Cuadros Impresionistas EBAU

1. CUADROS IMPRESIONISMO
Fundamentos del Arte II
Mara Mira

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FUA II MARAMIRA
1. Almuerzo sobre la hierba (Preimpresionismo)
2. LA GOULUE EN EL MOULIN ROUGE (Modernismo)
3. IMPRESION, SOL NACIENTE
4. NENUFARES
5. ATARDECER EN EL BOULEVARD DE
MONTMARTRE
6. NIÑA CON FAJA ROSA

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FUA II MARAMIRA
Almuerzo sobre la hierba (Preimpresionismo)
Autor: Edouard MANET (1832-1883)
Título: Almuerzo sobre la hierba
Año: 1863
Ubicación: Museo de Orsay (París)
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Género: Paisaje, retrato, bodegón.
Estilo: Preimpresionismo

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FUA II MARAMIRA
En 1863 fue un año de ilustres rechazados dell Salón de Paría. Los artistas
rechazados se convertirían en futuras estrellas: Cézanne, Whistler, Pisarro y Manet
con este cuadro. La Academia se estaba convirtiendo en una institución obsoleta y
para no quedar Napoleón III decidió crear una segunda exposición para que el público
eligiera la mejor. Nace así el Salón de los Rechazados (Salon des Refusés), el germen
del Impresionismo donde la estrella fue este cuadro, tan criticado como alabado.
Fue un escándalo. Una mujer desnuda sentada en la hierba con dos tipos vestidos
haciendo un picnic burgués dominguero. Y además pintado en un lienzo enorme, de
esos reservados a grandes temas. La mujer desnuda, la modelo Victorine Meurent,
nos mira directamente. Los hombres, vestidos como dandis conversan entre ellos. Es
todo como muy casual, como si fuera algo habitual. Por el suelo están las ropas de la
mujer y un bodegón con frutas y pan. Manet mezcla géneros y no parece tener respeto
por el arte tradicional.
Manet reivindica en el Almuerzo sobre la hierba el legado de los maestros antiguos y
se inspira en dos obras del Louvre. El Concierto campestre de Tiziano le brinda el
tema, mientras que la disposición del grupo central se inspira en un grabado según
Rafael: El juicio de Paris. Pero en el Almuerzo sobre la hierba, la presencia de una
mujer desnuda en medio de hombres vestidos no está justificada por ningún pretexto
mitológico o alegórico. La modernidad de los personajes hace obscena, a los ojos de
sus contemporáneos, esta escena casi irreal. Los personajes no parecen
perfectamente integrados en este decorado de maleza más esbozado que pintado, en
el que la perspectiva es ignorada y la profundidad ausente. Con el Almuerzo sobre la
hierba, Manet no respeta ninguna de las convenciones admitidas, sino que impone
una libertad nueva con respecto al tema y a los modos tradicionales de
representación.
El almuerzo es una obra preimpresionista por varios motivos: Manet usa un motivo de
su entorno inmediato, no oculta las pinceladas, parece inacabada en algunas zonas…
Y la nueva generación de pintores franceses considerarían a Manet un héroe, un tipo
dispuesto a romper con las normas del arte tradicional. Era el pintor de la vida
moderna, como diría Baudelaire.

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LA GOULUE EN EL MOULIN ROUGE
Autor: HENRY TOULOUSE LAUTREC (1864-1901)
Fecha: 1891
Material: Litografía sobre papel
Dimensiones: 194 x 122 cm.
Genero: Cártel publicitario. 3.000 etampaciones originales.
Museo: Museo Toulouse-Lautrec y varios museos más.
Estilo: Modernsimo

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En 1884 Toulouse Lautrec se trasladó a Montmartre, el barrio bohemio de París,
donde se sumergió en su vibrante y decadente vida nocturna que será la base de su
original trabajo creativo. Toulouse-Lautrec representaba a la sociedad de su tiempo,
con un estilo que oscilaba entre el realismo mordaz y la sátira. Sus mayor atractivo
fuera su capacidad para retratar a personajes conocidos del París nocturno.
Cuando en el año 1889 abrió sus puertas el Moulin Rouge, famoso cabaret de
Montmartre, Lautrec recibió el encargo de producir una serie de carteles publicitarios
para el local. Acudía al espectáculo todas las tardes y, sentado en una esquina, se
dedicaba a dibujar bailarinas y clientes. Sus carteles elevaron a la categoría de arte el
popular medio de la litografía publicitaria. Sus estampas de los personajes del Moulin
Rouge revelaban el espíritu, la tristeza y el encanto de las gentes que poblaban el
cabaret. Una de sus estrellas preferidas del café concierto, Louise Weber, apodada La
Goulue (“la glotona”) a causa de su insaciable apetito, tanto en la mesa como en la
vida. La Goulue era una mujer ambiciosa, conocida por su destreza como bailarina de
cancán un baile enérgico que exigía un gran esfuerzo físico y era considerado
escandaloso e inapropiado por la sociedad “respetable”.
En este cartel vemos a La Goulue y Jacques Renaudin - comerciante de vinos durante
el día y bailarín nocturno- apodado Valentin le Désossé (el deshuesado) por su
agilidad. El cartel tuvo una sensacional acogida tanto entre el público como entre los
críticos, lo que sirvió para dar ánimos a Toulouse-Lautrec. Para relaizarlo utilizó las
siluetas de los personajes en planos que se recortan sobre un fondo también plano y
silueteado.
El francés Toulouse-Lautrec es uno de las mas grandes cartelistas del
siglo XIX. Logró captar la vida nocturna sin buscar agradar al público
sino como simple forma de expresión. Su estilo, marcadamente
japonesista, con referencia a los grabados japoneses ukiyo-e, por ello
utiliza los colores planos e introduce una expresión mínima de texto que
forma parte de la imagen. Realizó carteles publicitarios para prostíbulos
y teatros y logró ser el gran referente de la litografía a color la
herramienta de difusión del ocio parisino.
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Litografía: procedimiento de impresión que utiliza una placa de piedra o de metal en la que se
impregnan algunas zonas de la imagen de una sustancia grasa que adhiere la tinta a las
superficies tratadas, mientras que las áreas que se desean mantener en blanco se someten a
un tratamiento para repeler la tinta.
Ukiyo-e: este término, que significa “imágenes del mundo flotante” da nombre a un género
artístico muy en boga en Japón en los siglos xviii y xix. Los artistas producían xilografías o
grabados en madera y pinturas representando a bellezas femeninas, actores de kabuki y
luchadores de sumo, escenas históricas y cuentos populares, escenarios de viaje y paisajes,
flores y animales, e imágenes eróticas.

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FUA II MARAMIRA
IMPRESION, SOL NACIENTE (IMPRESIONISMO)
Autor: Claude Monet (1840-1926)
Fecha: 1872
Técnica: Oleo sobre lienzo.
Ubicación: Museo Marmottan- Monet (Paris)
Género: Paisaje.
Estilo: Impresionismo.

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En 1861, Monet fue enviado a Algeria para hacer su servicio militar. Durante sus siete
años en el norte de África, el artista desarrolló un gusto particular por la luz y el color.
Al regresar a Francia, siguió incorporando colores brillantes a sus pinturas, que
aplicaba con pinceladas rápidas y expresivas sobre el lienzo para capturar
“impresiones” de sus alrededores. Monet visitó El Havre en 1872. Durante este viaje, el
artista completó una serie de seis pinturas del puerto de El Havre a diferentes horas:
durante el día, durante la noche, al atardecer y, por supuesto, al amanecer.
Este último Impresión, sol naciente retrata con gran énfasis la luz y el color y los
efectos de un amanecer nebuloso en el agua. Las siluetas de dos botes de remos
aparecen en primer plano, mientras que el fondo se compone de las difusas siluetas
de barcos y chimeneas industriales.
Esta icónica pintura no solo dio origen al estilo impresionista, sino que también le dio
nombre a este movimiento. A los dos años de ser pintada Impresión, sol naciente fue
incluida en la Exhibición de los impresionistas, una exposición de 1874 realizada en
estudio del fotógrafo Nadar que rechazaba las reglas de las beaux-arts (“bellas artes”)
y en su lugar presentaba independientemente el trabajo de artistas independientes
como Degas, Renoir, Pissarro y Sisley que habían sido rechazados opr los salones
oficiales. Esta exhibición fue una importante plataforma para este movimiento artístico
y acercó Impresión, sol naciente a un público más amplio y burgués al que enamoró.
A lo largo de su exitosa carrera como artista, Monet creó más de 2,500
obras. Estas piezas abarcan varios medios, incluyendo la pintura, así
como pasteles y dibujos. Su trabajo también explora una gran variedad
de temas, desde su hermoso jardín en Giverny hasta paisajes brumosos
en Londres. En la actualidad, estas composiciones son consideradas
obras maestras, y son celebradas por su rompimiento con el
academicismo, su enfoque experimental hacia la luz y el color, y, por
supuesto, su belleza estética.

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NENUFARES -ciclo del pinturas al óleo- IMPRESIONISMO
Autor: Claude Monet (1840-1926)
Año: 1883/1926
Técnica: Oleo sobre lienzo en gran formato (219 × 602)
Ubicación: Museo de la Orangerie de las Tullerías (París).
Género: Paisaje
Estilo: Impresionismo

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Monet no es solo mundialmente por ser el pintor que dio nombre al Impresionismo. El
infatigable pintor creo serie pictóricas en las que investigaba los cambios que producía
la luz y los agentes atmosféricos sobre los colores. Como ejemplo sirvan los 6 cuadros
que pintó en 1870 El Havre entre los que se encuentra el famoso: Impresión sol
naciente.
Mientras, entre 1890 y 1891, el artista completó una serie de 25 cuadros en los que
exploraba los efectos de la luz, ambiente y cambios estacionales sobre cúmulos de
trigo, avena y cebada en Almiares. Mientras completada, en la década de 1890, la
serie Catedral de Ruan que consta de 30 pinturas de la fachada de una iglesia gótica
en Ruan, Francia. También tenemos la serie de 25 pinturas del Palacio de
Westminster visto desde una terraza en el segundo piso del hospital St. Thomas de
Londres, pintadas en sus repetidos viajes a Londres entre 1899 a 1901 Pero, sin
duda, su proyecto más ambicioso es la serie Nenúfares. En ella pasaría 30 años
creando 250 pinturas a gran escala.
Desde 1883 hasta su muerte en 1926, Monet vivió en Giverny, una comuna idílica en
el norte de Francia en Normandía. Ahí, el pintor transformó el espacio alrededor de su
casa en hermosos jardines de inspiración oriental con coloridas flores y nenúfares que
bordean un estanque adornado con un puente japonés. Esto es lo que pinta Monet una
y otra vez hasta el final de sus días: inmensos paneles de nenúfares flotando en el
agua.
Los mas hermosos son los que Monet pintó para que quedaran suspendidos (dentro
de una estancia circular) de modo que recrean el efecto del transcurrir de un día. Están
expuestos el Museo de la Orangerie en París, suspendidos en dos estancias ovales y
suman ocho piezas y son gran prodigio de la pintura impresionista francesa.

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ATARDECER EN EL BOULEVARD DE MONTMARTRE (Impresionismo)
Autor: Camille Pisarro (1830-1903)
Título: Atardecer en el boulevard de Montmartre.
Año:1897
Técnica. Oleo sobre tela.
Ubicación: Museo del Hermitage
Género: Paisaje Urbano.
Estilo: Impresionismo

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El paisaje urbano había sido para los pintores clásicos un tema siempre secundario,
con frecuencia reducido a marco escenográfico o telón de fondo de temas
considerados más importantes, como los históricos, mitológicos o religiosos. Para los
impresionistas, en cambio, la ciudad, y más concretamente la ciudad de París, se
convirtió en objeto de deseo y tema de interés artístico por sí mismo.
La visión de la ciudad que tienen los impresionistas es siempre positiva. Sus pinturas
se regodean en los bulevares y los edificios modernos, en los efectos de la luz
artificial, en los vehículos en movimiento, en la gente transitando por las calles, en los
detalles del mobiliario urbano, etc. Buen ejemplo de lo dicho es este cuadro pintado
por Pissaro. Los últimos rayos de sol de la tarde son los elegidos en esta escena, que
completa una serie de tres cuadros pintados ese mismo año 1897. Uno (este) refiere
a una atardecer invernal, otro a una mañana grisácea para acabar con otro con las
luces encendidas por la noche. Los tres cuadros tienen un mismo encuadre, lo que
cambia es el efecto de luz según las horas del día. El boulevar está lleno de
transeúntes y carruajes, creando un atractivo efecto de movimiento urbano. La
sensación de gentío se consigue a través de pequeños y rápidos toques del magistral
pincel que exhibe Pissarro.
Fueron estos cambios de percepción de la realidad lo que interesó a los
impresionistas. Así, las series de imágenes de un mismo tema, en diferentes
momentos del año o en diferentes horas del mismo día, se convirtieron en un medio de
exploración de las leyes de la óptica.
Pissarro es un pintor danés que desarrolló la mayor parte de su obra en Francia y es
uno de los fundadores del Impresionismo y mentor de artistas como Paul Cézanne,
Gaugin o Mary Cassat. Pintó la vida rural francesa, sobre todo paisajes y escenas con
labriegos trabajando, aunque también pintó multitud de escenas urbanas como este
Boulevar de Montmartre con cuadros con los que obtuvo independencia económica.
Su gran afán de libertad e independencia lo llevaron a instalarse en una idílica isla del
Caribe al final de sus días.

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NIÑA CON FAJA ROSA (IMPRESIONISMO)
Autor: Mary Cassat (1844-1926)
Título: Niña con faja rosa.
Año:1898
Técnica. Pastel sobre papel
Ubicación: Woodmere Art Museum, Philadelphia, EEUU
Género: Retrato
Estilo: Impresionismo

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Mary Cassat es una de las grandes artistas norteamericanas del siglo XIX, una
época en la que el arte que se desarrolla en ese país se halla todavía en una
fase incipiente. Formada en Pennsylvania y New York fue en París donde
concretaría su educación artística con profesores como Pissarro. En 1874
consiguió conocer personalmente a Degas quien la presentó al grupo los
Impresionistas de esta forma Mary Cassatt se convertía, junto a Berthe Morisot,
en la otra gran figura femenina que engrosaba el grupo.
Mary Cassat y al cabo de unos años de seguir la línea expresiva del puro
impresionismo, inició un cambio en su estilo que le llevaría a nuevos derroteros
de expresión. Especialmente a partir de la década de los años noventa se
advierte la influencia del arte japonés y el enorme impacto que
seguía ejerciendo sobre ella la obra de Degas. Su escenas de maternidades,
de mujeres cómplices y retratos de niños serán cada vez más frecuentes. Su
pincel se delinea buscando la grafía y prevalece sobre la mancha de color;
complica sus visiones perspectivas con atrevidos juegos de planos, rotundos
escorzos, pero sin perder en ningún caso dos de sus señas de identidad:
la espontaneidad de sus escenas, lo íntimo (el hogar) y el cuidado tratamiento
del color.
Según pasen los años la visión cada vez más precisa y realista de sus figuras,
y su inclinación al modelado clásico se irá imponiendo, poco a poco, en su
obra. Algo que podemos ver claramente en el cuadro al que os referimos: La
faja rosa. El cuadro muestra a una niña retratada por Cassatt de manera
delicada. El fondo está desdibujado a excepción de la silla verde, y la parte
delantera parece estar incompleta, pero la cara de la niña cuenta con un gran
detalle y expresividad.
Norteamericana de nacimiento, pero francesa de adopción, Mary Cassatt fue
honrada en Francia con la Orden de la Legión de Honor y reconocida por su
obra como pocas mujeres lo habían sido hasta entonces. Su aportación al arte
estadounidense también fue muy importante, ya no sólo porque representa a
una de las primeras grandes artistas de la Historia del Arte de ese país, sino
también porque sirvió de referencia a muchas jóvenes pintoras que siguieron
su huella, e incluso porque actuó de intermediaria en numerosas compras de
arte europeo por parte de magnates norteamericanos, obras que engrosarían
así las magníficas colecciones que a la larga harían grandes los museos de
aquel país.