Grafosfera: algunas obras representativas

2. vs
Miguel Angel Buonarroti

3. vs

4. vs

5. vs

6. vs

8. Renacimiento
• Se produjo en Europa Occidental durante los siglos
XV y XVI.
• Fue un período de transición entre la Edad Media y el
mundo moderno.
• Sus principales exponentes se hallan en el campo de
las artes, aunque también se produjo una renovación
en las ciencias, tanto naturales como humanas. La
ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de
nacimiento y desarrollo de este movimiento.

9. El nacimiento de Venus 1483-
1484
Sandro Botticelli

10. El nacimiento de Venus 1483-
1484
Sandro Botticelli
Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar
a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo
femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se
recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta
Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con
su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia
pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una
fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del
Renacimiento.
Alessandro di Mariano di Vanni
Filipepi (Florencia, 1 de
marzo de 1445 – Florencia, 17 de
mayo de 1510), apodado Sandro
Botticelli, fue
un pintor cuatrocentista italiano.

11. La Primavera
Sandro Botticelli

12. La Primavera
Sandro Botticelli
La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus, que parte
la escena en dos mitades y marca el eje.

13. Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por
esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino
adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli:
figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente
alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas
limpias líneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a
veces parecen artificiosamente estirados y presagian el
estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI.

14. Las figuras destacan contra el fondo por la
claridad de su piel y sus ropajes, de colores
claros e incluso transparentes. Esta palidez en
los colores muestra la anatomía del desnudo,
que da más volumen a la representación, esta
técnica recuerda a la de los paños mojados
de Fidias.

15. Los personajes se sitúan en un paisaje
de naranjos, árboles tradicionalmente
relacionados con la familia Médici. No
obstante, hay quien apunta a que son en
realidad mandarinas, cuyo nombre
clásico, medica mala, aludiría a los Médici.

16. Capilla Sixtina
Miguel Angel

17. La Capilla Sixtina es la capilla más famosa
del Palacio Apostólico de la Ciudad del
Vaticano, la residencia oficial del Papa.
Se encuentra a la derecha de la Basílica de San
Pedro y originalmente servía como capilla de la
fortaleza vaticana.
Por orden del papa Julio II, Miguel Ángel
decoró la bóveda (1.100 m²) entre 1508 y1512.
A Miguel Ángel no le agradó este encargo, y
pensó que su trabajo era sólo para satisfacer la
necesidad de grandeza del Papa.
Sin embargo, hoy la bóveda y El Juicio Final son
considerados como los mayores logros de
Miguel Ángel en la pintura.
http://www.youtube.com/watch?v=BwA9rgRp
Px0&feature=player_embedded

18. El David
Miguel Angel

19. obra realizada sobre
mármol, mediante cincel.
Para su realización Miguel
Ángel recibió un bloque de
mármol, estrecho y muy
alto, que llevaba
abandonado muchos años
en la catedral de Florencia.

20. http://www.youtube.com/wa
tch?v=94aGfVj9VTE
El David de Miguel Ángel
representa a gran tamaño a
este rey bíblico, al estilo
clásico: completamente
desnudo y como atleta
Son claramente apreciables
los rasgos del rostro, el
cabello rizado, la
musculatura, la diartrosis y el
contrapposto de la figura.

21. porta en su mano izquierda una honda
(apoyada sobre su hombro) y, en la derecha,
una piedra.

22. El David fue encargado a Miguel Ángel,
originariamente, por los canónigos de la
catedral de Florencia (lugar donde se
encontraba el bloque de mármol en el que se
talló la obra). pero, una vez concluida ésta, y a
la vista del resultado, el gremio de mercaderes
de lana de la ciudad decidió adquirirla para
situarla frente al Palacio de la Señoría, sede del
gobierno de la ciudad, en la plaza del mismo
nombre, de manera que sirviese como una
clara representación de la libertad de la
república florentina.
En este sentido, la escultura es fiel reflejo de
la mentalidad existente en Florencia, ciudad en
la que los planteamientos de la burguesía
dedicada al comercio y la banca se
encontraban ampliamente extendidos.

23. Gioconda
Leonardo da Vinci,
conocido también como “La
Mona Lisa”
Fue pintado entre 1503-1506, y retocado
en varias ocasiones por el autor.
El nombre se debe a la identidad de la
modelo, esposa del Francesco Bartolomeo
del Giocondo, cuyo nombre era Lisa
Gherardini.

24. Es un óleo sobre tabla de álamo, de 77x53cm,
pintado con técnica de sfumato,
procedimiento inventado por Leonardo.
Esta técnica consiste en diluir los contornos,
haciéndolos menos nítidos y precisos que se
empleaban en el Quattrocento, quedando envuelto en
una neblina que difumina los contornos, produciendo
una impresión de atmósfera envolvente, lo cual da una
tridimensionalidad a la figura

29. Barroco
La lección de anatomía del Dr Tulp
Rembrandt

30. El gremio de cirujanos encargó el lienzo para
conmemorar una lección pública que impartió
su primer anatomista, el doctor Nicolaes
Pieterszoon Tulp, ante el cadáver de un
ajusticiado.

31. Cada retratado mantiene una posición y una
expresión distinta, concentrándose la luz en
aquellos rostros o zonas del cuerpo que el
artista quiere resaltar.
La fuerza del cuadro se concentra en la
diagonal formada por los cuatro personajes
que se sitúan en dirección hacia las pinzas del
doctor Tulp, que muestra una serie de
músculos mientras diserta sobre los mismos.

32. Para evitar distraer la atención del espectador, el
fondo es neutro y no tiene apenas definición.

33. Michelangelo Merisi da Caravaggio
Medusa

34. Según la mitología clásica, Medusa era un
monstruo con cuerpo femenino y cabellera
compuesta por serpientes venenosas. Su
mirada petrificaba a los que osaban acercarse
a ella. El héroe Perseo se enfrentó a ella,
utilizando el reflejo de su escudo para
localizarla sin mirarla. La decapitó y empleó su
cabeza petrificadora como escudo

35. Esta rodela no fue nunca empleada en batalla,
sino que funcionaba como un emblema para
el cliente que la encargó. Caravaggio recurre
nuevamente a un rostro distorsionado por el
dramatismo, con el cuello chorreante de
sangre y las serpientes erizadas alrededor de
un rostro que petrificaba la sensibilidad de
aquéllos que se acercaban a contemplar la
obra.