historia del arte

2. • El término “Renacimiento” es equívoco. Aunque los
primeros “teóricos” (Vasari…) eran conscientes de
una época nueva y diferente de la anterior, lo cierto es
que la ruptura es más una profundización de
algunos aspectos presentes en el gótico que un
“salto en el vacío”:
– sigue siendo un movimiento “cristiano” y donde la
“palabra de Dios” sigue teniendo una importancia capital;
– el naturalismo gótico, que busca la individualización de
las figuras, permanece y se acentúa ahora;
– no se inventa ningún “arte” nueva;
– siguen existiendo los “talleres” aunque ahora “el maestro”
es más conocido y domina el panorama, pero el aprendizaje
y la formación de los artistas sigue el mismo esquema;
– el arte es una manifestación del poder y de la riqueza de
quien encarga la obra.

3. • Desde el siglo XIII hay cambios en la mentalidad
medieval. Y la acumulación de cambios llevó a un
salto cualitativo: el Humanismo:
– la burguesía y la ciudad: el comercio a una escala amplia
uniendo regiones alejadas … y el capitalismo económico;
– una nobleza que se hace cortesana y urbana aunque su
base económica siga siendo la tierra pero hace negocios;
– la Monarquía como régimen político y monopolizadora del
recurso de la guerra que va a crear el estado moderno
unificando territorios en su persona en medio de gravísimas
crisis bélicas;
– la crisis del Imperio y del Papado en medio de un
panorama de monarquías “nacionales”;
– el pensamiento racionalista que llevará al nacimiento de la
ciencia y a la reforma religiosa al usar la “crítica”;
– la recurrencia a modelos clásicos donde el valor del
individuo humano no estaba supeditado al capricho de la
divinidad: el hombre es centro y medida del Universo.

4. • El Humanismo ve al individuo como un dios en la
Tierra: capaz de desentrañar su misterio y de
desarrollarse intelectualmente.
• Es alguien “digno”, y su dignidad reside en esa
capacidad inagotable de saber y de hacer… y que
tienen todos, si bien será un movimiento elitista,
aristocrático.
• Este individuo que se eleva a categoría de absoluto
con el Humanismo, en esta época que llamamos
“Renacimiento” debe ser un individuo
– “completo”, que domina todos los campos del saber;
– amante de la belleza, que es algo visual, empírico y, al
tiempo, algo intelectual, ideal;
– individual y único, irrepetible;
– caballero, noble y aventurero;
– dueño de sí y de sus habilidades que manifiesta con orgullo
para crear y hacer cosas.

5. • Italia será el foco principal del Humanismo, si bien
algunos de los logros de este movimiento cultural
también despuntan en Flandes y en Borgoña: en los
dos sitios la burguesía, ennoblecida o no, es la
protagonista de esta explosión cultural.
• Será, luego, un movimiento “europeo” que llegará de
Polonia a Portugal, de Escocia a España, de Dinamarca
a Dalmacia… aunque con variantes del núcleo común.
• No será tanto de “Universidades” como de “Cortes”:
monarcas, príncipes y nobles actuarán como
“mecenas” favoreciendo a pensadores y artistas, a los
que mantienen o hacen encargos. Pero las
Universidades irán acomodándose a los nuevos tiempos
poco a poco.
• La Iglesia estará presente como un mecenas más del
Humanismo: Papado y obispos protegerán a artistas y
pensadores … hasta la ruptura de la Reforma.

7. • El Renacimiento temprano, el Quattrocento, es un
movimiento esencialmente italiano, mientras que el
Renacimiento pleno y el Manierismo son movimientos
comunes en toda Europa.
• El Humanismo y la nueva cultura artística aparece en primer
lugar en Italia porque
– lo “clásico” había pervivido mejor y así se había hecho notar durante
la Edad Media: las obras estaban a la vista para el estudioso;
– es un país que lleva ventaja al resto del occidente europeo también
en el aspecto económico y social, porque de él arranca el
renacimiento de la economía, en él se organizan técnicamente las
finanzas (la contabilidad, la banca, el seguro…) y en él comienza a
desarrollarse la libre competencia frente al ideal corporativo de la
Edad Media de gremios y guildas.
– También porque en Italia la emancipación de la burguesía ciudadana
triunfa más pronto que en el resto de Europa, enfrentándose a
nobles, emperador y al propio papado: el movimiento comunal.

8. • Las ciudades italianas habían ido adquiriendo un
enorme poder económico y político durante la baja
Edad Media y ante la decadencia del Sacro Imperio …
y la debilidad de una Iglesia sometida al “cautiverio de
Avignon” durante el siglo XIV y el gran cisma de
Occidente con varios “antipapas”.
• Si bien eso impidió la creación de un Estado unificado
italiano (fracasó quien lo intentó) y forzó una rivalidad
sangrienta entre esas ciudades, creó unos focos de
creación artística “en competencia” que nos han
legado uno de los hitos de la historia del arte
occidental.

9. • Son una decena de ciudades, con gobiernos
aristocráticos de familias burguesas que se
“ennoblecen” y se enfrentan a muerte por el control de
la ciudad y los beneficios que da el uso del poder
personal, las que rivalizan por la primacía cultural.
– Milán
– Venecia
– Génova
– Ferrara
– Parma
– Mantua
– Módena, Bolonia, Urbino …
– y Florencia, que se impone en la Toscana, absorbiendo a sus
rivales Pisa, Siena, Lucca, Livorno…
– Luego, en el Cinquecento, será Roma la cabeza de Italia.

11. • Florencia, tiene una fuerza económica impresionante
ya desde el siglo XIII: de la actividad “pañera” al
préstamo: el “florín” es la moneda de mediados del XIII.
• Florencia debía convertirse en una segunda Atenas y
son sus comerciantes, enfrentados entre sí pero unidos
frente al exterior los que buscan el predominio sobre el
entorno (lucha y derrota de Pisa, Siena… y conquista
del puerto de Livorno). Piensan en un Estado
“autárquico” que produzca y consuma lo propio.
• Seguros de sí y orgullosos, hacen encargos a sus
propios artistas o atraen a otros y en un siglo consiguen
algunas de las obras más prodigiosas de todos los
tiempos, tanto por su originalidad como por la influencia
que van a tener.

13. • Florencia, tras sofocar la revuelta de los Ciompi (un
levantamiento de carácter social) en 1378 inicia un
florecimiento que durará algo más de un siglo.
– varias familias se disputan el control, pero los Médici casi
desde el principio de siglo XV hasta el final, serán los que
decidan todo, abiertamente o en la sombra.
– Es un régimen oligárquico con apariencia republicana.
– En 1494 el monje reformador y populista Savonarola
provoca la caída de los Médici y durante cuatro años
instaura un régimen teocrático que repudia el arte sensual
que se estaba haciendo.
– Durante ese siglo XV una explosión de creatividad y de
personalidades hará de esta ciudad el centro del mundo
cultural.

14. – Tras su ejecución vuelve el régimen republicano, si bien por
poco tiempo: la injerencia de franceses y españoles en Italia
afectará a todo el puzzle de estados. Los Médici, que han
llegado al Papado, ya no son el centro en Florencia.
– Ahora ya es Roma la cabeza del renacimiento en Italia,
pues hasta Milán se ha hundido con la llegada de los
franceses (1500).
– En Roma es el Papado la cabeza de todo el movimiento,
pero en 1527, con el saqueo de Roma por las tropas
imperiales, hasta el Papa debe alinearse con el emperador.
– Y, poco después, Florencia vuelve a tener un Médici al
frente, si bien como príncipe (Duque de la Toscana) y en un
régimen monárquico estricto y alienado con los intereses
españoles e imperiales.

17. • El público del arte del Renacimiento está compuesto
por la burguesía ciudadana y por la sociedad de las
cortes principescas.
• El coleccionista y el artista que trabaja ajeno a los
encargos son figuras históricamente correlativas y
aparecen ahora, en el curso del Renacimiento . Pero
predomina, aún por mucho tiempo, el artista bajo
mecenazgo. Durante el Quattrocento aún vemos el
taller, pero en el cambio de siglo al XVI las “figuras”
destacan tanto que sólo las vemos a ellas… y no
suelen tener taller ya.
• El mecenas o protector es la figura que nos permite
entender esta explosión y “densidad” de artistas en un
lugar tan reducido.

18. • El artista que surge ahora, criado en los talleres
gremiales, empieza a ser consciente de su “valor”
como único e irrepetible: orgullo y técnica propia le
llevan a no considerarse “artesano” [del gremio], sino
artista: creador más que manufacturero.
• Compite no contra otros talleres sino contra
individualidades a los que llega, incluso, a odiar con
una rivalidad personal… y una admiración en secreto
que es el principio de la propia superación.
• Ese artista busca la BELLEZA ideal. Es decir:
partiendo de la realidad palpable, se “mejora”. Y es
una belleza “corpórea” que asemeja el humano a la
divinidad. Y viceversa, como habían hecho los griegos

19. • El mecenas compite con otros pero no es un mero
“diletante” como “nuevo rico”, sino que también se
siente “humanista” y, como rico que es, sostiene la
creación “arriesgada” de estos artistas que rompen
con buena parte del pasado en técnica y en temática.
• Mecenas serán burgueses ennoblecidos, nobles y, en
el siglo XVI, las monarquías de toda Europa (en
Borgoña ya desde el siglo XV).
• Por debajo de ese arte “rompedor” protegido por los
mecenas, se mantendrá largo tiempo un gusto más
medieval y extendido en el mundo rural. En el urbano,
se “copiará” poco a poco a esos artistas rompedores.
• De arte elitista a popular, pero en un espacio de
tiempo largo.

20. • Algunas características del arte renacentista del
Quattrocento, la Arquitectura.
– las partes se subordinan al todo: la perspectiva es,
acaso, el ejemplo más patente. El todo es la suma de las
partes … pero ordenadas a la finalidad del todo.
– Este sentido de visión unitaria llevará en arquitectura a
reducir la nave mayor de los templos, llegando incluso a
la cruz griega, recuperando el espacio “centralizado”.
– También se busca la integración de la obra en un
espacio circundante. Por eso aparece el sentido de
“plaza pública” y lo que luego devendrá “urbanismo”.
– Uso de los cinco órdenes clásicos, organizados de
forma armónica.
– La línea recta predominando sobre la curva y en ningún
caso “contrapuestas”. Predomina también lo horizontal
sobre lo vertical.
– La Roma clásica es el ejemplo a seguir, y no Grecia.

21. – El “Quattrocento” arquitectónico va a ver renacer el empleo
de los elementos constructivos y decorativos clásicos:
• El arco de medio punto,
• las columnas y pilastras con los órdenes clásicos,
• las bóvedas de cañón decoradas con casetones,
• y la cúpula de media naranja,
– Estos elementos se emplean con abundancia pero con
libertad, especialmente en lo decorativo. Así, la más
completa fantasía reina en la decoración de “grutescos”,
donde se funden formas vegetales, animales y humanas.
– En la fachada y en las plantas se buscan efectos de
calculada perfección, entendida como armonía.
• Se resucita la planta central, y se buscan espacios diáfanos, por
contraposición a la iglesia gótica inundada de luz coloreada.
• En las fachadas se buscan tres pisos o niveles a lo sumo y la
articulación de los mismos se consigue con líneas verticales y
horizontales (lesenas, cornisas …) y el tratamiento del muro
(almohadillados, esgrafiados …)

22. • Se construyen:
– iglesias de planta basilical y planta central
– capillas adosadas a iglesias y catedrales de época
anterior.
– palacios “de ciudad” o urbano
– villas “de campo”
– fortalezas
– bibliotecas.
• El palacio acaso sea el tipo arquitectónico más
logrado y prototípico.

23. • Brunelleschi (1377-1446) recibió el encargo de
ejecutar la cúpula de la catedral (il Duomo) tras
haber fracasado en su tentativa de ser escultor y
sin haber tenido formación propia de arquitecto.
• Conocedor de las matemáticas y la geometría (se
puede ver como un “redescubridor” de la
perspectiva lineal que Masaccio llevará a la
pintura) se había formado como orfebre.
• Lejos de ser un problema, eso le alejó de las
tradiciones, por lo que pudo “reinventar” la
arquitectura a partir de modelos clásicos si bien
ajustados a la realidad del momento.

24. • Brunelleschi se hace con el encargo que costea el
gremio mayor de la lana. Realiza la obra entre 1418
y 1446. En medio ejecutará también otras varias
obras en Florencia.
• Se trata de concluir la catedral o duomo, empezada
en 1296 en estilo gótico. Pero el espacio a cubrir es
enorme: 41 metros de diámetro, por lo que se trata
de una cúpula gigantesca… y el peligro de derrumbe
es claro.
• Realizará una obra innovadora y genial:
– sin cimbras ni andamios;
– es una cúpula “autoportante”, que se soporta a sí misma;
– son dos cúpulas: una interna octogonal y una externa
apuntada u ojival.

27. • Al exterior ofrece un perfil ojival, esbelto, lo que
consigue gracias a la curvatura lograda pero, sobre
todo, al uso de nervios que destacan por el color y el
material (mármol sobre teja). Los nervios tienen
cuatro metros de espesor.
• En el punto de unión de los nervios se levanta una
linterna que prolonga la altura de la bóveda.
• La cúpula tiene ocho caras y se alza sobre un
tambor octogonal de piedra revestida de mármol
verde, rosa y blanco, como toda la catedral. El
tambor ya estaba realizado cuando se le encarga la
obra a Brunelleschi. Cada lado del tambor tiene un
ojo de buey para introducir luz al interior.

32. • Los empujes externos se trasladan a una serie de
absidiolas a dos niveles de altura pero por debajo
del tambor, para que no desluzcan la gigantesca
cúpula.
• Además, están los fuertes pilares sobre los que se
asienta el tambor.
• Las absidiolas, al estar decoradas con lajas de
mármol, disimulan el hecho de que son macizas y
apenas abren ventanales.
• Una de las absidiolas, la que está en el eje de la
nave mayor, hace de cabecera, aunque al exterior la
cúpula no parece que sea del crucero.

36. • Al interior la cúpula no parece tan apuntada. Y es
que el cascarón interior es menos ojival.
• El cascarón interior, más resistente que el exterior
mantiene el formato “octogonal”, o sea no esférico.
• La esfera de la cúpula es, pues, inexistente o, si se
quiere, es el vacío que hay entre la exterior y la
interior.
• La genialidad de hacerla “autoportante” lo consigue
con hiladas de ladrillo hueco levantadas en círculos
concéntricos y con el sistema romano de aparejo
llamado “espina de pez”. A ello se le suman nervios
ocultos y las “costillas”

41. • Brunelleschi recibió también el encargo, casi por las mismas
fechas que la cúpula del Duomo, de realizar un hospicio en la
parte noreste de la ciudad, donde ya había una basílica, la
basílica de la Annunziata.
• Dirigió las obras desde 1419 hasta 1427, cuando se hizo
cargo de ellas F. della Luna, a quien se le atribuye el segundo
piso de la fachada.
• La logia que da a la plaza, una arcada “clásica”, refleja el
sistema de proporciones en que se basa la arquitectura
brunelleschiana: el ancho del vano y del pórtico es igual al
alto de las columnas, con lo cual lo que encontramos es un
cubo que se repite nueve veces.
• Predomina la línea horizontal y la armonía y proporcionalidad
recuerdan un racionalismo extremo, precisamente lo que la
burguesía buscaba.

44. • De Brunelleschi parece que es también el diseño del interior,
los patios porticados (claustros). Uno, el de los hombres,
cuadrado y el de las mujeres, rectangular y más pequeño.
• En ambos se puede adivinar si no la mano, sí la influencia de
Brunelleschi en el carácter “clasicista” de la columnata y la
armonía de las proporciones.
• El patio de los hombres está decorado con “sgrafiatto” o
esgrafiado: dibujo con incisiones y coloreado sobre el yeso
húmedo del enlucido.
• Por último:
– toda la plaza se verá influida por la obra de Brunelleschi, tanto la
reforma de la basílica como las edificaciones del lado oeste.
– La logia exterior, la que el propio Brunelleschi ejecutó, será decorada
a finales del XV con medallones (algo muy clásico y “romano”) de
bebés fajados en terracota vidriada, obra de Andrea della Robbia.

50. • Otra obra de Brunelleschi es la reforma de la basílica de San
Lorenzo. Comenzó con el encargo de una capilla (en el lado
norte del transepto) y terminó rediseñando toda la basílica.
• La basílica original es de finales del siglo IV, pero había sido
rehabilitada en el siglo XI. La actual es obra nueva de
Brunelleschi, si bien nunca se terminó su fachada y la parte
sur del transepto, la cabecera y los añadidos del lado norte
(la biblioteca medicea) son obra de Miguel Ángel, casi un
siglo después.
• En la decoración interior intervinieron también relevantes
artistas florentinos de la época: Donatello, Verrochio…
• La basílica se halla muy cerca de la “sede” de los Médici, el
palacio Médici-Ricardi, y se puede considerar como su
“iglesia familiar”.

52. • Brunelleschi concibe ésta al modo romano original, pero
con un potentísimo uso de la perspectiva lineal que, debe
recordarse acababa de “redescubrir”.
• Desde la entrada todo confluye hacia el altar. Para lograr
esa sensación, la línea que marcan las arcadas o el
propio pavimento llevan al punto de fuga, el altar.
• Por otra parte, esa linealidad no implica “movimiento”: una
serena armonía se impone: utiliza un módulo cuadrado
(como en el Hospital de los Inocentes) definido en la
capilla vieja y que repite tal cual o dividiéndolo.
• Las columnas, de orden corintio

56. • La capilla vieja es obra también de Brunelleschi en 1420-
1429 y en ella destaca la armonía conseguida a partir de las
figuras geométricas regulares: el cuadrado y el círculo.
• La cúpula mayor está repartida en doce gajos, que
simbolizan los Apóstoles, mientras la tribuna pequeña,
sobrepasada por una cúpula pequeña que exprime la bóveda
del Cielo con los signos zodiacales, se distingue por tres
hornacinas alusivas a la Unidad y Trinidad de Dios.
• La decoración polícroma, con historias de S.Juan Evangelista
y los cuatro Evangelistas, es obra de Donatello, que hizo en
bronce también las dos puertas llamadas, por las figuras que
están ahí representadas, de los mártires, a la derecha, y de
los Apóstoles a la izquierda.
• La tumba de Piero y Giovanni de Medici, realizada a finales
de siglo por Verrochio.

59. • Como balance de la obra de Brunelleschi podemos resumir:
• La característica principal es el uso riguroso de las
matemáticas, lo que se traduce en una armonía de planos y
volúmenes así como de proporciones.
• Uso amplio de las líneas rectas, planos lisos y espacios
cúbicos. Este tipo de arquitectura de fachadas planas se
convirtió en un paradigma para la ejecución de la mayoría de
los edificios posteriores del Quattrocento florentino.
• Aunque al final de su carrera, sobre todo en edificios como la
basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) o la capilla
Pazzi (comenzada en 1441), abandonó el estilo lineal y
geométrico para adoptar otro más escultórico, su influencia
será total en artistas que, como Miguel Ángel, le reconocieron
como el primer arquitecto “moderno”.

61. • León Batista Alberti (1404-1472)
– Arquitecto y escritor italiano: el primer teórico del arte del
Renacimiento (Della pittura, 1436. De re aedificatoria,
1453 y hasta su muerte), y uno de los primeros en
emplear los órdenes clásicos de la arquitectura romana.
– Hijo de una familia noble florentina pero nacido en
Génova (en el exilio), tuvo estudios clásicos en Padua y
en Bolonia. Filósofo, poeta, músico… se movió siempre
entre los círculos más avanzados del humanismo de su
tiempo. En Florencia, frecuentó a Brunelleschi y a
Donatello, de los que fue amigo.
– Comenzó su labor arquitectónica tardíamente, con casi
50 años y en Roma. Y fue más, proyectista que
constructor, pues no participó ni visó las obras.

62. • León Batista Alberti (1404-1472)
– Dejó obras que terminaron sus discípulos como
• Fachada del templo Malatestiano (San Francisco), en
Rímini.
• La fachada de Santa María Novella, en Florencia.
• San Sebastiano, en Mantua.
• Palacio Rucellai, en Florencia
• San Andrés de Mantua
• Fachada de Santa María Anunzziata, en la plaza del
Hospedale degli Inocenti, en Florencia
• …
• E, incluso, recibió el encargo a mediados de siglo de
la gran reforma de San Pedro del Vaticano. La harían
otros a lo largo del siglo y medio siguientes.

63. • Es una de las primeras obras de Alberti (hacia
1450), si bien la fachada es de hacia 1465, al
tiempo que redactaba su obra De re aedificatoria).
• El constructor fue Rossellino.
• Se inspira en el palacio Medici-Ricardi de
Michelozzo, realizado una década antes. Mantiene
los “tres pisos” típicos del palacio florentino
• La fachada es de mampostería de arenisca
uniforme y plana, está subdividida horizontalmente
de modo progresivamente más complejo
• Está finamente decorada y los motivos decorativos
formales de orden clásico están sustituidos por las
armas de los Rucellai visibles en la clave de los
arcos de las ventanas

65. • En la planta baja utiliza lesenas de orden toscano
que dividen la superficie en espacios en los que se
abren las dos portadas (originalmente sólo había uno,
pero se duplicó simétricamente cuando se duplicó el
palacio y la fachada tras una adquisición de la familia y que
trastocó el sentido unitario que le había dado Alberti).
• Hay delante un banco de calle, un elemento que
además de resultar útil para los viandantes y
quienes esperaban audiencia para el negocio,
crea una especie de base para el palacio, como si
se tratara de un estilobate clásico. El respaldo del
banco reproduce el motivo del opus reticulatum
romano.
• El patio interior, utiliza el arco de medio punto tal y
como había sido usado por Brunelleschi.

67. • En el primer piso o planta noble, las lesenas son
de tipo jónico, y en el último, corintias.
• En ambos pisos las lesenas se alternan con
ventanas de medio punto, modeladas por arcos y
columnas bíforas.
• Las lesenas decrecen progresivamente en los
pisos más altos, lo que genera un efecto armónico
y estilizado en una calle tan estrecha como la que
tiene delante.
• La parte superior del palacio está rematada por
una cornisa que sobresale poco, sostenida por
ménsulas
• Los tres órdenes hacen pensar de modo bastante
claro en la estructura del Coliseo de Roma

71. • Realizada entre (1472-1494), sobre planos de
Leon B. Alberti tras su muerte.
• Aunque es una obra inacabada, demuestra
claramente que Alberti era un genio que se
adelantó a su época.
• En este edificio renuncia a la utilización de la
planta basilical de tres naves que Brunelleschi
había recuperado en su definición romana. La
planta es de cruz latina pero de una sola nave,
con enormes capillas laterales, y un inmenso
crucero.

73. • La fachada:
– el edifico se dispone sobre un podio; la estructura es todo
un ejercicio de eclecticismo al utilizar un esquema de arco
de triunfo rematado con una inopinada bóveda de cañón.
Esto es así debido a que la nave de la iglesia es más alta
que la fachada .
– Se conjugan dos esquemas: la fachada de un templo
romano y la estructura de un arco de triunfo. Quizás el
elemento más importante, por su papel unificador, son las
pilastras que enlazan todos los elementos de la fachada.
• El interior está inspirado en la basílica de Majencio:
– Bóveda de cañón con casetones.
– Las pilastras sustituyen a las columnas, consiguiendo una
mayor monumentalidad.
– El transepto está cubierto con una enorme cúpula sobre
pechinas.
– El edificio no es austero como los de Brunelleschi.

74. Fachada proyectada por Alberti y
fachada ejecutada luego.

77. Las capillas laterales, de un tamaño inusual en la época.

78. • Donato A. Bramante (1444-1514) nació en Urbino y falleció
en Roma. Recoge, por su formación todos los logros del
Quattrocento florentino (y de las otras ciudades italianas).
Por su obra, inaugura y lleva a plenitud el “renacimiento
clásico”, como en pintura lograrán Leonardo y Rafael.
• Trabajó en Milán, donde inauguró propiamente el
renacimiento arquitectónico (claustro de San Ambrosio; Sta.
María de las Gracias…), y consiguió implantar el clasicismo
en Roma. Recibió el encargo “de su vida” al proponerle el
Papa el levantamiento de la nueva basílica de San Pedro
del Vaticano.
• Esa querencia clásica le llevará a rescatar la planta central
en la convicción de que el círculo es la figura perfecta y
eterna (idea platónica).

80. • Fue encargado por los Reyes Católicos para
conmemorar la Toma de Granada en 1492,
levantándose en el lugar donde según la tradición
fue martirizado San Pedro.
• Esta obra se tiene como el manifiesto de la
arquitectura del clasicismo renacentista, dada su
pureza de líneas y austeridad decorativa. Se puede
apreciar que, si bien utiliza elementos del
clasicismo grecorromano, es una reinterpretación o
actualización del mismo: no es simplemente
“recuperación”, es una interpretación.
• El templete fue realizado en granito, mármol,
travertino, con acabados de estuco y revoco.

81. Alzado y planta del templete

82. • La edificación es de planta circular, e imita a los
martyria orientales, pues de hecho es un
martyrium.
• El templete se levanta sobre una escalinata
seguida de un corto podio sobre el que se eleva la
columnata o peristilo que envuelve a la cella. Ésta
está cubierta por una cúpula semiesférica.
• El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro
exterior decorado con nichos de remate
semicircular, de concha de venera, que alternan
con vanos adintelados para las puertas y las
ventanas, separados por pilastras, cada una de las
cuales se corresponde con una de las columnas
del peristilo.

83. • La planta circular imprime ritmo al edificio, tanto al
exterior como al interior: partiendo de la disposición
de tres puertas y el altar, situados en los extremos
de dos ejes de la planta circular, que se cruzan
perpendicularmente, cada paño de muro situado
entre dos puertas está ornado a su vez mediante
un vano (ventana central flanqueada por dos
nichos).
• Bramante parte de un módulo que no es una
medida sino una forma: el cilindro, pues cilíndricas
son las columnas, pórtico, balaustrada, cella y
tambor.

84. Este templete está situado en el
patio del convento de los
franciscanos (San Francisco al
Monte) y la tradición sitúa en ese
lugar la ejecución de Pedro, el
primer obispo de Roma y
discípulo de Jesucristo.
Bajo el templo está una cripta
que guardaría el lugar exacto
donde se clavó, invertida, su
cruz.
La elección de la planta circular,
pues, no es aleatoria: recuerda
los “marthirya” paleocristianos.

85. Detalle del módulo inferior: la
escalinata y el podium, las
columnas del peristilo (aquí las
dos anteriores a la puerta de
entrada de la cella), la puerta con
dos hornacinas y las pilastras
que enmarcan las ventanas. Las
columnas son de estilo toscano
(el dórico no tiene basa).
El entablamento circular que
recorre toda la cella y divide en
dos cuerpos el templete se
compone de “metopas”
(decoradas) y triglifos.
Sobre la puerta, la placa que señala
a los donantes como “reyes de
España”.

86. Detalle del módulo superior: la balaustrada, el tambor con sus
hornacinas exteriores y la cúpula.

87. Otras obras arquitectónicas representativas
del quattrocento italiano.

88. Capilla Pazzi, en Florencia.
Brunelleschi

89. Capilla Pazzi, en Florencia.

90. Palacio Medici-Ricardi, de
Michelozzo, Florencia.

91. Palacio Strozzi, Florencia.

92. Palacio Strozzi, Florencia.

93. Fachada de Sta. María de la Annunziata, en Florencia.
L. B. Alberti

94. Alberti: Santa María de la Gracia, Milán.

95. Alberti: Santa María de la
Gracia, Milán.

96. Palacio Strozzi, Florencia.

97. Fuentes
Internet:
http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/filippo_brunelleschi.html
http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=26
http://www.educared.net/universidad/asp_problemas/problemasvisualizar.asp?idAsignatu
ra=9&idProblema=597
http://web.educastur.princast.es/ies/arzobisp/Alumnos/HISTORIA/PDF/Hospital%20de%20
los%20inocentes.pdf
http://www.firenzeviva.com/San_Lorenzo/san_lorenzo_esp.htm
http://aprendersociales.blogspot.com/2008/02/la-baslica-de-san-lorenzo-de.html
http://www.cprcalahorra.org/alfaro/Comentarios/33-San%20Lorenzo/San%20Lorenzo.pdf
http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/leon_battista_alberti.html
http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/donato_bramante.html