1. T. 13 PINTURA BARROCA
CARAVAGGIO, Italia
RUBENS, Flandes
REMBRANDT, Holanda
IES BEATRIZ OSSORIO
2. • El Naturalismo,
aplicado a los temas
religiosos y
mitológicos
favoreció la
comprensión de los
temas.
• Se buscan los modelos de
la naturaleza, sin proceder
a su idealización, incluso
llegando al naturalismo:
preocupación por la
representación del estado
psicológico, de los
sentimientos. La luz se
suele poner al servicio del
realismo.
Debido al independiente desarrollo de las escuelas pictóricas, no son
muchas las notas comunes que caracterizan a la pintura barroca;
señalamos las siguientes:
3. • El Tenebrismo es la tendencia
pictórica que marca el
periodo barroco,
caracterizada por los
contrastes de luz violentos y
extremos.
• Hegemonía de la luz. Se abandona
el sfumato de Leonardo y se pasa a
planos de luz y sombras donde las
formas se dibujan con gran precisión.
• El barroco es el arte de plasmar
pictóricamente la luz; por tanto, la
sombra juega un papel hasta
entonces inédito, especialmente en
los primeros ensayos del estilo, que
han venido a denominarse
Tenebrismo.
• En el Barroco la forma se subordina a
la luz, y en algunas ocasiones las
formas pueden desvanecerse por
debilidad o intensidad del centelleo
luminoso.
4. • Predominio del color
sobre el dibujo. En los
grandes maestros, las
manchas son las
definidoras de las formas
• Se pintan las cosas como se ven
en la realidad, con manchas de
color y luz, perdiéndose los
detalles y con el contorno no
precisado.
Helena Fourment con su hijo Francis
1635. Óleo sobre tabla
Alte Pinakothek, Munich
5. • Profundidad continua:.
En el barroco se abandona
el rigor de la perspectiva
lineal, para obtener la
sensación de profundidad.
• Los procedimientos utilizados
pueden ser: líneas convergentes,
series de escorzos, un primer
término desmesurado, un primer
término oscuro, juegos de luces,
plasmación de efectos
atmosféricos…
Jeremías lamentando La destrucción de Jerusalén
Óleo sobre panel, 1630. 58,3 x 46,6 cm
Rijksmuseum, Amsterdam
6. • La tendencia instintiva a
colocar la figura principal en
medio y a pintar dos mitades
de telas semejantes
(simetría) se pierde, de la
misma manera que se
desecha la malla de
horizontales y verticales del
arte clásico (composición
tectónica).
• Se prefiere todo aquello que
muestre desequilibrio o
sugiera que la escena
continúa más allá de los
límites del marco. Esta
composición atectónica se
consigue mediante las líneas
diagonales que sustituyen a
las composiciones
piramidales del siglo
anterior; a veces, se usan
formas partidas que indiquen
que no todo cabe en la tela.
Guido Reni, Hipómenes y Atlanta. Prado. 1612
• Libertad en la composición, es decir, composición asimétrica
y atectónica.
7. • Preocupación por
plasmar el movimiento.
• La pintura barroca es la
pintura de la vida, y ésta no
puede representarse bajo
formas estáticas. La
turbulencia se antepone a la
quietud; las figuras son
inestables y los escorzos y
ondulaciones se multiplican. A
veces este movimiento no
existe y el exceso de quietud
y austeridad se debe
relacionar con el deseo de
vincular la obra con la
trascendencia religiosa.
P.P. Rubens: Las consecuencias de
la guerra. Detalle. 1638
8. • Técnicas. La
importancia del color y
el deseo de mostrarlo
en toda su brillantez
hace que se use
menos el temple y se
generalizan el óleo y
el uso del lienzo, a
veces de grandes
proporciones. La
pintura sobre tabla
casi se abandona.
• La técnica del fresco
se sigue utilizando
para la pintura
decorativa de las
paredes y bóvedas.
A. Pozzo, Bóveda de la Iglesia de San
Ignacio. Roma. 1681
Rubens, Descendimiento.
Catedral de Amberes. 1614
9. Tendencias y estilos
• Clasicista:Clasicista:
N. Poussin: Paisaje con ruinas. Museo del
Prado. Madrid. 1648
16. • Temática religiosa en los
países católicos.
–Con iconografías
destinadas a resaltar los
valores de la
Contrarreforma:
• La Virgen.
• La Eucaristía.
• Momentos más relevantes
de la vida de Cristo.
• La vida de los santos y sus
experiencias.
Inmaculada. Murillo.descarga 10´ resumen pintura
17. LA PINTURA BARROCA ITALIANA:
EL TENEBRISMO
Michelangelo Merisi, il
Caravaggio, (1573-1610)
En su pintura planteó una oposición consciente
al Renacimiento y al manierismo.
Siempre buscó, ante todo, la intensidad
efectista a través de vehementes contrastes
de claroscuro, que esculpen las figuras y los
objetos, y por medio de una presencia física de
vigor incomparable.
Al evitar cualquier vestigio de idealización y
hacer del realismo su bandera, pretendió ante
todo que ninguna de sus obras dejara
indiferente al espectador.
http://www.youtube.com/watch?v=9DbihIa6g9Y 35´
19. Los personajes aparecen en actitudes sorprendentes, en
clara ruptura con lo que se consideraba “decoro”; el autor
quiere mostrar, de esta manera, la psicología y las pasiones
de los personajes.
Cena en Emaús, 1601-1602. Óleo sobre lienzo.
1,39 x 1.95 m. National Gallery (Londres).
20. La vocación de San Mateo 1599-1600 Óleo sobre lienzo, 322 x 340 cm
Capilla Contarelli, San Luigi dei Francesi, Roma
21. Introdujo una profunda revolución
en la pintura italiana del XVII. Dos
son las características básicas de su
obra:
•El naturalismo: rechazó los ideales
clásicos; cuando pintaba una escena
de tipo religioso, introducía en los
cuadros lo vulgar, las escenas con
gente corriente, sin ningún tipo de
idealización.
•En segundo lugar, el tenebrismo:
para acentuar el realismo, realza sus
figuras y escenas por los efectos de
luz, haciéndolas destacar sobre el
fondo oscuro. La luz no se difunde
suavemente, sino que surge de un
vano lateral y cae sobre las figuras,
sobre la escena, delimitando
claramente las formas iluminadas en
las que los colores son vivos e
intensos y destacan sobre las
zonas oscuras.
La vocación de San Mateo
1599-1600
Óleo sobre lienzo, 322 x 340 cm
Capilla Contarelli, San Luigi dei Francesi, Roma
22.
23. La luz funciona como un espacio
autónomo, como un personaje más en
el cuadro, como tiempo, pues
introduce el ritmo narrativo.
El foco luminoso nunca aparece en el
lienzo y suele ser artificial, procedente
de algún ángulo lateral. Simboliza
siempre la presencia de lo
sobrenatural o lo divino.
24. El tratamiento de los
temas religiosos, como
escenas cotidianas, con
toda su vulgaridad, hizo
que en algunos casos sus
obras no fuesen bien
aceptadas, producían la
sensación de falta de
respeto (decoro) hacia el
tema y los personajes
representados.
La crucifixión de San Pedro
(1600). Óleo sobre lienzo,
230 x 175 cm
Capilla Cerasi, Santa Maria
del Popolo, Roma
25. Los rostros, las manos y
los pies de estos
personajes aparecen
maltratados, con suciedad.
Se trata de una clara
reivindicación de lo
popular en lo sagrado,
de conectar la fe con la
verdadera piedad, aquella
que huye de los oropeles y
la pompa, tan querida por
la jerarquía eclesiástica.
26.
27. La “narración” se reduce al momento culminante de la historia y tiene, en
muchas ocasiones, el aspecto de una fotografía instantánea. En ese instante se
concentraba toda la acción, todo el dramatismo. La ausencia de fondos, por
otra parte, acentuaba el contraste luminoso. Las figuras, parcialmente
iluminadas contra la oscuridad, se destacan enfatizando sus gestos y
expresiones (moti).
La conversión de San Pablo (1601).
Iglesia de Sta. Mª del Popolo, Roma
La incredulidad de Santo Tomás
28.
29. Muerte de la VirgenLa muerte de la
Virgen
1606, Óleo sobre
lienzo
3.69 x 2.45 m.
Museo del Prado
30. La muerte de la Virgen
1606, Óleo sobre lienzo
3.69 x 2.45 m.
Museo del Prado
La pintura de Caravaggio que
causaría el mayor escándalo a
los ojos de la Iglesia fue La
muerte de la Virgen, por la
representación tan realista del
cuerpo de la Virgen María con
el vientre hinchado.
Según los rumores, el modelo
habría sido el cadáver de una
prostituta encinta ahogada en
el Tïber.
34. Características generales:
• Temática religiosa
evangélica,
hagiográfica y
sacramental.
• Grandes obras de
altar.
• El género mitológico
decora los palacios
cortesanos.
• El retrato es individual.
• Los bodegones son
opulentos.
• Asuntos bíblicos.
• Formato pequeño para
ser contemplados en la
intimidad.
• Los interiores se
decoran con escenas
costumbristas.
• El retrato tiene un
carácter corporativo.
• Los bodegones son
austeros con platos y
bebidas frugales.
FLANDES. HOLANDA.
36. Escuela flamenca:
• Flandes (actual Bélgica)
permanece unida a la corona
española y a la Iglesia de Roma.
• De ahí su identificación con los
ideales de la contrarreforma y la
pujanza de la temática religiosa.
• Por otra parte, la aristocracia
impulsa el desarrollo de los
asuntos profanos o mitológicos,
que se plasman con un carácter
sensual y exuberante en grandes
lienzos que cubren las estancias
palaciegas.
• También el retrato, fiel reflejo de la
grandeza de los poderosos, tiene
un gran desarrollo.
• Los temas costumbristas, las
fiestas aldeanas, las bodas, son
frecuentemente tratados, y en ellos
el optimismo y la alegría son
característicos. En los bodegones,
en las naturalezas muertas, son
características las grandes piezas
de caza, la abundancia de
alimentos y frutas.
37. Es el pintor más importante de esta
escuela. En su pintura confluyen la
tradición realista flamenca y las
influencias italianas.
Entre sus características más importantes
podemos destacar:
• Dinamismo y vitalidad.
• Composiciones abiertas y predominio
de las líneas diagonales y curvas.
• Rico colorido de influencia veneciana.
• Pincelada suelta y rápida.
• Sensualidad y voluptuosidad.
• Predominio del desnudo femenino y de
las formas gruesas femeninas.
• Gran variedad de temas: religioso,
mitológico, retratos, paisajes...
• Pintor muy prolífico, se le han llegado a
atribuir más de tres mil obras, aunque
actualmente se atribuyen una gran parte
de ellas a su taller.Peter Paul Rubens
(1577-1640)
38. Escuela flamenca: Rubens (1577-1640).
• Artista prolífico.
• De Italia va a tomar
diferentes influencias:
–De Miguel Ángel la
ampulosidad de las
formas y la
composición dramática.
–De los pintores
venecianos el colorido
y los temas
mitológicos.
Rubens. Rapto de
las hijas de Leucipo
(1616).
39. • Sus colores son
cálidos, intensos, ricos
y brillantes.
• Aplica una pincelada
suelta a veces sin
aplicar dibujo previo.
• Movimiento:
– Composiciones de
extraordinario
dinamismo.
– Músculos en tensión.
– Diagonales enérgicas.
– Suelos ondulantes y
árboles retorcidos. Rubens. Prometeo (1610-1611).
41. Las Tres Gracias
Rafael:
Contraposto, equilibrio, idealización del
Cuerpo femenino, geometría.
Rubens: concepción barroca
Acentuación de los rasgos ana-
tómicos, y brillo de los colores
42. Rapto de las hijas de
Leucipo
c. 1618
óleo sobre tabla,
224 x 210,5 cm
Alte Pinakothek,
Munich
La Noche,
Miguel Ángel, Tumba
de Giuliano de Médicis
46. Adoración de los pastores
c. 1608
Óleo sobre lienzo
St.-Pauluskerk, Antwerp
Viaje a Italia (1600-1608)
En este período, Rubens
conoce las obras de autores
como Caravaggio y
Correggio, a quienes rinde
homenaje en esta obra
romana.
47. Descendimiento de la Cruz (1611-1614)
Óleo sobre tabla, 421 x 311 cm (panel central), 421 x 153 cm (alas)
Catedral de Nuestra Señora, Amberes
48. En 1603, fue enviado a España por el
duque de Mantua, con la misión de
entregar a Felipe III y a su favorito, el
duque de Lerma, un cargamento de
regalos.
Su arte, aún en germen, causó un gran
impacto. Ya se aprecia el toque cada
vez más rápido y organizador de
amplias superficies y un
planteamiento compositivo
fastuoso.
El Duque de Lerma
c. 1603
Óleo sobre lienzo, 283 x 200 cm
Museo del Prado, Madrid
Palmas a modo de
arco de triunfo
El escorzo del caballo había sido
utilizado en obras históricas o
religiosas, pero no en un retrato
Punto de vista muy bajo
49. El artista con su
esposa, Isabella Brant
1609-10
óleo sobre lienzo
178 x 136,5 cm
Alte Pinakothek, Munich
50. Helena Fourment
con su hijo Francis
1635
óleo sobre tabla
Alte Pinakothek, Munich
«Es, sin duda, una de las
mujeres más bellas que se
puede encontrar en
cualquier parte»
El cardenal-infante Fernando a su
hermano Felipe IV, 1639
55. LA PINTURA BARROCA
LA ESCUELA
HOLANDESA:
REMBRANDT
Harmenszoon
van RIJN
(1606, Leiden -
1669,
Amsterdam)
56. Escuela holandesa: Rembrandt (1606-1669).
• Su estilo parte del
tenebrismo:
– Utiliza contrastes de
luz y sombra.
– Aunque el límite entre
ambas nunca es
tajante.
– Creando misteriosas
y doradas
penumbras.
57. • La luz no es natural:
– No proporciona una imagen clara y nítida de los objetos.
– Sino que contribuye a proporcionarles un aire de misterio.
– Creando atmósferas densas que envuelven y matizan las
formas.
Filósofo reflexionando
1632
óleo sobre madera,
28 x 34 cm
Musée du Louvre, Paris
58. • El color:
–La pincelada suelta y pastosa.
–La apariencia ”inacabada” de algunas de
sus obras.
El sueño de José
1645 - Óleo sobre panel, 20 x 27 cm
Staatliche Museen, Berlin
59. REMBRANDT: AFINAR LA MIRADA...
Descubrir:
En cuanto a los géneros que aborda:
• Los retratos de grupo (doelen): el retrato individual y su relación con el grupo. La
narración de un proceso.
• El autorretrato: una vía para la introspección individual del artista. Reflexión
sobre el paso del tiempo y la propia vida. representación de los
“estremecimientos del alma”.
• Los retratos individuales: la sinceridad y el conocimiento de la condición
humana.
• La pintura de tema bíblico: una nueva interpretación del tema religioso.
Sobre los aspectos formales:
• La composición: estructura espacial y ubicación de los personajes en el cuadro.
• Los personajes: gestos, mímica y actitudes. La expresión de las emociones.
• La representación del “momento culminante” de la historia pintada.
• Las escenas “dialogadas”. La importancia del gesto y la palabra en la narración
pictórica.
• La luz: la iluminación “tenebrista” y su papel como agente en la construcción de
la escena pictórica y en la expresión de las emociones.
• El color: la pincelada suelta y pastosa. La apariencia”inacabada” de algunas de
sus obras (el espectador “termina” de completar la obra en su percepción y
comprensión de la misma). El pintor decide “cuándo” una obra está acabada.
Sobre las técnicas:
• Además de pintor al óleo, Rembrandt es un extraordinario “grabador” (técnica
del aguafuerte)
63. La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp
Uno de los primeros
encargos públicos importantes
que recibió Rembrandt en
Amsterdam fue La lección de
anatomía del doctor Tulp (1632,
Mauritshuis, La Haya), obra que
retrata a los miembros del
gremio de cirujanos reunidos en
una clase práctica de disección.
Estos retratos en grupo (doelen)
constituyeron un género único
en Holanda y proporcionaron
abultados ingresos a los artistas
en un país en el que ni la Iglesia
ni la casa real actuaban como
mecenas del arte. Las obras de
Rembrandt superan los retratos
conmemorativos realizados por
otros artistas holandeses, a
través de la interesante
estructuración piramidal que
aporta naturalismo a la escena.
Cada personaje es retratado de forma
individual, pero en relación al grupo del
cual forma parte. El pintor es muy
cuidadoso en la representación de las
distintas emociones en los rostros de
cada uno de los personajes.
64. La ronda de noche (1642), óleo sobre lienzo, 363 x 437 cm - Rijksmuseum, Amsterdam
65. SOBRE EL TÍTULO DE “LA RONDA DE NOCHE” Y LO QUE
REPRESENTA.... O CÓMO UN EQUÍVOCO PUEDE CAMBIAR LA
PERCEPCIÓN DE UNA OBRA
El título del lienzo como La
ronda de noche, está
históricamente consolidado,
aunque su nombre original fue
La compañía militar del
capitán Frans Banning Cocq
y el teniente Willen van
Ruytenburg. Éste, que quizá
fuese su verdadero título, fue
descubierto gracias a la
inscripción hallada en un
boceto preparatorio:
Boceto de la pintura en la
cual el joven Heer van
Purmerlandt (Banning Cocq),
como capitán, ordena a su
lugarteniente Heer van
Vlaerderdingen (Willem van
Ruytenburch), que ponga en
marcha la compañía cívica.
La escena transcurre de día, en el
interior de un portalón en penumbra,
en el que penetra un potente rayo de luz
66. El cuadro fue llamado en el
siglo XIX Patrouille de Nuit por la
crítica francesa y Night Watch por
Sir Joshua Reynolds, de ahí el
nombre por el que se le conoce
popularmente. El origen de este
título surge de una equivocación
de interpretación debido a que, en
esa época, el cuadro estaba tan
deteriorado y oscurecido por la
oxidación del barniz y la suciedad
acumulada, que sus figuras eran
casi indistinguibles, y parecía una
escena nocturna. Después de su
restauración en 1947, donde se
eliminó este barniz oscurecido, se
descubrió que el título no se
ajustaba a la realidad, ya que la
acción no se desarrolla de noche
sino de día, en el interior de un
portalón en penumbra al que llega
un potente rayo de luz que ilumina
intensamente a los personajes que
intervienen en la composición.
