Fichas para trabajar las imágenes de historia del arte de segundo de bachillerato. Material elaborado por el profesor Antonio Casquet Chacón del colegio Ave María Casa Madre de Granada

1. Terceras puertas del Baptisterio de la
catedral de Florencia. “Puerta del Paraiso.
Renacimiento italiano, Quattrocento. 1425-1452.
Puerta de dos hojas en bronce con diez paneles el relieve
con escenas del Antiguo Testamento. 520 cm. de altura
por 310 cm de anchura .
Lorenzo Ghiberti, Florencia , 1378-1455.
Baptisterio de San Juan, Florencia.
Habiendo ganado el concurso convocado en 1401 para
las segundas puertas del Baptisterio, con la participación
entre otros de Filippo Brunelleschi, al que derrotó
sorprendentemente, el gremio de los comerciantes de
Florencia le encargó la realización de éstas, bautizadas
por Miguel Ángel Buonarroti como Puertas del Paraíso.
Es una reproducción, los paneles originales se encuentran
en el Museo de l´Opera del Duomo, Florencia.
Características:
 Cada uno de los diez paneles muestra varias escenas
relacionadas con la historia central del mismo.
 En todos ellos está presente el dominio técnico de
Ghiberti sobre el bronce y la fundición.
 Recupera los principios empleados en el relieve
clásico, con un claro sentido pictórico ya que todas
las composiciones se tratan como la pintura de sus
contemporáneos.
 Ghiberti se movió con gran libertad en la ejecución
de los temas bíblicos, desde la creación de Adán y Eva
en el primer panel a la izquierda, al encuentro entre
Salomón y la reina de Saba en el último a la derecha.

2.  Ghiberti utilizó los estudios de
perspectiva para construir el
espacio y situar en él a los
personajes, muy numerosos en
todos los paneles.
 El tamaño de las figuras está
determinado por su posición en el
espacio, también el relieve y el
detalle.
 Naturalismo en la representación
del cuerpo humano, interés por el
desnudo, tanto masculino como
femenino.
 Gran variedad de tipos humanos así
como de posturas, gestos y
expresiones tratados con exquisito
detalle.
 Incorporación de elementos de
paisaje natural, árboles, rocas, ríos
o arquitectónicos.
Donatello también trabajo el relieve en
el pedestal de San Jorge o las historias
de San Antonio en la basílica de Padua.
Panel de Adán y Eva.
Con la creación del hombre, la creación de Eva, el pecado original y la expulsión de Adán y Eva del Paraíso por el ángel.
Coros de ángeles acompañan al Creador en sus acciones.

3. El Creador
expulsando a Adán y
Eva del Paraíso. Un
coro de ángeles a su
alrededor
El ángel atraviesa la
puerta del Paraíso
empujando con su
gesto a los
pecadores.
Adán y Eva,
atemorizados,
cubren sus
desnudeces en
un espacio vacío.
Eva nace del costado de Adán dormido,
los ángeles ayudan al creador.
La creación del
hombre
El pecado
original. Adán y
Eva toman el
fruto prohibido
Árboles
variados,
arroyos de agua
hacen alusión a
la feracidad del
Paraíso

4. David.
Renacimiento italiano, Quattrocento. 1444-1446.
Bronce. Escultura exenta o de bulto redondo. 158 cm. De altura.
Donatello, Florencia. 1386-1466.
Museo Bargello , Florencia.
Tema:
El episodio bíblico en que el joven pastor del pueblo de Israel, David, lucha
contra el gigante filisteo Goliat, al que derrota armado solo con su honda,
derribándolo y cortándole la cabeza con su propia espada.
El momento elegido por Donatello para representar el tema, es el momento
final en el que todo ya ha sucedido, David ha vencido a su enemigo y posa
pisando la cabeza del gigante.
Características:
 Donatello recupera el interés por el desnudo y la belleza ideal de la
escultura antigua, es el primer desnudo fundido en bronce desde la
Antigüedad Clásica, liberado de la subordinación al marco
arquitectónico.
 Un atrevido desnudo masculino, en reposo y en elegante actitud, en
correspondencia con un rostro de serena expresión.
 La figura de David nos muestra un claro contrapposto, recordando la
famosa curva de Praxíteles, al apoyar su pie izquierdo en la cabeza de su
enemigo. Línea cerrada.
 Perfecta la anatomía del joven David y modelado suave y muy acabado
por el que resbala la luz.
 Sera un tema muy recurrente durante todo el Renacimiento y el Barroco.
Otras obras de Donatello son:
San Jorge,
Retrato ecuestre de Erasmo de Narni, Gattamelata.
Una de las cantorías de la Catedral de Florencia.
El profeta Habacuc, para el campanile de la Catedral de Florencia.

5. Otros artistas del período:
Lorenzo Ghiberti, escultor.
El arquitecto Filippo Brunelleschi.
Los pintores Piero della Francesca y Masaccio.

6. Gattamelata.
Renacimiento italiano. Quattrocento. 1444- 1453.
Bronce. Escultura exenta. Retrato ecuestre del
condottiero Erasmo de Narni . 340 X390 cm, sobre
pedestal de más de 7 m. de alto.
Donatello, Florencia. 1386-1466.
Padua, delante de la basílica de San Antonio.
Características:
 El primer retrato ecuestre en bronce y de gran
tamaño desde la Antigüedad.
 El modelo es el retrato .a caballo del emperador
romano Marco Aurelio.
 Monumento público en el que se exaltan las
virtudes del retratado, su valor y heroísmo le
han llevado a la victoria en el campo de batalla.
 Caballo y caballero avanzan serenos,
mostrando la autoridad que da ser vencedor sin
violencia.
 Línea cerrada, l a esfera que aparece bajo la
pata del caballo, cierra el contorno del grupo,
equilibrio, sugerencia de movimiento, decidido
hacia adelante, proporción y armonía.
Andrea del Verrocchio realizará años más tarde,
1479, el retrato ecuestre del condotiero
Bartolomeo Colleoni.

7. Piedad del Vaticano
Renacimiento italiano, Cinquecento .
1498-99.
Miguel Ángel Buonarroti, Florencia 1475 -
Roma 1561.
Mármol de Carrara. 174 x 195 cm.
Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma.
 La obra fue encargada por el cardenal
de san Dionisio Jean Bilhères de
Lagraulas o de Villiers, benedictino
embajador del monarca francés ante
la Santa Sede.
 Tema medieval con poca tradición en
el mundo italiano.
 Escultura exenta pero tratada para
una visión frontal
 María acunando el cuerpo muerto de
su hijo.
 Totalmente acabada y firmada por el
autor, en la cinta que recorre el pecho
de la Virgen.
 Concepción piramidal que refuerza la
serenidad que trasmite el grupo.
 Equilibrio y belleza idealizada. En el
cuerpo de Cristo se han suavizado las
terribles marcas de la pasión y muerte
y su estudio anatómico nos traslada a
la belleza clásica.

8.  Muy joven “Vergine Madre, figlia del tuo
figlio…”
 Belleza ideal, frescura y juventud en el
rostro de María.
 No hay sufrimiento ni dolor, sino tristeza y
melancolía, serenidad y dulzura.
 Envuelta en un ropaje de plegado
abundante que aumenta la estabilidad de
la obra.
En años posteriores Miguel Ángel volvió a
interpretar el tema de la Piedad pero
abandonando la serenidad y equilibrio de ésta
en obras más expresivas.
Piedad de Florencia de 1550.
Piedad Rondanini de 1564.
Son contemporáneos de Miguel Ángel los
grandes maestros del Cinquecento italiano ,
Leonardo de Vinci, Rafael Sancio o Tiziano
Vecelio.

9. David.
Renacimiento italiano, Cinquecento, Entre 1501 y 1504. Clasicismo
Miguel Ángel Buonarroti, Florencia 1475 - Roma 1561.
Escultura exenta o de bulto redondo.
Mármol de Carrara. 440 cm.
Galería de la Academia. Florencia.
 Encargada por Piero Soderini, gobernador de la nueva república
florentina y destinada a ser colocada en un espacio público, la
plaza florentina de la Signoría, junto a la entrada del Palacio
Vecchio, como símbolo de las libertades conseguidas por la
ciudad de Florencia
 El bloque de mármol de Carrara se encontraba en el patio de las
obras de la catedral de Florencia, había sido desbastado por
Agustino di Duccio y después por Antonio Rosellino. Más de
veinte años después se le entregó a Miguel Ángel para realizar la
obra del David.
 Esculpido durante dos años en secreto, en una barraca
preparada para ello, en la obra de Santa María in Fiore.
 Se tardaron cuatro días en alcanzar el emplazamiento definitivo,
arrastrada por cuarenta hombres en un armazón de madera que
se desplazaba sobre troncos.
 En 1873 fue trasladado a la Galería de la Academia y colocado
una copia en su lugar en la Plaza de la Señoría.
 A diferencia del modelo en bronce de Donatello, ya no es un
adolescente victorioso, con la cabeza del enemigo a los pies,
sino un joven vigoroso, en los instantes previos al combate,
representado como un desnudo integral que sintetiza la belleza
helénica.

10.  Estudio anatómico extraordinario y clara expresión de la
belleza
 La posición de contrapposto para establecer una
inclinación de caderas y hombros, principio fundamental
del clasicismo para hacer que las figuras se muevan con
naturalidad en el espacio.
 La pierna libre de carga se adelanta en lugar de
retrasarla.
 Movimiento potencial, contenido , línea cerrada.
 Tensión. Ningún miembro se encuentra distendido ni
relajado, la mano izquierda sujeta la honda que cae por
su espalda, en su mano izquierda la piedra que lanzará a
la frente de su enemigo.
 Aunque la escultura es exenta, trabajada en todo su
volumen, una visión lateral nos la muestra
excesivamente plana, condicionada por el bloque de
mármol ya trabajado que se le entregó a Miguel Ángel.
 Desproporción en el tamaño de manos y cabeza con lo
que el artista intensifica la expresión y la acción de
David.
 Miguel Ángel da forma en el mármol al concepto
neoplatónico de la belleza ideal.

11.  Una característica frecuente en la escultura de
Miguel Ángel es la llamada “terribilitá”, expresión
amenazadora, intensificada en el David con las
pupilas talladas que buscan a su enemigo para
iniciar el combate.
 Este David se nos presenta como vencedor antes
de iniciar la lucha tal es la seguridad y decisión
que manifiesta.
 Otros escultores también trabajaron el tema del
David: Donatello en el siglo XV y Juan Lorenzo
Bernini en el siglo XVII.

12. Moisés
Renacimiento italiano, Cinquecento, Entre 1515 y 1516. Clasicismo.
Miguel Ángel Buonarroti, Florencia 1475 - Roma 1561.
Escultura exenta o de bulto redondo.
Mármol de Carrara. 235 cm.
Iglesia de San Pietro in Víncoli. Roma.
La monumental figura de Moisés formaba parte de un ambicioso
proyecto escultórico, el monumento funerario para el pontífice
Julio II que, por determinadas circunstancias de diversa índole, fue
simplificándose hasta quedar reducido a la tumba parietal que hoy
podemos ver en la iglesia de San Pietro in Vincoli en Roma.
La imagen de Moisés se pensó para el segundo proyecto.
Características:
 El profeta Moisés que conduce al pueblo de Israel hacia la tierra
prometida, acaba de recibir de Dios las tablas de la ley en el
Sinaí y encuentra a su pueblo entregado a la idolatría, lo que
justifica la terribilitá en su rostro, de nuevo la expresión
amenazadora e iracunda ya vista en el David.
 La poderosa imagen de Moisés está sentada, pero no descansa,
su imponente anatomía esta en tensión, es el movimiento
potencial , inmediatamente anterior a la acción violenta. La
pierna izquierda del profeta se muestra como una palanca que
puede levantarlo con rapidez.
 Línea cerrada. Contrapposto.
 De su cabello sobresalen dos “cuernos”, rayos de luz que
brotaban de la cabeza de Moisés después de su entrevista con
Dios, símbolo de la sabiduría divina.

13. Capilla funeraria de los Médicis.
Renacimiento italiano, Cinquecento, desde 1519 a 1545. Clasicismo.
Miguel Ángel Buonarroti, Florencia 1475 - Roma 1561.
Sacristía Nueva de la Iglesia de San Lorenzo de Florencia

14. Giuliano de Médicis, Duque de Nemours, muerto en
1516. Las alegorías de la noche y el día.
Lorenzo de Médicis, Duque de Urbino, muerto en 1519.
Las alegorías del crepúsculo y la aurora..
 No son retratos sino figuras muy idealizadas, como almas de difuntos liberadas del cuerpo. Ambos sentados y
vestidos como antiguos militares romanos.

15. Giuliano de Médicis con bastón de mando como
capitán general. Con monedas en su mano derecha
y regazo aludiendo a su generosidad.
Lorenzo de Médicis conocido como “Il pensieroso”, en
actitud pensativa. La mano en la barbilla y sujetando lo
que parece una bolsa, el dedo en los labios invita al
silencio. Su brazo izquierdo apoya sobre un cofrecillo,
¿alusión a la avaricia?

16.  Las figuras recostadas de la noche y el día sobre una superficie curva, resbaladiza e insuficiente para el tamaño de las
alegorías. De nuevo la tensión que se manifiesta en toda la escultura de Miguel Ángel.
 Figuras desnudas con distinto grado de terminación. La de la noche es la más acabada, recostada sobre una máscara,
con una lechuza a sus pies y una diadema en su cabello con una luna y una estrella.
 Alusión a la vida activa, día y noche como momentos del tiempo bien definidos y contrastados.
 Estudios anatómicos imponentes.

17.  Alegorías del crepúsculo y la aurora, los dos vueltos hacia el espectador.
 Alusión a la vida contemplativa, crepúsculo y aurora como momentos de transición e incertidumbre.
 También pueden aludir sencillamente al paso del tiempo.
 El crepúsculo cansado, la aurora se despereza.
 Las figuras de las cuatro alegorías fueron colocadas sobre los sepulcros por discípulos de Miguel Ángel.