Movimientos artisticos del siglo xix y xx

Técnicas Gráfico-Plásticas. Tutorial 26. Movimientos artísticos, siglos XIX y XX.

MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS, SIGLOS XIX Y XX.
GRISALLA
DEFINICIÓN. Técnica pictórica basada en una pintura monocroma que produce la sensación de ser un
relieve escultórico. La impresión de relieve se consigue mediante un claroscuro muy matizado, haciendo
diversas gradaciones de un solo color, generalmente gris o amarillo oscuro, el más cercano posible al color
de la piedra.

Se utilizó a partir del siglo XIV en bocetos y dibujos preparatorios. En tiempos de Bruegel y El Bosco se
convirtió en un procedimiento pictórico.

Su uso se generaliza en Francia en manuscritos. Se usa en marcos como sustitución de formas en relieve.

Auge de la técnica durante el reinado de Carlos V, en miniatura, vidriera y pintura. En la pintura nórdica se
utiliza en el dorso de los retablos. A mediados del siglo XVI, la grisalla tuvo gran éxito en el esmalte, con
Pierre Reymond y los hermanos Pénicaud. En el XVIII, constituyó una de las variedades de boceto rococó
con pintores como Boucher o Pittoni.

MATERIALES. Se realiza con diversas técnicas pictóricas, (fresco, temple, óleo…)

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Andrea del Sarto, Correggio, Beccafumi, Rubens, Van Dyck…

Andrea del Sarto El Bautismo de Cristo, 1511-26. Fresco en grisalla, en el Chiostro dello Scalzo, Florencia.

MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL SIGLO XIX
ROMANTICISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico que surge a partir de la segunda mitad del siglo XVIII
hasta la segunda mitad del siglo XIX y que se manifiesta especialmente en Alemania (Sturm und Drang),

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I.E.S. ITACA (Alcorcón) Inés Martín Masa, 2011


Inglaterra y Francia. Reivincica el individualismo, los sentimientos subjetivos y la imaginación. Se desarrolla
y convive en conexión con el Clasicismo.

CARACTERÍSTICAS. Ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La
búsqueda de la libertad auténtica es una constante, por ello su rasgo revolucionario es incuestionable. Se
presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma
nación se manifiestan distintas tendencias. Frente al lenguaje universal propio del clasicismo, inspirado en
el arte de la Antigüedad grecorromana, el romanticismo carece de uno específico. No existe un estilo
romántico, sino una mentalidad romántica, con multiplicidad de posibilidades artísticas y sin el afán
universalista del clasicismo.

Subjetivismo e individualismo, ya sea a nivel puramente personal (exaltación de la sensibilidad frente a la
razón) o de grupo específico, lo que se traduce en el nacionalismo. Ansias de libertad, espíritu de rebeldía.
Se busca en la Edad Media tanto la nostalgia del pasado como los orígenes de las nacionalidades. Huida de
lo real hacia lo imaginativo, en varias vertientes: evasión en el tiempo, deseo de retorno espiritual al
pasado, junto con un despertar del sentimiento religioso; evasión en el espacio, búsqueda de mundos
incontaminados, lejanos y exóticos, representada en el “orientalismo”.

Frente al clasicismo, de carácter antropocéntrico, los románticos reivindican el sentimiento de emoción
ante la naturaleza, vista no como un orden racionalmente comprensible, sino como un caos que puede
sentirse pero no comprenderse.

En Francia, por tradición, domina la componente clásica; no obstante, más soterradas, las manifestaciones
románticas aparecen también con insistencia. El Romanticismo eclosiona en Francia en fechas más
avanzadas, con tal intensidad y personalidad tan acusada que se convirtió en el paradigma del movimiento.

LOS NAZARENOS. También llamados puristas. Grupo de pintores que capitaneó en Roma el alemán Johann
Friedrich Overbeck (1789-1869), natural de Lübeck. Se proponían resucitar la pureza del estilo del Perugino,
por huir del convencionalismo neoclásico. Del grupo -que se formó en 1810 y se había establecido en el
antiguo convento de San Isidoro- formaron parte P. Pforr, de Francfort, L. Vogel, de Zurich; el sajón J.
Schnorr von Carolsfeld, y Cornelias, con algunos pintores italianos.

TEMAS. Temas orientales (Delacroix). Paisaje (naturaleza espiritualizada de Gaspar David Friedrich),
costumbrismo (Carl Spitzweg), retrato (Philipp Otto Runge). Temas místicos (William Blake).

MATERIALES, TÉCNICAS. Pintura al óleo, encáustica (Delacroix). Grabado (William Blake).

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Théodore Géricault, Delacroix, Théodore Chassériau. En Inglaterra,
Heinrich Füssli o Fuseli y William Blake. En Alemania, Gaspar David Friedrich, y Philipp Otto Runge. Moritz
von Schwind

VVAA.- Historia del Arte. Ed. Espasa. Madrid 2002; Págs. 1042-1043

IMPRESIONISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico surgido en la segunda mitad del siglo XIX en Francia.
Tiene como objetivo plasmar la luz (la "impresión" visual) y el instante. El nombre proviene de un cuadro de
Monet, Impresión: sol naciente, que sirvió para calificar peyorativamente como impresionistas al grupo de
pintores. Surge del rechazo del realismo, sin embargo, es una revolución más formal que conceptual: sigue
siendo un realismo.

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CARACTERÍSTICAS. Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen y el claroscuro no tienen
ninguna importancia. Figuración con eliminación del detalle y de todo carácter descriptivo.

La luz, la sensación visual. Representación plástica de la vibración óptica de la luz. Indiferencia por el tema,
la única preocupación es la luz y el color fugaces. Preocupación por fijar las impresiones momentáneas de
la naturaleza: el pintor sale al campo con su caballete en busca de la luz fugaz y el rápido cambio de los
colores. Buscan la impresión luminosa y transparente de la atmósfera (aire) y las aguas: lo importante es la
plasmación de la luz, los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. Se ocupan sólo de
la sensación visual y evitan la poetización y emoción del motivo.

Conciben el arte como proceso de investigación, de búsqueda. Pasión por pintar al aire libre. El cuadro deja
de ser “ventana abierta al muro”, comienza a ser realidad en sí mismo porque está compuesto de una
materia propia: la pasta. El cuadro es algo incompleto, inacabado y el espectador debe colaborar
reconstruyéndolo mentalmente.

Los impresionistas muestran su percepción del mundo natural sin comunicar ningún mensaje social ni
moral. Buscan interpretar, no representar. Es diametralmente opuesto a la pintura metafísica.

TEMAS. Enriquecimiento de la pintura con nuevos temas: bulevares, calles trepidantes, jardines, carreras de
caballos... En realidad, la luz es el verdadero tema: repiten temas con distinta iluminación. Paisajes,
marinas, vistas fluviales y urbanas, nocturnos, interiores con luz artificial, fiestas,... No interesa el tema sino
la forma de tratarlo técnicamente.

Se basan en: La fotografía: en la iluminación y los encuadres. Los estudios de óptica: estudio de la luz y su
relación con el color. Carteles japoneses: colores claros y manchas uniformes de color.

INFLUENCIAS Su técnica de pinceladas sueltas, el abocetamiento y la concepción del arte como búsqueda es
clave en el desarrollo del arte posterior, influye en el postimpresionismo, en casi todas las corrientes
realistas posteriores y en las primeras vanguardias del S. XX.

MATERIALES, TÉCNICAS. Pintura directa o “alla prima”, al aire libre. Técnica rápida y sin retoques.
Sensación de abocetamiento. Pinceladas cortas, sueltas, ligeras o vigorosas. Las formas se plasman de modo
no acabado, impreciso y vaporoso, llegando incluso a desmaterializarse.

Búsqueda de la claridad y la luminosidad, utilizan una gama luminosa. Aplicación directa de los colores
puros en la tela, sin mezclarlos previamente en la paleta, con la finalidad de obtener coloraciones
luminosas, "limpias" y transparentes. Reducida gama de colores, uso de los colores puros del prisma
yuxtapuestos. Evitan la gradación y el claroscuro convencional: en las sombras dan tonos fríos pero
brillantes y toques de colores complementarios. Creación de efectos cromáticos mediante la utilización de
colores complementarios y colores modulados en cálidos y frIos del mismo valor. Rechazo de los colores
oscuros, el negro queda proscrito.

Espacio: Tiene un encuadre parecido al de la fotografía: las figuras no son el centro, están recortadas por el
marco. Encuadres atrevidos, angulaciones y vistas muy altas.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Manet, Monet, Pisarro. Sisley, Degas, Renoir, Cézanne, Berthe Morisot,
Sorolla.

http://tomshistoria.blogspot.com/
Eduardo Sánchez, I.E.S. María Zambrano, Leganés (Madrid)

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PUNTILLISMO, DIVISIONISMO, NEOIMPRESIONISMO O IMPRESIONISMO
CIENTÍFICO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Estilo pictórico que aparece por primera vez en 1884 que yuxtapone
puntos de colores puros, los cuales se mezclan ópticamente, en la retina, al alejarnos de la obra. Estilo de
predominio francés (sobre todo, París). Influye mucho en Bélgica.

CARACTERÍSTICAS. Usan la paleta clara de los impresionistas. Al sistematizar el impresionismo, lo niega. La
pincelada es muy corta (puntos). Obsesión por lograr armonía cromática, lineal y compositiva. Parten de
imágenes de la naturaleza, el mismo motivo que los impresionistas. Acentúan de forma rígida los principios
ópticos: se dividen los tonos en sus componentes. “división del tono”: se distinguen y separan los
elementos que componen el color de la superficie:

1. Color local: el color que tomaría la superficie a la luz blanca o vista de muy cerca.
2. Color tonal: Variaciones que sufre un color propio o local por efecto de la mayor o menor cantidad de
luz que recibe.
3. Pequeña cantidad de luz coloreada que es parcialmente absorbida por la superficie y se refleja
modificada.
4. Color reflejado: reflejos proyectados por los cuerpos contiguos.

Se basan en: El estudio científico de la relación de la luz y el color. Los escritos de Charles Blanc y en los
tratados científicos de Chevreul, Sutter, Rood y otros.

INFLUENCIAS. Influye en los Fauves, en el cubismo, y en el arte abstracto geométrico del S.XX. El
Divisionismo italiano influye en el Futurismo.

MATERIALES, TÉCNICA. La técnica es muy metódica y científica: es un trabajo calculado y no intuitivo como
el impresionista. Su procedimiento consiste en poner puntos o pinceladas cortas de colores puros. Esta
técnica es el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. G. Seurat, Tarde de domingo en la Grand Jatte (84-86), P. Signac. Darío de
Regollos.

Henri-Edmond Cross y Vlaho Bukovac
http://sulypuntillismo.wordpress.com/

POSTIMPRESIONISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Término que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y
principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado en 1910 por el crítico ingles R. Fry. Es un
movimiento que nace de la disgregación del grupo de impresionistas, como evolución y como ruptura.

CARACTERÍSTICAS. Uso expresivo del color, de la estructura y de las líneas. El color se hace representativo y
subjetivo, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta
según la visión personal del genio creador. Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte.
Mayor libertad formal (formas más exageradas).

Basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, sin embargo reaccionaron contra
el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo, intentando
llevar más emoción y expresión a su pintura. No es un movimiento cohesionado, ya los pintores trabajan en
áreas geográficas distantes entre sí. Se crea un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de su arte,
la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro.

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Al naturalismo impresionista vinculado a la apariencia de las cosas se oponían la sencilla solidez
arquitectónica Cezanne, la pintura visionaria de V. van Gogh, sensible a los significados emocionales que se
ocultan en las cosas. Gauguin redescubre la geometría en sus obras a base de superficies planas y
decorativas.

TEMAS. Tratan temas de la vida real, igual que los impresionistas.

MATERIALES, TÉCNICAS. Utilizan colores vivos, una aplicación compacta de la pintura y pinceladas
distinguibles.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. P. Cezanne, V. van Gogh, P. Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec.

VV.AA. Enciclopedia de arte. Garzanti-Ediciones B. Barcelona, 1991. Pág. 774
http://es.wikipedia.org/wiki/Posimpresionismo

ARTS & CRAFTS (ARTES Y OFICIOS)
DEFINICIÓN. Movimiento estético reformista de la segunda mitad del siglo XIX que luchó por revitalizar la
artesanía y las artes aplicadas durante una época de creciente producción en serie. Surge en 1881 en
Inglaterra por el diseñador William Morris. Ataca la fealdad de los productos hechos a máquina.

Es un movimiento precursor del estilo Art Nouveau. Pretende democratizar la belleza o socializar el arte, en
el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la
población. Revaloriza los oficios medievales, reivindica la primacía del ser humano sobre la máquina.
Pretende potenciar la creatividad y el arte frente a la producción en serie.

MATERIALES, TÉCNICAS. Uso de líneas serpenteadas y asimétricas. Producción de tejidos, libros, papel
pintado y mobiliario hecho a mano.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista
político, Philip Webb, arquitecto, C.F.A. Voysey, Emest Gimson, ebanista, William De Morgan, ceramista,
Walter Crane y C. R. Ashbee, diseñadores.

MODERNISMO O “ART NOUVEAU”
MODERNISMO O “ART NOUVEAU”. DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Estilo artístico y, especialmente,
decorativo surgido a finales del siglo XIX como reacción contra la industria. Utiliza formas orgánicas que
aplica a la decoración, a la cerámica, vidrio, textiles, ilustración de libros, la pintura, la escultura y la
arquitectura.

CARACTERÍSTICAS. Su sello es la línea sinuosa. Utiliza líneas curvas y ondulantes, muy largas, basadas en
formas naturalistas vegetales y con frecuentes elementos fantásticos. Uso de la asimetría. Tendencia a la
estilización de los motivos, con frecuente abandono de su representación realista. Uso de imágenes
femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos
y los pliegues de las vestimentas (drapeado). Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los
sentidos. Libre uso de motivos de tipo exótico, inspirado en otras culturas.

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Pretende recuperar los diseños y la elaboración de buena calidad, basándose en los postulados del Arts &
Crafts.

En Francia se llamaba tanto “Modern Style” -el nombre inglés para reconocer sus orígenes ingleses- como
“Art Nouveau”. En Alemania se llamaba “Jugenstil” por su publicación Jugend; en Italia, “Stile Floreale” o
“Stile Liberty”, en Austria Sezession y en Catalunya, “Modernisme”.

INFLUENCIAS Y PRECURSORES. Los principales progenitores del Art Nouveau fueron el Movimiento de “Arts
and Crafts” y el diseño industrial. Mackmurdo, combinando los principios de Jones con la asimetría y las
curvas alargadas en forma de zarcillos, introdujo un motivo que se convirtió en el sello del Art Nouveau.
Además, la influencia de “Arts and Crafts” y el diseño industrial se combinó con las formas pictóricas
procedentes de fuentes tan diversas como William Blake, los prerrafaelitas, el arte oriental (grabados
japoneses), el arte celta, las artes decorativas y la iluminación de libros.

En la década de 1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene
características marcadamente diferentes.

TEMAS. Se abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales. Destaca la mujer,
con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión.

MATERIALES, TÉCNICAS. Técnicamente se insiste en la pureza de la línea (lo que le da un carácter
bidimensional) y la expresividad del dibujo (se ha considerado precedente del expresionismo posterior. Las
formas orgánicas, especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos) rellenan
todo el espacio (horror vacui, a veces llegando a la teselación) se convierten en un leit motiv. Los formatos
preferidos son los alargados y apaisados.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Alfons Mucha, Aubrey Beardslev, Gustav Klimt, Egon Schiele, Hernri van de
Velde, Charles Rennie Mackintosh.

Aubrey Beardslev, Con él el Art Nouveau alcanza su cima más alta de sofisticación cosmopolita. Atraído por
el erotismo, el misterio y el mundo del inconsciente, su obra fue tachada por algunas personas de
decadente. Pero su genio en la interpretación y enriquecimiento de un texto mediante una línea limpia,
nerviosa y bien perfilada llevó la ilustración y el dibujo a nuevas cimas de expresión y refinamiento. El
interés de Beardsley por el inconsciente fue otro aspecto del Art Nouveau que cobró relieve a finales del
siglo.

Donald Martin Reynolds.- El S. XX; introd.. a la Hª del Arte. Ed. Gustavo Gili. Barcelona,1985 Págs. 113-
117
http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_(arte)

SIMBOLISMO, los nabies, escuela de Pont-Aven.
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, PRECURSORES. Corriente artística en literatura y artes plásticas que se
origina en Francia y en Bélgica a partir de 1885 aproximadamente, como respuesta al Naturalismo y al
Impresionismo. El arte se concebía como expresión concreta y analógica de la Idea, momento de encuentro
y de fusión de elementos de la percepción sensorial y elementos espirituales. No se desarrolla como un
estilo unitario.

CARACTERÍSTICAS. Pintura de la memoria, contra la pintura en plain air. La fantasía, la intimidad, la
subjetividad exaltada sustituyen la pretenciosa objetividad de impresionistas y neo-impresionistas.
Continúan con la intención romántica de expresar a través del color, y no quedarse solamente en la
interpretación. Evasión excéntrica y esteticista. Se exalta la espiritualidad, la imaginación y los sueños.

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Reacción contra el materialismo y pragmatismo de la sociedad industrial. Reivindica la búsqueda interior y
la verdad universal, con ayuda de los sueños.

El escritor G. Moréas publicó en 1886 un primer manifiesto del simbolismo. Define el simbolismo como
síntesis del espíritu y de los sentidos, en oposición al análisis que había imperado hasta entonces. El crítico
A. Aurier expuso la doctrina de la nueva pintura simbolista: una obra debía ser ante todo “ideísta”, luego
simbolista, sintetista, decorativa.

Gauguin intervino en el ámbito del movimiento y demostró el nivel artístico que podía alcanzar la búsqueda
simbolista: fundió, las tendencias todavía no definidas en una nueva síntesis expresiva de la Escuela de
Pont-Aven (pequeña localidad de la Bretaña francesa a donde se dirige un grupo de neo-impresionistas).
Son una síntesis entre el estilo impresionista y el simbolista por lo que pueden ser considerados simbolistas,
por su espíritu. No crean escuela.

Los Nabis. Segunda generación simbolista. Intentaron que el Impresionismo se acercase al Simbolismo, por
lo que se les puede considerar simbolistas. Su concepción estética es fundamentalmente decorativa, por lo
que lo que se plasma en el cuadro es un juego de sensaciones, más que una construcción intelectual.

PRECURSORES. William Blake, los nazarenos y los prerrafaelitas. G. Moreau, Puvis de Chavannes y R.
Bresdin, arnold Böcklin, Edward Burne-Jones.

INFLUENCIAS. Arte primitivo y las estampas japonesas. El Simbolismo influye en el Art nouveau y en el
Surrealismo.

MATERIALES, TÉCNICAS. Composición de cuadro antinaturalista. Linealidad. Colores puros à plat y del
cloisonnisme (pintura con zonas circunscritas) de Gaugain. Pintura altamente decorativa.

Pont-Aven. Uso libre del color que se aplica en grandes manchas y con tintas planas. Existe una voluntad de
sintetizar las formas.

Los nabis. Utilizan colores planos, con un gran sentido estético. Tienen una libertad absoluta a la hora de
utilizar el color y las composiciones. Usaron todo tipo de materiales en sus cuadros, pintura, cola, cartón,
etc., para diferenciar texturas, pero sin llegar al collage. Proyectaron vidrieras y usaron litografías y
grabados para expresarse.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Gustav Klimt. Los nabis: Gustave Moreau, O. Redon, Puvis de Chavannes,
Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Féliz Vllotton, M. Dénis y P. Sérusier. Pont-Aven: Émile Bernard.

VVAA.- Enciclopedia del Arte. Garzanti Editores; Barcelona. 1991. Págs. 894
http://es.wikipedia.org/wiki/Simbolismo

NAÏF
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Tendencia artística que surge en Francia a fines del siglo XIX y que se
caracteriza por la utilización de formas simplificadas e imágenes ingenuas.

CARACTERÍSTICAS. Ingenuidad y espontaneidad. Autodidactismo de los artistas, que no tienen formación
académica. Búsqueda de la simplicidad. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil.
Representaciones realizadas siempre con gran imaginación y vivacidad.

TEMAS. Relacionados con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión.

MATERIALES, TÉCNICAS. Colores brillantes y contrastados. Falta de perspectiva o perspectiva acientífica,
captada por intuición. Contornos definidos con mucha precisión. Sensación volumétrica conseguida por

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medio de un extraordinario colorido. Pintura detallista y minuciosa, con gran potencia expresiva, aunque el
dibujo puede ser incorrecto.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. También llamados primitivos: Henri Rousseau, Louis Vivin, Camille Bombois.

MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL SIGLO XX

FAUVISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento de síntesis, con elementos pertenecientes a movimientos del
siglo pasado como el Impresionismo, el Postimpresionismo y el Simbolismo. El concepto fauvismo lo acuñó
el crítico Louis Vauxcelles. El color exaltado es el auténtico protagonista de las obras.

CARACTERÍSTICAS. De la oposición de Moreau (maestro de Matisse) a la copia surge uno de los conceptos
principales que aporto el Fauvismo: la no imitación. En ese sentido el movimiento fauve se opone al
Impresionismo y al Postimpresionismo, pero, en cambio, desde un punto de vista técnico existe una filiación
evidente con respecto a las obras efectuadas en el seno de esas corrientes decimonónicas.

Matisse realiza composiciones casi bárbaras, caracterizadas por una armonía de líneas y un ritmo
abstractamente antinaturalista.

Nueva concepción del color. El logro más importante que aportaron los artistas de esa tendencia fue la
autonomía del color con respecto a la forma. El color no está supeditado a lo que la pintura representa. Las
temáticas más tratadas fueron los paisajes rurales y algunas vistas de ciudades, los retratos y los interiores
con naturalezas muertas.

Interés por la luz, característica muy conectada con las nuevas soluciones cromáticas que implicaban una
preferencia por el uso de colores primarios y complementarios. Matisse y Derain experimentaron
conjuntamente, los cambios cromáticos que se producían debido a la fuerte luz del sol. Las propias zonas de
sombra daban lugar a los más atractivos contrastes de color, sin llegar a percibirse jamás manchas oscuras o
negras, cargadas de tristeza.

Sentido vitalista y dinámico concedido al color. La técnica de manchas y pinceladas sueltas se supedita a la
exaltación del color.

MATERIALES, TÉCNICAS. Divisionismo, uso de gruesos empastes, empleo de las pinceladas y manchas
sueltas y vigorosas.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy, Kees Van
Dongen.

Lourdes Cirlot.- Las claves de las vanguardias artísticas en el S. XX.
Ed. Arín. Barcelona. 1988. págs. 15-19

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EXPRESIONISMO Y ESCUELA DE PARÍS
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, HISTORIA. Movimiento cultural nacido a principios del siglo XX, en los
ámbitos de la literatura, pintura, la escultura, la música, el teatro y el cine, artes figurativas y escenografía.
Trata de representar los sentimientos y vivencias interiores del artista. El historiador del arte W. Worringer
emplea el término por primera vez.

CARACTERÍSTICAS. Surge de la experiencia emocional y espiritual de la realidad por medio de una fuerte
acentuación cromática y del rasgo incisivo. No representa la realidad objetiva. La tragedia interior, la
angustia existencial es el principal motor de su estética. Revela el lado pesimista de la vida, la cara oculta
de la modernización, la alineación, el aislamiento y la masificación.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Utiliza
colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la
perspectiva, que se altera intencionadamente.

HISTORIA. Surge como respuesta al deterioro de los ideales humanistas y al consiguiente resurgir de un
sentimiento de «malestar de la cultura». El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en
Alemania. En 1905 se constituye en Dresde el grupo Die Brücke (El Puente), coetáneo al movimiento
fauvista francés. Constituye la plena realización formal expresionista. Movidos por un intento de recuperar
una simplicidad primitiva, encontraron sus primeros temas en una especie de condición «natural» del
hombre, para después afrontar contenidos ligados a la realidad urbana y política. En 1911, Die Brücke se
traslada a Berlín donde dos años más tarde se disuelve.

El grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) se formó en Munich en 1911. El arte del Jinete azul es más
exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el cómo de la representación que el
qué. Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio
espectador. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo observa
determinados sentimientos. Abstracción lírica y expresiva.

G. Grosz, 0. Dix y M. Beckmann, exasperaron el realismo dramático en los años que precedieron a la llegada
del nazismo, con obras satíricas y de denuncia.

PRECEDENTES. Pinturas negras de Goya, Van Gogh, Gaugain y los simbolistas.

MATERIALES, TÉCNICAS. La xilografía es uno de los medios preferidos del grupo Die Brücke.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Edward Munch (El grito) y James Ensor. Holanda y Bélgica: C. Permeke, G.
De Smet, J. Toorop, H. Werkmann. Francia: H. Matisse, R. Delaunay, A. Derain, de R. Dufy, P. Picasso y G.
Rouault. C. Soutine, J. Pascin, F. Kupka. Los grupos Die Brucke (El Puente, Nolde, Kirchner) y Der Blaue
Reiter (El Jinete Azul, Franz Marc, Kandinsky, Klee), O. Kokoschka, E. Schiele. En España José Gutiérrez
Solana e Isidro Nonell. Chagall y Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada Escuela
de París.

VV.AA.- Enciclopedia del Arte. Ed. Garzanti. B. Barcelona 1992. Págs. 325-327
http://com/expresionismo.htmwww.arteespana

CUBISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, ETAPAS. Movimiento artístico originado y desarrollado entre 1907 y 1914
en Francia por Picasso y Braque. Se caracteriza por representar varios aspectos de un objeto
simultáneamente utilizando formas casi geométricas (perspectiva múltiple). El término cubismo fue
acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles.

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CARACTERÍSTICAS. Surge de la influencia de las esculturas africanas, poesía de Apollinaire y Max Jacob y
las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907). Lo que Picasso y Braque
tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver el problema de lograr una nueva figuración de las cosas,
dando a los objetos solidez y densidad.

Es una tendencia esencial, es la primera vanguardia y da pie al resto de las vanguardias europeas. No se
trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional, que rompe con el último
estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva.

Se geometrizan las formas (por ello el nombre de cubismo). Luz y sombra no reflejan ninguna iluminación
con una fuente de luz única, sino que influyen en la unión fluida de forma y espacio. Los objetos no están
situados en un lugar fijo que se deja determinar con mediciones en la superficie del cuadro; se mezclan con
el espacio. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato.

Se fragmentan las líneas y las superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan
todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún
compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de
ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto. Ya no existe un
punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces se acaba
representando el objeto por un solo aspecto. Ciertos fragmentos característicos son suficientes para indicar
la presencia de un objeto en el espacio pictóricoSe fragmenta un tema y se ordena en una composición.

Utiliza tonos pictóricos apagados, los grises, verdes y marrones, en la primera etapa.

ETAPAS: Cubismo analítico, hasta 1911 y cubismo sintético. En el primero existe una descomposición de la
realidad en un proceso mental para reflejarla, mediante la geometrización de las formas. El
monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta. En el
cubismo sintético hay inclusión de elementos reales, adheridos por pegado a la superficie de los soportes;
se advierte una tendencia a otorgar más importancia al objeto y a plasmarlo con una cierta fidelidad. El
collage fue, sin lugar a dudas, la mayor aportación que hizo el Cubismo.

MATERIALES, TÉCNICAS. A partir de 1912 se introduce el procedimiento de incrustar en el lienzo trozos de
papel y se pega o clava a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages, recurso muy utilizado
posteriormente por los dadaístas y surrealistas.

TEMAS: Bodegones, paisajes, retratos.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Pablo Picasso "Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon), Juan Gris
y los franceses Georges Braque y Fernand Léger.

Cor Blok.- Hª del arte abstracto. Cátedra. Madrid- 1987. Págs. 219-239
Lourdes Cirlot.- Las claves de las vanguardias artísticas del S. XX.- Ed. Arín. Barcelona. 1988. págs. 31-37
http://www.profesorenlinea.cl/artes/cubismo.htm

ORFISMO O CUBISMO ÓRFICO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta el color y la
luz. Síntesis del cubismo y el fauvismo. Es un movimiento precursor de la abstracción geométrica. El nombre
fue acuñado por el poeta Guillaume Apollinaire en 1913.

CARACTERÍSTICAS. Alejamiento de los principales preceptos del cubismo Exaltación del color puro que es
"forma y tema". Prescinde de la identificación del espacio pictórico. Sustituye gradualmente las imágenes
de la naturaleza por formas lumínicas de color.

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MATERIALES, TÉCNICAS. Los colores neutros son sustituídos por una serie de colores brillantes, se
abandona la figuración y predominan las formas geométricas (círculos y semicírculos) estructuradas
rítmicamente en composiciones de gran fantasía.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Robert Delaunay, Sonia Delaunay, cuyo “arte puro” se aproxima ya a la
abstracción total.

FUTURISMO, VORTICISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico nacido y desarrollado en Italia a principios del siglo
XX. Intenta representar el dinamismo de la vida moderna industrializada, exalta la ciencia y la máquina
como el objeto más bello. Su fundador fue Filippo Tommaso Marinetti, quien publica el primer Manifiesto
del Futurismo. El futurismo ejerce cierta influencia en Rusia.

CARACTERÍSTICAS. Está basado en la propaganda y en la publicidad bien organizada. Exalta la velocidad, el
movimiento, la acción, la violencia, la fuerza, la agresión, el dinamismo, la perenne transformación, la
voluntad de poder, la rebelión, el progreso. Pretenden trasladar estos valores a la vida misma, no solo a la
obra plástica. La cinematografía y las técnicas de tratamiento de la imagen anularon todas sus intenciones
reivindicativas. Negación total y absoluta de los valores del pasado, con objeto de reivindicar
exclusivamente el futuro.

TEMAS. Aquellas en las que aparecen elementos propios del mundo moderno. La ciudad (casas en proceso
de construcción, gentes que van y vienen por las bulliciosas calles, farolas de luz eléctrica, locales como
restaurantes y bares, así como coches y bicicletas). La figura humana (Boccioni).

INFLUENCIAS. Es el germen para otras corrientes posteriores, como el Dadaísmo o incluso el Surrealismo.

VORTICISMO. Versión inglesa del futurismo, de 1913 a 1915. Se caracteriza por la rigidez angular y el juego
de formas geométricas, intentando conseguir dinamismo en la obra. Un representante de este movimiento
es Percy Wyndham Lewis.

MATERIALES, TÉCNICAS. Utilizan la técnica divisionista, con objeto de lograr una sensación que persiguen
casi obsesivamente, la del dinamismo. Simultaneísmo, sistema formal inventado por los futuristas para
producir sensación de movimiento. Este se basa en repetir las imágenes, de manera superpuesta,
constituyendo algo similar a una secuencia fílmica. Los colores empleados en la pintura futurista son muy
variados, vivos y contrastados, lo que contribuye a aumentar esa sensación dinámica presente en todas las
composiciones.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Gino Severini “Expansión esférica de la luz”, Umberto Boccioni, Carlo Carra,
Giacomo Baila.

Ed. Arín. Barcelona. 1988. págs. 37-40

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DADAÍSMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, PRECURSOR. Movimiento artístico nacido en 1916, durante la I guerra
Mundial, en Zurich (Suiza), como protesta contra el orden establecido y sujeto a normas. El nombre dada
fue encontrado al azar ojeando el diccionario y significa el primer sonido emitido por un niño.

CARACTERÍSTICAS. El artista Dadá, en su lucha contra todo lo previamente establecido, propugna un cambio
profundo, no sólo en la apariencia del objeto artístico en sí, sino en la concepción del mismo. Los Dadaístas
denominaron a sus realizaciones «antiartísticas», pues, en el sentido tradicional, ninguna de esas obras
podría considerarse como artística. En toda actividad Dadaísta debe verse un acto de provocación que,
aunque en un momento dado pueda parecer carente de finalidad, tiene como meta conseguir una
concienciación por parte de los espectadores.

HISTORIA. Su nacimiento se halla ligado a la apertura del célebre cabaret Voltaire, local de entretenimiento
de carácter cultural (lecturas de poemas, acompañadas al piano, canciones y actuaciones). Muy pronto se
unió el poeta rumano Tristán Tzara, quien con su enorme capacidad inventiva pronto consiguió crear unos
espectáculos sin igual, y los hermanos Janco, procedentes de Rumanía, colaboraron en estas actividades
desde muy temprano. Los espectáculos del cabaret se distinguieron, ante todo, por su agresividad y
audacia. Se efectuaron lecturas de poemas, a la par que se realizaban ruidos diversos; muchas veces los
artistas, disfrazados, arremetían contra el público reunido en la sala, hasta que la gente se rebelaba y se
producían las algarabías más impensables.

La rápida difusión del Dadaísmo se debió a la publicación de diversas revistas (Dadá, Die Schammade o
Camera Work).

PRECURSOR. Marcel Duchamp. Sus ready mades u objetos ya fabricados comenzaron a revolucionar el
mundo artístico en 1913, fecha en que el artista francés realizara su famosa Rueda de bicicleta. Consistía
ésta en una rueda extraída de su contexto, la bicicleta, y colocada, en posición invertida sobre un taburete
blanco. La descontextualización de un objeto implica la revisión del mismo, tanto a nivel formal como
conceptual. Surge la posibilidad de dotarlo de nuevos y múltiples significados, por lo que el ready made
supuso una verdadera revolución en el terreno artístico.

MATERIALES, TÉCNICAS. Collage, collage con materiales de deshecho. Fotomontaje, recurso artístico y
forma de expresión fotográfica basada en el collage. Consiste en crear una composición con recortes de
varias fotografías o con otro tipo de elementos.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Marcel Duchamp, Max Ernst, Tristán Tzara, Hugo Ball, Picabia, Man Ray,
Hans Harp, Raoul Hausmann y su compañera Hanllah Hoch, Kurt Schwitters (Merzbilder)

Lourdes Cirlot.- Las claves de las vanguardias artísticas en el S. XX. Ed Arín. Barcelona 1988. Págs. 48-53

PINTURA METAFÍSICA EN ITALIA
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, TEMAS. Movimiento artístico italiano de los años 1918 al 1922. Es una
vuelta al orden, a la tradición y a la recuperación del objeto, al clasicismo, basado en los pintores del
Renacimiento. La pintura se vuelve literaria y busca sus modelos en la antigüedad clásica, sin olvidar el
progreso y las relaciones con la filosofía y el hombre. La elección del término “metafísica” la reivindican
Carrá y De Chirico.

CARACTERÍSTICAS. Surgió del deseo de explorar la vida interior imaginada de objetos cotidianos cuando se
los representa fuera de los contextos habituales. Idea del individualismo absoluto. Recuperación del objeto
y de la realidad, hecho generalizado en la Europa de la posguerra. Recuperación de la perspectiva, atacada

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desde el cubismo. En consonancia con las teorías de Freud y otros hay un intento de plasmación del silencio
y la soledad, creando un clima inquietante, especialmente en las obras de De Chirico.

De Chirico defiende la tesis de que el arte es una actividad metafísica del hombre, justificando su existencia
como un fenómeno estético. Sus obras tienen una cuidada composición y están cargadas de misterio.
Temas filosóficos que aparecen en sus cuadros hacen referencia a los problemas del misterio, de la
identidad y de la existencia del hombre. Su producción metafísica está presidida por los problemas del
espacio y del tiempo, que resuelve de modo distinto al cubista. Estos cuadros representan escenas sin
movimiento, silenciosas, en las que el tiempo está parado, en donde se reúnen el pasado (pórticos, torres,
estatuas) y el presente (trenes, chimeneas industriales, cañones).

INFLUYE en el Surrealismo.

TEMAS. La espera, la soledad y la melancolía. Paisajes urbanos (plazas desiertas, estaciones, torres,
estatuas), arquitecturas. Un motivo que se repite es el del maniquí, personaje inquietante y
deshumanizado. Autorretratos. Morandi pinta botellas, vasos, etc., con una técnica y composición basadas
en la tradición clásica.

MATERIALES, TÉCNICAS. Técnicamente se vuelve a imponer el oficio, como una reivindicación de las
maneras clásicas. Obra bien hecha, e incluso utilización de técnicas de la Antigüedad, como el fresco, el arte
del vidrio y el mosaico. Pinta con una gama cromática oscura, juego de espacios (De Chirico).

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Giorgio de Chirico, Carlo Carrá, Giorgio Morandi.

VVAA.- Historia del Arte. Ed. Espasa. Madrid, 2002. Págs. 1190-1192

NUEVA OBJETIVIDAD
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Entre 1920 y 1934 se desarrolla en Alemania una corriente emparentada
con el expresionismo, al que rechaza, denominada Nueva Objetividad –Neue Sachlistein-. El término se
aplica a obras de arte pictórico, literatura, música, arquitectura, fotografía o cine. Término acuñado por
Gustav Friedrich Hartlaub en 1923.

CARACTERÍSTICAS. Vuelta a la figuración. Intensa carga satírica. Pretenden superar las mezquindades de la
forma a través de una nueva objetividad nacida del disgusto hacia la sociedad burguesa de la explotación.
Se plantean hacer arte político y denuncia social. Dos grupos:

Veristas: forma vehemente de realismo que distorsiona las apariencias para enfatizar lo feo. Arte crudo,
provocativo y ásperamente satírico.

Realistas mágicos: regreso al orden, que encuentra su expresión en el neoclasicismo. Del realismo casi
fotográfico al neoprimitivismo.

TEMAS. La prostitución, la guerra, la deshumanización de las costumbres. Retrato y autorretrato, con
fisionomías simples o tendiendo a la caricatura.

MATERIALES, TÉCNICAS. Dibujo casi caricaturesco y de una gran libertad expresiva. Las composiciones se
articulan con rigidez sobre un dibujo muy ágil y de contornos acentuados para elevar la fealdad a la
categoría de lo sublime.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Oskar Kokoschka Veristas (Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann);
realistas mágicos (Anton Räderscheidt, Christian Schad, Georg Schrimpf). Fotografía: Albert Renger
Patzsch, Karl Blossfeldt.

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http://es.wikipedia.org/wiki/Nueva_objetividad
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/5410.htm
http://www.arteseleccion.com/movimientos-es/nueva-objetividad-182

SURREALISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, TENDENCIAS. Movimiento literario y, posteriormente, artístico que nace
en París, en el año 1924, en que André Breton publicó el primer Manifiesto Surrealista. El concepto
fundamental es el de automatismo, que se basaba en una especie de dictado mágico, proveniente del
inconsciente.

CARACTERÍSTICAS. Está basado en la expresión de pensamientos y sentimientos puros de procedencia
onírica y subjetiva. La rebelión del surrealismo contra la tradición cultural burguesa y el orden moral
establecido tuvo su cariz político. Los surrealistas emigrados a EE.UU. influyeron en el arte estadounidense,
en particular en el desarrollo del expresionismo abstracto en los años 1940. Expansión del surrealismo por
todo el mundo. El espíritu revolucionario del dada, está presente en el Surrealismo

TENDENCIAS.

Los surrealistas figurativos (onirismo), que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos
tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos y las
monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras.
Siguen las normas tradicionales de representación perspectiva, con objeto de lograr imágenes sumamente
impactantes. Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías.

Surrealistas abstractos. Inventan universos figurativos propios. Aplicación del automatismo puro. Las obras
son, en muchos casos, resultado del azar. André Masson efectuaba dibujos de carácter automático a pluma
sobre papel. Por lo general, se trataba de composiciones abstractas, dotadas de gran agilidad y dinamismo
que expresaban un estado anímico de gran euforia. Pero la aportación más interesante de Masson la
constituyen las llamadas pinturas de arena, precedentes de ciertas realizaciones informalistas posteriores.
Surgían como resultado del azar actuando directamente en el proceso creativo. Joan Miró adoptó tan sólo
ciertos conceptos del Surrealismo. En los objetos de funcionamiento simbólico y en las piezas
tridimensionales de los años treinta es donde mejor se percibe lo surreal de Miró.

INFLUENCIAS. Influye en el informalismo europeo o en el expresionismo abstracto norteamericano.

MATERIALES, TÉCNICAS. El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía
así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al
ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst, el cual aplica el collage de
un modo completamente distinto a como lo hicieran los cubistas: integra de tal manera los papeles que
resultaba imposible distinguirlos del contexto pintado en que los ha situado. Max Ernst inventó el
procedimiento técnico del frottage, consistente en colocar bajo el soporte sobre el que había de pintar
elementos de texturas gruesas diferentes, con la finalidad de que al frotar sobre ellos quedase su trama
visible en el soporte.

Masson colocaba el soporte de tela sobre el suelo y dejaba caer sobre el mismo cola, para, más tarde,
espolvorear la superficie con arena. En los lugares donde había cola, la arena quedaba pegada y formaba
una capa de un cierto grosor que contrastaba con las zonas pintadas posteriormente por el artista.

Salvador Dalí. Inventa el método paranoico-crítico, consistente en asociar imágenes de lo más arbitrario
con otras que surgen obsesivamente a lo largo de toda su trayectoria.

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Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios
artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho
pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Surrealistas abstractos: André Masson, Joan Miró, Onirismo (surrealistas
figurativos): René Magritte, Paul Delvaux y Salvador Dalí. Max Ernst, Hans Arp Marcel Duchamp, Man
Ray, Óscar Domínguez, Meret Oppenheim.

Ed. Arín. Barcelona 1988. Págs. 54-61

ABSTRACCIÓN
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, TENDENCIAS. Movimiento artístico de principios del siglo XX nacido como
reacción a la pintura realista de la época. Prescinde de toda figuración, propone una nueva realidad distinta
a la natural. Las imágenes abstractas no reproducen formas llamadas objetivas o reales. Con los elementos
plásticos, líneas, planos o volúmenes, se crea un mundo de imágenes nuevo, relacionado con los valores
emocionales.

CARACTERISTICAS. Surgen, ligadas al factor racional, gran cantidad de obras de claro rigor geométrico. En
ellas se conjugan equilibradamente puntos de configuraciones, tamaños y colores diversos con elementos
lineales de diferentes características. Rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la
conciencia del artista.

TENDENCIAS. Suprematismo, rayonismo y neoplasticismo.

Rayonismo. Mihail Larionov y Natalia Gontcharova en 1909 publicaron el Manifiesto Rayonista. Conjunción
entre Cubismo, Futurismo y Orfismo (modalidad cubista) y no aportaba demasiadas innovaciones.

INFLUENCIAS. El Romanticismo, el impresionismo, el postimpresionismo, el expresionismo y el cubismo
contribuyeron al desarrollo del arte abstracto.

MATERIALES, TÉCNICAS. Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que
puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Wassili Kandinsky, Mondrian. El arte abstracto nace en el año 1910 cuando
Wassili Kandinsky (artista ruso, afincado en Alemania) realiza su primera acuarela abstracta. En sus primeras
obras: Gran sentido de libertad, así como por su enorme dinamismo y vitalidad. El elemento cromático
desempeña un papel fundamental. Malevich,

• Lourdes Cirlot.- Las claves de las vanguardias artísticas del S. XX. Arín. Barcelona. 1988. págs. 42-48

CONSTRUCTIVISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico y arquitectónico nacido hacia 1917 en Rusia.
Pretende cambiar el arte y crear una nueva concepción de vida. Se fundamenta en el arte abstracto y utiliza

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la forma geométrica como principal rasgo estético. El término fue utilizado por primera vez por Malevich en
1917.

CARACTERÍSTICAS. Defiende los ideales del utilitarismo (arte fácil de comprender y con utilidad social), el
funcionalismo y la abstracción. Rechaza al artista artesano y potencia la figura del artista industrial
consagrado al servicio de un arte para las masas. Los constructivistas trabajaron en festivales públicos y
diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución bolchevique post-Octubre.

El constructivismo ruso soviético adquiere mayor presencia después de la Revolución de Octubre. Está
vinculado al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto.

En Holanda se denomina constructivismo holandés al neoplasticismo de Mondrian y del grupo De Stijl.

• MATERIALES. Defensa de los materiales modernos. Líneas puras.

• ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Tatlin, Malevitch, Lissitzky, Naum Gabo y Mondrian.

Malevich. Conjuga figuras geométricas de diferentes tonos cromáticos. Reduce las formas a cuadrados de
colores, negro, rojo o blanco. En otras ocasiones utiliza una mayor complejidad cromática y formal.
Desembocará en el suprematismo.

El Lissitzky. Abstracción de base geométrica. Se propone la transformación del espacio vital mediante obras
denominadas “proum” (para una sola visión), que considera escalones hacia el camino de perfección.

EUGENIO BARGUEÑO, Dibujo Artístico. 1º de Bachillerato. Editorial McGrawHill, Madrid, 1998.
http://es.wikipedia.org/wiki/Constructivismo_(arte)

NEOPLASTICISMO O CONSTRUCTIVISMO HOLANDÉS. DE STIJL
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía
un orden claro y geométrico, despojando al arte de todo elemento accesorio.

CARACTERÍSTICAS. Similar en su concepción y planteamientos al Suprematismo. La intención del
neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza. Es un intento de
llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal.

Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal. Exclusión
de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente). Se elimina todo lo superfluo hasta que
prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus
componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración
a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre
verticales, horizontales o formando ángulos rectos. Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado
sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores. Es una orientación artística
antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como
metáfora visual de armonía espiritual.

La evolución de los neoplasticistas está marcada por la presencia de una primera etapa en la que se
aproximan a la realidad con objeto de estudiarla y depurarla para llegar progresivamente a la abstracción.
En esta corriente los artistas eliminan todo aquello que pueda considerarse superfluo, de modo que
prevalezca sólo lo elemental. Proceso de abstracción progresiva, en virtud del cual las formas se irían
reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres
primarios.

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Está vinculado al nacimiento del arte abstracto. Se considera al neoplasticismo origen de la abstracción
geométrica. Sus teorías tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía.

MATERIALES, TÉCNICAS. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios:
amarillo, azul, rojo) y neutros (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas,
ordenadas, optimistas, alegres. Formas geométricas regulares y de ángulos rectos. En sus composiciones
jamás se recurre a la simetría y, sin embargo, existe un marcado sentido del equilibrio logrado por
compensación de formas y colores.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Piet Mondrian, Theo van Doesburg, fundadores de la revista De Stijl en
1917. Wilmos Huszár, Georges Vantonterloo, Jacobus Johannes, Pieter Oud.

• http://es.wikipedia.org/wiki/Neoplasticismo

SUPREMATISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Tendencia artística rusa, a partir de 1915, forjada por Kasimir Malevich
(Manifiesto del Suprematismo). Suponía una renovación plástica total. Esta tendencia se caracteriza por la
supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas.

CARACTERÍSTICAS. Su pintura, como la de sus seguidores principales, posee dos características esenciales:
simplicidad de formas y uso restringido del color. Muchas de las obras del propio Kasimir Malevich
llevaron a sus últimas consecuencias la simplicidad formal adoptando el cuadro como único elemento
geométrico, eliminaron asimismo los colores para refugiarse en el empleo exclusivo del negro o del blanco.

Fondos neutros (principalmente blancos), figuras geométricas (triangulo, cuadrado, círculo, etc.).
Supremacía de la sensibilidad plástica pura por encima de todo fin materialista, práctico, social, descriptivo
o ilusionístico. Abstracción de las formas (todo se reduce a triángulos, cuadrados, la cruz y el círculo).
Formas puras y absolutas en la plasmación de armonías sencillas. El punto de fuga no se ubica sobre el
horizonte, sino sobre el infinito. Sensaciones de movimiento y velocidad. Algunas estructuraciones
complejas asimétricas, de líneas y formas trapezoidales en variación constante (distintos tamaños y
colores), generalmente ordenadas en relación con diagonales, de sensación dinámica (esta estructuración
es característica del período 1914 y 1917). Otras estructuraciones sencillas a base de formas geométricas
puras y absolutas (círculo, cuadrado, rectángulo, triángulo y cruz) de manera independiente o conjugadas y
ocupando gran parte de la superficie del cuadro.

MATERIALES, TÉCNICAS. Empleo de colores planos contrastantes (en general primarios y también gamas
intermedias, blanco y el negro). Gama de colores reducida (rojo, negro, azul, blanco y verde) o a veces
carente de color. Predominio de fondos neutros, generalmente el blanco.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Kasimir Malevich

• http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/07/25/caracteristicas-del-suprematismo/

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RACIONALISMO, BAUHAUS
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Escuela de diseño creada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en
Weimar, Alemania. La Bauhaus tenía como principios la funcionalidad en el diseño, la economía en la
producción de objetos y el dominio de la ciencia y la técnica para fabricar los objetos que se diseñaban.

CARACTERÍSTICAS. Sus objetivos eran integrar todos los géneros artísticos bajo la arquitectura y orientar la
producción estética hacia las necesidades sociales de un amplio espectro de clases sociales.

Deseo de un máximo de claridad formal que defendía la eliminación de todo adorno y el uso de elementos
geométricos como fuente de sus diseños. Importancia de los procesos industriales y la necesidad de diseñar
en función de los medios.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y
gráfico. En 1928 es trasladada a Dessau y, finalmente, a Berlín. Se clausura en 1933. Su influencia estética
continúa vigente en la actualidad.

MATERIALES, TÉCNICAS. Sus creaciones son primordialmente arquitectónicas.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Lionel Feininger, Paul Klee, Kandinsky, Albers, Moholy-Nagy.

• http://www.artediez.es/auladiez/bauhaus/bauhaus1.htm

EXPRESIONISMO ABSTRACTO, ESCUELA DE NUEVA YORK
DEFINICIÓN, TENDENCIAS, CARACTERÍSTICAS. Movimiento aparecido en los años cuarenta en Nueva York
pero que no tuvo su verdadero despegue hasta principios de los cincuenta, tras el desplazamiento de la
capitalidad artística de París a Nueva York a causa del conflicto que asolaba Europa. El espacio pictórico se
trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. Obras de aspecto geométrico y
de grandes dimensiones, que expresan angustia y conflicto. Se conoce como “Escuela de Nueva York”. El
crítico Robert Coates acuña el término.

TENDENCIAS. Action painting y color field painting.

Action painting. Potencia del gesto o del color (pintura gestual). Se subraya la importancia del acto físico de
pintar. Pretende transmitir el aspecto espontáneo de la acción de pintar aplicando los elementos
automáticamente, sin un orden objetivo. El proceso es lo importante. Tiene sus orígenes en las creaciones
automáticas de los surrealistas, por ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson. Harold
Rosemberg propone la expresión Action Painting en 1952. Los informalistas le dieron el nombre de
Tachisme, del francés, tache (mancha).

Desde el punto de vista existencial de Rosemberg (la pintura debe ser la búsqueda del auténtico yo), los
Action Painters, se liberan de los valores políticos, estéticos y morales, sustituyéndolos por el valor más
fluido de lo nuevo y logran, de este modo y por primera vez en la historia del arte, suprimir la distinción
entre arte y vida.

Pollock realizó a partir de 1946 sus primeros dripings o derrames, que configuran evanescentes laberintos
psicológicos. Willem de Kooning, Philip Guston, Robert Motherwell y Adolf Gottlieb son pintores gestuales,
incluso a veces violentos, que utilizan en algunos casos la técnica del all-over. En este primer grupo, Willem

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de Kooning ocupa un lugar aparte, puesto que nunca deja de practicar una pintura figurativa que, no
obstante, coincide con la de los otros miembros en su estilo violento y en la agresividad de su acometida al
lienzo.

Color field painting. Pintura del campo coloreado. Pintura de inspiración más lírica y meditativa y en la cual
el color está cargado de emoción. Utilización del color puro de una manera muy innovadora. Esta potencia
del color, unida a la violencia del signo, confiere a muchos de los representantes de esta tendencia una
fuerza suficiente para superar las más poderosas experiencias europeas. El campo coloreado, incluso
saturado de color, se convierte en la expresión silenciosa pero intensa de su sentido del mundo. Los
cuadros son de un rigor y una simplicidad extrema. Pretenden ser menos la expresión de un subconsciente
personal o colectivo que la de las verdades metafísicas eternas, de las cuales constituyen su entrada
perceptiva, al igual que otras formas de meditación. Los Color Field Painters hablan del Ser, turbado y
desquiciado en nuestro mundo. Cuadros de gran formato.

MATERIALES, TÉCNICAS. Driping, En esta técnica, el principal elemento es la acción o movimiento por parte
del pintor con relación al aspecto físico de la pintura, en conjunto con la superficie donde trabaja, por esta
razón la principal pintura a utilizar en esta técnica es la pintura acrílica. La pintura es derramada de forma
sistemática, ingenua o espontánea por parte del artista, cuando va creando su obra y de esta forma plasma
sus ideas y conceptos abstractos en gran parte, debido al resultado en consecuencia de la técnica. Con la
pintura acrílica es muy práctica la forma de acción, dejando caer o gotear el líquido de cada color sobre la
superficie. El salpicado con pintura se realiza de manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema
prefijado, de forma que éste se convierta en un «espacio de acción» y no en la mera reproducción de la
realidad.

All-over, que consiste en cubrir todo el lienzo de manera uniforme.

El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Action Painting. Pollock, De Kooning, Kline, Philip Guston, Robert
Motherwell y Adolf Gottlieb. Color Field Painting. Marck Rothko, Barnett Newman, Clifford Still y Ad
Reinhardt.

• El arte del S. XX. Salvat. 1990. 2º tomo págs. 62-63.
• E.G.L. En: VV.AA.- Diccionario Akal de Arte del S. XX. Madrid, 1997. Págs. 6-7
• VVAA.. El arte del S. XX. Ed. Salvat. Madrid, 1990. 2º tomo. págs. 136-7.
• http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/materiales/19.htm

INFORMALISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Tendencia artística que se inicia tras la Segunda guerra mundial, cuando el
arte abstracto se hallaba en plena expansión, y que excluye toda figuración.

CARACTERÍSTICAS. “Informal” significa lo contrario a toda forma, opuesto a toda voluntad formativa,
rebeldía frente a toda estructuración preconcebida y racional. Abstracción amorfa y escasamente
estructurada, a partir del uso de una ejecución veloz con la cual se recrean elementos, signos desprovistos
de aparente “significado” conceptual. Grafismo occidental, en contacto con el zen, exploraciones sígnicas.
Escrituras filiformes y conmocionadas tratadas como alfabeto asemántico (Michaux).

Mathieu es el primero que utiliza y considera el signo como elemento que anticipa el significado, en un
planteamiento semántico invertido en el que se halla un cierto parentesco con algunas técnicas
automáticas del surrealismo.

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Por su expresión directa, guiada por un cierto estado anímico, podemos relacionar al informalismo con el
automatismo psíquico del surrealismo, mientras que, por su aspecto corrosivo y nihilista, con el dadaísmo.

El crítico Michel Tapié utiliza por primera vez el término informal.

MATERIALES, TÉCNICAS. Exploración de la materia, incorporando el valor de la textura, abordando tanto
las posibilidades expresivas de los “graffiti” como el “grattage” o la pintura de acción. Líneas de pintura
salidas directamente del tubo, “pintura directa” y “mancha”.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Mathieu Riopelle, Serpan, Michaux, Wols, Mark Tobey.

• El arte del S. XX. Salvat. Madrid. 1990.- tomo 2º. págs. 22-23.

NUEVA FIGURACIÓN
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. La nueva figuración se sitúa entre el Informalismo y el Expresionismo
gestual y las corrientes figurativas posteriores (Pop, hiperrealismo, etc.). Actúa, además, de movimiento de
transición entre ambas. Se trata de una reacción emotiva ante los desastres provocados por la última
contienda. El término agrupa artistas de tendencias muy diversas que participan del subjetivismo y de cierto
tratamiento informal, al tiempo que recurren a la representación figurativa, en especial la figura humana.

CARACTERÍSTICAS. Se desarrolla en los años en que se desarrolló el informalismo. Las fuertes distorsiones
de las figuras y la indeterminación del espacio conectaron estas nuevas preocupaciones figurativas con el
realismo descarnado del Expresionismo de la primera mitad del siglo.

MATERIALES. En los años sesenta, los artistas no presentan un estilo unificado, pero sí realizan
producciones técnicas similares: utilizan encuadres cercanos a los del cine y el cómic, pintura al acrílico en
grandes superficies lisas, utilización de la fotografía y el episcopio.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Expresionismo nórdico: K. Appel, A. Jorn, Corneille y P. Aleschinski.

F. Bacon, Dubuffet, W. De Kooning, Grupo Cobra, B. Buffet, N. de Stael, H. Antes, A. Saura

F. Bacon, referencias al terror, la violencia, el aislamiento y la angustia; el Grupo Cobra, fuertemente
influido por el Expresionismo nórdico, con sus visiones dramáticas y grotescas, elementos figurativos y
formas orgánicas (como ojos, fragmentados corporales. esbozos de figuras); B. Buffet, cuyas figuras
esquemáticas son la traducción literal de los sombríos aspectos del existencialismo sartreano; N. de Stael ,
con sus figuras, paisajes y naturalezas muertas en donde lo figurativo se entremezcla con las abstracciones
más puras; H. Antes, cuyas figuras sin torso reflejan la influencia de Picasso, Léger, Beckmann, la escultura
asiria y la pintura etrusca; y, por último, el español A. Saura, con su característica figuración informal, muy
cercana a la de De Kooning.

• http://www.masdearte.com

POP ART
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico que surge a mediados de los años 1950 en Londres y
que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación

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(anuncios publicitarios, cómic, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine). El término,
abreviatura de Popular Art, se debió al crítico británico Lawrence Alloway, que lo utilizó, en 1954.

CARACTERÍSTICAS. En muchos aspectos, el fenómeno del Pop se pareció al del primer Dadá, sobre todo por
el hecho de que ambos movimientos se valieron de la recuperación de objetos triviales y aestéticos. Sin
embargo, la diferencia entre ambas manifestaciones estriba en que Dadá fue un movimiento anti-arte,
mientras el Pop fue un intento de reivindicación artística de algunos elementos formales de los medios de
comunicación de masas. El Pop fue un medio para crear obras de arte casi totalmente a partir de elementos
preexistentes, donde la contribución del artista estaría más en el hecho de establecer conexiones entre
objetos, yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos ab initio.

TEMAS. El repertorio temático está extraído fundamentalmente del fenómeno de la propaganda industrial,
de la tecnología y de la ciencia ficción. Temas motivados por la vida cotidiana, que reflejan las realidades de
una época y refuerzan el cambio cultural. Se convierten en la iconografía del "Pop Art la Coca-Cola, los
helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la pasta de dientes, la sopa de conserva, los cigarrillos, los coches
cromados, aviones, anuncios fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas, imágenes de
bulevares, etc. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos,
arquitectónicos o publicitarios, construyó, de hecho, no sólo el telón de fondo natural de esta aparición
artística, sino además su más importante fuente de inspiración.

MATERIALES, TÉCNICAS. Técnica del collage dadaísta. En manos de los artistas pop se desarrolló como arte
de “assemblage”. Utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura
plástica.....con fotografías y materiales de desecho: trapos viejos...etc.

Oldenburg explora el mundo de los objetos cotidianos en un sentido plástico y monumental; objetos que
oscilaban entre los dominios de la escultura y los de la pintura (hamburguesas gigantes, salchichas, trozos
de tarta, palanganas, batidoras y máquinas de escribir). En cambio, los otros estuvieron más ligados a la
superficie plana del lienzo y, en cierta medida, fueron más formalistas. Tanto Rauschenberg como Johns
hicieron un uso extenso del collage, insertado en una pintura de tipo expresionista abstracta.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom
Wesselman, Robert Indiana, J. Johns y E. Kienholz. En la costa oeste norteamericana destacan Billy Al
Bengston, Ed. Ruscha, W. Thiebaud y El Ramos.

• http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

OP-ART, ARTE CINÉTICO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento internacional que surge a finales de la década de 1950 en
Estados Unidos, para asentarse en los años sesenta. Se basa principalmente en la ilusión óptica (de
vibración o movimiento) producida por ciertos elementos visuales. Se diferencia del arte cinético por la
total ausencia de movimiento real. La expresión "Op art" corresponde a la abreviación de "optical art“.

CARACTERÍSTICAS. Pretende producir efectos de relieve o profundidad o movimientos de formas
geométricas sin recurrir al relieve ni a la animación real de las superficies. Los artistas de esta tendencia
centran su trabajo en el estudio de las relaciones entre color y espacio con el fin de provocar vibraciones
retinianas, para conseguir finalmente una experiencia física en el espectador.

La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de
experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos. Este movimiento fue rápidamente aceptado por el
público por sus estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la
moda (diseños cuadriculados y tridimensionales, con gran presencia de contrastes blanco y negro).

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MATERIALES, TÉCNICAS. Seriación, es decir en la repetición ilimitada de un módulo formal. Efectos
cromáticos y formales dinámicos.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Vasarely, Rafael Soto.

• .http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm

MINIMAL ART, ESTRUCTURAS PRIMARIAS
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento escultórico con predominio de las formas geométricas
elementales. Surge a principios de la década de 1960 en Estados Unidos como reacción al expresionismo
abstracto. Se basa en la absoluta objetividad y en la idea de repetición como expresión del concepto de
infinito. La "Pintura minimalista" es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se trata de una
pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de los
años 1960, desarrollándose durante los años 1970. En 1980, se produjo una renovación de la pintura
minimalista con las tendencias "Neo-geo" y "Neo-minimal". El concepto Minimal Art fue acuñado por
Richard Wollheim en 1965.

CARACTERÍSTICAS. En las obras minimal se insiste en la forma pura y poco expresiva, no hay gestualidad ni
tema sino la búsqueda de una factura impersonal.

Formas rectangulares y cúbicas, igualdad de las partes del cuadro, repetición, superficies neutras,
materiales industriales. Todo ello lleva a un impacto visual inmediato. Suelen realizar telas de gran formato
en los que predomina, ante todo, el color. El objetivo de toda escultura minimalista es potenciar al pureza
del lenguaje, con lo que aparece de ese modo la necesidad de recurrir a lo que Morris llamaría gestalt
fuerte o forma de carácter unitario que no puede descomponerse. Los minimalistas se oponían a la
escultura articulada y proponían, en cambio, las cualidades de unidad y de indivisibilidad, con lo que era
posible, por tanto, el resultado de objeto específico simple.

Las obras Minimal personifican estados de máximo orden con los mínimos medios o complejidad de
elementos y está más interesado por la totalidad de la obra que por las relaciones entre las partes
singulares o por su ordenamiento composicional; por eso abunda la Gestalt simple: "el todo es más
importante que las partes”. Los minimalistas se interesaron por las líneas, los planos y los volúmenes desde
el punto de vista de la percepción y se decantaron por un lenguaje reduccionista.

Se considera que es una reacción contra las formas pictóricas del expresionismo abstracto.

MATERIALES, TÉCNICAS. Tanto las propiedades del material, como las de la superficie y el color
permanecen constantes con objeto de no desviar la atención de la obra como un todo.

Formas geométricas primarias, de productos en serie y materiales fabricados. Para conseguir la reducción
formal deseada el objeto minimal, de un estilo puritano y estricto, se despoja de todo adorno decorativo y
se remite a las relaciones del espacio circundante que se resaltan tanto por el efecto específico de la luz
sobre el material, como por la expansión del volumen.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Robert Mangold, Robert Rayman, Brice Marden. Escultores, que habían
abandonado la pintura: Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Robert Morris y Sol LeWitt.

• http://historiadelarte4.blogspot.com/2007/07/minimal-art.html
• http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_minimalista

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ARTE CONCEPTUAL
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, TENDENCIAS. Movimiento artístico creado a partir del año 1960. Está
basada en el arte como idea y nació como una respuesta crítica a la consideración del arte como objeto o
valor de cambio. Presenta manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas. La idea principal que
subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista sino
que consiste en conceptos e ideas.

CARACTERÍSTICAS. En el arte conceptual la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra (el
objeto artístico) y el mismo proceso -notas, bocetos, maquetas, diálogos- al tener a menudo más
importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea
inicial. Las obras requieren una mayor implicación del espectador, no solo en la forma de percibirlas, sino
con su acción y participación.

En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza dentro
de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art, process art, performance
art, arte povera...

Con frecuencia el conceptualismo se ha presentado como una alternativa al objeto artístico tradicional e
incluso como su negación, reaccionando contra el objeto convertido en motivo de especulación comercial.
El arte conceptual es hostil al mundo artístico dominante de las galerías, de la especulación, y propone un
nuevo sentido a la obra artística, a la producción, el consumo y la función del arte en la sociedad
contemporánea.

TENDENCIAS.

Arte como idea. Se evita la emoción estética del espectador como un paso imprescindible para poder
acceder a una nueva exploración de la naturaleza del arte. Es un conceptualismo que se identifica
exclusivamente con la idea. Josep Kosuth, expone un objeto tan banal como una silla junto a la foto del
mismo objeto y su definición de diccionario.

Project art. Idea de proyecto o diseño preconcebido. Considera el concepto como una preconcepción en la
mente de una cosa a realizar. La intención de restar valor al objeto a favor de la idea es un gesto común en
el arte conceptual, pero el objeto ahora adopta valor de medio útil para diversas metodologías analíticas y
proposiciones interdisciplinarias.

MATERIALES. Emplea todo tipo de materiales y técnicas.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Josep Kosuth, Laurence Weiner, el grupo Art & Languaje…

• Varios Autores.- "El arte del S. XX. 1950-90" . Salvat. Madrid 1990. pág. 356.

HIPERREALISMO, FOTORREALISMO O SUPERREALISMO
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, TENDENCIAS. Movimiento artístico surgido entre 1965 y 1970 en Estados
Unidos, caracterizado por una reproducción casi literal de la realidad, un realismo fotográfico. Nació como

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una protesta contra el arte conceptual. En Estados Unidos es denominado "photorrealism" o
"superrealismo". Es acuñado por el crítico norteamericano Louis Meisel.

CARACTERÍSTICAS. Los artistas son llamados hiperrealistas, superrealistas, fotorrealistas o nuevo-realistas.
Ponen el objeto de su atención en la propia realidad. Extrema precisión en la representación. El artista
actúa como un minucioso notario de la realidad, que repara en los más ínfimos detalles, haciéndolos
evidentes a los ojos del espectador. El resultado de la producción hiperrealista sería, por lo tanto, una
especie de fotografía pictórica de la realidad, captada en un lienzo.

El Hiperrealismo aparece como sucesor del Pop, y, en cierta forma, vinculado a él. De ahí su interés por los
aspectos triviales de la sociedad de consumo y por las imágenes populares de la cultura “underground”. Su
exacerbado realismo debió de ser una reacción ante la ausencia de objeto promovida por el Arte
Conceptual de esos mismos años

TENDENCIAS. Hay dos tendencias dentro del mismo, manteniendo, claro está, una cierta flexibilidad: una
más vinculada al realismo fotográfico de origen “pop” (H. Kanovitz, M. Morley, J. Raffael, R. Estes, Ch.
Close...) y otra más conectada con la tradición pictórica occidental, en la línea del academicismo burgués
(retratos, interiores, desnudos clásicos, paisajes, etc., inspirada en los grandes maestros (Ph. Pearslstein, J.
Beal, A. Katz…) exactitud y sobriedad de la representación, su carácter distanciado y frío, el recurso a
procedimientos ilusionistas (trompe l´oeil. perspectivas euclidianas) y el uso de la cámara fotográfica.

MATERIALES, TÉCNICAS. Empleo de la cámara y la fotografía para obtener información, y de medios
mecánicos o semimecánicos para traspasar esa información al lienzo. La mayor parte de las veces proyectan
diapositivas sobre la tela a pintar. En general son pinturas completamente lisas, donde no se aprecia la
huella manual del artista y parecen fotografías de gran tamaño. Utilización de colores muy saturados y
brillantes y superficies reflectantes.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Richard Estes (1932) y Chuck Close (1940), fotorrealistas. C. Bravo y G.
Richter. Antonio López (1939) (realismo mágico).

• A.M. González.- Las claves del arte. Las últimas tendencias. Ed. Arín. Madrid 1989. Págs. 17-30 y 39-
42
• http://aprendersociales.blogspot.com/2010/10/hiperrealismo.html

ARTE PÓVERA
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS, PRECURSORES. Surge en Italia en 1967, cuando se efectuaron dos
importantes exposiciones en Turín en las que participaron diversos artistas representantes de esta
modalidad. La denominación de Arte Povera se debe al crítico Germano Celant, y sirve para aludir a toda
una serie de manifestaciones que se caracterizan, principalmente, por el empleo de materiales pobres.

CARACTERÍSTICAS. Arte antimercantilista que basa su estética en las relaciones entre el objeto y su
configuración, valorando especialmente dos aspectos: por un lado, los procedimientos entendidos como
proceso de fabricación y manipulación del material, y por otro, los materiales. Estos dos elementos van
estrechamente relacionados, de forma que hay obras que parten de determinada acción sobre el material
(como pueden ser apilar, desgarrar, torsionar).

PRECURSORES. Los informalistas italianos Alberto Burri y Lucio Fontana. El primero empleaba tela de
arpillera que llegaba a parecer un material de desecho. Fontana, integraba el orificio como elemento
esencial de las composiciones. La austeridad de la obra de este artista es uno de los factores que permiten
considerada como precedente de la de ciertos artistas "pobres».

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Piero Manzoni. Trabaja con materiales inusuales en el ámbito de la pintura, como se advierte en sus
Panecillos acromáticos, obra en la que utilizó una serie de panecillos. Es célebre su Mierda de artista,
constituida por latas en las que Manzoni había colocado su propia defecación.

MATERIALES, TÉCNICAS. Este arte que valora los materiales industriales en estado bruto y la materia
natural. Utiliza materiales pobres y de deshecho, tales como paja, arena, piedras, ramas, hojarascas,
fragmentos u objetos de metal, piezas de loza o vidrio, etc. Surge en Europa como una reacción en contra
del predominio del acero inoxidable, el plexiglás y la estricta geometría del minimal art.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Jannis Kounellis, Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio, Michelangelo
Pistoletto, Alighiero Boetti, Giuseppe Penone, Luciano Fabro.

• http://historiadelarte4.blogspot.com/2007/07/arte-povera.html

LAND ART
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Corriente artística de los sesenta que surge en Estados Unidos, a medio
camino entre el arte conceptual y el objetual. El artista modifica el espacio natural, o bien selecciona
materiales y los reorganiza, con el fin de realizar una intervención que propicie una nueva imagen diferente
a la creada por el mismo medio natural, nunca agresiva con el orden ecológico.

CARACTERÍSTICAS. Se trata de integrarse con la naturaleza y descubrir que los fenómenos naturales pueden
constituir acontecimientos artísticos, de materializar un concepto abstracto propio, no de emular o superar
la naturaleza. Es un arte de carácter procesual en el que el espacio se transforma progresivamente y está
condicionado por los mismos factores de cambio natural, como son la erosión, la lluvia o las temperaturas,
elementos que actúan junto al mismo proceso artístico. Supone una vuelta al orden natural desde una
alternativa conceptual. La condición efímera de las realizaciones las une estrechamente a las propuestas
conceptuales.

Generalmente las piezas adquieren grandísimas dimensiones. Presentan la tierra en estado puro, en bruto,
amontonada en cajas con trozos de roca o, mejor aún, la utilizan in situ. En estos espacios abiertos tienen
como campo de acción un entorno no organizado, no determinado. En el seno de una sociedad de
hiperconsumo, estos artistas se niegan a crear nuevos objetos que no harían sino añadirse a otros objetos.
Renuncian al estrecho marco de las galerías y se evaden de las condiciones mercantilistas del arte. Quieren
crear sin tener que fabricar, lo que también supondría ceñirse a técnicas industriales. Los artistas conservan
testimonios fotográficos o películas de sus trabajos y de su descomposición. Es este conjunto lo que
constituye la obra total. Hay una preocupación por la precariedad de las riquezas naturales e incluso de la
fragilidad del continente americano.

MATERIALES, TÉCNICAS. Nuevos soportes artísticos en espacios naturales (desiertos, glaciares, ríos o
campos). El Land Art utiliza los materiales pobres y a menudo frágiles e inconsistentes de la naturaleza. Las
técnicas que utiliza son manipulaciones y transformaciones sobre el paisaje.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Corriente centrada en las grandes dimensiones: Michael Heizer, Dennis
Oppenheim, Walter de María, Christo. Corriente intimista: Richard Long, Hamish Fulton.

• Varios autores: El arte del S. XX (1950-1990). Salvat. Barcelona, 1990. Tomo 2º. págs. 246-247.
• Varios autores: El arte del S. XX (1950-1990). Salvat. Barcelona, 1990. Tomo 2º. págs. 376-377.

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INSTALACIÓN
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Género de arte contemporáneo que, en la década de 1960, incorpora
cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas
de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de exposición. A menudo la obra es
transitable por el espectador y este puede interaccionar con ella. Parece que fue el artista Minimal Dan
Flavin quien utilizó por primera vez el vocablo “instalación” para designar a partir de 1964 sus obras
realizadas con neones.

Las videoinstalaciones son la manifestación del arte del vídeo que mayor reconocimiento y presencia ha
tenido en las instituciones artísticas.

CARACTERÍSTICAS. Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el
espacio para el cual son creadas. Las instalaciones ocupan actualmente un espacio fronterizo entre el arte
objetual y el conceptual, entre la escultura y la Performance y - cuando incorporan imágenes en
movimiento o el lenguaje de la palabra- entre la escenografía y la narratividad. Las instalaciones dan
prioridad a las relaciones con el espacio que ocupan, a las estructuras y organización de sus materiales, a la
percepción del espectador, más que a su carácter escultural.

MATERIALES. Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de
comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Marcel Duchamp y su uso de objetos cotidianos resignificados como obra
artística, origina el movimiento artístico. Antoni Muntadas.

• José Ramón Pérez Ornia.- El arte del vídeo. RTVE- Serbal. Madrid 1991. Pág. 51

GRAFFITI
DEFINICIÓN, CARACTERÍSTICAS. Movimiento artístico con su origen en el siglo XX. Fue iniciado en los años
1960 en Nueva York, o, según aluden fuentes bibliográficas como getting from the underground, en
Filadelfia. Los graffiti son inscripciones anónimas que aparecen trazadas sobre los muros u otros lugares,
preferentemente en los ambientes urbanos.

CARACTERÍSTICAS. El grafiti es uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop, donde se llama
grafo o grafiti a un tipo específico. No se trata de pinturas de cariz político, ni de los anuncios publicitarios
de tipo casero, sino que se trata de escritos de índole personal: emblemas, amenazas, etc. Por extensión se
aplica a toda inscripción realizada con ánimo simplemente de testificar la presencia de su autor en un lugar
determinado. Son firmas que incluyen generalmente un pseudónimo y algunos símbolos característicos.
Manifiestan el impulso de la cultura popular literalmente espontánea y "underground", a menudo vinculada
a la música rap y al "Break Dance", que intenta imponerse ilegalmente en los muros de la ciudad.

A finales de los setenta el territorio se abre a artistas blancos (Haring) y los galerístas ven en esta
manifestación un mercado potencial. Los que hacen grafittis, que se denominan a sí mismos "writers",
comienzan a exponer y, sus obras, adaptadas al formato del cuadro, pueden ya exportarse

MATERIALES. Realizados sobre muros o mobiliario urbano, generalmente en las ciudades.

ARTISTAS REPRESENTATIVOS. Haring


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Movimientos artisticos del siglo xix y xx

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