colores van en consonancia
con ella. Podemos utilizar engobes o esmaltes coloreados con óxidos, eligiendo una
paleta de colores análogos entre sí o complementario para contrastar. No solo los
colores son fundamentales a la hora de acabar una pieza si no también la textura de
la piel que transmite una superficie más o menos vibrante. Se puede realizar, por
ejemplo, por incisión, por esgrafiado suave o con perilla.

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CARACTERÍSTICAS FINALES DE LA PIEZA
Como elección final relativa a las formas, texturas y color he optado por aplicar:
• Con respecto a la morfología de las branquias he optado por el cilindro con
las extremidades puntiagudas similares a hojas de una crassula
• Con respecto a la morfología de las antenas he optado por el cilindro con las
extremidades redondeadas pero hundidas en su extremidad
• Con respecto a la morfología de las dobleces de la piel he optado por mezclar
las tres opciones entre suave, marcado y redondeado

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• Con respecto a la textura de la piel he optado por una superficie lisa con picos
puntiagudos y redondeados
• Con respecto al color de la piel he optado por las tonalidades
blanco/amarillo/morado
• Por último, pero no menos importante, es el barniz final. Puede ser interesante
en este caso una combinación de barnices transparentes que reproduzcan la
piel húmeda del nudibranquio. Como animal deslizante necesita una piel en
continua hidratación para poder moverse sin rozar demasiado con el soporte
que se encuentra a recorrer. Por eso la parte más expuesta al rozamiento
podría ser tratada con un barniz brillante que reproduzca una superficie
mojada, mientras que las partes superiores se pueden tratar con un barniz
semi-mate que resulta ser algo más “seco”. Dada la forma de la pieza en ele,
sería conveniente aplicar el barniz por aspersión o por vertido. No es
conveniente aplicar el barniz por inmersión arriesgando a que entre en las
concavidades de alojamiento de las plantas impidiendo posteriormente que la
humedad de los depósitos de agua pase a las raíces.

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Los ensayos de color son de vital importancia a la hora de experimentar con
las tonalidades elegidas. Se prepararán muestras de varias combinaciones de
colores y barnices para acertar el acabado sobre la pieza final. Este proceso
nos permite descubrir, quizás, aspectos o matices para tomar decisiones
definitivas y tener la capacidad de previsión sobre un resultado u otro además
de ampliar nuestro conocimiento sobre sistemas de registros de pruebas
experimentales.

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Perspectiva final con colores definitivos

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Proceso de realización de la pieza cerámica ilustrado con fotografías:
Croquis, bocetos, maqueta y conformación del cuerpo horizontal

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Esbozo de ondulaciones del pie, aleros laterales y posicionamiento del orificio de la
maceta del cuerpo horizontal con posterior ahuecado

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Preparación de la parte vertical comprobando la correspondencia entre las dos
siluetas en el punto de contacto

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Unión de la parte vertical y horizontal en su línea de contacto. Conformación del
segundo orificio correspondiente al cuerpo vertical

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Unión de los dos cuerpos y desplazamiento del orificio de la maceta vertical hacía la
parte inferior

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Fractura del cuerpo horizontal por el peso aplicado del cuerpo vertical todavía sin
ahuecar. Posteriormente se ha recocido la parte dañada y se ha ahuecado la parte
trasera correspondiente al cuerpo vertical, alisando también la superficie de la piel

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Subida del borde de la maceta para aumentar la capacidad de alojamiento de tierra
para las plantas y colocación de protección plástica para evitar la pérdida de
humedad necesaria para la aplicación de las branquias alrededor del borde

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Aplicación de las branquias en la maceta del cuerpo horizontal

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Aplicación de la textura epidérmica y aplicación de las antenas

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Ahuecado del cuerpo horizontal en correspondencia con el depósito de agua y
colocación del orificio de entrada del agua de riego

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Preparación del borde de unión para la pared del depósito de agua de riego y
aplicación de barbotina

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Cierre del depósito de aguas de riego

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Ahuecado del cuerpo vertical en correspondencia con el depósito de agua y cierre
del mismo con un tabique habiendo perforado con anterioridad la parte para la
entrada del agua de riego

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Colocación del cuerpo vertical sobre muñones provisionales en correspondencia con
el cuerpo horizontal para el control de la línea de unión entre ambos

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Redefinición y remodelación de la línea de contacto que por la merma se había
desajustado

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Protección de las branquias con aplicación de pequeñas piezas de plástico para
garantizar el secado gradual entre elementos finos y gruesos

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Desplazamiento de la pieza en conjunto y su colocación de lado para poder cocer la
esquina interior desplazada en su línea de contacto

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Comprobación de la perpendicularidad entre las dos caras necesaria para la
estabilidad de la pieza

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Cocido profundo en la línea de contacto interior

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Acabado de cocido profundo interior y posterior cocido profundo en la línea exterior
de contacto entre los dos cuerpos siguiendo la línea de la grieta y añadiendo churritos
de arcilla
Conformación y colocación de las antenas que durante la manipulación de la pieza
había sido necesario remover para no estropearlas de manera permanente

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Pieza final con orificios de entrada al depósito del agua de riego

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Pieza final

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Conclusión.
La pieza ha tenido una cierta complicación debido a la morfología a “ele” que ha
provocado que se tuvieran que realizar las dos partes por separado. Por un lado la
horizontal y por otro la parte vertical teniendo en cuenta sus siluetas para poderlas
juntar correctamente después del ahuecado del volumen.
De todas formas esta “complicación” ha sido una oportunidad para poder
implementar la técnica de modelado que quizás sin el asesoramiento en clase
hubiera sido más complicado realizar.
Realmente la parte más difícil ha sido juntar los dos cuerpos debido a una línea de
contacto que en algunos puntos no se correspondía adecuadamente.
En este sentido se ha tenido que buscar una estrategia para que las dos piezas
estuviesen colocadas correctamente en su posición final y permitir corregir los fallos
en la junta.
Fue todo un reto que la parte vertical se quedara bien alineada con el cuerpo
horizontal y eso fue posible gracias a unos muñones de sujeción.
Las partes más delicadas como las branquias se han tenido que humedecer
continuadamente debido a las altas temperaturas del aire que secaba muy
rápidamente las puntas. Por este motivo se ha envuelto cada una de ellas en folios
de plástico que garantizaban mantener la humedad necesaria para un secado
gradual.
Cuando las dos piezas se encontraron en su posición definitiva me di cuenta que la
línea de contacto no coincidía y se había distorsionado debido a un corte no muy
preciso en fase de separación de las piezas y probablemente un secado irregular
que dejaba una cuña de espacio vacío sin ningún contacto.
Por lo tanto he intentado rellenar ese espacio hueco modelando las partes que no se
correspondían y después de un día de oreado he colocado la pieza entera de lado
sobre un colchón de espuma y sobre muñones provisionales con las partes de las
branquias completamente fuera de cualquier plano de contacto que pudiese provocar
la ruptura involuntaria de tan delicadas partes.
Así se ha podido proceder al cocido profundo de la línea de contacto interna y externa
entre los dos cuerpo perpendiculares.
Se ha dejado la pieza de lado para poder orear el cuerpo y que adquiriera la
consistencia adecuada para poder desplazarlo y evitar tensiones en la línea de
contacto entre los dos cuerpos. Se deja al aire libre la superficie principal pero se
sigue manteniendo en secado controlado las branquias a través del uso de plástico
para evitar tensiones entre piezas grandes y pequeñas.
Cuando el cuerpo estará en dureza de cuero bien firme se procederá a su colocación
en posición de uso sobre un poyete y se pasará al horno.

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