2. vs
Miguel Angel Buonarroti

3. vs

4. vs

5. vs

6. vs

9. Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar Alessandro di Mariano di Vanni
a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo Filipepi (Florencia, 1 de
femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se
recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta
marzo de 1445 – Florencia, 17 de
Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con mayo de 1510), apodado Sandro
su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia Botticelli, fue
pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una
fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del
un pintor cuatrocentista italiano.
Renacimiento.

11. La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus, que parte
la escena en dos mitades y marca el eje.

12. Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por
esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino
adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli:
figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente
alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas
limpias líneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a
veces parecen artificiosamente estirados y presagian el
estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI.

13. Las figuras destacan contra el fondo por la
claridad de su piel y sus ropajes, de colores
claros e incluso transparentes. Esta palidez en
los colores muestra la anatomía del
desnudo, que da más volumen a la
representación, esta técnica recuerda a la de
los paños mojados de Fidias.

14. Los personajes se sitúan en un paisaje
de naranjos, árboles tradicionalmente
relacionados con la familia Médici. No
obstante, hay quien apunta a que son en
realidad mandarinas, cuyo nombre
clásico, medica mala, aludiría a los Médici.

16. La Capilla Sixtina es la capilla más famosa
del Palacio Apostólico de la Ciudad del
Vaticano, la residencia oficial del Papa.
Se encuentra a la derecha de la Basílica de San
Pedro y originalmente servía como capilla de la
fortaleza vaticana.
Por orden del papa Julio II, Miguel Ángel
decoró la bóveda (1.100 m²) entre 1508 y1512.
A Miguel Ángel no le agradó este encargo, y
pensó que su trabajo era sólo para satisfacer la
necesidad de grandeza del Papa.
Sin embargo, hoy la bóveda y El Juicio Final son
considerados como los mayores logros de
Miguel Ángel en la pintura.
http://www.youtube.com/watch?v=BwA9rgRp
Px0&feature=player_embedded

18. obra realizada sobre
mármol, mediante cincel.
Para su realización Miguel
Ángel recibió un bloque de
mármol, estrecho y muy
alto, que llevaba
abandonado muchos años
en la catedral de Florencia.

19. El David de Miguel Ángel
representa a gran tamaño a
este rey bíblico, al estilo
clásico: completamente
desnudo y como atleta
Son claramente apreciables
los rasgos del rostro, el
cabello rizado, la
musculatura, la diartrosis y el
contrapposto de la figura.
http://www.youtube.com/wat
ch?v=94aGfVj9VTE

20. porta en su mano izquierda una honda
(apoyada sobre su hombro) y, en la
derecha, una piedra.

21. El David fue encargado a Miguel
Ángel, originariamente, por los canónigos de la
catedral de Florencia (lugar donde se
encontraba el bloque de mármol en el que se
talló la obra). pero, una vez concluida ésta, y a
la vista del resultado, el gremio de mercaderes
de lana de la ciudad decidió adquirirla para
situarla frente al Palacio de la Señoría, sede del
gobierno de la ciudad, en la plaza del mismo
nombre, de manera que sirviese como una
clara representación de la libertad de la
república florentina.
En este sentido, la escultura es fiel reflejo de
la mentalidad existente en Florencia, ciudad en
la que los planteamientos de la burguesía
dedicada al comercio y la banca se
encontraban ampliamente extendidos.

22. Gioconda
Leonardo da Vinci,
conocido también como “La
Mona Lisa”
Fue pintado entre 1503-1506, y retocado
en varias ocasiones por el autor.
El nombre se debe a la identidad de la
modelo, esposa del Francesco Bartolomeo
del Giocondo, cuyo nombre era Lisa
Gherardini.

23. Es un óleo sobre tabla de álamo, de
77x53cm, pintado con técnica de
sfumato, procedimiento inventado por
Leonardo.
Esta técnica consiste en diluir los
contornos, haciéndolos menos nítidos y precisos que
se empleaban en el Quattrocento, quedando envuelto
en una neblina que difumina los
contornos, produciendo una impresión de atmósfera
envolvente, lo cual da una tridimensionalidad a la
figura

28. La lección de anatomía del Dr Tulp
Rembrandt Barroco

29. El gremio de cirujanos encargó el lienzo para
conmemorar una lección pública que impartió
su primer anatomista, el doctor Nicolaes
Pieterszoon Tulp, ante el cadáver de un
ajusticiado.

30. Cada retratado mantiene una posición y una
expresión distinta, concentrándose la luz en
aquellos rostros o zonas del cuerpo que el
artista quiere resaltar.
La fuerza del cuadro se concentra en la
diagonal formada por los cuatro personajes
que se sitúan en dirección hacia las pinzas del
doctor Tulp, que muestra una serie de
músculos mientras diserta sobre los mismos.

31. Para evitar distraer la atención del espectador, el
fondo es neutro y no tiene apenas definición.

32. Michelangelo Merisi da Caravaggio
Medusa

33. Según la mitología clásica, Medusa era un
monstruo con cuerpo femenino y cabellera
compuesta por serpientes venenosas. Su
mirada petrificaba a los que osaban acercarse
a ella. El héroe Perseo se enfrentó a
ella, utilizando el reflejo de su escudo para
localizarla sin mirarla. La decapitó y empleó su
cabeza petrificadora como escudo

34. Esta rodela no fue nunca empleada en
batalla, sino que funcionaba como un
emblema para el cliente que la encargó.
Caravaggio recurre nuevamente a un rostro
distorsionado por el dramatismo, con el cuello
chorreante de sangre y las serpientes erizadas
alrededor de un rostro que petrificaba la
sensibilidad de aquéllos que se acercaban a
contemplar la obra.