Multimedia interactivo sobre la fotografía minimalista como material didáctico

UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE CIUDAD JUÁREZ
INSTITUTO DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y ARTE

“MULTIMEDIA INTERACTIVO SOBRE LA FOTOGRAFÍA
MINIMALISTA COMO MATERIAL DIDÁCTICO”

ASESOR: DR. CARLES MÉNDEZ LLOPIS
TESIS QUE PRESENTAN:
IVONNE ALEJANDRA CORONADO RUELAS
PERLA XOCHITL RUEDA CUELLAR

PARA OBTENER EL TÍTULO DE:
LICENCIADO EN DISEÑO GRÁFICO

24 DE NOVIEMBRE DE 2009
CIUDAD JUÁREZ, CHIHUAHUA, MÉXICO.

Multimedia Interactivo sobre la fotografía minimalista como material didáctico.
Ivonne Alejandra Coronado Ruelas y Perla Xóchitl RuedaCuellar
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ÍNDICE
AGRADECIMIENTOS
INTRODUCCIÓN
PROTOCOLO
- Antecedentes
- Planteamiento del problema
- Justificación
- Hipótesis
- Preguntas de investigación
- Objetivo general
- Objetivo específico
- Metodología

CAPÍTULO 1: FOTOGRAFÍA.
1.1 Definición.
1.2 Breve historia.
1.3 Composición, luz y color.
1.4 Fotografía minimalista
1.4.1 Minimalismo
1.4.2 Fotógrafos minimalistas contemporáneos.
- Michael Kenna.
- Hiroshi Sugimoto.
- Chema Madoz.
- Ola Kolehmainen.

CAPÍTULO 2: DISEÑO GRÁFICO APLICADO A UN MATERIAL DIDÁCTICO
2.1 Diseño gráfico
2.1.1 Definición y breve historia
2.2 Diseño multimedia
2.2.1 Características
2.2.2 Tipos

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2.2.3 Ventajas y desventajas
2.3 Material didáctico
2.3.1 Definición
2.3.2 Tipos
2.3.3 Diseño de información
2.4 Interactividad en el proceso de enseñanza-aprendizaje

CAPÍTULO 3: HERRAMIENTAS
3.1 Introducción
3.2 Resultados
3.2.1 Encuestas
3.2.2 Grupo foco
3.2.3 Entrevistas

CAPÍTULO 4: PROPUESTA GRÁFICA.
4.1 Introducción.
4.2 Desarrollo, contenido y distribución de la información.
4.3 Propuesta final.

CONCLUSIONES
ANEXOS (ENCUESTAS, GRUPO FOCAL, ENTREVISTAS)
BIBLIOGRAFÍA
FUENTES ELECTRÓNICAS

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AGRADECIMIENTOS

En primer lugar queremos agradecer al tutor de este proyecto el Dr. Carles
Méndez Llopis, por la dedicación y apoyo que nos brindó en nuestro trabajo, por
su tiempo y atención, así como sus sugerencias y aportaciones.

Asimismo, agradecemos a nuestros compañeros de la carrera de Diseño Gráfico
por su apoyo personal y humano, con quienes he compartido proyectos e ilusiones
durante estos años; así como también a nuestras familias, amistades y profesores
por su comprensión durante toda la carrera, sin su apoyo este trabajo de
investigación nunca se habría escrito.

A todos ellos, muchas gracias.

Alejandra Coronado y Xóchitl Rueda

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INTRODUCCIÓN

El presente trabajo tiene el objetivo de analizar y documentar la fotografía
minimalista para su difusión hacia los diseñadores gráficos, como herramienta o
apoyo para la creación y desarrollo de sus proyectos gráficos mediante un
multimedia interactivo, teniendo como caso de estudio a los alumnos de diseño
gráfico del Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte de la Universidad Autónoma de
Ciudad Juárez.

En el primer capítulo se aborda el tema de la fotografía, dando su definición,
presentando un breve recorrido histórico, además de hablar sobre composición,
luz y color, se expone el tema del minimalismo en la fotografía, dando a conocer
cuatro fotógrafos que utilizan esta tendencia. El segundo capítulo está enfocado al
diseño gráfico, donde se expone su definición, así como su breve historia; también
en este capítulo se aborda el tema de multimedia, donde se dan a conocer sus
características, ventajas y desventajas y tipos; y material didáctico, mostrando su
definición, tipos y diseño de información. Por último se explica un poco sobre la
interactividad en el proceso de enseñanza-aprendizaje. Estos dos capítulos hacen
referencia al marco teórico del tema de investigación.

En el capítulo tercero, se dan a conocer las herramientas de investigación que se
emplearon, que son grupos focos (enfocados tanto a estudiantes de diseño gráfico
del IADA, fotógrafos, profesores de arte y diseñadores gráficos), entrevistas a
fotógrafos que emplean la fotografía minimalista, así como encuestas a alumnos
de diseño gráfico de dicha institución. Obteniendo de tal forma, información
relevante y actual de la fotografía minimalista, y en base a lo recabado de estas
herramientas, hacer el desarrollo de un multimedia interactivo (esto forma parte
del capítulo cuarto, relacionado a la propuesta gráfica) que ayude a la propagación
de la misma, sirviendo además como posible material didáctico para las clases de
fotografía.

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PROTOCOLO

Antecedentes.

Desde el invento de la cámara digital, la fotografía ha tenido un mayor auge, y se
ha llegado a compenetrar con el diseño gráfico de manera significativa, ya que ha
sido de gran ayuda para diversas aplicaciones dentro de esta disciplina, como los
son los carteles, menús para restaurantes, portadas de revista, entre otros. Pues
según Moreno (2005) la fotografía en la actualidad es uno de las herramientas
más importantes en diseño gráfico, debido principalmente a sus propiedades
únicas, ya que una imagen fotográfica representa de modo excepcional el mundo
real que nos rodea, efecto que una ilustración por muy bella y bien elaborada que
esté, no logra causar tanto impacto visual en el espectador como lo hace una
fotografía. Agregando además el hecho de que con el uso de programas de
retoque de imágenes, como Adobe Photoshop, es posible modificar una fotografía,
aplicarle filtros, etc., consiguiéndose con ello, magníficas composiciones que
permitan complementar en gran medida el mensaje que se desea transmitir.

Además, según Chevrier y Lingwood (1989, citado en Ribalta, 2004,) la fotografía
es uno de los medios y materiales privilegiados del arte contemporáneo, que a
finales de los sesenta, numerosos artistas la empezaron a utilizar como
documento y medio de información. Dichos artistas, asociados bajo la
denominación de “artistas conceptuales”, afrontaban sistemáticamente la actitud,
el proceso, la idea, o la observación, a la obra de arte como objeto o como
producto acabado.

De las tendencias artísticas que han surgido en el transcurso de los años, se
encuentra el minimalismo, el cual ha sido de gran utilidad dentro del diseño
gráfico, ya que se destaca por el uso de pocos elementos para así dar a conocer
un mensaje de manera creativa y sencilla. Sin embargo, cuando se aborda el tema
de fotografía minimalista, se encuentra que solo en blogs y foros de fotografía se
ha hablado sobre ella, siendo este el punto de partida para la elaboración de la

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investigación, ya que a partir de opiniones poco difundidas de diversos críticos de
fotografía, se pueda consolidar el tema y a su vez darlo a conocer a través de un
multimedia, el cual según Bravo (1998), es quizá el medio que rápidamente se
está adaptando a los procesos de comunicación, pues en la actualidad la creación
y desarrollo de multimedias con un fin educativo y como apoyo para las clases en
universidades, ha sido de gran importancia tanto para profesores y alumnos.

En la carrera de diseño gráfico del Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte de la
Universidad Autónoma de Ciudad Juárez se imparten clases de arte
contemporáneo, en donde se aborda el tema de minimalismo, relacionado a la
pintura y escultura de manera breve y sin tener tanto que ver con el diseño gráfico,
mucho menos dentro de la fotografía, ya que en las materias relacionadas a esta,
no se aborda en ningún momento la fotografía minimalista, debido a la poca
información y difusión que tiene.

Planteamiento del problema.

La fotografía en la actualidad es un medio de comunicación visual que ha sido
utilizado para difundir y/o expresar una idea, un servicio, etc., la evolución de ésta
ha sido tal que ha llegado a compenetrarse de manera significativa con el diseño
gráfico en los últimos años, es por ello que se plantea como una herramienta
importante que pueda ayudar al desarrollo de proyectos que se valgan por sí
mismos para la transmisión de un mensaje específico. No obstante, algunas veces
se abusa de dicha herramienta, haciendo una propagación o uso inapropiado de
imágenes en los diferentes medios gráficos, dando como resultado que las
imágenes fotográficas pasen desapercibidas para el espectador y no se les dé la
importancia que les corresponde, y por lo tanto se pierda el valor de la imagen
fotográfica misma.

La fotografía minimalista, es una tendencia contemporánea cuyas características
son la sencillez y el despojo de elementos para llegar a lo esencial, sin dejar de
lado lo creativo, sin embargo es poca o nula la difusión que se la ha dado a ésta,

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debido a una confusión por parte de los diseñadores gráficos y los mismos
fotógrafos profesionales, además agregando el hecho de que existe muy poca
documentación en libros y revistas, pudiendo provocar que el espectador
confunda una imagen fotográfica minimalista con fotografías de objetos y/o
espacios minimalistas. Otra cuestión que cabe señalar, es que suele pensarse que
hablar de minimalismo, es estar hablando de aburrimiento, monotonía y escasez
de elementos, cuando en realidad, en base a la información recabada, no es así.

Es por ello, que es importante la inclusión del tema en cuestión dentro de
Instituciones de Educación Superior dedicadas al diseño gráfico, (como el Instituto
de Arquitectura, Diseño y Arte de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez,
donde actualmente no está dentro de los contenidos de las asignaturas de
fotografía el tema de estudio), para que los alumnos tengan mayores posibilidades
de realizar sus proyectos gráficos, guiándose por el concepto, retomando la frase
“menos es más” y de esta manera sintetizar las formas en sus trabajos.

Justificación.

Partiendo de la famosa frase “menos es más” establecida por el arquitecto de
origen alemán Mies van der Rohe, la fotografía minimalista destaca por su
sencillez y claridad, además de que se buscan los detalles y se resalta solo lo
esencial, sin dejar de ser creativa; se considera que con tales beneficios, es
posible establecer una conexión entre la fotografía minimalista y el diseño gráfico,
proponiendo de esta manera, que el diseñador gráfico utilice menos elementos
para dar a conocer un mensaje de forma clara y armónica en caso de que
recurriera a la fotografía para la realización de proyectos gráficos.

Es importante destacar la falta de documentos que planteen la presencia de la
fotografía minimalista como tal, es por ello que se pretende que con esta
investigación se dé a conocer a través de un multimedia interactivo, pudiendo
utilizarse como material didáctico.

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Hipótesis.

Los alumnos de diseño gráfico del Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte de la
Universidad Autónoma de Ciudad Juárez tienen poco o nulo conocimiento acerca
de la fotografía minimalista, por lo que no la consideran como una herramienta
para la creación y desarrollo de proyectos gráficos, lo que da lugar a la realización
de un instrumento, como lo es un multimedia interactivo, para fomentar su
conocimiento respecto al tema.

Preguntas de investigación

- ¿Qué es la fotografía minimalista?
- ¿Cuántos de los estudiantes de diseño gráfico del IADA conocen la
fotografía minimalista?
- ¿Les servirá como medio de difusión de un mensaje o una idea en la
realización de proyectos gráficos en caso de que tengan contemplada a la
fotografía?
- ¿Será viable enseñarla en el IADA por medio de un interactivo como
material didáctico?
- ¿Cuál sería el contenido del multimedia interactivo?
- ¿Qué piensan los diseñadores gráficos y fotógrafos respecto a la fotografía
minimalista de ella?

Objetivo General

Analizar y documentar la fotografía minimalista para su difusión en los diseñadores
gráficos, como herramienta o apoyo para la creación y desarrollo de sus proyectos
gráficos, mediante un multimedia interactivo.

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Objetivos específicos

- Recabar información de diversas fuentes sobre los conceptos de
minimalismo y fotografía para establecer una definición más concreta de la
fotografía minimalista.
- Estudiar la funcionalidad de la fotografía minimalista en el diseño gráfico.
- Conocer el trabajo de algunos fotógrafos minimalistas contemporáneos.
- Desarrollar un multimedia interactivo para informar a los estudiantes de
diseño gráfico del IADA acerca de la fotografía minimalista.

Metodología

El enfoque de la investigación será cualitativo, ya que proporciona datos de
descripciones detalladas como situaciones, personas y experiencias, además de
recolectar puntos de vista, creencias, que los entrevistados puedan aportar a la
investigación, esto con el propósito de llegar a la realización del nuestro propósito.
El alcance será exploratorio con un diseño transversal, ya que se examinará un
campo poco estudiado, donde existen ideas vagamente relacionadas con el
nuestro trabajo de investigación, y la recolección de datos es única. Se elaborarán
entrevistas, además de grupos foco con especialistas en fotografía, diseño gráfico,
educación y arte, con el objetivo de afianzar el conocimiento que tengamos sobre
el tema de investigación. Tomando como caso de estudio a los alumnos de diseño
gráfico del Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte de la Universidad Autónoma de
Ciudad Juárez, a los cuales se les aplicará una encuesta para hacer un análisis
situacional del contexto.

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CAPÍTULO 1: FOTOGRAFÍA

1.1 Definición

La palabra “Fotografía” procede del griego photos que significa luz, y graphos, que
significa diseñar o escribir, por lo tanto, en conjunto significa diseñar o escribir con
la luz; en un concepto más técnico, es el procedimiento de fijar en una placa o
película, imágenes sensibles a la luz obtenidas con ayuda de una cámara.

Para, Joan Fontcuberta (citado en Almeida, 1998) una fotografía no es más que
una interpretación de lo que queremos que vea la cámara, la cual observa con los
mismos inconvenientes de nuestra propia visión, pues según Susan Sontag
(citado en Almeida, 1998, p.47) “(…) las fotografías son una interpretación del
mundo como las pinturas y los dibujos”, por lo que además la fotografía es
considerada como el arte de capturar un momento o instante en el tiempo, a
través de una selección visual de lo que se observa”.

Sin embargo, cabe destacar que la labor más significativa de la fotografía no es la
de aprender el manejo de la cámara, ni la de revelar la película, sino la de
aprender a ver con ojo fotográfico, es decir, “(…) aprender a observar su tema en
términos adecuados a la capacidad de sus instrumentos y procesos, para así
traducir instantáneamente los elementos y valores de la escena escogida en la
fotografía que se desea”. (E. Weston, citado en Almeida, 1998, p.46)

Es entonces que la fotografía es una forma de manifestar lo que vemos a través
de la cámara, para así dar a conocer un mensaje, una idea, un sentimiento, etc.,
por lo que en la sociedad actual ha desempañado un papel significativo como
medio de información, ya que ha sido utilizada para los diversos campos del
diseño gráfico, como el diseño editorial y el diseño virtual, ofreciéndonos una
variedad de aplicaciones y usos en lo relacionado a la cuestión gráfica.

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1.2 Breve historia

Antes de la fotografía como la conocemos, existieron muchos artefactos que
tenían como propósito principal el plasmar una imagen fiel a la realidad. Esta
búsqueda del hombre se convirtió en una obsesión para muchos inventores del
siglo XVII que persiguieron este fin partiendo de dos ideas principales, la primera
fue el descubrimiento de materiales sensibles a la luz y la segunda el
descubrimiento de la Cámera Obscura. Este artefacto pasó por muchas
alteraciones desde su planteamiento por personajes como Aristóteles y Da Vinci,
pero su mecanismo consistía básicamente en proyectar una imagen hacia el
interior de una caja oscura mediante un orificio, la cual a su vez era transferida por
un espejo a un vidrio en la parte superior sobre el
cual se dibujaba directamente.

La cámara obscura sufrió diversas modificaciones
para mejorar su funcionalidad, hasta que se llegó a
implementar el material fotosensible para no tener
que dibujar sobre la imagen proyectada, y de esta
forma evolucionó hasta la cámara fotográfica que
conocemos hoy en día. Más adelante surgió la
Camera Lucida (1806) cuyo mecanismo consistía Ilustración de la Camera Obscura

en un prisma sujetado a la altura del rostro del artista, este prisma permitía ver el
objetivo y el papel sobre el cual se iba a dibujar al mismo tiempo y de esta forma,
el artista podía dibujar de una manera indirecta sobre su objetivo. A diferencia de
su antecesora, la cámara lúcida siempre fue un artefacto portátil, sin embargo
requería del talento de su operador ya que solo se conservaban aquellas
ilustraciones que se lograban captar fielmente.

Estos artefactos marcaron el inicio de una nueva era, pues muchos hombres
comenzaron a experimentar con procedimientos químicos y distintos materiales
que permitieran plasmar imágenes sin necesidad de ilustrarlas. Entre los más
destacados se encontraba Joseph Nicephore Niepce (1765-1833), quien al lado de

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su hermano Claude, fue de los primeros
en experimentar con nitrato de plata y
luz, teniendo como resultado las primeras
imágenes fotográficas en negativo, lo
cual lo llevó a conocer poco después a
un pintor de nombre Louis-Jacques–
Mandé Daguerre (1789-1851) quien

Fotografía fijada por Niepce. Esta imagen tomada en
también experimentaba con los
1822, muestra un ángulo de su habitación de trabajo.
impactos espontáneos de luz. Pronto
estos dos personajes se unieron en sociedad para consolidar sus experimentos, y
trabajaron juntos por algún tiempo perfeccionando la cámara obscura y sus
técnicas para la fijación de la imagen. Con la muerte de Niepce, Daguerre se
convierte en el autor intelectual de la cámara que construyeron juntos, y aunque el
hijo de Niepce heredó su parte del contrato, solo el nombre de Daguerre aparecía
como autor y dueño del experimento el cual pronto se empezó a distribuir con la
firma de Daguerre, bautizando a las imágenes obtenidas como “Daguerrotipos”
(1837). En un inicio la práctica de esta técnica era complicada y poco accesible, ya
que el equipo completo de Daguerre equivalía casi a un sueldo mensual y parecía
ser un procedimiento excesivamente complicado, por tanto la fotografía era
considerada como un lujo más que una práctica artística. Con el tiempo, la cámara
de Daguerre y Niepce pasó a manos de oportunistas, quienes empezaron a
fabricar cámaras más económicas y con materiales más ligeros, gracias a ellos el
manejo de la cámara se iba haciendo cada vez más fácil, y su tiempo de
exposición cada vez más corto, siendo esto el momento en el que surge la
evolución de la cámara fotográfica.

En sus inicios el Daguerrotipo solo mostraba temas arquitectónicos, luego se
consideraba esta práctica como una representación de la verdad, definición que
un crítico ingles cuestionó en un artículo publicado en On ArtPhotography: “Hasta
ahora la fotografía se ha contentado con representar la Verdad. ¿No puede
ampliarse su horizonte? ¿Y no puede aspirar también a delinear la Belleza?”(J.

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Hughes, 1861, citado en Newhall, 2002, p.73) De esta forma los fotógrafos de la
época comenzaron a experimentar creando imágenes cuyo objetivo era “instruir,
purificar y ennoblecer” (J. Hughes, 1861, citado en Newhall, 2002, p.73) más que
solo entretener, siendo este el punto clave donde la fotografía inicia su lucha por
ser reconocida como arte y validada tanto como la pintura. Pronto esta búsqueda
se convierte en un problema para muchos fotógrafos pues surge el rechazo a la
fotografía como un medio artístico, ya que las imágenes se obtenían por medio de
un mecanismo, argumentándose que el acto fotográfico era realizado por un
artefacto no por quien manejaba dicho artefacto.

El Pictorialismo (1891) se caracterizaba
principalmente por esta búsqueda constante
del fotógrafo de crear una imagen más de
arte, renovando la relación de competencia
con la pintura y reclamando que la fotografía
tuviese el mismo valor. Los fotógrafos
pictorialistas se dieron a la tarea de realizar
“The Haunt of the Pike”, Peter Henry Emerson exposiciones en las que se presentara la
fotografía ya como una obra de arte logrando que para 1896 se realizara la
primera compra de fotografías por el Museo Nacional de Estados Unidos
reconociéndolas como tal.

Para 1902 surge otro movimiento encabezado por Alfred
Stieglitz junto a Edward Steichen y Alvin Langdon
Coburn llamado “Photo Secession”, esta nueva
tendencia surge en respuesta al pictorialismo, buscando
ahora dejar de lado esa rivalidad con la pintura y hacer
de la fotografía un arte independiente de las normas y
cánones fotográficos. Este movimiento se caracterizó por
manejar retoques excesivos y sobreimpresiones,
“Sunday Night, 40th Street, New
además de tallar los negativos para dar nuevos efectos y York”, Edward Steichen, 1925

obtener diversos resultados en la imagen final.

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"Desde entonces comencé mi lucha, o mejor, mi esfuerzo consciente por el
reconocimiento de la fotografía como un medio nuevo de expresión y ser
respetado en su propio derecho, sobre las mismas bases que cualquier otra forma
de arte.” (Stieglitz, 1980).

Para los años veinte en Alemania surge un movimiento
en respuesta al pictorialismo y expresionismo, el cual
renegaba del planteamiento emocional y de la
subjetividad de los artistas, dicho movimiento fue
nombrado “Die Neue Sachlichkeit” por el director del
museo alemán Gustav Friedrich Hartlaub, quien utilizó
este término para describir una exposición que tenía en
puerta en el año de 1923 (Marie-Loup Sougez, 2001);
esta ideología se caracterizaba por plasmar una realidad
“Plate # 56: Aspidium filix mas”,
Karl Blossfeldt, 1928
objetiva de las cosas, y al contrario de muchos otros
movimientos, la mirada del artista era lo más importante, ya que por medio de ella
se lograba hacer más visible la esencia del objeto. Cada fotografía brindaba
nitidez insólita, máxima claridad y definición al espectador. Entre los artistas de
esta “Nueva Objetividad” se destacan Albert Renger-Patzsch, Karl Blossfeldt,
August Sanders, Josef Sudek, Doisneau o Emmanuel Sougez, los cuales
utilizaban la mayoría de los recursos de los pintores (composición de la imagen
geométrica, iluminación de volúmenes y contornos de los objetos, primeros
planos, entre otros) y sobrepasaban las expectativas del reduccionismo por la
complejidad de sus obras.

Buscaban exhaustivamente la posibilidad de crear imágenes que sin usar medios
ajenos a la fotografía misma se apreciaran tanto como una pintura, sin embargo
dicho valor ya no era su principal propósito. Para 1933 estos pensamientos son
abandonados, dando por terminada esta tendencia de la fotografía en el
continente europeo.

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Un año antes de esta disolución en Estados Unidos,
nace el grupo denominado “F/64”, encabezado por
Edward Weston, Ansel Adams, Imogen Cunningham,
Sonya Noskowiak (por mencionar algunos), en el cual,
de nueva cuenta se hace notar el rechazo hacia el
Pictorialismo y a las tendencias de vanguardia, ya que
para estos artistas no era tan importante justificar a la
fotografía como arte, pues habían descubierto una

nueva forma de hacer fotografía ofreciendo una “Shell”, Edward Weston, 1927

representación objetiva de la realidad, además de que se negaban a utilizar papel
satinado, rapar los negativos originales para crear un mejor efecto, y su ideología
consistía en crear una imagen con medios estrictamente fotográficos que no
excedieran los parámetros del realismo. Cabe mencionar que el término “f/64”,
hace referencia a la mínima apertura del diafragma de la cámara fotográfica (la
que permite mayor nitidez y claridad en la imagen).

La fotografía como muchas otras disciplinas ha pasado por incontables
movimientos y tendencias que han marcado tiempo y espacio en la historia, dichos
movimientos, han generado nuevas necesidades para los fotógrafos forzando la
evolución de la misma. En los últimos años, los mejores adelantos tecnológicos
han radicado en convertir la información al formato digital, por lo que la fotografía
no ha sido la excepción, pues la cámara digital es uno los avances tecnológicos
más significativos, ya que goza de algunos beneficios como obtener mejores
resultados, debido a la gran variedad de elementos para modificar las imágenes,
sin embargo cabe señalar que en la actualidad no se ha excluido por completo la
fotografía análoga, ya que ésta a pesar de depender de procesos químicos y
mecánicos, teniendo poca rentabilidad y limitación, sigue utilizándose para la
creación de proyectos gráficos de calidad.

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1.3 Composición, luz y color

Composición

El ser humano tiene la capacidad de observar un espacio en tercera dimensión,
sin embargo, a la hora de dar a conocer un mensaje visual utilizando la cámara
fotográfica, ese espacio se reduce a un plano bidimensional, en donde se
seleccionan, colocan y estructuran los objetos gráficos ubicados en el visor de la
cámara, creándose una impresión en el sujeto que lo observa. A este proceso
intuitivo y premeditado de selección, se le denomina composición, cuya finalidad
es expresar una idea o mensaje visual de forma coherente y clara.

Tom Ang afirma que “cualquier composición fotográfica es buena si la disposición
de los elementos comunica un mensaje al espectador” (2003, p. 80), sin embargo,
existen ciertos elementos de composición que originalmente se dieron en la
pintura, de las cuales destacan: la forma, que es la síntesis de todos los elementos
espaciales de la imagen, considerándose muchas veces como el aspecto más
importante de una fotografía, pues gracias a ésta es como se reconocen los
objetos. El ritmo, que no es más que la repetición de elementos iguales, ya que la
repetición genera orden (si se introduce en un grupo de elementos iguales uno
desigual, éste destacará gracias a su diferencia). La textura, que ofrece
información acerca de las superficies de los objetos, teniendo la capacidad para
dar opacidad, aumentar la atracción visual y añadir peso visual. Y el tono, cuya
función es transmitir la forma, dando un aspecto tridimensional a los objetos
presentados en una superficie plana.

Otros dos elementos que deben tomarse en cuenta al hacer una composición son
la simetría y la armonía, ya que se dependerá de éstas para resaltar la apariencia
de la imagen o producir un desequilibrio o discordia visual. “Una composición
simétrica expresa solidez, fuerza y estabilidad, resultando eficaz para la
ordenación de imágenes que contienen detalles muy elaborados”. (T. Ang, 2003,
p.80)

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Además de lo anterior, existen tres reglas de oro de la composición que son muy
conocidas y datan de la época griega (Garay, 2004), las cuales ayudan a la
expresividad en la fotografía.

- Regla de los tercios: Esta regla dice que se
debe dividir la imagen en tres partes iguales,
tanto horizontal como verticalmente, en donde
se situará el centro o puntos de interés a través
de la intersección de las líneas, consiguiendo de
tal manera que la composición sea equilibrada.

Esta regla procede de la pintura renacentista del Gráfico que muestra una imagen cortada por
la intersección de las líneas mencionadas con
el punto de interés señalado en rojo.
siglo XVI, cuyo objetivo era evitar que el centro
de interés estuviera colocado en el centro, haciendo que la imagen tuviera
equilibrio y un menor dinamismo. Este principio se basa en el hecho de que la
vista humana se centra más a partir de los dos tercios hacia arriba en el lienzo, en
la imagen impresa o en una imagen proyectada sobre una pantalla.

- Ley de la mirada: Es aquella en la que el objeto a
fotografiar (persona, animal o cosa), dentro del recuadro
fotográfico debe de tener más espacio en su parte frontal
que en su parte trasera. Comúnmente en el lenguaje
fotográfico se le denomina aire a este espacio, sin
embargo, esto no significa que la parte posterior del objeto
debe tener forzosamente un espacio vacío, en caso de que

Imagen que demuestra un lo tuviera, este deberá ser menor que el delantero.
mayor espacio en la parte
frontal que la posterior del
objeto principal.

- Ley del horizonte: Según esta ley, se debe dividir la imagen en tres partes
iguales, donde se situará la parte que se desea resaltar de la imagen en dos de
ellos y la de menor importancia en el que sobre. Por ejemplo, si se quiere dar un
mayor énfasis al cielo, se puede ubicar el horizonte en el parte inferior, de lo

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contrario puede ubicarse en la superior. En los
paisajes, para evitar la sensación de que la
imagen está dividida en dos partes iguales, no
es recomendable colocar el horizonte en el
centro del encuadre.

Fotografía que muestra una mayor
importancia el cielo, ubicado en los dos
tercios superiores.
Luz y color

La luz procede de una fuente, ya sea natural o artificial que se propaga en línea
recta e incide los objetos de los alrededores. Es el componente clave que hace
posible la existencia de la fotografía, y se podría decir que es la escena ante
nosotros, ya que es lo que nuestro cerebro puede procesar como la imagen que
percibimos. Lo que se realiza al capturar una imagen fotográfica es almacenar el
efecto visible de la luz de manera que pueda manifestarse para deleite de otras
personas.

Sin luz no hay color, ya que es lo
primero en que nos fijamos y lo que
más capta nuestra atención,
agregando el hecho de que funciona a
diferentes niveles como visual,
simbólico y emocional, induciendo de Gráfico que muestra la diferencias entre
saturación, tono y brillo.
esta manera una respuesta más rápida que
el tamaño o la línea. (Birkitt, 1994). Un color se identifica por tres características: la
tonalidad, que es lo que permite distinguir un color de otro; la saturación, que es la
sensación de intensidad de un color, su nivel de pureza; y por último la
luminosidad, que es la cantidad de luz que refleja un objeto.

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Cabe destacar que el negro, el blanco y el gris no contienen ningún matiz, por lo
que son considerados como colores neutros, teniendo un papel significativo en la
fotografía, ya que poseen la capacidad de eliminar lo innecesario y concentrar el
mensaje que se quiere dar a conocer a través de la forma, la sombra y la luz. A
este respecto, Richard Olsenius señala: “en la actualidad la simplicidad visual y el
patetismo de la fotografía en blanco y negro parecen más potentes que nunca,
pues las campañas publicitarias utilizan imágenes en blanco y negro para
recuperar la atención de un público ya saturado de color, teniendo como precepto
el hecho de que es innegable que la mayor parte de las fotografías que se
conservan en la memoria y que el paso del tiempo enaltece, son en blanco y
negro.” (2005, p. 20).

Algunos de los seguidores de la fotografía en blanco y negro sostienen que ésta
se trata de una forma de expresión fotográfica única, provista de un desafío, con
flexibilidad y cualidades estéticas que no tienen otros medios, ya que el arte de
este tipo de fotografía consiste en la capacidad de observar las escenas en color y
visualizarlas en tonos de gris, dando un mayor énfasis a la línea, la forma y la
textura (Birkitt, 1994), ya que al reducir los colores a negros, blancos y grises, las
formas son más fuertes y se suprimen los detalles de color que distraían la
atención.

1.4 Fotografía minimalista

La fotografía ha pasado por incontables géneros y
tendencias que pueden encontrarse en la actualidad desde
la fotografía de paisajes hasta el retrato de una persona o
un objeto, lo cierto es que todo o casi todo puede ser
material fotografiable y siendo así, puede ser catalogado en
una o varias tendencias fotográficas permitiendo al
Michael Kenna, 2001 espectador familiarizarse de una manera más fácil con el
contenido de una imagen fotográfica.

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Siguiendo las características básicas del minimalismo, la fotografía minimalista
destaca por su sencillez y el despojo de los elementos sobrantes para llegar a lo
esencial, sin dejar de lado lo creativo. “Es un concepto subjetivo que puede
objetivarse, pues no puede ser más ni menos de lo que es.” (De Silva, 2007,
consultado en http://www.sinlavenia.com/).

Según Haje Jan Kamps (2007,s.p.) “To me, minimalism is all about doing creative
things with lighting: by being selective about what you light and how you have a
fantastic opportunity to pick out details from a scene”. No obstante, Marqués
(2007, s.p.) refiriéndose a ésta como “the art of less” nos dice que el minimalismo
traducido a las artes visuales, tiende a centrarse en lo abstracto, a cosas sencillas
capaces de evocar emoción sin contenido superfluo.

En la actualidad hay quienes han sido cautivados por las ventajas y cualidades
que brinda la fotografía minimalista, artistas como Chema Madoz o Hiroshi
Sugimoto han incursionado en este movimiento reduccionista proporcionando
imágenes limpias y detalladas que han impactado a la sociedad, otros como
Michael Kenna, se considera en la actualidad como uno de los más importantes
representantes de la fotografía minimalista, ha sido contratado por más de treinta
compañías reconocidas para fotografiar sus productos.

Cabe destacar que la fotografía minimalista puede conjuntar otras vertientes
artísticas como el abstraccionismo y el arte conceptual, ya que algunas de sus
características son similares, como la simplicidad de las formas, por citar un
ejemplo.

1.4.1 Minimalismo

El minimalismo en una forma más general se refiere a todo aquello que haya sido
despojado de los elementos sobrantes hasta llegar a lo esencial, es decir, el
reducir a lo estrictamente necesario, no más. El minimalismo como corriente
artística tiene sus inicios en los años sesenta tomando como características
principales los colores puros, las figuras geométricas, abstracción máxima,

21

reducción y síntesis, lo que hacía destacar la obra por sus acabados precisos y
sencillos. A pesar de que fue una corriente muy criticada por carecer de elementos
figurativos, el arte minimalista trascendió de manera importante llegando a ser
ahora no solo una corriente sino un estilo de vida.

En los años sesenta se destaco Ad Reinhardt por sus
conocidas “pinturas negras”, éstas presentaban un
bastidor de gran formato cubierto de un negro sólido, a
primera impresión solo se apreciaba una gran plasta
negra, pero después de observarlas un tiempo, el ojo se
adaptaba a la diferencia de tonos y se alcanzaba a
"Pintura abstracta número 9"
Ad Reinhardt, 1960-1966
percibir una cruz en un negro más tenue que atravesaba
la pintura. El filosofo Richard Wolheim se refirió
a la obra de Reinhardt como “Minimalista”,
siendo el primero en emplear este término en
1965. Para entonces el minimalismo comenzó a
propagarse a otras disciplinas como la literatura,

música, escultura y arquitectura; curiosamente “Monument for V. Tatlin”, Dan Flavin, 1964

no hay registros accesibles que planteen la presencia del minimalismo en la
fotografía como tal, aunque sus características se hayan empleado desde antes
del minimalismo en sí.

El arte minimal surgió en Estados Unidos en respuesta al
“Pop Art”, al fenómeno comercial y el arte basado solo en
la apariencia; esta corriente toma estos elementos y
propone conceptos opuestos convirtiéndose en toda una
revolución, además de tener como principales influencias
“Black stones under yellow
light”, Bruce Nauman, 1987 el constructivismo y el reduccionismo siendo éstas las
precursoras más directas.

22

1.4.2 Fotógrafos minimalistas contemporáneos.

Michael Kenna1 (1953- )

Es un fotógrafo inglés conocido por sus excepcionales paisajes en
blanco y negro inmersos en un minimalismo sorprendente, entre
sus fotografías destacadas se encuentran las que realizó en
Japón (visitando el país por primera vez en 1987), donde la

Michael Kenna

simplicidad y claridad son sus principales características. Su trabajo ha sido
expuesto en galerías y museos de Asia, Australia, Europa y Estados Unidos,
además de utilizarse para carteles de diversas campañas publicitarias de
reconocidas empresas como HSBC, Nissan, DHL, BMW, entre otras, teniendo
gran éxito.

Cabe destacar que las fotografías de Kenna por lo regular son hechas al
amanecer o en las horas más oscuras de la noche con exposiciones de hasta 10
horas. Con respecto a esto, el fotógrafo comenta: "With long exposures (…) you
can photograph what the human eye is incapable of seeing”. (2003)

De izquierda a derecha: cartel para HSBC, cartel para Toshiba y cartel para Rolls Royce.

1
Para más información acerca del mismo, así como su obra fotográfica consultar:
www.michaelkenna.net

23

Hiroshi Sugimoto2 (1948- )

Fotógrafo de origen japonés, se graduó de la St. Paul´s
University de Tokio y en el Art Center College of Design
de California; actualmente radica en Nueva York. En sus
fotografías se entrelazan asuntos relacionados con la
religión, el arte, la ciencia o la historia, trabajando casi
Hiroshi Sugimoto
siempre en blanco y negro, con cámaras de gran formato
y teniendo como referencias la pintura del renacimiento y la fotografía de los
pioneros del XIX. Su estilo tan peculiar lo desarrolló en los años sesenta, al abrigo
de las corrientes minimalista y conceptual entonces predominantes. Parte de su
obra se ha expuesto de manera individual en museos tan importantes como el
Metropolitan y el MOMA de Nueva York. (Hasselblad Center, 2001)

“Las imágenes de exteriores de edificios tomadas por Sugimoto son, típicamente,
imágenes no de un objeto sino de un movimiento, de un surgimiento brusco hacia
las alturas o hacia el exterior (…) como el Fujisawa Municipal Gymnasium de
Fumihiko Maki, que tiene el aspecto de un observatorio, (…) lo cual se debe a que
este fotógrafo contempla la arquitectura como una enérgica proyección sobre el
vacío, y jamás olvida mostrarnos a un tiempo ambas cosas: la energía y el vacío.”
(Schwabsky, citado en Moure, 2000, p.108)

Cabe destacar que su fotografía "Boden Sea" ha sido
elegida en el 2009 por U2 para que sea portada de su disco
No Line on the Horizon, aunque anteriormente haya sido
utilizado para el álbum del disco Specification Fifteen de
Taylor Deupree en el 2006. Observando de tal manera que
“No line on the horizon”,
el uso de este tipo de fotografías en el diseño editorial, no album de U2, 2009

pasará de moda, de acuerdo a sus principios, ya que se muestra sólo lo esencial,

2
www.sugimotohiroshi.com

24

(lo cual no cambia mucho en cada época) al ofrecer una versión menos saturada
de las imágenes fotográficas en aplicaciones de diseño gráfico.

Chema Madoz3 (1958- )

Este fotógrafo nace en Madrid, donde estudia Historia del
Arte (1980-1983), y también, de manera simultánea,
fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. Sus
fotografías están impregnadas de arte conceptual y
minimalista, exaltando la creatividad y la imaginación al
Chema Madoz
crear sus obras, pues cabe destacar que además de

fotografiarlas, la mayoría de los objetos también los esculpe.

“(…) sus composiciones se acercan al poema minimalista y a la
contraposición de imágenes poéticas que produce una explosión
metafórica que evocan a los Haikus4 orientales” (Borja Casani,
2006)

Para Steve Yates (citado en Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía, 2001), Madoz conceptualmente, da vida a la realidad en un
plano de ideas parecido al de Max Ernst y Raoul Hausmann. La
Chema Madoz,
proximidad, la función y la forma son los catalizadores principales 2002

que activan la imaginación. La armonía que se crea mediante la
combinación de objetos plantea interrogantes a la imaginación del
observador.

En España es uno de los fotógrafos más conocidos y, dada la originalidad e
impulso de su trabajo, es frecuente ver sus obras en portadas de libros y revistas
así como en publicidad, además de que sus fotografías han sido expuestas en

3
www.chemamadoz.com/
4
Poema breve de tradición japonesa.

25

ciudades como El Cairo, Lisboa y Montevideo, pudiendo así evidenciar el uso de la
fotografía minimalista como parte del diseño gráfico.

Anuncio de ayuda a personas Portada del libro Editor de Tom Portada del libro El ladrón de
sin hogar a cargo de una Maschler, 2009 atardeceres de Rafael Pérez
agencia israelí, 2000. Estrada, 1998.

Ola Kolehmainen (1964- )

“Minimalism is my great love. I transfer space onto
surface essentially to become space again” (Ola
Kolehmainen, 2002). Es un fotógrafo egresado de la
Universidad de Arte y Diseño en Helsinki (Finlandia) en
el año de 1999, siendo uno de los artistas más
Ola Kolehmainen
prominentes de dicha escuela. Su trabajo se concentra
en estructuras básicas de la arquitectura moderna y el estricto orden geométrico
de formas seriadas, creando imágenes impactantes donde el minimalismo es
notable. Según Timothy Persons (2007), Ola era un joven que se sumergía en las
páginas de artistas como Donald Judd, Dan Flavin y James Turrell, quienes
gracias a su arte minimalista y conceptual lograron despertar esta inquietud y se
convirtieron en las más grandes influencias de sus inicios. El trabajo de
Kolehmainen ha trascendido de manera significativa pues ha tenido exposiciones
individuales en Bruselas, Francia, Madrid, Luxemburgo, Helinski, desde luego, y
en Berlín donde vive y trabaja actualmente.

26

Ola describe su método de trabajo como fracción, abstracción y recreación, siendo
la primera el acto de seleccionar tan solo una fracción de la estructura, luego se
abstrae de su contexto original para después hacer una recreación de ese
espacio. La obra de Kolehmainen se destaca puesto que, al contrario de otros
fotógrafos minimalistas, él trabaja resaltando los contrastes y la intensidad de los
colores además de una orden y repetición muy estrictos provocando una
sensación impactante al espectador. Los patrones repetitivos del Ola Kolehmainen
lo convierten hoy en un fotógrafo minimalista destacado por su sensibilidad y
originalidad en sus obras. (Funch, Gisbourne y Persons, 2007)

Displacement, 2007 What if Circles were more
Los olvidados, 2002 Basic than Lines (Vol. 2), 2007

27

CAPÍTULO 2: DISEÑO GRÁFICO APLICADO
A UN MATERIAL DIDÁCTICO

2.1 Diseño gráfico


Es difícil atreverse a establecer una definición exacta o definitiva de lo que es el
diseño gráfico, pues en un inicio “diseñar” y “dibujar” se referían exactamente a lo
mismo, incluso en la actualidad cualquier disciplina que lleve explícita la palabra
“diseño” requiere de cierta habilidad para el dibujo, y bueno, es de aquí de donde
parte la buscada definición. En el diseño gráfico es importantísima la parte del
dibujo, o mejor dicho, bocetaje, pues es aquí donde se visualizan las ideas y
surgen nuevas, bien es conocido que un buen diseño es resultado de éste, viene
del ¿qué es? y ¿para quién? Y ¿cuál es nuestro objetivo? El diseño gráfico
requiere de un desarrollo creativo, puede recurrir a medios artísticos, pero no es
considerado arte, sin embargo no significa que deba ser tan solo un proceso
mecánico de planificación. ”En el diseño, la comunicación no está subordinada a la
personalidad del autor sí a sus capacidades profesionales para innovar, para crear
identidad sin alejarse de los códigos de la convención. El diseñador no es el
propósito ni el contenido del mensaje, es básicamente su intermediario” (Fontana,
2003).

Agregado a esto podemos recordar entonces una frase de Victor Papanek: “La
planificación y estructuración de cualquier acto dirigido a un fin deseado y
previsible constituye el proceso de diseño” esto se refiere entonces a que el
diseño requiere de intención y voluntad las cuales deben ser visibles en el diseño
mas no convertirse en el protagonista de éste, es así que el diseño entonces debe
solucionar un problema y desaparecer en su solución (Zimmermann, 2003).

Al mismo tiempo, también es difícil establecer una fecha exacta del nacimiento del
diseño gráfico, sin embargo se puede hablar de sucesos que marcaron la historia
del mismo contribuyendo a gran o menor escala para su desarrollo. Entre los

28

acontecimientos más trascendentes se encuentra la fundación de la Statliches
Bauhaus en Weimar (1919, por Walter Gropius), una de las más importantes
escuelas de arte y diseño en el mundo; y con ella nacieron nuevas ideologías,
pensamientos, técnicas y demás formas de incursionar en el mundo de la
industria. En ella participaron personajes como Kandinsky, Itten y Klee, quienes
buscaban el lenguaje visual aplicado en figuras geométricas, colores puros y en la
abstracción, de esta manera la Bauhaus toma auge aplicando dichos aspectos e
implementando técnicas como las retículas y el uso racionalista de las tipografías.
La Bauhaus fue uno de los grandes aciertos en la historia del diseño, pues ofrecía
ante todo, nuevas líneas de pensamiento artístico, filosófico y técnico, lanzando
profesionales adecuados con las nuevas tecnologías con un pensamiento
innovador. Walter Gropius hablaba de los principios que la escuela debiera tomar
en cuenta desde sus inicios y los declaraba de la siguiente manera: "Arquitectos,
escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual [...]
Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa
arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera
infranqueable entre los artesanos y los artistas. Anhelemos, concibamos y juntos
construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo a la arquitectura,
a la escultura y a la pintura en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las
manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega."
(Saloma, 1990, p.41) Esta ideología trataba de la integración de todas las artes
con la tecnología moderna para dar como resultado diseños que fuesen accesibles
para todos los niveles socioeconómicos. La Bauhaus fue popular en su época,
causando el nacimiento de varias escuelas que seguían la misma ideología
alrededor del mundo, sin embargo para el año de1933 la escuela se vio obligada a
cerrar sus puertas de forma definitiva por cuestiones políticas.

Se puede decir abiertamente que el siglo XX ha sido la época en la que las
tendencias y corrientes artísticas se han dado de manera continua y en periodos
muy cortos de tiempo, se pueden estudiar de igual modo cantidad de corrientes
que han impactado la historia de las artes y el diseño de una forma simultánea.

29

Entre las corrientes más destacadas se encuentra el Art Nouveau, surgida en
Bélgica y se podía apreciar en balcones y edificios y puentes de la ciudad. De la
misma forma se da en Francia con las enredaderas en los accesos para el
transporte subterráneo. En Múnich y Viena se vio aplicado en ilustraciones para
libros y revistas, teniendo como precursores a personajes como Gustav Klimt y
Toulouse-Lautrec con sus carteles. Esta tendencia tenía como principios la
ornamentación, utilizaba formas onduladas, orgánicas y estilizadas, las mujeres se
dibujaban altas y muy delgadas, y se aplicaban fuertes contrastes con el negro y
colores pasteles. Para 1910 esta tendencia se ve reemplazada por una nueva
llamada Art Deco surgida de lo que llamaban un estilo ecléctico de diseño, donde
se mezclaban varios estilos ya aplicados, sin embargo las formas geométricas y
los colores vibrantes se convertían en una de sus características más visibles
haciendo de ésta una tendencia sofisticada y elegante.

Corrientes como éstas abrieron paso al diseño gráfico de manera que éste ha
trascendido hasta nuestros tiempos de manera inimaginable. Según Bruno Munari,
el diseño gráfico “podría ser un nuevo método de enseñanza basado, no en los
antiguos criterios de lo bello y de lo feo, sino en lo que es acertado o equivocado,
de acuerdo con un determinado principio informador.” (1973, p.13)

En nuestros tiempos el diseño gráfico no se dedica solo a adornar espacios, sino a
ordenarlos de una forma efectiva con un fin informativo, educativo y en ocasiones
estético, sin embargo este último no es una característica realmente necesaria,
aunque puede ser de mucha utilidad, ya que muchas veces es decisivo para lograr
una comunicación con el espectador-usuario. El diseño gráfico se convierte
entonces en una disciplina que requiere de otras tantas como la fotografía,
ilustración, pintura, video y muchas más que lo convierten en una práctica
integradora que permite conectar al emisor con el receptor, esto se refiere a lo que
conocemos como comunicación visual. El diseñador procura que el mensaje
deseado llegue de la manera más efectiva al receptor valiéndose de diversos
medios que puedan ayudarle a provocar la retroalimentación deseada, así pues el
diseño gráfico se convierte en un medio de comunicación universal o especifico

30

que permite la trascendencia de información, la propagación de imágenes y
símbolos, y la conexión entre culturas de una manera visual.

2.2 Diseño multimedia

La palabra multimedia etimológicamente significa muchos medios, se usa para
hacer referencia a cualquier objeto que utiliza múltiples medios de expresión (ya
sean físicos o digitales) para comunicar o informar. Es por ello que los sistemas
que hacen uso de la multimedia constituyen una nueva forma de comunicación en
la que hace uso de diferentes elementos como el diseño, la imagen, la música, el
texto, gráficos, voz, video o animación, en un mismo contexto. Con la combinación
de dichos elementos, la información se presenta de manera atractiva,
adecuándose a situaciones específicas, conservando la atención del usuario y
favoreciendo significativamente a facilitar y mejorar los procesos de
enseñanza/aprendizaje. “En el multimedia se concentran las diversas aportaciones
de cada medio para un único fin: la transmisión de un concepto al usuario (…) La
interactividad es el nivel de relación y de respuesta mutua entre usuario y medio,
es la característica más definitoria de los sistemas multimedia educativos.” (Castro
et al, 2003, p.97). Los multimedia tienen la capacidad de impactar varios sentidos
y a la vez, lograr obtener una mayor concentración por parte del receptor, y así un
mayor aprendizaje.

2.2.1 Características

Como antes se mencionó, multimedia hace alusión al empleo de diversos medios
para transmitir, administrar o presentar información, tales medios se clasifican en
tres, siendo el texto uno de los más simples pero no menos importante, los
gráficos que se dividen en imágenes, fotografías, videos o animaciones, y el audio
en el que se puede utilizar música, voz y curiosamente el silencio.

El texto en el multimedia se considera uno de los elementos más básicos ya que
contiene la mayor parte de información dentro del documento, así como también
se considera, en gran parte, para una mejor navegación dentro del multimedia, sin

31

embargo no es estrictamente necesario que se considere en el contenido del
mismo. Dentro de este mismo elemento se deben manejar las tipografías o tipos
de letras correctamente, o de la mejor manera posible para que el mensaje o
información transmitida sea eficaz.

La imagen por otro lado juega un papel muy importante ya que es la que se
transmite de manera visual, provocando que si la imagen no llama la atención del
espectador es posible que se pierda la comunicación que se pretende establecer
con el usuario.

“El sonido es una vibración de onda que viaja en el aire y al llegar al oído genera
una determinada sensación” (Centro de Educación Computacional de México,
2004, p.20). Dentro de un multimedia, el sonido es el elemento que logra activar
los sentidos casi de forma inmediata, ya que lo hace de una forma involuntaria. Es
necesario adecuar los sonidos que se van a utilizar dentro del multimedia, además
de tener la conciencia de que el equipo en el que se va a utilizar tenga bocinas y
tarjeta de sonido para que el documento funcione adecuadamente.

Además de las anteriores, una característica esencial del multimedia es que éste
se da por medio de la electricidad, pues ésta es lo que hace la diferencia entre un
periódico (por ejemplo) que, aunque incluye imágenes y texto, no se considera
multimedia ya que no es un medio electrónico.

2.2.2 Tipos

Existen dos tipos de multimedia, principalmente catalogados en lineal y no lineal,
el primero es muy simple, consiste en un documento que va de principio a fin,
donde el usuario no tiene el control total de la línea de tiempo del documento; una
vez que ha iniciado, el multimedia lineal no puede ser manipulado entre capítulos
o escenas como un dvd.

En el caso del multimedia no lineal o interactivo más acertadamente, se refiere a
la calidad de control que ejerce el usuario sobre el contenido, este diálogo, es

32

decir, el grado de actividad del usuario, determina el nivel de aprendizaje y
retención que se propone el creador del multimedia.

2.2.3 Ventajas y desventajas

Ventajas:

Según Castro, et al. (2003) y Marqués (2000) coinciden que el aprendizaje a
través de sistemas multimediales posee algunas ventajas, de las cuales podemos
destacar las siguientes:

- Ahorro de costos, ya que no se requiere de impresión.
- Acceso inmediato a la información a través de la red (según sea el caso)
- Flexibilidad de utilización.
- Los materiales no se restringen exclusivamente a textos sino además
hacen uso de gráficos, animaciones, videos y/o sonidos, haciéndolos de
este modo atractivos para el usuario.
- Acercamiento entre estudiante y profesor, por medio del correo electrónico,
chats o videoconferencias.
- Respuesta específica al usuario.
- Adecuación a ritmo de aprendizaje

Además de lo anterior, cabe mencionar que un multimedia será efectivo si hace
que el alumno se comprometa de manera activa en un proceso de
comunicación a base de diálogo (Salinas, 1996), sin embargo, existen algunas
desventajas que se presentan en este tipo de aprendizaje: (Castro, et al., 2003,
Marqués, 2000)

Desventajas:

- Familiarización de la tecnología.
- Falta de contacto humano, con lo cual puede provocar sentimientos de
soledad en los usuarios.

33

- Enlaces externos del material puedan confundir y/o no estar disponibles.
- Cansancio visual.
- La libre interacción de los alumnos con materiales que no son de calidad
frecuentemente proporciona aprendizajes incompletos. con visiones de la
realidad, simplistas y poco profundas.

2.3 Material didáctico


El material didáctico hace referencia a todos aquellos medios y recursos que
facilitan el aprendizaje y la enseñanza en un contexto educativo, en donde se
estimulan los sentidos para así acceder fácilmente al desarrollo o la adquisición de
actitudes, habilidades o destrezas.

Según el Dr. Pere Marqués (2000) cualquier material puede utilizarse, en
determinadas circunstancias, como recurso para facilitar procesos de enseñanza y
aprendizaje, ya que poseen ciertas funciones como: proporcionar información,
guiar o instruir los aprendizajes de los estudiantes, ayudar a organizar la
información, relacionar, crear o aplicar nuevos conocimientos, motivar y mantener
el interés, entre otros.

El origen de los materiales didácticos en la enseñanza tuvo un
proceso lento y paulatino, el primer material didáctico surgió en
el siglo XVII, con la obra Orbis Sensualium Pictus (El mundo
sensible de imágenes) del pensador John Amos Comenius, un
libro con imágenes para la enseñanza del latín, siendo el
primer texto elaborado para facilitar la transmisión de
conocimiento que adoptaba el texto con imágenes pictóricas,
además de hacer que el alumnado
Portada del libro Orbis se incorporará a la lengua nativa por
Sensualium Pictus,
John Amos Comenius,
1684 medio de las páginas impresas. Este
Imágenes de la obra.

34

libro tenía dos características que lo convertían en “didáctico”: una era que estaba
escrito en la lengua nativa propia de los lectores y otra era la mezcla del texto
escrito con la imagen. (Area, 2007, s.p.)

No obstante, el material didáctico no alcanza sus máximas hasta la aparición a
mediados del siglos XIX de los sistemas escolares, donde a partir de entonces y
más que nada durante el siglo XX, se transformó en el eje central de la enseñanza
y aprendizaje desde la educación infantil hasta la enseñanza universitaria, cuyo
objetivo era ofrecer una cultura común que permitiese homogenizar la formación
de las personas de un mismo país. Para lograr esto, fue imprescindible el
desarrollo de una habilidad primordial: la alfabetización, donde la institución
escolar y los libros de texto cumplieron con éxito esta labor, pues éste último es el
principal material que dispone el profesorado y el cual tiene suficiente potencial
para ser utilizado en el transcurso de todo un curso escolar completo.

En el último cuarto del siglo XX, con el desarrollo de la tecnología audiovisual e
informática han nacido nuevas maneras de expresión y difusión de la cultura de
forma electrónica (los hipertextos, realidad virtual, gráficos en 3-D, videos, internet,
multimedia, etc), implicando de este modo, nuevas formas de organización y
procesamiento del conocimiento más interactivas y manejables, pues según M.
Area (2007) los materiales digitales poseen ciertas características, haciéndolos
diferenciarse de los materiales impresos (libros, cómics, enciclopedias, etc.), ya
que permiten el acceso a una gran cantidad de información, la cual se presenta de
forma multimedial (imagen, texto, sonido etc.), el formato de organización y
manipulación de la información es hipertextual (es decir, las tecnologías
informáticas recopilan la información de manera que no existe una única
secuencia de acceso al mismo, sino que los diferentes segmentos de información
están entrelazados entre sí), permiten la fácil publicación y difusión de ideas o
trabajos, además de la comunicación interpersonal tanto en tiempo real como
diferido.

35

2.3.2 Tipos

Según la plataforma tecnológica en la cual se sustenten el profesor y alumno, el
material didáctico, se clasifica en tres grupos, de los cuales a partir de la
consideración de la plataforma tecnológica en la que se conciben, los medios
didácticos, y por ende los recursos educativos en general, se suelen clasificar en
tres grandes grupos, cada uno de los cuales incluye diversos subgrupos (Marqués,
2000):

Materiales convencionales:

- Impresos y fotocopiados.
- Materiales de imagen fija no proyectados.
- Tableros didácticos.
- Otros: Juegos, materiales de laboratorio.

Materiales audiovisuales:

- Proyección de imágenes fijas: diapositivas, fotografías, etc.
- Materiales sonoros: casetes, cd´s, radio, etc.
- Materiales audiovisuales: películas, videos, programas de televisión, etc.

Nuevas tecnologías:

- Programas informáticos educativos: videojuegos, presentaciones
multimedia, enciclopedias, animaciones y simulaciones interactivas.
- Servicios telemáticos: páginas web, weblogs, tours virtuales, correo
electrónico, chats, foros, unidades didácticas y cursos on-line.
- TV y video interactivos.

“Las razones y justificaciones esgrimidas para incorporar las nuevas tecnologías
de la información y comunicación a las prácticas educativas de los centros y aulas
(…) son sobradamente conocidas: adecuación del sistema escolar a las
características de la sociedad de la información, (…) incremento y mejora de la

36

calidad de los procesos de enseñanza; innovación de los métodos y materiales
didácticos, etc.” (Area, 2007,s.p.)

2.3.3 Diseño de información

El diseño de información es una disciplina que se ocupa de presentar y preparar la
información de manera práctica, comprensible y eficaz para el usuario. En este
punto el diseñador gráfico toma un papel muy importante ya que su trabajo no es
la producción de información, sino la selección de datos que faciliten la relación
entre el documento y el usuario, implementando su organización, jerarquización y
coordinación práctica. Por más sencillo que parezca el diseño de información,
tiene sus raíces en diferentes disciplinas como el diseño de comunicación,
interface, tipografía y psicología de la educación, haciendo de ésta una práctica
completaría para el aprendizaje.

El lenguaje visual es fundamental para el diseño de información, este conjunto de
imágenes, palabras y formas nos ayudan a apoyar la comprensibilidad del
documento, es importante también considerar dentro de este mismo lenguaje al
usuario y el medio en el que se desarrolla, pues de aquí se deriva el grado de
comprensión del documento y su resultado.

Cuando se diseña un espacio informativo, éste debe ser navegable para el
usuario, debe presentarse de tal forma que el usuario pueda relacionar el
contenido con el modo de uso y así mismo, que le facilite la conexión de datos que
lo lleven a encontrar el camino por medio de señales implícitas que permitan la
correlación entre un bloque de información y otro. Esto último se soluciona de una
manera relativamente fácil, pues es necesario utilizar palabras claves que ayuden
al usuario a ubicarse dentro del documento, de la misma forma es necesario
seguir una línea de continuidad dentro del mismo, esto es que si de pronto se
decide utilizar una figura “x” para definir una constante dentro del documento, esa
“x” siempre te lleve al mismo resultado, es decir que si ésta te conduce a la salida
en un apartado y en otro te conduce a una actividad, esto provocará confusión en

37

el usuario y al mismo tiempo hará más difícil la navegación del documento. Lo
arduo de este último punto es saber qué palabras son realmente claves en el
documento, conocer el grado de importancia entre una y otra, además de
presentarlas de una manera que llame la atención del usuario, pero que no lo
distraiga del camino que se intenta establecer. También es difícil crear este
lenguaje que permita al usuario identificar los puntos clave y seguimiento de la
información, pues como ya se mencionó, se requiere de una continuidad que
constituya una pauta a seguir por el usuario.

Es en esta parte donde entra la cuestión de interactividad, pues no solo se
selecciona la información, sino que se decide la forma de presentarla, ya sea una
infografía, tríptico, volante o un medio digital multimedial. Este tema no solo se
centra en la relación que tiene el usuario con el documento sino que, al igual que
el lenguaje visual, depende directamente del entorno social y el leguaje cognitivo
del usuario. Es así entonces que el diseño de información debe ser pensado para
el ser humano y adaptarse al él, no al contrario.

Para Sanjaya Mishra y Ramesh C. Sharma (2005) la necesidad de crear un diseño
apropiado para un multimedia interactivo que sirva para el aprendizaje, se ha dado
debido a las discusiones que se han presentado en torno a la interactividad
humana y la tecnológica como medio de comunicación. Según Jean-Pierre Carrier
(2002) la información no está lejos de ser identificada con un proceso publicitario
(de influencia o manipulación), ya que se caracteriza por la rapidez de
procesamiento y/o la subordinación a fenómenos de moda. Además de que al
mismo tiempo, todos los medios tratan de los mismos sucesos, haciéndose
constantes las modificaciones “no cansar” o “aburrir”. Cabe mencionar que la
información se define como la que privilegia la emoción y lo sensorial en relación
con lo racional, o lo global en relación con lo analítico.

38

2.4 Interactividad en el proceso de enseñanza-aprendizaje

Según Gutiérrez (1996) y Bravo (1998) la interactividad se ha considerado la
mayoría de las veces como una de los principales beneficios de la enseñanza
asistida por la computadora, donde los usuarios ya no son receptores pasivos (en
este caso los estudiantes), ya que poseen la habilidad de decidir qué información
quieren recibir en todo momento, copiarla a otro archivo, hacerle modificaciones,
imprimirla, realizar búsquedas en otros sitios, interrumpir en el momento que
desee su estudio e iniciar en el mismo sitio que lo dejó.

“Un sistema multimedia interactivo se define como aquel que proporciona un
entorno hecho a medida en el que los usuarios reciben y envían información, o
conocimiento, participando activamente en el proceso”. (Castro, et al., 2003, p. 4).

No obstante, para Carrier (2002) el grado de interactividad de un multimedia
tendrá que ver con el modo en que permita rebasar una lectura lineal para brindar
una aproximación en red basada en la atención del usuario, ya que su labor sobre
el multimedia será la que determinará, no la totalidad del contenido, sino sus
propiedades de aparición y por lo consecuente, su significación.

Según Salinas (1996) en los multimedia interactivos se presenta la información en
base a las acciones y demandas del usuario, sin embargo, no debe confundirse la
respuesta motora de teclear, pulsar un botón para avanzar, entre otros, con
interactividad. Ya que en esta búsqueda de participación en el programa, la
palabra clave es “implicación” (de inteligencia, razonamiento lógico, imaginación y
sentimientos), más que “actividad”. El aprendizaje multimedia exige una
implicación consciente del alumno, una intencionalidad, una actitud adecuada, las
destrezas y conocimientos previos necesarios, etc. Por ello, es necesario que los
materiales utilizados se adecuen a las necesidades, intereses y nivel de los
estudiantes, ya que dicha adaptación a los intereses de los alumnos es una de las
características de los multimedia interactivos bien diseñados (Gutiérrez, 1996).

39

“Los sistemas multimedia suponen un importante avance hacia los medios
interactivos, hacia medios que posibiliten la comunicación bidireccional, que
permitan (y soliciten) la participación activa del alumno, que se adapte a las
exigencias de cada alumno como individuo.” (Salinas, 1996).

40

CAPÍTULO 3: HERRAMIENTAS

3.1 Introducción

En la actualidad se puede observar que el uso de la fotografía para el diseño
gráfico ha ido creciendo, desde fotografías utilizadas como propaganda y/o
publicidad, hasta carteles con imágenes fotográficas tomadas por afamados
fotógrafos. De tal modo que el diseñador gráfico dispone de la fotografía (si así se
requiere) como una herramienta más para la creación de proyectos gráficos
funcionales.

La fotografía abarca un sinnúmero de tendencias artísticas, de las cuales se
manifiesta la fotografía minimalista, sin embargo, es poca la información que
existe sobre ésta, ya que no hay libros especializados en el tema, son pocos los
autores que han hablado de ella en diversos foros y blogs dedicados a la
fotografía, e inclusive existe una idea errónea de ésta, pues suelen confundir la
fotografía minimalista con imágenes de diseño de interiores y/o arquitectura, como
espacios urbanos, etc.

Para demostrar lo anterior y retomando que parte del objetivo de nuestra
investigación es analizar y documentar la fotografía minimalista para su difusión
entre los diseñadores gráficos, se utilizaron tres herramientas para obtener
información referente al tema en cuestión. La primera de ellas (la encuesta), fue
dirigida a alumnos de nivel intermedio y avanzado del Instituto de Arquitectura,
Diseño y Arte de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. La segunda
herramienta utilizada fueron dos grupos focales, uno dirigido tanto a alumnos y
profesores de arte de diseño gráfico en dicha institución, y otra a fotógrafos
(miembros del foto club de ciudad Juárez). Por último, se realizaron tres
entrevistas (dos de ellas vía correo electrónico y la otra a través de un conocido
sitio de internet) dirigidas a fotógrafos que utilizaran la fotografía minimalista; la
primera de ellas se hizo a Luis Paredes (quedando inconclusa, por razones

41

personales del fotógrafo), la segunda al español Roberto Cobo, y la tercera al
fotógrafo de origen croata Vladimir Zivkovic.

Para explicar de manera detallada cada una de las herramientas señaladas
anteriormente, a continuación se presentan los resultados de las mismas.

3.2 Resultados

3.2.1 Encuesta5

La encuesta se realizó a 60 alumnos de diseño gráfico del Instituto de Arquitectura
Diseño y Arte de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez el 10 de Octubre del
presente año, con el objetivo de obtener información que nos ayudara a ubicar el
panorama actual acerca de la fotografía minimalista. De lo cual, destaca la
participación de un 57% de nivel avanzado y un 38% de nivel intermedio (un 5%
no respondió); además de que un 78% ha cursado la materia de fotografía III, un
15% la de fotografía II y un 5% fotografía I (2% no respondió).

Nivel:

5%

Intermedio
38%
Avanzado

Sin responder
57%

5
Para ver las encuestas contestadas véase Anexo I.

42

Nivel de fotografía cursado:

2% 5%

15% Fotografía I

Fotografía II

Fotografía III

78% Sin responder

Los encuestados respondieron que el tipo de material didáctico que han utilizado
los profesores de las clases de fotografía a las que han asistido ha sido
principalmente presentación de powerpoint (el 29%) y video (el 26%), sin embargo
hubo algunos que dijeron que acetatos o filminas (el 11%), que no utilizaban
ninguno (el 20%) o que usaban otro alternativo (el 14%), como por ejemplo
proyector, pizarrón, libros y revistas. Destacando además la presentación de
powerpoint (con un 34%), como uno de los medios más aptos para las clases de
fotografía, seguido de video (con un 33%). Con respecto a si pensaban que el
multimedia interactivo es un buen material didáctico en general, el 97% de los
encuestados mencionó que sí, ya que mencionaban que es un medio interesante,
accesible, que facilita el aprendizaje y fortalece la información. El otro 3%,
comentó que el multimedia interactivo no es un buen material didáctico,
comentando que es un medio vulnerable a la falta de información.

Video
¿Qué tipo de material didáctico
14% Presentación
han utilizado los profesores de
Powerpoint
26%
20% Acetatos/filminas las clases de fotografía a las que
has asistido?
29% Ninguno
11%
Otro

43

7% Video
¿De todos los materiales
10% Presentación didácticos de la pregunta
33% Powerpoint
anterior, cuál o cuáles crees más
Acetatos
34% apto para las clases de
Cualquiera Fotografía?

3%
¿Consideras que el multimedia
interactivo es un buen material
Si
didáctico en general?
No

97%

En lo que respecta a que si los alumnos contemplan a la fotografía para la
creación de proyectos gráficos como tareas, trabajos, etc, el 58% de los
encuestados mencionó utilizarla ocasionalmente, el 30% siempre y un 12% nunca.
Los proyectos gráficos donde más hacen uso de ella es en carteles, manuales,
folletos, página web, flyers y publicidad en general, y la manera en que obtienen
las fotografías es a través del internet (un 58%), tomando sus propias imágenes
fotográficas (un 33%) o pidiendo ayuda a alguien más (un 3%), el resto de los
encuestados no contestó a la pregunta. Además de lo anterior, se preguntó si
conocían algunas corrientes o tendencias fotográficas, destacando un 65% con
respuesta negativa, y un 35% positiva, mencionando las siguientes tendencias o
corrientes: fotografía urbana, naturaleza muerta, abstraccionismo, de paisajes, de
moda, etc., inclusive minimalista para nuestra pequeña sorpresa, y de la cual (de
acuerdo a la pregunta #8 de la encuesta), la catalogaban como simple o sencilla,
limpia, funcional, creativa, interesante, ordenada, concisa, tranquila, directa,
atractiva, esencial, con pocos elementos, etc. Además se preguntó si la habían

44

visto aplicada en algún diseño editorial, de lo cual el 58% dijo haber contestado
negativamente, y el 42% afirmativamente, resaltando: revistas, carteles, anuncios
publicitarios y diseño web; de lo cual, el 87% de los encuestados indicó que la
fotografía minimalista sí es funcional para el diseño gráfico, ya que con pocos
elementos se puede dar un mensaje, sirve de apoyo para el diseño, se logran
buenas fotografías, es un elemento ligero de composición donde predomina la
simplicidad y limpieza, entre otras. Algunos de los encuestados que desaprobaron
la funcionalidad de la fotografía minimalista (8%), dijeron haber dicho que esta
había pasado de moda o que no todas las personas la sabían interpretar.

12% ¿Contemplas a la fotografía para
30% Siempre la creación de proyectos gráficos
Ocasionalmente
(tareas, trabajos, etc.)?
Nunca
58%

6%
3% Propias

Internet
33% ¿Cómo obtienes las fotografías?
Ayuda de
alguien más
58%
No contesto

45

35% ¿Conoces algunas corrientes o
Si No tendencias fotográficas?
65%

¿Has visto aplicada la fotografía
42% Si minimalista en algún diseño
No
58% editorial?

5%

8%
¿Consideras que la fotografía
Si

No minimalista es funcional para el

87% No contesto diseño gráfico?

La gráfica que a continuación se muestra, destacan los fotógrafos que los
encuestados denominaron minimalistas, no obstante cabe mencionar que la
mayoría de los encuestados omitió responder. (De la lista que se dio, solo cuatro
fotógrafos usan esta tendencia: Michael Kenna, Ola Kolehmainen, Hiroshi
Sugimoto y Chema Madoz).

46

No contesto

Tina Modotti

Ansel Adams

Hiroshi Sugimoto ¿Cuál de los siguientes
Edward Weston fotógrafos crees que se podrían

Chema Madoz denominar minimalistas?

Ola Kolehmainen

Karl Blossfeldt

Manuel Álvarez Bravo

Michael Kenna

0% 20% 40% 60%

Por último, se cuestionó acerca de aplicar un multimedia interactivo acerca de la
fotografía minimalista para apoyar el contenido de las materias de fotografía,
donde el 95% de los encuestados dijo haber estado interesado, un 3% en
desacuerdo, y un 2% no contestó. Los que estuvieron de acuerdo, mencionaron
que lo que les gustaría que tuviera el contenido fuera la definición de la
fotografía minimalista, sus elementos o características principales, además de
fotografías.

3% 2% ¿Te gustaría que se aplicara un
multimedia interactivo acerca de
Si la fotografía minimalista para
No apoyar el contenido de las
No contesto
materias de fotografía?
95%

47

3.3.2 Grupo foco6

La dinámica de los grupos focales fue realmente sencilla, ya que se hicieron muy
pocas preguntas, sin embargo la aportación de los participantes fue bastante útil
para el proyecto.

El primer grupo se llevó a cabo el día 12 de octubre del presente año con una
duración de de una hora, donde se citó a cuatro personas entre ellos dos Lic.
Diseño Gráfico, un alumno y un profesor de arte contemporáneo. Se presentó una
serie de imágenes previamente seleccionadas de los fotógrafos minimalistas
citados en esta investigación, donde su trabajo ha sido aplicado en campañas
publicitarias y políticas, así como también en portadas de discos y revistas. Al
inicio de la sesión, se dio una breve explicación de lo que es la fotografía
minimalista y de lo que se prendía obtener con dicha sesión, luego se prosiguió
con las imágenes donde los participantes aportaban su punto de vista acerca del
diseño y la fotografía utilizada para el mismo y si se creía que ésta era o no,
funcional para el diseño.

Entre las opiniones más destacadas se hacía referencia a que, efectivamente, la
fotografía minimalista es funcional para el diseño gráfico, sin embargo es difícil
que sea aplicada con éxito en nuestro país, ya que este tipo de diseño es más
utilizado en los países europeos. También se mencionó a manera de conclusión
que, el diseño gráfico y la fotografía van de la mano y que la funcionalidad de la
fotografía va ligada paralelamente al diseño, esto es, que si el diseño no es
minimalista al igual que la fotografía, entonces ésta perdería su valor como imagen
en sí, siendo que no habría un balance entre ambos.

La segunda sesión se realizo el día 13 de octubre donde asistieron siete miembros
del grupo de fotografía “Foto-Club” de Ciudad Juárez, donde se siguió
prácticamente la misma dinámica, sin embargo las fotografías seleccionas no
fueron en este caso aplicadas en diseños, esto con el fin de conocer la opinión de

6
Para observar las diferentes respuestas de los entrevistados de forma íntegra véase Anexo II.

48

personas que se dedican a la fotografía acerca de la imagen presentada, de
establecer si se trata o no de una fotografía minimalista y qué características son
las más visibles para denominar a una fotografía como minimalista.

Los participantes se sintieron atraídos por el tema, ya que no sabían acerca de la
fotografía minimalista y se dieron a la tarea de investigar acerca de fotógrafos y
corrientes como el minimalismo, lo que ayudó a ser más ágil el seguimiento del
grupo focal. Primero se presentaron los paisajes de Michael Kenna donde se
apreciaron diferentes posturas. La primera fue que no transmitían nada pues para
uno de los participantes, Michael Kenna le parecía “un fotógrafo de fórmula” pues
aseguraba que jugaba con sobre exposiciones y el resto estaba resuelto, y que
básicamente esa era su fórmula para todas sus fotografías. También hubo a
quienes les transmitía soledad o tranquilidad, además de observar que las
características que permanecen como una constante en el trabajo de Kenna son la
simetría, altos contrastes y repetición. Otra de las series presentadas fue el trabajo
de Hiroshi Sugimoto donde, al contrario de Kenna, causó un poco más de impacto
en los participantes, a pesar de que sus paisajes se remiten solamente a una línea
de horizonte entre el mar y el cielo. También se presentó trabajo de Chema
Madoz, el cual se catalogó con una composición más conceptual, ya que a pesar
de que se utilizan pocos elementos existe todo un concepto encerrado dentro de
sus fotografías. Ya por último se abordó al fotógrafo Ola Kolehmainen con sus
fotografías de arquitectura a color, donde los participantes llegaron a la conclusión
de que no necesariamente debe ser una fotografía en blanco y negro para
considerarse minimalista, sino que puede ser a color y tener el mismo resultado.

3.3.3 Entrevistas 7

Las preguntas que se efectuaron fueron las siguientes (además de algunas otras
que se aplicaban a diferentes casos según el entrevistado):

1. ¿Cómo se introdujo la fotografía en su vida?

7
Para observar las diferentes respuestas de los entrevistados de forma íntegra véase Anexo III.

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