Este documento describe la escultura griega y su evolución a través de los períodos arcaico, clásico y helenístico. En el período arcaico, las esculturas más representativas eran los kouroi y korai, que mostraban un ideal de belleza física. Con el tiempo, las esculturas se hicieron más dinámicas y expresivas. En el clásico, se desarrolló el contrapposto y se logró mayor naturalismo. La escultura helenística fue más realista en la expresión de emociones

1. ESCULTURA GRIEGA

2. LA ESCULTURA COMO BÚSQUEDA Y
EXPRESIÓN DEL IDEAL DE BELLEZA GRIEGO
BELLEZA VOLUMEN
EL CUERPO HUMANO
DESNUDO
EXPRESIÓN MOVIMIENTO

3. LA ESCULTURA GRIEGA: LA EVOLUCIÓN DEL IDEAL
DE BELLEZA A TRAVÉS DE LA ESCULTURA. (Contenidos
teóricos)
CARACTERÍSTICAS
GENERALES DE LA
ESCULTURA GRIEGA:
 Las raíces son orientalizantes y
presentan una clara influencia
egipcia .
 La constante evolución hizo que
pronto se distanciara de los modelos
iniciales, creando un mundo de
formas nuevo y original .
 Los artistas griegos partieron de lo ya
realizado por asirios, babilonios y
egipcios, para desarrollar su propio
lenguaje , definido por una
permanente búsqueda de nuevas
soluciones para representar la
figura humana.

4.  La representación de la figura
humana como encarnación de la
belleza física y el equilibrio
espiritual .
 La representación del hombre atlético
y bien proporcionado se corresponde
con el ideal varonil del hombre
guerrero y deportista .
 La belleza se concibe como medida,
proporción entre las partes (el
Canon) .
 La anatomía humana se representa
de forma armoniosa e idealizada .
 Estamos, por tanto, ante la plasmación
de un IDEAL DE BELLEZA
ANTROPOMÓRFICA .

5.  El artista griego busca la
expresión , entendida como la
exteriorización de los
sentimientos ; en la expresión se
funde la dimensión espiritual
del hombre con su cuerpo.
 Pero se trata, también, de una
EXPRESIVIDAD
IDEALIZADA , donde sólo cabe
la quietud y la serenidad de
ánimo, el equilibrio perfecto
entre la belleza física y la
belleza espiritual . Será en la
época helenística cuando el
artista rompa este corsé expresivo
para plasmar los sentimientos
humanos de forma realista y
menos idealizada.

6.  El artista griego, partiendo de la rigidez y el estatismo oriental que
evidencian las primeras esculturas del período arcaico ( Kouroi y Korés ), tratará
de REPRESENTAR EL MOVIMIENTO. Ensayará todas las posibilidades
plásticas del dinamismo: figuras que se doblan para adaptarse al marco
arquitectónico (muros, frontones, etc.), grupos donde las figuras se
relacionan de forma dinámica ; representación de la tensión muscular , la
flexibilidad de los miembros, la agilidad , etc. La representación del
movimiento reforzará los valores expresivos de la escultura griega.

7.  El artista griego se mostrará
profundamente preocupado por
la REPRESENTACIÓN DEL
VOLUMEN .
 Pronto romperán con la
frontalidad egipcia .
Concebirán la escultura como
una forma que debe ser
contemplada desde todos
los ángulos y puntos de vista
posibles.
 De ahí que la mayor parte de la
escultura griega sea
exenta (salvo los frisos con
relieves de los muros o los
conjuntos de los frontones).

8.  Los MATERIALES
empleados por los
artistas griegos son: la
piedra caliza (talla )
en la época arcaica y el
bronce (modelado a
partir de la técnica
de la cera perdida ) y
mármol blanco en la
plenitud del
clasicismo .
 Muchas de las obras
griegas que conocemos
nos han llegado a
través de copias
romanas en mármol
de originales en
bronce .

9. LA EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA
Las etapas establecidas son las mismas que ya hemos planteado para la
arquitectura:
Arcaico : hasta el s. V a
de C.
Clásico : s. V-IV a de
C.
Helenístico : fines s. IV a. de C. y
hasta la conquista romana (s. I a de C.)

10. EL PERÍODO ARCAICO (s. VII-VI a de C.).
 Las creaciones más
representativas de este
período don los llamados
KOUROI O KURÓS (jóvenes
atletas desnudos) y las KORÉ
(mujeres vestidas,
sacerdotisas).
 Unidad de estilo , a pesar de
la diversidad de centros
artísticos.
 El desnudo masculino se
convertirá en uno de los
convencionalismos básicos
del arte griego, al representar el
ideal de belleza
antropomórfica que anima
toda la escultura. El desnudo
femenino no aparece hasta el
clasicismo tardío, en el s. IV.

11. Descripción de un KÓUROI O KURÓS
(convencionalismos)
 Punto de partida: la concepción egipcia:
rigidez y frontalidad. Monumentalidad .
 Las figuras se presentan con los brazos
pegados al cuerpo y la pierna izquierda
ligeramente adelantada . Son como
bloques cerrados , de donde la figura humana
apenas puede desprenderse.
 Simetría en la composición , evitando
torsiones y giros de la figura.
 Disposición geométrica de los cabellos .
 Ojos almendrados y globulares.
 Rigidez de las articulaciones .
 Sonrisa arcaica .
 Representación naturalista de la figura
humana : modelado de los músculos ,
tratamiento de las rodillas.

12. -"Kouros de Sounion"
(Ática):
Son más descriptivos
y demuestran el
interés de los
escultores por el
modelado.

13. Kuros de Anavysos
Predominan en él las
formas blandas, más
naturales, todo ello
fruto de una
evolución estilística,
en la que, además,
deben ser valorados
detalles como el ojo
menos saltón, con la
mirada fija en un
punto, y la oreja
modelada conforme
a un criterio más
realista.
Kourós de Anavyssos (c 540-515 AC) (Atenas, National Museum)
policromado (pintado) mármol

15. Kleobis y Bitón

16. kourós

17. Durante el segundo cuarto del
S. VI dos obras, sin ser kouroi
en sentido estricto, acreditan la
evolución emprendida:
-"El Moscóforo“: joven que lleva
un ternero sobre los hombros.
Apariencia blanda y redondeada
de la superficie del mármol, a
diferencia de las aristas y
formas cúbicas preponderantes
en la etapa anterior

18. El joven del becerro
(Moscóforo), Museo
de la Acrópolis de
Atenas,
575-550 a. C.

19. El “Caballero Rampin”
con el que se alcanza la
cima de la primera etapa
del arcaísmo. Es la
estatua ecuestre más
antigua de Grecia. En
atención a la calidad y al
carácter oficial de la
representación se ha
querido identificar con
un personaje de la
aristocracia ateniense.
El Jinete Rampín
Museo Nacional de Atenas

20. La cabeza Rayet
A finales de esta etapa se
producen cambios
importantes, como el del
peinado. Se impone la moda del
pelo corto como una especie
de casquete adherido al
cráneo, cuya redondez acentúa
y se consigue una tensión
unitaria que salta del mentón a
los pómulos, de éstos a los
ojos y acaba en el contorno de
la bóveda del cráneo.

21. Kouros de Aristodikos
(h. 500 a.C.)
Postura más resuelta, relajada
y natural, a consecuencia de
tener los hombros
ligeramente cargados, el
pecho henchido y el estómago
plano.
Contorno de brazos y
costados ya no van paralelos,
lo que genera una relación más
compleja y rica entre sus
miembros, sin olvidar que el
modelado logra crear efectos
de auténtica relación entre la
estructura ósea y la carne.

22. LA TRANSICION AL SIGLO V
Representada por “El Efebo
de Kritios” y la aparición del
CONTRAPOSTO: esquema
definido por la contraposición
de los miembros a partir del
juego de piernas, que marca y
acusa la diferencia funcional
entre pierna de sostén, sobre
la que recae el peso del
cuerpo y, por tanto, se
mantiene tensa, y pierna
exonerada, que se flexiona

23. De la misma época que el
efebo de Kritios es:
-"La cabeza de efebo
rubio“, de cuya inclinación
y giro se deduce que la
obra respondía al mismo
criterio de frontalidad y
contraposto.

24.  Estatuaria votiva (figurillas de Descripción de una
terracota o piedra que se depositaban en KORÉ
la tumba a modo de ofrenda), de
pequeñas dimensiones .
 El cuerpo humano casi se reduce a un
tablero de mármol , con un leve
estrechamiento a la altura de las caderas
y un ligero abultamiento en el pecho. El
carácter de bloque cerrado es aún más
evidente.
 Son figuras poco expresivas , con una
tendencia a la idealización estática .
Las doncellas que presentan
 Su cabellera está formada por rígidas el peplo dórico (paño de lana
decorado que cubre las
guedejas . Sigue la moda egipcia de figuras a modo de toca), se
representar la cabellera en diferentes conciben de forma simétrica
pisos. y escasez de pliegues. Tienen
un aspecto más rígido. Las
que portan el peplo jónico
 El geometrismo es, como en el caso de (asimétrico), muestran mayor
las figuras masculinas, el rasgo más dinamismo, por el uso de las
característico de estas imágenes. diagonales y los pliegues
abundantes.

25. DAMA DE AUXERRE
Escultura realizada en piedra
caliza, de 0,65 m de altura, cuyo
pelo tiene un trenzado típico en
las korai, es decir un peinado con
trenzas rectas que le caen como
si fuera una peluca, lleva un
vestido ceñido a su cuerpo con un
manto sobre sus hombros. El
vestido tiene una simple
decoración geométrica por
incisión y sigue la idea de los
vestidos de diosas minoicas.
Fechada pocos años después
del 650 AC. Conservada en el
Museo del Louvre

26. En la primera mitad del S.
VI se dan algunos cambios,
el más llamativo de los
cuales es la pérdida de
relación entre el cuerpo y el
vestido, a consecuencia de la
frecuente superposición de
paños. Ejemplo claro es La
diosa de Berlín (aprox.580-
570 a.C.)

27. En ocasiones, más que el
cuerpo, resalta la identidad
y protagonismo del vestido,
a causa del esmerado
trabajo de los pliegues, que
dan a estas figuras
apariencia de fustes de
columnas. "Hera de Samos"
(h.570 a.C.).

28. "La Kore del Peplo“,
Kore con peplo dórico. C.
530 AC.
Obra maestra del
escultor al que se
atribuye el jinete
Rampín. Sus formas son
más suaves y naturales
en ojos y boca, y el
movimiento del brazo
izquierdo mitiga mitiga
la frontalidad.

29. KORÉ DE QUÍOS,
520 A.C.
MÁRMOL
POLICROMADO

30. "Hera," de Samos. C. 570 - 560 AC.
Kore con peplo dórico. C. 530 AC.
Kore, de Quios (?). C. 520 AC.

31. LA TRANSICION AL SIGLO V
-"Kore de Euthydikos“,
fechada en 490 a.C. y
relacionada con el mismo
escultor de la cabeza del
efebo rubio antes
comentada.

32. Recreación de una “Koré” policromada

33. LA ESCULTURA ARCAICA: EL
RELIEVE EN LOS FRONTONES.
Modalidad escultórica intensamente cultivada desde
comienzos de la época arcaica.
En un principio se utilizaron placas de cerámica
decoradas, pero pronto se pensó en la colocación de
figuras apoyadas en el saliente de la cornisa y
destacadas del fondo plano.
Surge entonces el problema de la composición
frontonal, puesto que al poner en práctica esa idea se
tropieza con el grave inconveniente representado por
la forma triangular del espacio a decorar.


34. Los primeros intentos de
solución se caracterizan
por:
ausencia de coordinación
entre las figuras.
graves distorsiones a
efectos de escala, ya que
el tamaño viene
determinado
convencionalmente por el
lugar que las figuras
ocupan en el frontón.
Frontón del templo de Artemisa en Corfú

35. •Hacia el 570 a.C. los escultores habían descubierto la forma
de paliarlo. Para ello recurren a figuras que por su propia
naturaleza o por las actitudes adoptadas (monstruos
serpentiformes, luchadores que se arrastran,...) encajan con
mayor naturalidad en las zonas cerradas y rincones del
frontón. “Tifón de tres cabezas".

36. “Los Barbazules ”
Figuras del templo de Hekatompedon
(Acrópolis Museum, Atenas) c 560 AC
Piedra caliza policromada

37. "El frontón del tesoro de los Siphnios", y otros, ilustran claramente
los pasos de la evolución durante el último cuarto del S. VI, que parte
de la sencilla secuencia de figuras verticales colocadas unas junto a
otras e inicia la búsqueda de relación y cohesión entre ellas y con el
espacio.

38. LA TRANSICION AL SIGLO V
LOS FRONTONES DEL TEMPLO DE
APHAIA EN EGINA
 Ambos frontones responden al mismo esquema
compositivo (simetría estricta, con Atenea presidiendo
en el centro y grupos de combatientes a los lados),
pero el frontón oriental supone el alejamiento
definitivo de los modelos arcaicos:
 Reducción de puntos de apoyo
 Verosimilitud del gesto, intensidad y cohesión del
movimiento
 Tratamiento de paños y cabello
 Plasticidad y capacidad para distinguir y cohesionar al
mismo tiempo estructura ósea, musculatura y
carnosidad

42. LA ESCULTURA ARCAICA:
LAS ESTELAS FUNERARIAS
Esta clase de monumento tiene
una estructura clara y sencilla,
integrada por un basamento, una
pilastra y un remate.

43. La decoración puede ir
esculpida en relieve, incisa o
pintada y presenta a las
figuras de perfil, por regla
general en actitudes alusivas
a la actividad que el difunto
desempeñó en vida. La estela
de Aristión (h.510) es la obra
maestra en este campo.

44. Estilo Severo
(480-450 a.C.)
 La producción característica de este estilo es la
estatua de bronce, de ritmo pausado, grave
compostura y modelado cuidadísimo, dos de
cuyos ejemplares más conocidos y
representativos nos han llegado en bastante
buen estado:

45. Nacimiento de Venus. Trono
Ludovisi. 460 a. C Museo Nazionale Romano, Roma,

46. La designación trono es convencional y responde a la forma de la pieza que consta de
una cara principal y dos alas laterales. La cara principal, aquí reproducida representa con
toda probabilidad el Nacimiento de Afrodita, que emerge del mar ayudada por las Horas.
El relieve es muy bajo y se desarrolla casi en un único plano. La combinación de torso
frontal y cabeza de perfil en la figura de Afrodita evoca una fórmula preclásica. En los
laterales del Trono encontramos a una Sacerdotisa y a una Flautista, respectivamente.
El relieve central suele interpretarse como Afrodita saliendo del mar, un motivo conocido
como Venus Anadiómena. La diosa está vistiéndose con un ropaje diáfano con la
asistencia de dos Horas (en griego Ὧραι, en latín Horae. Eran originalmente las
personificaciones o diosas del orden de la naturaleza y de las estaciones, si bien
posteriormente fueron consideradas como diosas del orden en general y de la justicia.)
paradas en la costa, que se preparan para cubrirla con un lienzo que sostienen ambas,
el cual la oculta de cintura para abajo. Los dos relieves de los lados dan la espalda
discretamente al misterio del tema central. Uno muestra a una mujer con un velo
agachada, colocando el incienso de un thymiaterion que sostiene con su mano
izquierda dentro de un quemador de incienso que se encuentra sobre una tarima. En el
otro se encuentra una joven desnuda, sentada con una rodilla sobre la otra, mientras
toca la flauta doble o aulos; una pañoleta sujeta su cabello.

47. El Auriga de Delfos 475 a. C.
Lo que más sorprende en esta obra
es su enorme cohesión, es decir, la
absoluta primacía del todo sobre
las partes, junto a la tensión
acumulada en la figura, que se
muestra erguida y quieta sobre el
carro, pero agitada por un
dinamismo que fluye de su interior.

48. De entre los detalles salta
a la vista la maravilla del
plegado con sus variaciones
en mangas, pecho, cintura y
en las acanaladuras
verticales formadas a
partir del ceñidor.
Mención especial merecen
también los ojos, por
cuanto contribuyen a dar
vida a la figura. Están
hechos con pasta vítrea
blanca, cristal y masa
coloreada e incrustada en
la cuenca ocular; aparte van
los párpados enchapados y
las pestañas.

49. "Poseidón del cabo
Artemision "
Otro original
ejemplar en la
técnica de fundición
del bronce a la cera
perdida

50. La estatua ha sido datada por los
expertos hacia 460 a. C., encuadrada en el
estilo severo, periodo de transición entre el
arcaísmo y el clasicismo. Se ha
abandonado ya la frontalidad y el
estatismo, propios de épocas pasadas,
pero la figura se sigue apoyando en ambos
pies, a pesar de que el dinamismo
comienza a apuntarse.
La obra representa a un dios en el
momento de lanzar con la mano derecha
un objeto que se ha perdido. Su tamaño es
mayor del natural (2,10 m.), está desnudo
y dando una zancada. Se discute si el
representado es Zeus lanzando un rayo o
Poseidón lanzando su tridente. Se ha
argumentado que la posición de los dedos
de la mano, que está abierta, parece más
adecuada para sostener un tridente
mientras que un rayo suele ser
representado asido con la mano cerrada.
Sin embargo, la idea de un tridente
arrojadizo resulta extraña y cuando se ha
tratado de reconstruir la estatua con el
posible tridente, la figura queda
estropeada.
El modelado consigue generalizar la
impresión de vigor corporal a base de
musculatura, tendones y venas plenas de
vitalidad, y pormenoriza la descripción
del peinado y de la barba.

51. La acción de lanzar el tridente combina el equilibrio de la composición
con la tensión que precede al movimiento impetuoso.

52. El arte griego
 La escultura. Época clásica :
– La primera generación está activa entre el
460 y 420 AC.
– Sus representantes son Mirón , Policleto y
Fidias . Los tres tuvieron maestros comunes
y trabajaron en Atenas.
– Los tres rompieron con la rigidez arcaica y
legaron obras que se consideran “clásicas” y
que marcaron la escultura occidental para
siempre.
– Los tres dejaron discípulos cuya obra entra
en los comienzos del siglo IV AC.

53. El arte griego
La escultura. Época clásica :
Mirón (del 490 al 440 AC).
 Es el escultor de transición, del primer
clasicismo.
 Capta el movimiento pero lo congela, lo
que le une al mundo arcaico.
 Modela y arriesga en la composición, lo
que le introduce en el clasicismo de lleno.
 Parece ser que el realismo fue una de sus
características.
 Trabajó fundamentalmente el bronce.

54. El arte griego
 Época clásica. El discóbolo (450AC) :
– El original fue en bronce (fundición). Nos llegó
copia romana en mármol.
– Representa a un atleta en el momento en que
va a lanzar el disco.
– La unidad de la composición es total: músculos,
expresión (?), postura … pero también de lo
esculpido con el espacio que le rodea.
– La composición se hace a partir de triángulos
en zig-zag y curvas que se cortan enfrentadas.

56. Nos han llegado más copias. Pero la más
fiel es la que hemos reproducido en tres
perspectivas pues hay una descripción del
siglo II cuando aún existía el original.

57. El arte griego
La escultura. Época clásica :
Policleto el viejo (480-420AC).
 No es ateniense, como los otros, sino de
Argos.
 Tiene obra teórica escrita (el Canon)
 Busca representar la belleza ideal en el
cuerpo del varón, aplicando la matemática
para definir la proporción y la simetría.
 Postuló la altura como 7 cabezas. Y la
cabeza en tres zonas: frente, nariz, boca.

58. El arte griego
El Doríforo (440AC).
 Original en bronce, fundición. Nos llegó copia en
mármol.
 El tema: un atleta desnudo que camina con la lanza o
jabalina al hombro. Es el tema de los kouros.
 Aplica su canon de 7 cabezas.
 Da una figura un poco “achaparrada” pero el canon se
recuperará en el Renacimiento, 1900 años después.
 El momento elegido es al dar el paso, lo que permite al
autor poner en relación todos los músculos y
articulaciones del cuerpo.
 Se genera una tensión entre la parte en movimiento y la
parte estática.
 Rompe la frontalidad con una ligerísima torsión del
cuerpo. Se conoce a esto como el “contraposto”.

61. El arte griego
El Diadúmeno (430AC).
 Del mismo autor, Policleto .
 Original en bronce. Nos han llegado copias romanas en
mármol.
 Es la representación de un atleta que, tras vencer, se
está ajustando la diadema que le acredita como
vencedor.
 Una postura muy parecida, el contraposto, a la del
Doríforo aunque tiene más ritmo.
 Es una obra de madurez y recoge influencias de Fidias:
– en el detallismo naturalista;
– la mayor libertad expresiva:
 sonrisa de satisfacción,
 brazos levantados,
 mejor acabado en la musculatura
 y una mayor sensación de movimiento o ritmo.

63. El arte griego
La escultura. Época clásica :
Fidias (490-430AC)
 Es el escultor “de los dioses” mientras que a Policleto se
le considera escultor “de los hombres”. Ambos tuvieron
fama sin par ya en vida.
 Amigo (y por eso preferido) de Pericles, el líder de la
democracia en Atenas. Este político le encargará la
dirección de la reconstrucción de la Acrópolis después
del 460 AC.
 Dejará una escuela numerosa de seguidores que
propagará el estilo clásico ateniense o ático.
 Pero nos quedan pocos restos íntegros de su obra y sí
muchas descripciones y citas literarias.
 Los relieves que hizo para el Partenón son sólo una
parte de su enorme obra.

64. El arte griego Friso Panateneas: (Fidias. Hacia el 440 AC)
 Reproduce una procesión que se
celebraba en Atenas.
 Estaba en la parte exterior de la cella
del Partenón. Medía 160 m. de longitud
y aproximadamente 1 metro de alto, por
5 cm de fondo
 Estaba coloreado.
 Cuida el efecto óptico, sobresaliendo la
parte más alta del friso.
 Las figuras todas tienen una expresión
serena, pero todas están
individualizadas.
 El tratamiento de los detalles pero sobre
todo de los ropajes es de un
naturalismo inaudito para la época.
 Se representa el movimiento (la
cabalgata ocupa casi el 70% de todo el
friso) pero sin exageración, congelado.
 Son unas 360 figuras humanas, 220
animales y 10 carros.

65. Friso Panateneas
 Puede considerarse la escena de la manera siguiente:
conducido por los magistrados avanza un cortejo donde
figuran los caballeros y los soldados en armas, los
ciudadanos, los músicos, así como los portadores de
ofrendas seguidos por los animales de sacrificio. El
cortejo se dirige hacia la Acrópolis y la asamblea de los
dioses. Los ciudadanos y las mujeres participan en la
procesión, acompañados de metecos y de
representantes de los aliados de Atenas.
 La marcha del cortejo está situada en el lado oeste del
templo. La procesión de divide en dos grupos, uno que
se dirige hacia el lado norte, y el otro hacia el lado sur.
Los dos grupos se unen junto a la entrada del lado este,
bajo la mirada de los dioses que observan el cortejo.

66. Temática. Friso Panateneas. (Complementario)
 Friso de las panateneas del Partenón, que representa las distintas fases de
las fiestas de Atenea Parthenos. Estaba dividido en dos series que partían del
ángulo suroeste del templo, discurrían por los laterales y se encontraban en la
fachada este.
 En la cara oeste se escenifican los preparativos ecuestres para la
procesión panatenaica . La tira superior de la ilustración muestra parte del friso
norte, con la caballería ateniense galopando a la cola de la comitiva.
 La segunda tira muestra, de derecha a izquierda, los primeros de los 11
aurigas apobates , precedidos de 16 ancianos y un grupo de músicos tocando el
aulos (flauta doble) y la citara.
 En la tercera tira se ve, empezando por la derecha, al primer flautista
precedido por cuatro hombres con cántaros de agua . Delante van tres metecos
extranjeros que vivían en Atenas con bandejas metálicas llenas de panales de
miel y pasteles. El conjunto esta precedido por los animales del sacrificio: tres
ovejas y cuatro toros.
 La cuarta tira corresponde al extremo septentrional del friso este. Un grupo
de muchachas (a la derecha) lleva los fiales , vasos poco profundos empleados
en las libaciones rituales (una lleva un incensario). Las dos que van en cabeza
hacen entrega de una bandeja de ofrendas a uno de los maestros de ceremonias
(los tres hombres vueltos hacia ellas lo son). Delante aparecen cinco de los diez
héroes epónimos de Atenas. A la izquierda están los dioses: de izquierda a
derecha, el barbudo Poseidón, Apolo, Artemisa, Afrodita y Eros.
 En el extremo derecho de la quinta tira, y continuando con lo anterior, se
encuentran Hefesto y Atenea. A su izquierda hay una niña (hay quien dice que
es un chico) que entrega el peplo de Atenea al arconte rey. Inmediatamente a la
izquierda esta la sacerdotisa de Atenea Poliada recibiendo un taburete tapizado
de manos de una muchacha que lo lleva sobre la cabeza. Una segunda joven
porta otro taburete y un escabel. Estas cinco figuras pertenecen a la parte
central del friso este, justo encima de la entrada al templo, el lugar de honor del
friso. A partir de ese punto las figuras se orientan en sentido contrario, para
recibir el desfile procedente del muro sur del templo. Las tres primeras son
Zeus, Hera e Iris, la mensajera de los dioses; las cuatro siguientes, de derecha

67. Friso
1ª
2ª
3ª
4ª
5ª

72. El arte griego
Época clásica. Friso Panateneas :
 Se representan escenas cotidianas y anecdóticas
con escenas solemnes, en las que aparecen
representaciones de dioses.
 Más que esculpido parece modelado sobre el
mármol por la suavidad de las formas.
 La procesión, como otras representaciones del
Partenón, representan el triunfo de Atenas sobre
sus enemigos. Es, pues, un programa político
además de religioso.

74. El arte griego
Otros ejemplos
de Fidias en
el Partenón
Las metopas en el exterior: Los lapitas y los centauros

75. El arte griego
Otros ejemplos de Fidias en el Partenón:
los dos frontones.

76. El arte griego
Otros ejemplos de Fidias en el Partenón:
Selene (Diosa luna) y el caballo

77. El arte griego
 Otras esculturas de Fidias o atribuidas (copias romanas todas)
Apolo (450) Atenea Lemnia (450) Atenea Partenos (448)

78. El arte griego
 Seguidores de Policleto y de Fidias:
Alcamenes (Aesclepios) Kalimachos (Afrodita) Desconocido (Nióbide herida)

79. El arte griego
La escultura. Época clásica :
 La segunda generación de escultores del período
clásico acentúa el ideal de belleza hasta derivar al
final en un “barroquismo” que será la tónica en el
período siguiente.
 Reformulan el canon de Policleto hacia la esbeltez.
 Superan las trabas para el desnudo femenino.
 Son tres autores los más destacados:
– Praxíteles (390-330 AC)
– Lisipo (370-318 AC)
– Scopas o Escopas (420-330 AC)

80. El arte griego
La escultura. Época clásica :
Praxíteles (390-330 AC).
 Con este autor la expresividad de los
rostros y gestos es mayor y se supera la
“severidad” anterior.
 Mayor realismo en la representación …
… y más dinamismo en la composición.
 Como del resto de los escultores griegos,
su obra nos llega a través de copias
romanas. Pero trabajó con preferencia el
mármol que luego pintaba.

81. El arte griego
La Venus de Cnido (360 AC) Praxíteles (390-330 AC).
– Tipo “venus púdica”: un desnudo que tapa su sexo. El desnudo
no fue aceptado por la polis de Cos, quienes la habían
encargado; la adquirieron luego los ciudadanos de Cnido.
– Para exponerse en una hornacina pero que se podía rodear.
– Como es la diosa de la belleza y el amor, de la sensualidad y la
fertilidad, su carga erótica debía ser grande. Modelado
curvilíneo (la “s” praxitelina), pulido del acabado … lo que
acentúa la morbidez de la carne.
– Pero esa sensualidad se ve contenida por el momento elegido:
tras el baño y cuando va a secarse: o sea intimidad, de ahí el
gesto despreocupado de la pose.
– El modelo fue imitadísimo: es una de las obras de la antigüedad
más reproducidas.

83. El arte griego
Hermes con Dionisos (340 AC) Praxíteles (390-330 AC).
– Modelado curvilíneo (otra vez la “s” praxitelina).
– Aquí esa s aporta ligereza y elegancia, y
compensa el estatismo de la línea vertical que
culmina en el niño Dionisos.
– Así se transmite la idea de “parada” en un
camino, que es lo que trata de representar: la
huida con su hermanastro para que Hera, la
esposa de Zeus no hiciese daño al niño, fruto
de amores adulterinos de Zeus.

84. Hermes con Dionisos (340 AC) Praxíteles (390-330 AC).
 Es una representación del dios Hermes sosteniendo entre sus brazos a su
medio hermano Dionisos, al que ofrece un racimo de uvas, que el niño trata
de agarrar con sus pequeñas manos. Se trata por tanto de un tema
mitológico, recogiendo el momento en que Hermes lleva al niño junto a las
ninfas de Nisa por orden de Zeus, para protegerlo de la ira de su esposa
Hera (celosa del niño, fruto de la infidelidad de Zeus con Selene). También
podría tratarse de una alusión a una alianza entre Arcadia (cuyo patrón era
Hermes) con Elida (protegida por Dionisos). De todas maneras, pese a que
es una representación de dioses, éstos han perdido aquí cualquier sentido
heroico o divino, ya que se nos muestran humanizados, en un momento de
juego, un hermano mayor entreteniendo al pequeño en un alto del camino.
Un guiño del escultor hacia el espectador lo supone que le muestre un
racimo de uvas (actualmente, esa parte de la escultura no se conserva),
aludiendo a la posterior vinculación de Dionisos con el vino. Como la gran
mayoría de las esculturas griegas, la función de ésta, es religiosa, ya que
era un “exvoto” para el templo de Hera en Olimpia (relato de Pausanias).
 Compositivamente la obra muestra un claro esquema helicoidal en la
postura del cuerpo del adulto, ya que muestra su brazo derecho levantado y
apoya su brazo izquierdo en un soporte cubierto con un manto,
desequilibrando así el eje de su cuerpo, de manera que la curvatura de su
torso dibuja la famosa “curva praxiteliana”, ese esquema en “ese” que le
confiere la posición lánguida, relajada, completada por la curvatura de la
pierna y del pie, culminada en la parte superior por la inclinación de la
cabeza.

86. El arte griego
 Otras obras de Praxíteles (todas copias romanas):
Sátiro escanciador (365) Sátiro (340) Apolo Sautóctono “matalagartos”

87. El arte griego
La escultura clásica.
Escopas (420-330 AC). (Su fecha de nacimiento es muy discutida)
– Trabajó básicamente en mármol. Tiene obra repartida por el
Peloponeso y Asia menor. Trabajó en el Mausoleo de
Halicarnaso y como arquitecto en el templo de Atenea Alea.
– Recoge las influencias de Fidias y de Polilcleto aunque rompe con
esa serenidad:
– … pues se le puede considerar el primero en esculpir el “ pathos ”,
el patetismo o sentimiento, que luego el helenismo apurará al
máximo. Así el dolor, la pasión, la angustia, el miedo … todas
expresiones del sentimiento aparecen en su obra.
– Se dice que captaba la mente como si fuese un psicólogo y lo
llevaba al retrato que esculpía.
– Además, el movimiento que imprime a sus figuras, sin ser violento,
aumenta esa impresión: en espiral, girándose con un brazo que
busca al otro …

88. El arte griego
Ménade (340 AC) Escopas (420-330 AC).
– Copia romana en mármol. Original en mármol también.
– Representa a una sacerdotisa danzante del dios
Dionisos, en éxtasis: vestido abierto (semidesnuda),
boca abierta y expresión enloquecida.
– El tema ya nos dice mucho sobre el autor: no podía
representar esto con la serenidad y armonía del
clasicismo habitual.
– Además de romperse la armonía clásica, Escopas hace
esta obra para ser mirada de lado, lo que realza el
movimiento de la figura.
– También ayuda a esa sensación de movimiento el
juego de los paños del vestido que deja ver un muslo y
la nalga casi completa.
– La obra influirá enormemente en los autores de las
generaciones siguientes, del helenismo ya.

90. El arte griego
 Otras obras de Scopas (atribuidas a él):
Restos de relieves del Mausoleo de Halicarnaso: Amazonomaquia

91. El arte griego
 Otras obras de Scopas (todas copias romanas):
Estela del cazador (380) Meleagro Pothos

92. El arte griego
La escultura clásica.
Lisipo (390-318 AC).
– Ya en su vejez fue el artista preferido de Alejandro Magno, al que
retrató.
– Fue muy prolífico: se dice que esculpió más sobre 1500 obras.
– Lejos de la expresividad de Escopas, sí que profundizó en el
naturalismo.
– Esculpe para que se pueda rodear la obra.
– Modificó el canon de Policleto, haciéndolo más estilizado y, por
tanto, más “elegante”.
– El naturalismo que practica le lleva a trabajar los detalles más
nimios con gran verismo: el cabello, por ejemplo.
– Dota a sus obras de expresión , sin caer en el dramatismo de
Escopas.
– Será también muy imitado en el helenismo, especialmente en la
representación de personajes musculados y con los músculos
tensados.

93. El arte griego
Apoxiómeno (330 AC). Lisipo (390-318 AC). Bronce el original. Mármol las copias
– Es un atleta que se está limpiando el polvo tras la carrera.
– Toda la escultura ofrece pequeños giros que llevan a mirarla desde
distintos puntos de vista, rodearla.
– Los músculos de los brazos, levantados, están tensos por la
elevación, no por el esfuerzo.
– Insinúa un movimiento pausado tras el triunfo y con la mirada perdida
a lo lejos.
– En esta obra Lisipo aplica su canon, que es diferente del de Policleto:
la altura la cifra en “ocho cabezas”, y la cabeza no se atiene a los
tres tercios que estipuló Policleto.
– Esta obra estuvo en los inicios del imperio de Roma delante de las
termas de Agripa y allí se mantuvo mucho tiempo. Luego fue fundida
y no nos quedan más que copias en mármol.
– Influyó enormemente a través de esas copias, en el Renacimiento y
luego en el Neoclasicismo

94. El arte griego
 La escultura clásica.
– Apoxiómeno (330 AC) Tres vistas.

95. El arte griego
 La escultura clásica.
– Apoxiómeno (330 AC)

96. El arte griego
 La escultura clásica.
– Canon de Policleto y Canon de Lisipo.

97. El arte griego
 Otras obras de Lisipo (todas copias romanas):
Eros tensando el arco (325) Hércules (320) Hermes

98. ARTE GRIEGO: ESCULTURA HELENÍSTICA
• Se rompen los cánones de serenidad y equilibrio
clásico
• Tensión y movimiento
• Se refuerza la expresividad y el realismo: temas
cotidianos y variados
• Rostros muy expresivos, que reflejan sentimientos
de sufrimiento y pasión
• Grupos escultóricos
• Distintas escuelas: Atenas, Pérgamo, Rodas.

99. ARTE GRIEGO: ESCULTURA HELENÍSTICA
 Obras escuela de Ática:
Niño de la espina
Venus del Milo

100. Es una copia romana. Está en una
postura impensable en época
clásica que produce efectos de
claroscuros muy interesantes. La
mirada está dirigida al punto de
atención, está muy concentrado. El
tratamiento del pelo es algo
arcaizante, demasiado pegado a la
cabeza, sólo marca volumen en la
especie de melena que forma al
final.
Abandonando a los dioses como
tema exclusivo, los escultores se
entregan a la observación de
personajes, acciones y gestos
cotidianos .
Los temas humildes o
grotescos , pero expresivos . La
vejez . Lo feo , como imperfección.
La niñez . Todos estos temas
habrían sido considerados indignos
durante la época clásica.
Espinario

101. Venus de
Milo
La Venus de Milo (211 cm. Museo
de Louvre, París, Francia), es del
s.II. a.C. Es original y está realizada
en mármol. No se sabe quién es su
autor, aunque algunas letras
parecen darnos alguna pista, puede
ser Agexandros o Alexandros. Es
muy bella, con una belleza serena.
Tiene múltiples puntos de vista.
Muestra un gran movimiento. Faltan
los brazos, que se supone que con
uno se sujetaba la ropa y con el
otro probablemente llevaba una
fruta, seguramente una manzana.
Hay un gran interés en el
tratamiento del cabello.

104. ARTE GRIEGO: ESCULTURA HELENÍSTICA
Obras escuela de Pérgamo:
Altar de Zeus en Pérgamo
Gálata suicidándose (detalle)
Galo moribundo

105. El arte griego
Periodo helenístico
(finales s. IV a. de C. y hasta la conquista romana. s. I a de C.)
El Altar de Pérgamo . El friso. (160-150 AC).
Gigantomaquia
– Se han encontrado restos fragmentados en Pérgamo (murallas y casas).
Se ha reconstruido en el museo dedicado al Altar en Berlín (desde 1879).
– Participaron más de 40 escultores, pero bajo una dirección única.
– El friso, en el nivel bajo del edificio llamado altar, con una altura de unos
2,30 metros, desarrolla una narración: la lucha entre los dioses y los
gigantes.
– La narración de esta lucha permite explayarse en el movimiento y
la expresividad: violencia del combate y enfrentamiento del bien y
el mal
– También es una narración política: Eumenes II, quien encargó la
obra, y descendiente de Átalo, general de Alejandro Magno, desea
advertir de que su poder es como el de los dioses, estando como
está protegido por Atenea, la diosa del saber.
– Inspirará narraciones posteriores (columna trajana, por ejemplo).

106. El arte griego •Altar de Zeus, en Pérgamo (hacia el 160AC)
El Altar de Pérgamo es un monumento religioso de la época helenística construido originalmente en la
acrópolis de Pérgamo, a principios del reinado de Eumenes II (197-159 a. C.). Sus frisos monumentales,
que representan una Gigantomaquia y la historia de Telefo, son una de las obras maestras de la escultura
griega antigua y representan la culminación del "barroco helenístico".
El edificio no es un templo, pero probablemente el altar de un templo. Se cree que el Templo de Atenea
fue su referencia de culto.2 Otra posibilidad es que aquí Zeus y Atenea fueron venerados por igual.
Descubierto en 1871 por el ingeniero alemán Carl Humann, el altar fue transportado y reconstruido en
Berlín en 1886, en virtud de un acuerdo de 1879 entre Alemania y el Imperio Otomano. En la actualidad
puede contemplarse el gran friso de esculturas en la ciudad alemana de Berlín, en el museo de Pérgamo.
La estructura expuesta en Alemania mide 35.64 metros de ancho por 33.4 metros de profundidad; la
escalera frontal abarca 20 m de ancho.

107. Atenea levanta por el pelo a Alcioneo mientras que Gea, madre del gigante,
le suplica piedad y Niké se acerca a coronar a Atenea como victoriosa.

108. Atenea levanta por el pelo a Alcioneo. Detalle.

109. Zeus lucha y derriba a tres gigantes

110. Gálata moribundo o Galo moribundo
 El Gálata moribundo , también llamado Galo moribundo , es
una antigua copia romana en mármol de una estatua griega ya
desaparecida, probablemente hecha en bronce, que fue encargada
entre 230 y 220 a. C. por Átalo I de Pérgamo para conmemorar la
victoria sobre los gálatas (Galacia es una antigua región del Asia
Menor (actualmente Turquía) donde asentaron algunas tribus
migratorias de galos procedentes de las tierras germanas a
principios del siglo III a. C. La región tomó su nombre de estos
galos y sus habitantes se llamaron gálatas).
 La base sobre la que se apoya actualmente fue añadida tras su
redescubrimiento. La identidad del escultor se desconoce, pero
algunos sugieren que Epígonas (Epígono), el escultor de la corte de
la dinastía atálida, pudo haber sido el autor.
 La estatua muestra a un celta moribundo con gran realismo,
especialmente en la cara, y es posible que estuviera pintado.1
Representa a un guerrero con cabellera y bigote al estilo galo. La
figura está completamente desnuda excepto por un torque al cuello.
Aparece representado luchando contra la muerte, negándose a
aceptar su destino. La estatua sirve como recordatorio de la derrota
Celta, mostrando así la superioridad de la gente que los venció, y
como memorial a la valentía de tan dignos adversarios.

111. Complementario
Atalo I (269 a. C. - 197 a. C.), reinó sobre la polis griega de Pérgamo, situada en lo que hoy es
Turquía, entre los años 241 a. C. y 197 a. C. Atalo obtuvo una importante victoria sobre los gálatas,
una tribu celta que había llegado algunos años antes a Tracia, y que, durante más de una
generación, había estado saqueando e imponiendo tributos en gran parte de Asia Menor sin apenas
oposición. Para conmemorar esta gran victoria se erigió en Pérgamo un gran monumento, famoso
por su escultura central, conocida como El Gálata moribundo, y también porque representaba el fin
de la amenaza que suponían los gálatas. Tras la victoria, Atalo adoptó el sobrenombre de Sóter
(salvador), y el título de rey.
Valiente y capaz general, se convirtió en uno de los más fieles aliados de Roma, desempeñando
un papel fundamental en la Primera y Segunda Guerra Macedónica contra el rey macedonio, Filipo
V. Durante la guerra dirigió numerosas operaciones navales y entorpeció los movimientos de la
armada macedonia a lo largo de todo el mar Egeo, ganando con ello grandes honores, saqueando
posiciones, y conquistando para su reino la isla griega de Egina, durante la Primera Guerra
Macedónica, y la isla de Ándros en la Segunda. Su vida corrió peligro durante los dos conflictos ya
que estuvo a punto de ser capturado en dos ocasiones por Filipo.
Murió en 197 a. C., a la edad de 72 años

112. El arte griego
Galo moribundo
(hacia el 230 AC)
Copia

114. Gálata Ludovisi o Galo
suicidándose
Su origen se encuentra en la decisión del rey Átalo I que decidió
conmemorar la relevante victoria sobre los celtas (también llamados
gálatas) en 233 a. C. con un conjunto formado por seis esculturas. En
el centro figuraba el Gálata Ludovisi, el cual acababa de matar a su
mujer; mientras sujetaba el cadáver giraba la cabeza hacia su enemigo
al tiempo que se suicidaba; a su alrededor se sitúan otros cuatro
gálatas tendidos en el suelo, entre ellos el Gálata moribundo.
La parte central es la del jefe con su mujer, que están perfectamente
entrelazados pero en posturas contrapuestas para dar distintos puntos
de vista. Hay un contraste entre la mujer vestida ya muerta y
desplomándose y el hombre desnudo, todavía vivo y de pie. La
pesadez de la mujer se deja ver, así como la fuerza que está haciendo
su marido para sujetarla. La mujer tiene los brazos formando un
semicírculo y con la cabeza totalmente caída. El hombre lleva un brazo
hacia abajo para sujetarla mientras el otro está hacia arriba
clavándose la daga en un gesto de desafío. Ya está saliendo sangre
de la herida que se está haciendo. El gesto es muy expresivo frente al
de su mujer, ya sin vida.

115. El arte griego
Galo suicidándose (230 AC) Copia Detalle de la cabeza

117. ARTE GRIEGO: ESCULTURA HELENÍSTICA
 Obras escuela de Rodas:
Victoria de Samotracia
Laoconte
Toro Farnesio

118. El arte griego
Laoconte (o Laocoonte) y sus hijos. (Fecha dudosa: entre160 y el 50 AC).
Autores: Agesandro, Polidoro y Atenodoro .
– El original del conjunto en bronce. Esta copia romana del siglo I DC, se descubrió
en 1506 y, el brazo, en 1958. Su descubrimiento influyó en Miguel Ángel, que
estaba presente cuando se desenterró.
– Representa un episodio que para algunos representa la impotencia humana ante el
castigo y poder de los dioses.
– El grito desgarrador que se adivina en la boca de Laoconte, junto con la tragedia de
ver a sus dos hijos engullidos por el monstruo marino, son el summun del
expresionismo clásico.
– La violencia de la composición: líneas oblicuas y un triángulo desplazado, acentúa
el movimiento y el dramatismo que marcan las curvas de los miembros y las
serpientes.
– Se cuenta en la Ilíada, en la ciudad de Troya: Laoconte es un sacerdote troyano
que se opone a que entre el Caballo en la ciudad. Poseidón, que protegía a los
aqueos, le castigará …
– La escuela representa la agonía de Laoconte, quién advirtió a sus conciudadanos
sobre el caballo regalado por los griegos a Troya. Atenea, enemiga de los troyanos,
envió dos serpientes de mar para evitar que su plan fracasara. Las figuras estaban
desnudas de acuerdo al estilo griego.

119. Presenta una composición triangular y
una diagonal que atraviesa toda la
escultura para marcar el movimiento.
Las tres figuras quedan unidas por las
serpientes.
Hay desproporción entre el tamaño
del padre y los hijos. Es expresionista
y presenta la lucha brutal por la vida,
lucha que se manifiesta en cada uno
de los músculos en tensión. La cara
de Laoconte presenta expresión de
dolor a través de su boca abierta. Lo
mismo sucede con los cuerpos
retorcidos. El volumen de los
músculos y de los rizos, así como la
profundidad de los ojos, crean efectos
de claroscuro.

122. El Toro Farnesio o el Castigo de
Dirce
 Fue realizado por Apolonios y Tauriscos. Actualmente se encuentra en el
museo de Nápoles, pero antes era un monumento público y por ello tenía
estructura piramidal.
 Se trata de un grupo dinámico, perfectamente tridimensional, y asentado en
una base paisajística.
 Representa el momento en el que los hijos de Antíope deciden castigar a
Dirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con un toro
hasta morir.
 Hay un poco de representación del paisaje en la parte inferior (ésta será la
principal aportación de la escuela alejandrina, es el llamado fondo
helenístico o alejandrino frente al fondo ático o neoático).
 Las otras figuras, las que no son el toro, Dirce o los hijos de Antíope, quizá
son añadidos posteriores, pero no se sabe.
 Todos están mirando hacia arriba. Dirce tiene una actitud de súplica y
clemencia, que no conseguirá. El toro es muy realista.

123. Temática
En la mitología griega Dirce era una ninfa, esposa de Lico y sacerdotisa del
dios Dioniso. Los diversos autores no se ponen de acuerdo sobre quién era su
padre. Así, Dirce figura como hija de los dioses-río Aqueloo, Ismeno o Asopo, o
de los dioses Apolo o Helios.
Estando casada con Lico, usurpador del trono de Tebas, hizo la vida
imposible a la sobrina de su marido, Antíope, que vivía con ellos desde que fue
repudiada por su esposo, y a la que trataba como una esclava por envidia a su
belleza y los rumores que afirmaban que Lico estaba enamorado de ella. La
acusó de haberse acostado con su marido, y disfrutaba dándole salvajes
tirones de sus trenzas y arañando su cara. Su odio visceral la llevó a encerrar a
la desafortunada a oscuras, privándole incluso de agua para beber. Pero
Antíope logró escaparse y huyó hasta el monte Citerón, donde vivían sus hijos.
Éstos, vengando a su madre, atacaron Tebas, destronaron a Lico y ataron a
Dirce a un toro que la arrastró hasta matarla . Después arrojaron su
cuerpo a un manantial que desde entonces lleva el nombre de la malograda
ninfa, bien porque fue allí donde la arrojaron sus asesinos o bien porque el
mismo manantial brotó del cuerpo de Dirce a instancias de Dioniso.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Dirce"

124. Toro Farnesio
(Copia romana del
bronce original)
fecha: 130 a.C.
Autor: Apolonio de
Tralles
Museo: Museo
Arqueológico de
Nápoles
Características: Mármol
370 cm. altura

127. El arte griego
Niké o Victoria de Samotracia . (Entre220 y el 190 AC).
Museo de Louvre, París, Francia.
– Original en mármol. Situada sobre un pedestal que simulaba la
proa de un barco. Tiene una altura de 245 cm
– Se le supone el viento de frente que extiende sus alas y aprieta
contra el cuerpo el chitón (vestido), insinuando las formas
femeninas y las arrugas de la fina tela. Es la técnica del “paño
mojado”.
– Toda la escultura (aún deteriorada) es un prodigio de finura en la
talla, de realismo y de elegancia.
– Mármol , 2.4 m de altura , era originalmente parte de un
monumento más grande que representó una proa de barco.
– La diosa alada aparece como un cuerpo femenino azotado por el
viento, de modo que el tejido se adhiere al cuerpo mostrado la
belleza del mismo. Es muy efectista .

130. El arte griego
 Otras obras importantes del helenismo
Apolo Belvedere (300 AC) copia Afrodita (300AC) copia

131. El arte griego
 Otras obras importantes del helenismo (copias romanas en mármol)
Menelao y Patroclo (200AC) Fauno (220AC)

132. EL CUERPO HUMANO
 Se mantiene el
profundo interés por
la anatomía que
caracteriza al arte
griego, desde un punto
de vista técnico . La
insistencia en delimitar
cada uno de los
músculos en tensión
produce desnudos
de claroscuro
desconocido en la
escultura griega.
Apolonio de Atenas: el “Torso
de Belvedere”.

134. El torso de Belvedere es un fragmento de la estatua de un
desnudo masculino firmado por el escultor ateniense
Apolonio de Atenas. La estatua fue descubierta en su
estado actual en el Campo de' Fiori (campo de las flores)
durante el papado de Julio II (1503-1513). Se creía que se
trataba de un original del siglo I a. C. pero en la actualidad
se estima que se trata de una copia de una estatua más
antigua, probablemente datada en el siglo II a. C.
La estatua completa representaría a esta figura humana
sobre un animal, aunque a qué personaje corresponde
exactamente todavía se discute: es posible que sea
Hércules, Polifemo o Marsias, entre otros. La retorcida
pose del torso y su extraordinariamente bien representada
musculatura tuvo un gran influencia en posteriores artistas
(incluidos Miguel Ángel y Rafael Sanzio) del
Renacimiento, y otros artistas del Manierismo y Barroco.

135. Otras obras Helenísticas (Escuela Atenas)
Afrodita acurrucada, Púgil sentado Niño de la oca