2. Música electrónica es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación
de instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. Tambien es considerado un
movimiento musical. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando
medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica. Ejemplos de
dispositivos que producen sonido electromecánicamente son el telarmonio, el órgano
Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede
lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de
música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad
de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida
por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la
música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva,
abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares
como la música electrónica de baile.

3.  Desde alrededor de 1900 se utilizaba el  En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de
magnetófono de alambre magnético de baja grabación en estéreo.[8] No obstante, estos
fidelidad (lo-fi). y a comienzos de los años 1930 dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera
la industria cinematográfica comenzó a de Alemania hasta el final de la Guerra, cuando
varios de estos aparatos fueron capturados y
convertirse a los nuevos sistemas de grabación
llevados a Estados Unidos por Jack Mullin y
de sonido ópticos basados en células otros
fotoeléctricas.
 La cinta de audio magnética abrió un vasto
 En esta época la empresa alemana de campo de posibilidades sonoras para
electrónica AEG desarrolla el primer músicos, compositores, productores e
magnetófono de cinta práctico, el ingenieros. La cinta de audio era relativamente
"Magnetophon" K-1, revelado en el Berlin barata y muy confiable, y su fidelidad en la
Radio Show en agosto de 1935.[6] reproducción mejor que cualquier otro medio
de audio conocido hasta la fecha.
 En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de
grabación en estéreo.[8] No obstante, estos
 La cinta de audio era relativamente barata y
dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera muy confiable, y su fidelidad en la reproducción
de Alemania hasta el final de la Guerra, cuando mejor que cualquier otro medio de audio
varios de estos aparatos fueron capturados y conocido hasta la fecha
llevados a Estados Unidos por Jack Mullin y
otros.

4. Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música Electrónica de WDR, Colonia, en 1991
Artículo principal: Karlheinz Stockhausen.
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y posteriormente durante
muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia en Alemania.+A
En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, inició
actividades enla radio de la NWDR en 1951, después de que el físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de
sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert (que se convertiría en su primer director, hasta
1962), convencieran al director de la NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. El mismo
año de su creación, 1951, fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa
vespertino de la propia radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt. En 1953 hubo una
demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se dejaron escuchar siete piezas
electrónicas. Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul
Gredinger, Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen.
•El programa comprendía las siguientes piezas:
•Karlheinz Stockhausen: Estudio II
•Herbert Eimert: Glockenspiel
•Karel Goeyvaerts: Composición No. 5
•Henry Pousseur: Sismogramas
•Paul Gredinger: Formantes I y II
•Karlheinz Stockhausen: Estudio I
Herbert Eimert: Estudio sobre mezclas de sonido
En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-
Eppler concibió la idea de sintetizar música enteramente desde señales producidas electrónicamente. De
esta manera, la elektronische Musik se diferenciaba abruptamente respecto a la musique concrète
francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.

5. Si bien los primeros instrumentos eléctrico como el Ondes Martenot, el Theremin y el
Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra
Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como
Minao Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón
comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo
institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de
grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que
fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés
en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.
Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en
1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente
escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia
finales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiera "traer
ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo", una
idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado el mismo año. En
1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades
de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado
muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada
drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.

6. En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primer vez en los años 1960 por miembros
del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan, entre los que estaban Gordon Mumma y Robert
Ashley, por individuos como David Tudor hacia 1965, y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por Gordon
Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban música
multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y
1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras obras de electrónica en vivo.
Los compositores y músicos de jazz Paul Bley y Annette Peacock fueron de los primeros en tocar en concierto
utilizando sintetizadores Moog hacia finales de los 1960. Peacock hacía un uso regular de un sintetizador
Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio.

7. Síntesis digital
Véase también:Sample.
En 1979 la eautónomo, el DX-7. Utilizaba síntetis de modulación de
frecuencia (síntesis FM), probada por primera vez por John Chowning en
Stanford a finales de los años 1960.mpresa australiana Fairlight lanzó el
Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer sistema práctico
de sampler polifónico digital. En 1983, Yamaha introdujo el primer
sintetizador digital.

8. Moog, a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por
sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el Moog Modular Synthesizer
El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado en
sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de
Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya
recibió sus primeros pedidos, y el negocio despegó.
La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose más conocida
cuando Wendy Carlos edita el álbum Switched on Bach. Bob diseño y comercializó nuevos modelos, como el
Minimoog la primera versión portátil del Moog Modular, el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava
de extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el
MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.
Moog, no supo gestionar bien su empresa y esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir
ni un sólo pedido.
Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue adquirida por un inversionista, aunque
continuó diseñando instrumentos musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un
pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a pique poco después.
Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años
60' y principios de los 70' pero, consciente de la competencia con los
grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la
tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al
mercado de los sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de
Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este
instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo
durante los años 70' y 80' bajo la marca Korg.

9. Crecimiento de la música dance
Artículo principal:Música electrónica de baile.
Hacia finales de los años 1980, los discos de música de
baile que utilizaban instrumentación exclusivamente
electrónica se hicieron cada vez más populares. Esta
tendencia ha continuado hasta el presente, siendo
habitual escuchar música electrónica en los clubs de
todo el mundo.
Véanse también:Italo disco, Música
electro, Techno, Música house, Acid
house, Rave, Jungle y Música trance.
y el DrumaNdBarr.

10. AVANCES
 En los años 1990, comenzó a ser posible llevar a cabo
actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos. Otros
avances recientes son el la composición Begin Again Again de
Tod Machover (MIT y IRCAM) para hyper chelo, un sistema
interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del
chelista. Max Methews desarrolló el programa "Conductor" para
control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un
tema electrónico.

11. DESDE 200
Qlimax, un evento de música electrónica masivo que se celebra anualmente en Holanda
A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la
producción musical se hace posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las
prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica
utiilzando ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el término Live PA para describir
cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando
ordenador, sintetizador u otros dispositivos.
En esta década surgen diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre
software, entre los que destacan productos como Reason de Propellerhead y Ableton Live, que
se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen de alternativas útiles y baratas
para los estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de
microprocesadores, se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que
un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical llevando a un
incremento masivo en la producción musical casera disponible para el público en internet..
El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una
serie de dispositivos antiguamente solo existentes como hardware estén ahora disponibles
como piezas virtuales, herramientas o plug ins de los software. Algunos de los softwares más
populares son Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de código abierto tales como Pure
Data, SuperCollider y ChucK