1. ESCULTURA BARROCA
IES M M EGG

2. CARACTERÍSTICA GENERALES
- Es naturalista, pero el artista no interpreta la naturaleza, la copia.
- El Renacimiento representa el ETHOS. El Barroco el PATHOS: las figuras
expresan pasiones y sentimientos y cuanto más exaltados y dramáticos sean,
mejor. Más que describirnos lo que ha pasado se intenta que lo podamos sentir.
- Si el tema es religioso se decantan por la expresión de la mística, rozando
casi lo sobrenatural. Pero la temática es muy amplia: milagros (resplandores y
vaporosidades); martirios, castigos de herejes …
- El movimiento lo emplea el escultor como una vía de expresar lo anterior.
Ahora es desordenado, espontáneo, se representa en acto y no en potencia
como sucedía en el Renacimiento.
- Las composiciones son abiertas, en aspa; piernas y brazos se lanzan al
espacio. Son importantes los escorzos. Se abandona la simetría.
- El ropaje: es muy importante: se nos ofrece con fuertes pliegues y contribuye
a dar movimiento y generar contrastes lumínicos.
- El naturalismo implica el desarrollo del retrato, físico y moral.
- Se valora la materia y la superficie de la misma lo que da lugar a ricas
calidades en las telas y gran realismo en la piel.

3. RENACIMIENTO BARROCO
SIMETRÍA ASIMETRÍA
PLASTICIDAD PICTORICISMO
NATURALISMO IDEALIZADO NATURALISMO PLENO
MOVIMIENTO EN POTENCIA MOVIMIENTO EN ACTO
RETRATO DE PARECIDO RETRATO ESPIRITUAL
SUPERFICIE TERSA SUPERFICIE DE CALIDADES

4. Autor: BERNINI (1598 – 1680)
Título: APOLO Y DAFNE
Cronología: 1622 – 1625
Estilo: BARROCO
Técnica: TALLA
Material: MÁRMOL
Dimensiones: 2,43 m (alto)
Localización: Galería Borghese, ROMA
Es un tema propio de la pintura. Se plasma
un momento muy concreto (hecho este
habitual de la pintura) en el que, recreando el
mito de Apolo y Dafne, el dios al alcanzar a la
ninfa Dafne ésta se convierte en laurel.
EL tema está inspirado en un episodio de la
Metamorfosis de Ovidio.

5. - Diferencia en las cualidades: cuerpo y árbol.
Unas partes pulidas en las que resbala la luz y
otras entretalladas en las que se concentra.
- Realismo en el movimiento que capta
además un momento muy fugaz
- Contraste psicológico: Dafne muestra miedo
e incurva ligeramente el cuerpo al sentir que
Apolo le atrapa mientras que éste sigue
absorto en la persecución viendo cómo Dafne
se convierte en laurel.
- Composición abierta: líneas oblicuas.
Piernas y brazos se lanzan al espacio.
- Dafne parece estar en el aire con la facilidad
que la podría haber puesto un pintor en el
lienzo.
-Realizada para ser vista desde un punto
concreto. Esto también sucede con la pintura
y tiene su precedente inmediato en el
Renacimiento.
- Otros temas que desarrolló: Rapto de
Proserpina, David, Retrato de Luís XIV.

7. La expresión; el momento fugaz,
la diferencia en las cualidades,
el movimiento, los puntos en
común con lo pictórico
El alejamiento de las pautas
renacentistas

9. Autor: BERNINI (1598 – 1680)
Comitente: CARDENAL
FEDERICO CORNARO, que quiso
construir su capilla fúnebre en el
brazo izquierdo del crucero de la
iglesia.
Título: ÉXTASIS DE SANTA
TERESA
Cronología: 1647 – 1652
Estilo: BARROCO
Técnica: TALLA
Material: MÁRMOL
Dimensiones: 3,5 m (alto)
Localización: Capilla Cornaro de
Santa María della Vittoria. ROMA

10. El conjunto escultórico forma una
perfecta unidad con la arquitectura
y pintura para crear el escenario en
el que se expresa una narración
vivencial y de contenido místico de
la Santa. Sólo en este escenario
podemos sentir lo que narró Santa
Teresa.
Colores de los En la bóveda finge pictóricamente
materiales un cielo, con nubes y ángeles de
los que el que está con la Santa
parece haber caído del techo.
Los rayos de bronce simulan la
luz que entra por un vano detrás
del frontón. La luz aporta
teatralidad y veracidad.
Los miembros de la familia
Cornaro, arrodillados ven el
milagro que se produce en el altar.
Se ha creado una escena pictórica
enmarcada en la arquitectura

12. - Perspectiva o puntos de vista
- Importancia y significado de la luz
y color
- Composición: abierta, en aspa;
diagonal de la santa y vertical del
ángel. La santa par3ece estar
pegada a la tierra mientras el
ángel se eleva como un espíritu
divino.
- Trabajo de los ropajes y su
contribución con el tema: refleja la
agitación del alma; claroscuro. El
ángel, ropajes pegados al cuerpo
recuerdan los “paños mojados”
- Contraste en la expresión del
rostro de los personajes.
- La santa está asentada de una
manera poco firme.
- Función: que el fiel penetre en la
mística de la santa.

13. Rostro de la Beata Albertoni

14. BERNINI: El rapto de Proserpina

15. Bernini David

16. CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA
-Las artes plásticas están en su máximo apogeo y expresarán un carácter
español.
- En este siglo de crisis los principales clientes serán los gremios y cofradías
que rinden culto a las imágenes tanto en el templo como en la calle.
- La estatuaria tendrá un carácter religioso: la Iglesia defiende el valor
pedagógico y moral de las imágenes para que los fieles se acerquen a la fe. Las
cofradías, adquiriendo su mayor protagonismo en Semana Santa, sacan sus
imágenes a la calle. Son los pasos, del latín passus = sufrimiento. Serán temas
referentes a la Pasión de Cristo.
- Prácticamente no hay escultura civil; la funeraria es muy escasa. Lo
mayoritario son los pasos y los retablos. Estos últimos son monumentales, con
figuras de bulto redondo que pueden salir en procesión. Ven además reducir sus
cuerpos hasta finalizar en uno solo. La columna salomónica es muy utilizada. En
el XVIII es sustituida por el estípite. Las sillerías del coro son importantes.
- Temática: está adaptada a los postulados de la Contrarreforma: Pasión de
Cristo, exaltación de temas marianos, y santos, bien mártires, penitentes o
místicos.

17. - Material: Madera (pino, cedro, nogal). Técnica: Talla. La madera se
policroma utilizando el temple. Se realiza el encarnado y el estofado. Se
prefieren en general las encarnaciones en mate, sin brillo por parecer más
naturales. Para el estofado hay dos tendencias: o bien se desecha el dorado
usando colores mates o bien se sigue el procedimiento del renacimiento de
rajado y pintura a punta de pincel.
-Lenguaje plástico: Es realista y naturalista. Predominan las tallas en madera
policromada, de colores sobrios, que no distraigan la atención del fiel. Se
realiza un estudio de la anatomía. La exaltación del realismo conduce al
empleo de postizos (ojos de cristal, dientes de marfil; cabellos, pestañas,
uñas naturales; coronas de espino o metálicas …) Se efectúa un tratamiento
de las heridas y los ropajes se ilustran con joyas.
- Movimiento: es más bien calmado, lejos del empleado por Bernini. Sin
embargo, las figuras expresan el pathos.
- El artista sigue dentro de los gremios. Es frecuente que el maestro inicie y
termine la obra y que en el proceso intermedio de la misma intervengan
pintores, encofrades y otros artesanos.
- Centros escultóricos: Castilla (Gregorio Fernández) y Andalucía (Juan
Martínez Montañés, Alonso Cano y Pedro de Mena)

18. ESCUELA CASTELLANA ESCUELA ANDALUZA
Realismo exagerado Huida de la exageración
Plasmación del color y la crueldad con Realismo un tanto idealizado
abundancia de sangre; realismo hiriente
Dinamismo Serenidad
Tendencia a la caricatura en los personajes Imágenes equilibradas
malvados
Fuerte modelado Modelado suave
Rostros expresivos Belleza y equilibrio
Centros: Valladolid y Madrid Centros: Sevilla, Granada y
Málaga

19. Arquitecto: José de Churriguera
Obra: Retablo de San Esteban
Cronología: 1693 1696
Localización: Convento de San
Esteban de Salamanca
Se aprecia un gran dinamismo: las
columnas salomónicas, el
entablamento roto, con entrantes y
salientes, vibrante.
Gusto por el dorado, por las curvas,
por el adorno. La escultura que lo
acompaña está en sintonía con esto.
Demuestra horror vacui.
El autor forma parte de una familia
que aportó obras de abigarrada
decoración, de ahí el calificativo de
churrigueresco para expresar una
abundante y abigarrada decoración.

20. Autor: Gregorio Fernández Estilo: Barroco Técnica: Talla Material: Madera
Título: Cristo yacente Localización: Museo de Escultura de Valladolid
Cronología: 1614
Tema: Cristo acaba de morir. Pero por primera vez está sólo, tendido, sin relación
alguna con la cruz, su madre u otros personajes como era lo habitual hasta ahora.
Gusto por el desnudo. Empleo de la policromía para expresar el sufrimiento y
presentar una obra de gran realismo, llegando al patetismo . Ubicamos la obra en el
contexto religioso español. Este es uno de los muchos Cristos yacentes que realizó
para monasterios y conventos.

21. Signos del sufrimiento que expresan realismo y
dramatismo: sangre que brota de las costillas, de
las rodillas y de los pies; largos y rizados cabellos,
húmedos por el sudor del sufrimiento; la expresión
del rostro, cansado, con la boca entreabierta que
deja ver algún diente; los ojos sin cerrar.
Maestría en toda la escultura y muy clara en los
pliegues de la sábana.

23. Autor: Gregorio Fernández
Comitente: Cofradía
Penitencial de las Angustias
Título: La Piedad
Cronología: 1616
-Expresión del pathos, realismo en gestos,
Estilo: Barroco tratamiento del cuerpo desnudo y de la policromía.
Técnica: Talla - Composición alejada de la piramidal de Miguel
Ángel: Cristo, en diagonal parece resbalar del
Material: Madera
regazo
Localización: Museo de - Tratamiento del ropaje - Función de la obra
Escultura de Valladolid

24. Autor: Juan Martínez Montañés.
(1568 – 1649)
Título: Cristo de la Clemencia
Cronología: 1603
Técnica: Talla
Material: Madera policromada
Localización: Catedral de Sevilla
La cara ofrece serenidad; es
clásica. Presenta un alargamiento
casi manierista. Se aprecia
sufrimiento caso de la tensión de
los músculos y sangre en pies,
costado … pero sin llegar al
dramatismo de Castilla.
La disposición del paño, en
diagonal aporta dinamismo.
Cristo está mirando hacia abajo:
mira a quien reza. Es un Cristo
cercano al creyente. Es un Cristo
Barroco.

25. Autor: Juan Martínez Montañés (1568 – 1649)
Cronología: 1629 Técnica: Talla
Material: Madera policromada
Dimensiones: 1,64 m (alto)
Localización: Retablo de la Concepción de la
capilla de los Alabastros de Sevilla.
Flotando sobre putti aparece una Inmaculada
con belleza gitana. Es serena, con amplios y
trabajados ropajes.: pliegues angulosos,
efectos plásticos, colores del ropaje que no
son lisos sino que aparecen muy trabajados.
Policromada y estofada por Francisco
Pacheco.
Es conocida como la cieguita por sus ojos
entrecerrados.
Crea un tipo de Inmaculada caracterizado por
la abundancia de ropajes y por la cara ladeada
y las manos unidas.

26. Autor: Alonso Cano. (1601 – 1667)
Título: Inmaculada
Cronología: 1655
Técnica: Talla
Material: Madera policromada
Dimensiones: 55 cm alto
Localización: Catedral de Granada.
Sobre un trono de nubes y ángeles
aparece una Inmaculada alejada del
patetismo y realismo característico de la
escuela castellana. Su cara oval, sus
ojos, nariz y boca recuerdan los ideales
del Renacimiento
Hay que reparar en el giro de su cabeza
y en el desplazamiento de las manos
hacia la derecha que provocan asimetría
y le confieren una gracia especial.

27. Jesús del Gran Poder
Juan de Mesa
1620. Madera tallada y policromada.
Iglesia de San Lorenzo. Sevilla
Paso de Semana Santa. Expresa un
gran dolor en el rostro como
consecuencia de las espinas de la
corona y del peso de la cruz. El vestido
es de tela natural y otorga un gran
realismo