Cine americano (1945 1970). Ricardo Jimeno Aranda

Cine americano
(1945-1970)
Caza de brujas y manierismo
Evolución de los géneros y directores
Ocaso del clasicismo y transición a la modernidad
Historia del Cine Mundial Ricardo Jimeno Aranda 2020 © 1
RICARDO JIMENO ARANDA
UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID
HISTORIA DEL CINE

Contexto político: La
Guerra Fría
Al terminar la Segunda Guerra Mundial, con la nueva configuración
de bloques, en torno a Estados Unidos y a la Unión Soviética, va a dar
lugar el inicio de la Guerra Fría, que se extenderá en diversas etapas
hasta el colapso de la URSS al final de los años 80. Durante este
periodo, se produce además, especialmente en los años 50 y 60, un
miedo generalizado a que estalle una guerra nuclear.
Hollywood en este ámbito va a adoptar una política de elaboración
de una serie de películas anticomunistas, muy ideologizadas, dentro
de múltiples géneros, incluso en la ciencia-ficción; y va a introducir
entre sus temáticas el pánico a la guerra atómica.

Contexto político:
La caza de brujas
Una de las consecuencias de la fiebre anticomunista desatada fue la
llamada “Caza de brujas” o el “macartismo”, denominado así porque uno
de sus principales impulsores fue el senador McCarthy.
Consistió en la persecución de supuestos comunistas en todas las esferas
sociales, profesionales y culturales americanas, y tuvo especial incidencia
en el mundo del cine.
Las productoras establecieron listas negras. Los que aparecían en ellas
(guionistas, actores, técnicos, directores) tenían prohibido trabajar.
El Comité de Actividades Antiamericanas llamó a declarar a centenares de
personas, bien como testigos amistosos, que “daban nombres” de
supuestos comunistas, o como “inamistosos”, que eran los sospechosos.
Los denominados “diez de Hollywood” fueron un grupo de cineastas que
fueron encarcelados por negarse a declarar y a dar nombres de
compañeros.
Otros cineastas, como Elia Kazan o Robert Rossen, decidieron finalmente
aceptar su pertenencia pasada al Partido Comunista y dar nombres, lo que
les supuso volver a ser aceptados en la industria.
Dalton Trumbo, el más famoso de los guionistas de Hollywood, declarando
ante el Comité que ordenaría su ingreso en prisión.
Manifestantes pidiendo la liberación de los “Diez de Hollywood”.

Contexto social y
tecnológico:
La llegada de la TV y el
American Way of Life
En otro orden, los años 50 suponen la
consolidación de la televisión en Estados
Unidos, lo que produce un descenso de
espectadores de cine, y un desarrollo
industrial y económico que apuntala el “Estilo
de vida americano” y la típica imagen,
proyectada por el cine en comedias y
melodramas, de ese modo de vida (casas
unifamiliares, familias perfectas,
electrodomésticos modernos…).
Para hacer frente al uso de la televisión,
Hollywood trata de competir con la extensión
general del cine en color, los formatos
panorámicos (como el Cinemascope), el
sonido estéreo, y las grandes
superproducciones rodadas en exteriores,
además del 3-D, entonces muy rudimentario.
Fotograma, que demuestra el aprovechamiento del Cinemascope, con la pantalla dividida, de Confidencias
a medianoche (Pillow Talk, Michael Gordon, 1959), una comedia típica de la época, exponente del
American Way of Life, con la famosa pareja formada por Rock Hudson y Doris Day
Cartel promocional de la primera película
en Cinemascope: La túnica sagrada (The
Robe, Henry Koster, 1953), que muestra la
espectacularidad de está técnicaHistoria del Cine Mundial Ricardo Jimeno Aranda 2020 © 4

Contexto estético y
temático: el
clasicismo manierista
El cine de este periodo sigue siendo clásico, pero se
abandona la forma pura inicial (de los años treinta, por
ejemplo) por un retorcimiento estilístico, un barroquismo
estético y temático que revela la angustia de la realidad.
“Las formas clásicas siguen presentes, pero ya no es
vigente su ley, pues es objeto de constantes ejercicios
transgresores, que pueden consistir, como sucede en
Hitchcock, en un juego malabarista de la narración, o
como en el caso de Douglas Sirk, en un determinado
trabajo de la representación a través de la metáfora, la luz
y el espejo”. (Jesús G. Requena)
De entre temas ya vistos previamente (que formarían
parte de este contexto), el cine negro, la obra de
Hitchcock, o el western psicológico, como Solo ante el
peligro (High Noon, Fred Zinneman, 1952), son ejemplos
de esta idea manierista.
Fotograma de Topaz (id., 1969), uno de los últimos films de Alfred Hitchcock
Sólo el cielo lo sabe (All That Heaven Allows, 1955), uno de los melodramas representativos de Sirk

Billy Wilder
(1906-2002)
Uno de los cineastas más importantes de toda la historia del cine, cuya
obra destaca especialmente en este periodo.
Wilder nace en Austria y emigra a Estados Unidos durante los años
treinta, huyendo del nazismo. Inicialmente trabaja como guionista en
películas de Lubitsch (Ninotchka) o Howard Hawks (Bola de fuego),
entre otras.
Wilder trabaja indistintamente en varios géneros, pero es reconocido
fundamentalmente como maestro de la comedia y del cine negro, por
su inventiva y agudeza, con estructuras narrativas, guiones y diálogos
geniales, y una habilidad innata para ponerlos en escena.
https://www.youtube.com/watch?v=
a1n2qXJyUBs
Entrevista con Billy Wilder (15 min.)

Películas de Billy Wilder
Entre las obras más destacadas de Wilder se encuentra
Perdición (Double Indemnity, 1943), una de las obras
fundacionales del cine negro, escrita junto al novelista
Raymond Chandler, o El crepúsculo de los dioses (Sunset
Boulevard, 1950).
https://ok.ru/video/377666472529 (Perdición)
https://ok.ru/video/371312954088 (El crepúsculo de los dioses)
En los años cincuenta rueda dos comedias románticas muy
conocidas con Audrey Hepburn como protagonista: Sabrina
(id., 1954), una especie de versión de La Cencienta, en donde
está acompañada por Humphrey Bogart y William Holden, y
Ariane (Love in the Afternoon, 1957), donde su partenaire es un
maduro Gary Cooper, siendo está su película más cercana al
universo de Lubitsch
https://ok.ru/video/264605272739 (Sabrina, en inglés)

Películas de Billy Wilder
Sus comedias más brillantes, no obstante, las rodará entre finales de los 50 y el final de
su carrera:
Con faldas y a lo loco (Some Like it Hot, 1959) https://ok.ru/video/96118704721
El apartamento (The Apartment, 1960) https://ok.ru/video/240629189201
Uno, dos, tres (One, Two, Three, 1961) https://ok.ru/video/1579761011273
Irma, la dulce (Irma, la Douce, 1963) https://ok.ru/video/303874640465
Bésame, tonto (Kiss Me Stupid, 1964) https://ok.ru/video/230717065809
En bandeja de plata (The Fortune Cookie, 1966) https://ok.ru/video/373582334545
La vida privada de Sherlock Holmes (The Private Life of Sherlock Holmes, 1970)
https://ok.ru/video/391556500049
¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (Avanti, 1972)
Primera plana (The Front Page, 1974) https://ok.ru/video/94993975889

EL CREPÚSCULODE LOSDIOSES (SUNSET BOULEVARD, BILLY WILDER, 1950)

EL APARTAMENTO(THE APARTMENT, BILLY WILDER, 1960)

Evolución del
cine musical
En este periodo del clasicismo, el musical vive
uno de sus periodos de esplendor,
particularmente a partir de la serie de musicales,
producidos por Arthur Freed, para la Metro-
Goldwyn-Mayer, entre finales de los 40 y finales
de los 50, que cuentan con estrellas como Gene
Kelly, Fred Astaire, o Cyd Charisse, dirigidos por
Stanley Donen o Vincente Minnelli.
Son comedias musicales con extraordinarias
coreografías y un sentido del color y del
dinamismo que transmiten a la perfección la
alegría de vivir y un positivismo sobre el sueño
americano.
Destacan films como Cantando bajo la lluvia
(Singin’ in the Rain, S. Donen y Gene Kelly, 1952),
Un americano en París (An American in Paris, V.
Minnelli, 1951) o Melodías de Broadway 1955
(The Band Wagon, V. Minnelli, 1953).
https://ok.ru/video/95829494353 (Un americano
en París)
https://ok.ru/video/1282676951625 (Melodías
de Broadway 1955)
Leslie Caron y Gene Kelly en una escena del ballet final
de Un americano en París (V. Minnelli, 1951)
Otro ejemplo cumbre: Siete novias para siete hermanos
(Stanley Donen, 1955), filmada en Cinemascope.
Cyd Charisse y Fred Astaire en
Melodías de Broadway 1955 (V.
Minnelli, 1953)Historia del Cine Mundial Ricardo Jimeno Aranda 2020 © 11

Número musical de
Bodas reales (Royal
Wedding, Stanley
Donen, 1951), con
Fred Astaire

Número musical de
Melodías de
Broadway 1955
(The Band Wagon,
Vincente Minnelli,
1953), con Fred
Astaire y Cyd
Charisse

Evolución del cine musical
Además de los musicales de la Metro-Goldwyn-
Mayer, al final de los años cincuenta y durante los
60, se pondrá de moda la realización de grandes
superproducciones musicales, que adaptan éxitos
previos del teatro de Broadway.
Son títulos muy conocidos en la historia del cine,
como West Side Story (id., Robert Wise y Jerome
Robbins, 1961), My Fair Lady (id., George Cukor,
1964) o Sonrisas y lágrimas (The Sound of Music,
Robert Wise, 1965).
Al final de los sesenta, varios fracasos harán entrar
el género en un cierto declive.
https://ok.ru/video/30676486847 (West Side Story, en inglés)
https://ok.ru/video/31879203358 (My Fair Lady, en inglés)
https://ok.ru/video/1205783431796 (Sonrisas y lágrimas)
Audrey Hepburn y Rex Harrison en My Fair Lady (George Cukor, 1964), uno de
los musicales de más éxito, y de los mejores, de la historia del cine

Número musical de
West Side Story
(Robert Wise y
Jerome Robbins,
1961).

Número musical de My Fair Lady
(George Cukor, 1964).

Elia Kazan (1909-2003)
Cineasta de origen griego, formado en el teatro, cuya filmografía es
el ejemplo perfecto de la construcción psicológica de la puesta en
escena. Trabaja con muchos de los nuevos talentos interpretativos,
como Marlon Brando o James Dean, surgidos del Actor’s Studio, que
incorporan el llamado “método”, que consiste en una técnica de
actuación basada en la introspección a partir de las teorías de
Stanislavski.
Kazan se vio envuelto en la “caza de brujas” y fue muy polémica su
reacción, cuando decidió declarar y dar nombres de colegas.
En su filmografía destacan:
Un tranvía llamado deseo (A Streetcar Named Desire, 1951)
La ley del silencio (On the Waterfront, 1954)
Al este del Edén (East of Eden, 1955)
América América (id., 1963).
https://ok.ru/video/1565572991686 (solo inglés)
Eva Marie Saint y Marlon Brando en La ley del silencio (Elia Kazan, 1954), obra
de gran éxito, que obtuvo 7 Oscar.
Vivien Leigh y Marlon Brando en Un tranvía
llamado deseo (Elia Kazan, 1951), adaptación de la
obra de teatro de Tennessee Williams.

Fragmento de Al este del Edén (Elia
Kazan, 1955).

Nicholas Ray (1911-1979)
Ray, como Kazan, es otro de los cineastas que despuntan en
los años cincuenta. Su cine es una de las cumbres del
manierismo.
En sus películas aborda una de las temáticas más de moda en
la época, la de los adolescentes problemáticos, como su
ópera prima, Los amantes de la noche (They Live by Night,
1947), o en la mítica Rebelde sin causa (Rebel Without a
Cause, 1955), protagonizada por James Dean.
Una de sus obras fundamentales es el western Johnny Guitar
(id., 1954), con dos atípicos personajes de mujer, que
introduce elementos melodramáticos, un aire de cuento de
hadas, y un uso del color muy expresivo.
Al final de su carrera rodó grandes superproducciones
históricas para Samuel Bronston, productor afincado en
España.
https://ok.ru/video/3315702368768 (Johnny Guitar,
inglés)
https://ok.ru/video/328602159750 (Rebelde sin causa)
Joan Crawford en Johnny Guitar (Nicholas Ray, 1954).

Fragmento de Johnny Guitar (Nicholas Ray, 1954).

John Huston
(1906-1987)
Huston, perteneciente a una saga de artistas (su padre es el actor
Walter Huston y sus hijos y nietos también son actores) es uno de
los cineastas más icónicos del periodo clásico.
Su obra es muy heterogénea, pero sus historias tienen en común el
estudio de la ambición, y normalmente retrata historias de
perdedores en ambientes criminales o aventureros.
De su larga obra, que se inicia con El halcón maltés (The Maltese
Falcon, 1941 https://ok.ru/video/1282437679689), obra
fundacional del cine negro, que lanza al estrellato a Humphrey
Bogart, y se cierra con Dublineses (The Dead, 1987), adaptación de
James Joyce, protagonizada por su hija Anjelica, pueden destacarse:
Cayo Largo (Key Largo, 1948) https://ok.ru/video/312460053073
El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of Sierra Madre, 1948)
La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle, 1950) https://ok.ru/video/96189876817
La reina de África (The African Queen, 1951) https://ok.ru/video/379672726097
Vidas rebeldes (The Misfits, 1961) https://ok.ru/video/1359872264895
El hombre que pudo reinar (The Man Who Would Be King, 1975).
Foto del rodaje de Vidas rebeldes (The Misfits,
1961), último film de Clark Gable y Marilyn
Monroe

Pieza sobre La reina de África (John Huston, 1951).

El melodrama manierista
Uno de los géneros más emblemáticos del periodo es el
melodrama, que con sus retratos de problemáticas sociales entre
clases altas y bajas, raciales, o sentimentales, reflejan el pulso de la
sociedad de la época, y son ejemplo perfecto de la estética
manierista.
Uno de los cineastas más interesantes del género es Douglas Sirk,
de origen alemán, que gracias a su refinamiento, convierte tramas
folletinescas e imposibles (típicas de los culebrones televisivos en
los que influirán notablemente) en obras de arte, con gran
influencia en el cine de la modernidad (Fassbinder) o de la
posmodernidad (Almodóvar).
Otros melodramas muy notables son Eva al desnudo (All About
Eve, Joseph L. Mankiewicz, 1950), o el melodrama musical Ha
nacido una estrella (A Star Is Born, George Cukor, 1954), segunda
versión de la historia, y probablemente la mejor.
https://ok.ru/video/358053775953 Eva al desnudo
https://ok.ru/video/96463161937 Ha nacido una estrella
https://ok.ru/video/215227238993 Escrito sobre el viento (D. Sirk, 1956)
https://ok.ru/video/342890515025 Imitación a la vida (D. Sirk, 1959)
Imitación a la vida (1959), el último film de
Sirk, y uno de sus melodramas más famosos
Bette Davis, una primeriza Marilyn Monroe, y George
Sanders en Eva al desnudo (Joseph. L Mankiewicz,
1950), drama sobre las interioridades del teatro
Judy Garland en una escena de Ha nacido una estrella (George Cukor, 1954), que demuestra de
nuevo el potencial estético del uso del Cinemascope.

INFLUENCIA DEL MELODRAMA MANIERISTA EN LA MODERNIDAD Y LA POSMODERNIDAD
Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, 1950) Imitación a la vida (Douglas Sirk, 1959)
La ley del más fuerte (R.W. Fassbinder, 1975) Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999)Historia del Cine Mundial Ricardo Jimeno Aranda 2020 © 25

La comedia sofisticada
Otro género que destaca en este periodo, y que muestra
precisamente, tanto el reflejo satírico de la sociedad americana,
como las formas estéticas manieristas es la comedia.
Además de Billy Wilder, destacan películas como Mi desconfiada
esposa (Designing Woman, Vincente Minnelli, 1957), evolución
manierista de la screwball comedy; cómicos, herederos del
slapstick, como Jerry Lewis, primero dirigido por Frank Tashlin y
luego por él mismo, que encarna siempre a personajes inocentes y
torpes.
Blake Edwards:
Uno de los mejores directores de comedia de la historia del cine.
Dirige Desayuno con diamantes (Breakfast at Tiffany’s, 1961),
cumbre de la comedia romántica, y es el epítome de la comedia
disparatada de los 60, con títulos como La carrera del siglo (The
Great Race, 1965), El guateque (The Party, 1968), o la saga de la
Pantera Rosa, entre otros films de notable interés en otros géneros.
https://ok.ru/video/362384853585 Mi desconfiada esposa
https://ok.ru/video/397322226257 Desayuno con diamantes
https://ok.ru/video/377612339759 El guateque
Gregory Peck y Lauren Bacall en una escena de Mi desconfiada esposa (V. Minnelli,
1957), cumbre de la estilización en Cinemascope y muestra del famoso “rojo” Minnelli.
Jerry Lewis en una de sus películas más famosas,
dirigida por él mismo, El profesor chiflado (The
Nutty Professor, 1963).

Fragmento de El guateque (Blake Edwards, 1968).

La ciencia ficciÓn
y el cine
fanTÁstico
Este género en este periodo está asociado claramente a la serie B, es decir a
una gama de películas de bajo presupuesto, realizadas por pequeñas
productoras, con actores de segundo nivel.
La ciencia-ficción se decanta por extraer todas las posibilidades del pánico
nuclear, y del contexto de la Guerra Fría, planteando las invasiones
extraterrestres o el ataque de monstruos mutantes, como metáforas de la
situación política. La obra maestra de este tipo de films es La invasión de los
ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, Don Siegel, 1956).
Destaca también El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking
Man, Jack Arnold, 1957).
Cabe citar aquí a un maestro de la serie B, Jacques Tourneur, que había
revolucionado el género fantástico y de terror en los 40 con La mujer pantera
(Cat People, 1942) o Yo anduve con un zombi (I Walked with a Zombie, 1943) y
que dirigiría en Inglaterra otro clásico del cine fantástico, La noche del
demonio (Night of the Demon, 1957).
https://ok.ru/video/1187699886682 (La invasión de los ladrones…)
https://ok.ru/video/219952777809 (El increíble hombre menguante)
https://ok.ru/video/577259244113 (Ultimátum a la Tierra, 1951)
https://ok.ru/video/1750691220049 (La mujer pantera)
El género se renovará completamente a partir del hito que supone 2001, una
odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, Stanley Kubrick, 1968) o de films
como El planeta de los simios (Planet of the Apes, Franklin J. Schaffner,
1968), ya en el filo del cine moderno.
Una escena de El increíble hombre menguante
(Jack Arnold, 1957).

Tráiler de El
increíble hombre
menguante (Jack
Arnold, 1957).

Grandes films
épicos y
externalización del
rodaje
Una de las características del cine de los años 50 es la búsqueda de mayor
espectacularidad para competir con la televisión, para ello se empiezan a producir
grandes superproducciones épicas, ambientadas en el pasado histórico, en la época de
Cristo, en la Antigua Roma, o en Egipto, que se ruedan en exteriores naturales.
Buscando nuevos escenarios, y tratando de abaratar los costes de la producción, muchos
rodajes se externalizan. Es por esto que Italia y España se convertirán en lugares
recurrentes para el rodaje de exteriores de las grandes películas americanas.
Entre los títulos más populares de esta tendencia se pueden encontrar Ben-Hur (id.,
William Wyler, 1959), Espartaco (Spartacus, Stanley Kubrick, 1960) o Cleopatra (id.,
Joseph L. Mankiewicz, 1962).

Fragmento de
Ben-Hur (William
Wyler, 1959).

Ocaso del clasicismo
A mediados de los años sesenta, se produce el
final definitivo del clasicismo antes de la
irrupción de la modernidad y del nuevo cine
americano.
Algunas obras elegiacas, de cineastas en el final
de su carrera, son simbólicas en este sentido, por
su sentido crepuscular, o melancólico con
respecto al clasicismo original.
Uno de los casos más evidentes es el cine de
John Ford, con dos westerns testamentarios, El
hombre que mató a Liberty Valance (The Man
Who Shot Liberty Valance, 1962) y El gran
combate (Cheyenne Autumn, 1964), western de
homenaje a los indios, o su último y atípico film
Siete mujeres (7 Women, 1967).
Otras películas aprovechan iconos del clasicismo
puro en su madurez, como es el caso de ¿Qué
fue de Baby Jane? (What Ever Happened to Baby
Jane? Robert Aldrich, 1962), de aire
fantasmagórico, o de la citada Vidas rebeldes, de
John Huston.
https://ok.ru/video/1347876817489 El hombre que mató a
Liberty Valance
https://ok.ru/video/240802007686 ¿Qué fue de Baby Jane?
Dos escenas de El hombre que mató a Liberty Valance (John Ford, 1962). En la primera, la muerte del cowboy, con
su ataúd en primer término, simboliza el fin de lo salvaje y la llegada de la civilización, metáfora del fin del
clasicismo. En la segunda, Lee van Cleef, que se convertiría poco después en una estrella del spaghetti western,
junto a John Wayne.
Joan Crawford y Bette Davis, dos veteranas estrellas, en
¿Qué fue de Baby Jane? (1962)
Anne Bancroft, mujer empoderada, que lidera el reparto
femenino de la atípica Siete mujeres, último film de Ford.

Del clasicismo a la modernidad Paralelamente, se produce un relevo, con la aparición
de nuevos directores, que van a actuar como puente
entre el manierismo y la modernidad. Sus primeras
películas se integran en el clasicismo, y
progresivamente irán realizando obras claramente
modernas.
Algunos inician su carrera en el cine clásico y
evolucionan hacia la modernidad, como Stanley
Kubrick o Sam Peckinpah.
Otros son la llamada “Generación de la Televisión”,
porque la mayoría comenzaron su carrera como
realizadores de televisión, entre los que se puede
destacar a Arthur Penn (El milagro de Ana Sullivan, -
The Miracle Worker, 1962-) Sidney Lumet (Doce
hombres sin piedad –Twelve Angry Men, 1957-),
Robert Mulligan (Matar a un ruiseñor –To Kill a
Mockingbird, 1962-) o Delbert Mann (Marty, 1955),
que introducen historias mínimas, con cierta
influencia neorrealista, alejadas de la espectacularidad
de otras propuestas.
https://ok.ru/video/2227143445073 Matar a un ruiseñor
https://ok.ru/video/2092197546526 12 hombres sin piedad
Gregory Peck, como el abogado Atticus Finch,
defensor de los derechos civiles, en Matar a un
ruiseñor (Robert Mulligan, 1962)
Ernest Borgnine interpreta a un sencillo carnicero en
Marty (Delbert Mann, 1955), pequeño film que ganó
el Oscar a la mejor película.
El jurado deliberando en Doce hombres sin piedad
(1957) Historia del Cine Mundial Ricardo Jimeno Aranda 2020 © 33

STANLEY KUBRICK
(1928-1999)
Kubrick es sin duda uno de los cineastas más
importantes de la historia del cine, con un estilo estético
que irá refinando a lo largo de su carrera, convirtiéndose
en el paradigma del creador cinematográfico total.
Kubrick tiene una obra muy personal y singular, que
transita precisamente desde el clasicismo manierista en
sus primeros films, y la modernidad, que él mismo
inaugura a partir de obras como 2001, una odisea del
espacio (1968).
Tras dos películas de serie B, casi semiprofesionales,
Kubrick dirige uno de los grandes clásicos del cine negro,
Atraco perfecto (The Killing, 1955), que es su primera
película importante.
Posteriormente, producidas por el actor Kirk Douglas,
que las protagoniza, dirigirá una de sus obras maestras
más perfectas, Senderos de gloria (Paths of Glory, 1957),
cumbre del cine bélico, y la película épica Espartaco
(Spartacus, 1960), que contribuye a terminar con las
listas negras de la Caza de brujas.
https://www.rtve.es/alacarta/videos/informe-
semanal/informe-semanal-leyenda-kubrick/1330271/
Reportaje sobre Kubrick
https://ok.ru/video/1381512251994 Atraco perfecto
https://ok.ru/video/913262119554 Senderos de gloria
https://ok.ru/video/1162612443849 Espartaco (1)
https://ok.ru/video/1307896842953 Espartaco (2)

STANLEY KUBRICK
Posteriormente, Kubrick dirige dos títulos que avanzan
ciertas claves de la modernidad, y que generan ciertas
polémicas, particularmente Lolita (id., 1962), controvertida
adaptación de la novela homónima de Nabokov, y Teléfono
rojo, ¿volamos hacia Moscú? (Dr. Strangelove (…), 1964),
sátira cómica de la Guerra Fría.
Su siguiente film 2001, una odisea del espacio (2001: A
Space Odyssey, 1968) marca un punto de inflexión para la
ciencia-ficción, al dotar al género de una mirada adulta y
filosófica, de efectos especiales realistas, y generar una
estética muy influyente durante décadas.
En 1971 dirige otro de sus films más populares, La naranja
mecánica (Clockwork Orange), prohibida en algunos países
por su violencia, y que marca otro hito estético en su
carrera.
https://ok.ru/video/1720768268881 2001
La naranja mecánica

STANLEY KUBRICK Sus siguientes films están muy
distanciados en el tiempo. Kubrick se
convierte en un perfeccionista obsesivo
al que le cuesta mucho tiempo y mucho
trabajo levantar sus proyectos.
Así, dirigirá Barry Lyndon (id., 1975),
historia épica de un aventurero inglés
en el siglo XVIII, con una impresionante
fotografía.
La adaptación de la novela de Stephen
King, El resplandor (The Shining, 1980),
hito del cine de terror, con Jack
Nicholson como enloquecido psicópata.
Su particular visión de la guerra de
Vietnam en La chaqueta metálica (The
Full-Metal Jacket, 1987) y su último film,
Eyes Wide Shut (id., 1999), relato
onírico de la descomposición de un
matrimonio.
Barry Lyndon
La chaqueta metálica
Eyes Wide Shut

Fragmento de 2001:
una odisea del
espacio (Stanley
Kubrick, 1968)

SAM
PECKINPAH
(1925-1984)
Otro renovador del clasicismo, de gran influencia en el cine norteamericano,
particularmente por sus westerns y sus thrillers.
Para de un clasicismo crepuscular en su primer gran film Duelo en la Alta
Sierra (Ride the High Country, 1962) y evoluciona hacia la modernidad, a
partir de un sentido poético de la violencia y de las relaciones personales
entre los personajes, así como de elementos formales, como el montaje o el
uso de la banda sonora.
Sus principales films, ya modelos de modernidad, son Grupo salvaje (The Wild
Bunch, 1969), La balada de Cable Hogue (The Ballad of Cable Hogue, 1971) o
Pat Garrett & Billy the Kid (id., 1973).
https://www.jotdown.es/2012/08/sam-peckinpah-caida-al-abismo-en-ralenti/
https://ok.ru/video/1290978855497 Grupo salvaje

Fragmento de Pat
Garret & Billi the Kid
(Sam Peckinpah,
1973)

La primera edad
dorada de la televisión
Durante los años 50 y 60, la televisión norteamericana encara su primera
edad de oro, llegando a millones de espectadores.
En este periodo se popularizaron los programas informativos y de
variedades, pero sobre todo los de ficción, que replicaban la estructura
por géneros del cine, alumbrando su propio star-system.
Entre las series más famosas, pueden citarse I Love Lucy (1951-57), la
primera sitcom de éxito, producida y protagonizada por Lucille Ball, que
además fue la primera filmada con público, y la primera que utilizó el
sistema multicámara. También destacan otras joyas como Alfred
Hitchcock Presents (1955-1965), que popularizo mucho al director, o
Dimensión desconocida (The Twilight Zone, 1959-1964), que incidía en el
contexto de ciencia-ficción y pánico nuclear ya comentado.
Otras series muy populares de los sesenta fueron Misión imposible (1966-
1973) o El Santo (1962-1969) en el género de intriga, o Bonanza (1959-
1973) dentro del western.
Primer capítulo de The Twilight Zone
Primer capítulo de Alfred Hitchcock Presenta

Cine americano (1945 1970). Ricardo Jimeno Aranda

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