Folleto informativo de la exposición ‘All the World’s a Stage. Works from the Goetz Collection’

ALL THE WORLD’S
A STAGE
WORKS FROM THE GOETZ COLLECTION

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Fundación Banco Santander presenta la ex-
posición All the World’s a Stage. Works from
the Goetz Collection en la Sala de Arte San-
tander, una invitación al diálogo entre el arte
contemporáneo y las artes escénicas a través
de una de las colecciones más importantes
del mundo.
Ingvild Goetz comenzó su colección a finales
de los años ochenta del siglo XX evitando las
corrientes dominantes y adquiriendo obras
de artistas que ejercían su labor al margen de
la escena artística. En el año 1993 abrió sus
puertas en Múnich un museo para albergar
su colección, obra de los arquitectos Herzog
& De Meuron. En la actualidad, la Colección
Goetz cuenta con un fondo de más de cinco
mil obras de casi todos los géneros artísticos.
«Todo el mundo es un teatro y todos los hom-
bres y mujeres meramente actores…», dejó
escrito Shakespeare en su comedia Como
gustéis (1599). El comisario de la exposición,
Karsten Löckemann, se ha inspirado en es-
tos versos para elaborar el hilo temático de
esta muestra que transporta al espectador al
mundo del teatro, a su estética, su narración y
sus estrategias. El teatro y las artes escénicas
han ejercido desde tiempos inmemoriales un
enorme poder de atracción sobre los artistas
plásticos. Así, las obras de esta exposición
han sido cuidadosamente seleccionadas de
los fondos de la Colección Goetz para ilustrar
de manera ejemplar esta influencia de lo es-
cénico en las artes plásticas.
Dar a conocer grandes colecciones interna-
cionales de arte contemporáneo, apoyar el
coleccionismo y la creación artística y fomen-
tar la educación es parte del compromiso con
el arte de Fundación Banco Santander. Por
ello la visita a la exposición se completa con
visitas-taller para familias, colegios y colecti-
vos con diversidad cognitiva.
Fundación Banco Santander presents the
exhibition All the World’s a Stage. Works
from the Goetz Collection at the Santander
Art Gallery, an engaging dialogue between
contemporary art and the performing
arts played out in one of the world’s most
important private collections.
When Ingvild Goetz started her collection
in the late 1980s, she chose to ignore
prevailing trends and instead focused on
acquiring works by artists who moved on
the fringe of the art scene. The collection
found a permanent home in 1993, when the
museum designed by the architects Herzog
& De Meuron opened its doors in Munich.
Today the Goetz Collection comprises over
5,000 works, with examples of nearly every
artistic genre.
In his comedy As You Like It (1599),
Shakespeare wrote, “All the world’s a stage,
and all the men and women merely players.”
These verses inspired curator Karsten
Löckemann’s thematic focus in this show,
which draws viewers into the world of the
theatre and its unique aesthetics, stories
and strategies. Since time immemorial,
theatre and the performing arts have held
a powerful allure for visual artists, and the
pieces in this exhibition were carefully
chosen from among the thousands in the
Goetz Collection to eloquently illustrate
how the stage has influenced the “fine arts”.
Shining a spotlight on major international
collections of contemporary art, supporting
collectors and artists, and promoting art
education is part of Fundación Banco
Santander’s special commitment to the arts.
Consequently, workshop-tours for families,
schools and visitors with cognitive diversity
will also be offered in conjunction with this
exhibition.

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MATTHEW BARNEY
Nació en 1967 en San Francisco. Vive y trabaja en Nueva York
Born in 1967 in San Francisco. He lives and works in New York
El ciclo Cremaster (1994-2002) se ha convertido en icono de los años
noventa, entrando en escena sus extravagantes personajes a comienzos
de lo que se denominó la era del genoma.
La serie es un ambicioso proyecto de síntesis de diversos universos
visuales y de la puesta en escena de sus materialidades. Consta de cinco
partes, pero debe ser entendida como una obra de arte total y épica de
ciencia ficción. Temáticamente gira alrededor del cuerpo, el deporte, la
sexualidad, la arquitectura, las alteraciones biomórficas, la cultura esta-
dounidense, las leyendas griegas y celtas, la televisión y la publicidad, trasla-
dando sus fuentes hacia una mitología subjetiva. El contenido no reivindica
coherencia alguna, debe ser comprendido más bien como la articulación
de un movimiento abstracto entre creación y destrucción de la forma.
Cremaster 5, desarrollado en Hungría y acompañado de la música
elegíaca del compositor Jonathan Bepler, presenta como escenarios el
edificio de la Ópera de Budapest, el Puente de las Cadenas y el bosque y
el balneario Gellért, y se sustenta en motivos como la decadencia, la caída
y la despedida. Todo ello fiel al personal y particular universo artístico de
Barney, de carácter cerrado y cifrado, como el propio artista.
The Cremaster Cycle (1994-2002), whose outlandish characters made
their debut at the beginning of what was dubbed the Genome Era, has
become a 90s icon.
The series is an ambitious project that synthesises different visual
universes and thrusts their materialities into the limelight. It is broken
down into five parts, but the cycle should be viewed as a total work of
art and science-fiction epic. It explores the themes of the body, sport,
sexuality, architecture, biomorphic alterations, American culture, Greek
and Celtic legends, television and advertising, translating its sources
into a subjective mythology. The contents are completely disjointed
and can only be understood if we view them as the articulation of an
abstract oscillation between the creation and destruction of form.
Cremaster 5, shot in Hungary and set to an elegiac score composed
by Jonathan Bepler, unfolds on different stages—the Hungarian State
Opera House and the Chain Bridge in Budapest, and the Gellért Spa and
surrounding woods—and focuses on themes such as decadence, decline
and fall, and farewells, all within the confines of Barney’s own particular
artistic universe, as closed and enigmatic as the artist himself.

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CANDICE BREITZ
Nació en 1972 en Johannesburgo. Vive y trabaja en Berlín
Born in 1972 in Johannesburg. She lives and works in Berlin
La artista Candice Breitz trabaja con la imagen en movimiento desde fina-
les de los años noventa. Para esta exposición se ha escogido la videoins-
talación Becoming (2003), cuyo título alude a un programa homónimo
de la cadena televisiva MTV en el que adolescentes imitaban videoclips
de estrellas del pop.
La pieza consta de siete parejas de monitores dispuestos sobre pe-
destales y dándose la espalda. En los monitores de un lado, se observan
escenas de comedias románticas estadounidenses en color, protagoni-
zadas por Cameron Diaz, Drew Barrymore, Jennifer Lopez, Julia Roberts,
Meg Ryan, Neve Campbell y Reese Witherspoon; las escenas, de apenas
un segundo de duración, presentan un momento emotivo de las pelícu-
las. En los monitores del otro lado aparece Breitz repitiendo las mismas
secuencias en blanco y negro. Los monitores de ambos lados comparten
el mismo audio de la película original.
La pieza ofrece una comparación, crítica y reflexiva, entre las escenas de
Hollywood —exageradas y artificiales— y la cotidianeidad real, representada
por la actuación de Breitz. La artista pretende llamar la atención acerca
de la imagen superficial y típica de la mujer que domina los medios de
comunicación de masas y la cultura pop, que tanto influyen en la sociedad.
The artist Candice Breitz has worked with moving images since the
late 1990s. The piece chosen for this exhibition is her video installation
Becoming (2003), a title inspired by the eponymous MTV show that
featured teens imitating music videos by famous pop stars.
The work consists of seven pairs of monitors standing back-
to-back on pedestals. The monitors on one side show scenes from
American romantic comedies filmed in colour, featuring Cameron
Diaz, Drew Barrymore, Jennifer Lopez, Julia Roberts, Meg Ryan, Neve
Campbell and Reese Witherspoon. Each scene, barely one second long,
corresponds to an exciting or poignant moment in the film. Meanwhile,
the monitors on the other side show Breitz acting out the same
sequences in black and white. The monitors on both sides have the
same soundtrack as the original movie.
This piece draws a critical, thought-provoking comparison between
the exaggerated, artificial scenes that Hollywood offers and everyday
reality, represented by Breitz’s performance. With this work, the artist
strives to draw attention to the predominantly superficial, stereotypical
portrayal of women by the mass media and pop culture that hold such
sway over our society.
JANET CARDIFF & GEORGE BURES MILLER
Janet Cardiff nació en 1957 en Brussels (Canadá)
George Bures Miller nació en 1960 en Vegreville (Canadá)
Viven y trabajan en Berlín y Grindrod (Canadá)
Janet Cardiff was born in 1957 in Brussels (Canada)
George Bures Miller was born in 1960 in Vegreville (Canada)
They both live and work in Berlin and Grindrod (Canada)
Janet Cardiff & Georges Bures Miller se caracterizan por la producción
artística de instalaciones que implican activamente al espectador, convir-
tiéndolo en un elemento determinante de la pieza. Sus obras las proyectan
para un espacio concreto, acompañadas de material sonoro o videográfico
y facilitan la creación de un ambiente ilusorio y marcadamente onírico.
En Playhouse (1997), el visitante, provisto de auriculares, accede a la
instalación por una cortina. Se sienta en una silla y es el único invitado en
un espacio pequeño y cerrado en el que se siente como si estuviera solo
en el palco de un teatro de ópera. El visitante queda perfectamente inte-
grado en la escena, rodeado de ruido ambiente ficticio que le brindan los
auriculares y que mezcla todo tipo de voces, cercanas y lejanas, creando
una escena perfectamente ilusoria y envolvente al mismo tiempo.
Janet Cardiff & George Bures Miller are known for creating installation
art that requires the active involvement of spectators, making them a
determining factor in every piece. They design each work for a specific
space, accompanied by audio or video material to create an illusory,
markedly oneiric atmosphere.
In Playhouse (1997), each visitor is given a headset before passing
through a curtain to enter the installation. Inside the person sits on a
chair, the only guest in a small, closed space that replicates the feeling
of sitting alone in a private box at the opera. The spectator is seamlessly
integrated into the scene, surrounded by the fictional ambient noise of
many different voices, both far and near, heard through the headset,
creating an utterly fanciful yet fully engrossing ambiance.

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STAN DOUGLAS
Nació en 1960 en Vancouver, donde vive y trabaja
Born in 1960 in Vancouver, where he lives and works
Stan Douglas es uno de los representantes del fotoconceptualismo de la
Escuela de Vancouver. Su producción artística abarca desde elaborados
trabajos en cine y vídeo hasta fotografías de gran formato.
Michigan Theater (1997-1998) pertenece a la serie Detroit Photos, que
aborda melancólicamente el deterioro de la ciudad estadounidense de
Detroit desde un punto de vista documental. El Michigan Theater es un
antiguo teatro hoy reconvertido en parking.
La preocupación histórica y cultural es palpable también en sus series
más recientes, como ocurre en Crowds and Riots, a la que pertenece la
monumental Abbott & Cordova, 7 August 1971 (2008). En ella encontramos
la reproducción de un disturbio callejero entre la policía y un grupo de
hippies manifestándose en favor de la legalización de la marihuana. La
obra fue realizada a partir de cincuenta fotografías diferentes, tomadas
desde la misma posición y montadas con un enorme esfuerzo técnico
hasta conseguir una visión de conjunto.
Stan Douglas is recognised as part of the Vancouver School of
photoconceptualists, and his artistic output ranges from sophisticated
film and video pieces to large-format photographs.
Michigan Theatre (1997-1998) is a work from the Detroit Photos
series, a melancholy look at the decline of this once-prosperous
American city from a documentary perspective. The building shown in
this piece is an old theatre now used as a car park.
Douglas’s historical and cultural interests are also palpable in his
latest series such as Crowds and Riots, which includes the monumental
Abbott & Cordova, 7 August 1971 (2008). In it we see the recreation of
a clash between police and a group of hippies staging a street protest
to legalise marijuana. The work is actually a composite of 50 different
photographs, taken from the same position and assembled in a process
of staggering technical complexity to create a coherent whole.
ELMGREEN & DRAGSET
Michael Elmgreen nació en 1961 en Copenhague.
Vive y trabaja en Londres y Berlín
Ingar Dragset nació en 1969 en Trondheim (Noruega).
Vive y trabaja en Berlín
Michael Elmgreen was born in 1961 in Copenhagen.
He lives and works in London and Berlin
Ingar Dragset was born in 1969 in Trondheim (Norway).
He lives and works in Berlin
Elmgreen & Dragset representa uno de los iconos más importantes dentro
del ámbito artístico internacional. Ambos artistas comparten la visión
skakespeareana del mundo como teatro y del público como actor dentro
de la puesta en escena.
Muchas de sus instalaciones, de carácter teatral-performativo y reali-
zadas mediante una metodología de trabajo interdisciplinar, son como
decorados que recrean escenarios cotidianos y reflejan la realidad social.
Go Go Go! (2005) presenta una tarima de baile desierta que plantea
muchas preguntas en el espectador. Además, puede considerarse un ho-
menaje al fallecido artista conceptual Félix González-Torres, que en 1991
causó revuelo con su performance Untitled (Go-go Dancing Platform).
En Last Performance (2009) reproduce un camerino vacío con una
soga colgando del techo, una rosa marchita y una nariz de payaso, abor-
dando los dos lados de la máscara del teatro, la comedia y la tragedia. Al
mismo tiempo, se convierte en el símbolo de la gloria y el fracaso, del
aplauso y la soledad de la vida real.
The Scandinavian art duo Elmgreen & Dragset is one of the most
important icons of the international art scene. Both artists share
Shakespeare’s vision of the world as a stage and of their audience as
players moving among its props.
Many of their theatrical-performative installations, created using an
interdisciplinary working method, are like stage sets that present
hyperbolic replicas of everyday settings as reflections of social reality.
Go Go Go! (2005) portrays a deserted dance floor that raises many
questions in the spectator’s mind. It can also be interpreted as a tribute
to the deceased conceptual artist Félix González-Torres, whose 1991
performance Untitled (Go-Go Dancing Platform) took the art world by
storm.
In Last Performance (2009) the duo created an empty dressing
room with a noose hanging from the ceiling, a withered rose and a
clown’s nose, suggesting the two sides of the theatre mask, comedy
and tragedy. At the same time, this work also symbolises the glory and
failure, applause and loneliness of real life.

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HANS-PETER FELDMANN
Nació en 1941 en Düsseldorf, donde vive y trabaja
Born in 1941 in Düsseldorf, where he lives and works
La obra de Hans-Peter Feldmann no solo aborda cuestiones fundamenta-
les de la existencia humana, sino que también se ocupa en detalle de los
mecanismos del mercado del arte, en el que se infiltra con toda intención.
Tanto es así, que Feldmann ni fecha ni firma sus piezas.
El artista configura su obra a través de objetos cotidianos; poco le
importa si los componentes utilizados han sido fabricados por él o no. La
instalación Schatten (2005) consta de un largo tablero de madera sobre
caballetes encima del cual se han colocado cinco platos giratorios con
diversas baratijas y figuras de juguete. Unas lámparas construidas por el
propio artista las iluminan, de tal modo que sus sombras se proyectan
en la pared del fondo creando la impresión de una larga procesión y re-
cordando al teatro de sombras y a la linterna mágica. No está claro si el
espectador se sitúa delante o detrás del escenario ni quién es el actor y
quién el narrador. Es sencillo pensar en la alegoría platónica de la caverna;
el espectador ha de abrirse a la posibilidad de que haya algo más de lo
que alcanza a ver a simple vista.
The work of Hans-Peter Feldmann explores fundamental issues of
human existence, but it also takes a close look at the mechanisms of the
art market, which he infiltrates with such deliberate determination that
he even refuses to date or sign his pieces.
Feldmann bases his work on ordinary objects, indifferent to whether
the components he uses were made by him or someone else. The
installation Schatten (2005) consists of a long wooden plank resting
on trestle supports. On this surface, different figures placed on five
revolving platforms are illuminated by lamps made by the artist himself,
casting static and shifting shadows on the wall behind them. In this
strange procession reminiscent of shadow theatre and magic lantern
shows, it is hard to tell if the viewer is in front of or behind the stage,
and who is the actor and who the narrator. Plato’s Allegory of the Cave
immediately springs to mind; spectators must be open to the possibility
that there is something more than what meets the eye.
NAN GOLDIN
Nació en 1953 en Washington, D. C. Vive y trabaja en Nueva York
Born in 1953 in Washington, D.C. She lives and works in New York
La fotografía de Nan Goldin se centra especialmente en temas relacionados
con la sexualidad, el amor y la violencia. Siendo adolescente se enamoró
de una drag queen y vivió durante dos años con ella y una amiga, periodo
en el que comenzó a explorar con su cámara tan excitante y conmovedor
mundo.
Fotografías como Cody in the Dressing Room at the Boy Bar, NYC (1991)
o C as Madonna, Bangkok (1992), muestran la fascinación de Goldin por
todo aquello que tiene lugar al margen de las concepciones burguesas
de la sexualidad y el género.
La artista fotografió también el lado más amargo de la vida, docu-
mentando en los años ochenta, en la serie The Cookie Portfolio, la vida y
muerte de su amiga Cookie Mueller, actriz y escritora que murió a causa
del sida. Sin embargo, Goldin no busca con sus fotografías mover a la
compasión ni ofender o acusar a nadie. Se limita a documentar desde un
ángulo muy personal un mundo que en su día también fue el suyo: «Quiero
mostrar con detalle cómo es mi mundo, sin paliativos ni glorificaciones».
Nan Goldin’s photographs primarily focus on themes related to
sexuality, love and violence. As a teenager she fell in love with a drag
queen and spent two years living with her and another female friend,
a period in which she began to explore this exciting, fascinating world
with her camera.
Photos like Cody in the Dressing Room at the Boy Bar, NYC (1991)
and C as Madonna, Bangkok (1992) reveal Goldin’s fascination with
everything that defies bourgeois conceptions of sexuality and gender.
The artist has also photographed the harsher side of life: in
the 1980s she created a series entitled The Cookie Portfolio that
documented the life and death of her friend Cookie Mueller, an actress
and writer who was struck down by AIDS. However, Goldin does
not aim to inspire compassion, offend or accuse anyone with her
photographs. She merely uses them to capture, from a highly personal
angle, a world that was once her own: “I want to show exactly what my
world looks like, without glamorization, without glorification.”

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ASTA GRÖTING
Nació en 1961 en Herford (Alemania). Vive y trabaja en Berlín
Born in 1961 in Herford (Germany). She lives and works in Berlin
Tras unas primeras obras escultóricas con la anatomía humana como gran
protagonista, Asta Gröting dio un paso más allá con el videoproyecto Die
innere Stimme, en el que trabajó de 1993 hasta 2004, dedicado a la voz
humana y protagonizado por un ventrílocuo charlando con una muñeca.
Gröting se sirve de citas literarias sacadas, por ejemplo, del Macbeth
de Shakespeare, a quien las voces interiores le parecen fantasmas. El
ventrílocuo emite dos de las voces y una tercera es emitida por otra
persona, haciendo difícil identificar qué voz es interior y cuál exterior,
además de poner en duda si las tres voces se escuchan entre sí. Existen
varias versiones en distintos idiomas de esta pieza —siempre con la mis-
ma muñeca, creación de la propia artista—, además de un cortometraje
homónimo, de 2002.
En la obra de Gröting aparecen temas como los dilemas y las confron-
taciones interiores, las relaciones interpersonales, la amistad, la felicidad
y el amor, pero también saca a relucir las dudas internas y el miedo a
enfrentarse al trabajo, a la pérdida y a la muerte.
After dissecting the human anatomy in her early sculptures, Asta
Gröting went on to explore the human voice in her video project Die
innere Stimme, which she worked on from 1993 to 2004, where we see
a ventriloquist chatting with a dummy.
Gröting draws literary references from various sources, such as
Shakespeare’s Macbeth, who believed the voices in his head were
ghosts. The ventriloquist speaks in two different voices and a third
comes from another person, making it difficult to tell whether they are
inner or outer voices and even causing us to wonder if the three voices
can hear each other. Versions of this piece have been made in several
different languages—always using the same dummy, the artist’s own
creation—and a short film by the same title was released in 2002.
In her oeuvre, Gröting explores themes such as inner conflicts and
dilemmas, interpersonal relationships, friendship, happiness and love,
but she also shines a spotlight on inner doubts and the fear of facing
work, loss and death.
RODNEY GRAHAM
Nació en 1949 en Abbotsford (Canadá). Vive y trabaja en Vancouver
Born in 1949 in Abbotsford (Canada). He lives and works in Vancouver
El arte de Rodney Graham hunde sus raíces en la escena artística con
ceptual de Vancouver, que se desarrolló a lo largo de los años setenta en
torno a los artistas Ian Wallace y Jeff Wall, aunque la diversidad de técnicas
que emplea y la multitud de temas que aborda hacen que su obra se resista
a toda atribución estilística. Graham ha recurrido a la fotografía y al cine, a
la pintura y al grabado, al vídeo, a la instalación, a la literatura y a la música.
A partir de los años noventa, el artista aparece cada vez con más fre-
cuencia en su propia obra. En Allegory of Folly: Study for an Equestrian
Monument in the Form of a Wind Vane (2005), aparece inmerso en la
lectura de un libro, sentado de espaldas sobre un caballo mecánico. En-
contramos similitudes con el retrato de Erasmo de Rotterdam realizado
en 1525 por Hans Holbein. Ya el título se refiere al libro de Erasmo, Elogio
de la locura, que causó tanta controversia; sin embargo Graham en lugar
de este libro sostiene el listín telefónico de Vancouver, en una composición
muy cómica y satírica.
En la caja de luz Dance!!!!! (2008) encontramos una escena de salón
típica del western, con un personaje encarnado por Graham obligado a
bailar a punta de pistola y que, una vez más, nos devuelve una mirada
ridícula y melancólica.
Rodney Graham’s oeuvre is rooted in the strong theoretical influences
of Vancouver’s conceptual art scene, which emerged in the 1970s and
was spearheaded by Ian Wallace and Jeff Wall, but Graham’s style differs
from theirs in several important ways. The sheer diversity of media that
Graham uses and the myriad themes he explores defy any attempt at
stylistic classification. Graham has tapped the potential of photography
and film, painting and printmaking, video, installation, literature and music.
In the 1990s, the artist began to make increasingly frequent
appearances in his own work. In Allegory of Folly: Study for an
Equestrian Monument in the Form of a Wind Vane (2005), we see him
engrossed in a book, sitting backwards on a mechanical horse like those
used to train jockeys. In several ways, the work is closely linked to Hans
Holbein’s portrait of Erasmus of Rotterdam, painted in 1525. Even the
title is a nod to Erasmus’s highly controversial book, In Praise of Folly;
yet instead of this tome, Graham holds the Vancouver telephone book
in a highly humorous, satirical composition.
The light box Dance!!!!! (2008) shows a typical Wild West saloon
scene where the character played by Graham is forced to dance at
gunpoint, offering us yet another ridiculous, melancholy vision.

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LOTHAR HEMPEL
Nació en 1966 en Colonia. Vive y trabaja en Berlín
Born in 1966 in Cologne. He lives and works in Berlin
La instalación del artista Lothar Hempel Die schwarze Stunde (2004) es
una combinación de arquitectura, espacio tridimensional, decorados y
pintura, basada en técnicas propias del cine y el teatro. Como refiere la
coleccionista Ingvild Goetz, «las instalaciones espaciales de Hempel, que
tienen el aspecto de un decorado, hacen que el visitante se convierta en
actor […]. Un suceso se detiene, los personajes se quedan congelados y
nos sentimos obligados a seguir urdiendo la historia».
Las imágenes que forman parte de las obras de Hempel provienen
originalmente de críticas de cine, espectáculos de danza y teatro que
encuentra en diversas publicaciones. El modelo de esta pieza está sacado
de un artículo de una revista de teatro del año 1959 sobre la representación
de Los veraneantes, de Máximo Gorki, en el Deutsches Theater de Berlín.
La obra, ambientada a principios del siglo xx, versa sobre tres matrimonios
de la burguesía entre cuyas preocupaciones se encuentran los problemas
de pareja, la impresión de estancamiento vital y lo tedioso.
The installation Die schwarze Stunde (2004) by artist Lothar Hempel
is a combination of architecture, three-dimensional space, set design
and painting based on conventional filmmaking and theatre techniques.
As the collector Ingvild Goetz has noted, “Hempel’s stage-set-style
installations draw viewers in as actors […]. An event is recorded, figures
are frozen in it, and we are forced to continue the stories for ourselves”.
The images used in Hempel’s works are taken from reviews of films,
dance performances and plays that he finds in different publications.
The basis for this piece was an article in a 1959 theatre magazine about
the performance of Maxim Gorky’s Summerfolk at the Deutsches
Theater in Berlin. The play, set in the early 20th century, is about three
bourgeois couples who struggle with issues such as marital problems,
tedium and the sense that their lives are stuck in a rut.
CANDIDA HÖFER
Nació en 1944 en Eberswalde (Alemania). Vive y trabaja en Colonia
Born in 1944 in Eberswalde (Germany). She lives and works in Cologne
Candida Höfer es una de las representantes más notables de la fotografía
contemporánea. Continuadora de la estética conceptual de Bernd Becher,
es conocida por sus fotografías en color de gran formato de interiores
de espacios públicos vacíos. Sus imágenes presentan un interés casi et-
nográfico por espacios representativos de la cultura contemporánea de
gran carga artística y social, como óperas y teatros, bibliotecas, museos
y salas de exposiciones, palacios y salones oficiales.
Théâtre Municipal Calais I (2001) muestra el interior vacío del teatro
inaugurado en 1903. La perspectiva de la imagen centra la atención del
espectador en el patio de butacas, colocándole en el lugar del actor au-
sente que observa a un público también ausente.
En Villa Stuck München I (2005), se observa la pared de la sala de mú-
sica de la Villa Stuck, residencia de Franz von Stuck (1863-1928), llamado
«príncipe de los artistas» por su carácter multidisciplinar en el ámbito
de las artes.
Las fotografías de Höfer inducen a la reflexión sobre la arquitectura.
¿Cuándo y para quién se creó el espacio? ¿Qué personas se mueven en
él? ¿Quién lo usa? ¿Qué distingue el espacio y su escenificación?
Candida Höfer is one of the leading exponents of contemporary
photography. Strongly influenced by Bernd Becher’, Höfer inherited her
teacher’s conceptual aesthetic and is best known for her large-format
colour photographs of the interiors of vacant public buildings. Her
photos evince an almost ethnographic interest in emblematic spaces of
contemporary culture with strong artistic and social connotations, such
as opera houses and theatres, libraries, museums and exhibition halls,
palaces and ceremonial halls.
Théâtre Municipal Calais I (2001) shows the empty interior of a
theatre that opened in 1903. The image’s perspective focuses our
attention on the floor seats, situating us in the place of the absent actor
looking out onto an equally absent audience.
In Villa Stuck München I (2005) we see the wall of the music room
at Villa Stuck, once the home of Franz von Stuck (1863-1928), whose
multidisciplinary artistic talent earned him the sobriquet of “prince of
artists”.
Höfer’s photographs raise questions about the architecture they
depict. When and for whom was the space created? Who moves through
it? Who uses it? What is unique about the space and how it is staged?

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MIKE KELLEY
Nació en 1954 en Wayne (Estados Unidos).
Murió en 2012 en South Pasadena (Estados Unidos)
Born in 1954 in Wayne (United States).
He died in 2012 in South Pasadena (United States)
Solo después de la muerte prematura de Mike Kelley en 2012 pareció
posible repasar su vasta y extensa producción, y reconocer en su a me-
nudo complejo y caótico trabajo una obra perspicaz y de influencia sin
par en su conjunto.
Pecado, dolor, violencia y humillación son el centro de su producción
artística, que con cierta voluntad punk parece arrastrar el buen gusto del
arte moderno a zonas marginales de la cultura estadounidense.
La serie Extracurricular Activity Projective Reconstruction, de la que
son parte Lonely Vampire (2005) y Joseph Supplicates (2005), consta de
trescientos sesenta y cinco vídeos e instalaciones surgidos a partir de la
escultura Educational Complex, en la que reconstruyó la arquitectura de
todas las instituciones educativas en las que estudió. Los espacios vacíos
de los edificios se marcaron como lugares del abuso personal, haciendo
referencia a la teoría psicológica popular del síndrome de la memoria re-
primida, que sostiene que los grandes traumas son olvidados u ocultados.
Only after Mike Kelley’s untimely demise in 2012 did it finally seem
possible to review his vast, prolific output and see his often complex,
chaotic art for what it is: an insightful, incomparably influential body
of work.
Sin, suffering, violence and humiliation are at the heart of his artistic
production which, with its punk overtones, seems determined to drag
the “good taste” of modern art to the disreputable fringes of American
culture.
The series Extracurricular Activity Projective Reconstruction,
which includes Lonely Vampire (2005) and Joseph Supplicates
(2005), comprises 365 videos and installations based on his sculpture
Educational Complex, in which he reconstructed the architecture of
every educational institution he ever attended. The buildings’ empty
spaces were marked as places of personal abuse in reference to the pop
psychology theory of repressed memory syndrome, which sustains that
highly traumatic experiences tend to be forgotten or buried.
MICHAEL KUNZE
Nació en 1961 en Múnich. Vive y trabaja en Berlín
Born in 1961 in Munich. He lives and works in Berlin
Michael Kunze destaca dentro del paisaje artístico alemán tanto por su
modo de pintar como por el contenido de sus cuadros, en los que explora
la realidad y el inconsciente, dando como resultado misteriosas compo-
siciones.
Vormitagg (1992-1995) es un tríptico de gran formato construido a
partir de la perspectiva central clásica, en el que aparecen veinticuatro
personajes fantásticos que se funden con el entorno y parecen estar flo-
tando, todo ello creando una pieza que nos recuerda compositivamente
a los trípticos de El Bosco, al pintor italiano Veronés por su escenario
arquitectónico y a artistas como De Chirico o Magritte. Estas fuentes de
inspiración quedan resaltadas por el artista, además, al escribir en la ar-
quitectura el nombre de grandes pintores desde el Renacimiento hasta la
actualidad: El Bosco, Giorgio de Chirico, Veronés, René Magritte, Tiépolo,
Albrecht Altdorfer, Gerhard Richter y Anselm Kiefer, entre otros.
Es frecuente encontrar en las pinturas de Kunze referencias a la filo-
sofía, la literatura, el cine y la historia del arte clásico.
On the German art scene, Michael Kunze is known for the unusual
quality of both his painting style and his subjects, creating mysterious
compositions in which he explores reality and the subconscious.
Vormittag (1992-1995) is a large-format triptych structured using
the classic central perspective, in which we see 24 fantastic figures that
blend in with their surroundings and seem to be hovering in mid-air.
As a whole, the composition of this piece harks back to Bosch’s trip-
tychs, while the architectural setting is reminiscent of the work of Italian
painter Veronese and artists like De Chirico and Magritte. In fact, Kunze
underscores these sources of inspiration by writing the names of great
painters from the Renaissance to the present day on different archi-
tectural elements: Bosch, Giorgio de Chirico, Veronese, René Magritte,
Tiepolo, Albrecht Altdorfer, Gerhard Richter and Anselm Kiefer, among
others. Kunze’s paintings often contain references to philosophy, litera-
ture, cinema and classic art history.

18 19
ZILLA LEUTENEGGER
Nació en 1968 en Zúrich, donde vive y trabaja
Born in 1968 in Zurich, where she lives and works
La artista Zilla Leutenegger combina en sus trabajos el dibujo, la escultura,
la fotografía, la proyección, el sonido y la luz, y la propia artista casi siempre
forma parte de sus obras, que giran en torno a su persona.
Las esculturas de Leutenegger, al igual que sus imágenes en movi-
miento tratadas digitalmente, atrapan al visitante de manera poderosa
de tal modo que el observador puede dar rienda suelta a sus fantasías y
complementarlas.
En Rondo (2008) encontramos muy presente el tema del tiempo, el
movimiento y la soledad. Se trata de una videoinstalación con una pro-
yección y tres objetos. Sobre la pared blanca se proyecta la sombra de
la propia artista, frente a la cual aparece una tarima con un piano de cola
abierto y una banqueta. Gracias a los juegos de perspectiva, las sombras
se entremezclan, superponiéndose o apareciendo una al lado de la otra.
En los siete minutos que dura el bucle, Leutenegger interpreta varias
piezas, hace una pausa y continua tocando, y una vez finalizado el audio,
vuelve a ponerse en marcha una y otra vez, asemejándose a la forma
musical del rondó.
Zilla Leutenegger combines drawing, sculpture, photography,
projections, sound and light in her oeuvre, and the artist almost always
appears in her works, which revolve around herself.
Both her sculptures and her digitally processed moving images cast
a powerful spell over spectators, inviting them to give their fantasies
free rein and elaborate on them.
In Rondo (2008) the themes of time, movement and solitude are
powerfully present. This video installation consists of one projection
and three objects. The artist’s own shadow is projected onto the white
wall, and in front of it we see a platform with an open grand piano
and a bench. Her playful use of perspective causes the shadows to
intermingle, overlap or appear side by side. During the seven-minute
loop Leutenegger performs several pieces, pauses and resumes playing,
and each time the soundtrack ends it starts over again, imitating the
type of musical piece known as a rondo or rondeau.
JONATHAN MEESE
Nació en 1970 en Tokio. Vive y trabaja en Berlín y Ahrensburg (Alemania)
Born in 1970 in Tokyo. He lives and works in Berlin and Ahrensburg (Germany)
Jonathan Meese es uno de los artistas alemanes más solicitados de su
generación. Su obra es provocativa y variada, y comprende pintura, dibujo,
escultura, instalaciones, videoarte, performances y producciones teatrales.
Uno de los centros de gravedad de sus a menudo comprometidos
trabajos, es la creación de un «mundo alternativo radical» que brinda una
salida a una civilización, la nuestra, cuyas normas, imperativos y mentiras
parecen impedir cualquier intento de escape.
La lucha por la autonomía del arte es para Meese en todo momento
una lucha también por la autonomía de la obra con respecto al artista.
Este debería dejarse llevar por su instinto y abandonar toda voluntad de
intencionalidad.
La muestra presenta seis esculturas de bronce del artista: Widder,
Soldier of Fortune «Iwan», Flash Gordon (todas de 2003), Schnabel Luigi
im Zirkulationsnebel, General «Hybrisis» y General Pony (de 2007). Todas
ellas forman parte de una serie que comenzó a desarrollar a partir de
2003, cuya temática se inspira en criaturas fantásticas, los videojuegos
y el cómic. Estas esculturas fluctúan entre la figuración y la abstracción, y
se caracterizan por un gesto desenfrenado.
Jonathan Meese is one of the most sought-after German artists of his
generation. His oeuvre is provocative and varied, ranging from painting,
drawing and sculpture to installations, video art, performances and
theatre productions.
One of the pillars of his work, which often champions a cause, is
the creation of a “radical alternative world” that offers a way out of our
civilisation, whose rules, dictates and lies seem to thwart any attempt
at escape.
For Meese, the struggle for the independence of art is always a
struggle for the work’s independence from the artist. He believes that
artists should be guided by instinct, resisting the urge to impose their
own intentionality.
This show includes six bronze sculptures by the artist: Widder,
Soldier of Fortune “Iwan”, Flash Gordon (all from 2003), Schnabel Luigi
im Zirkulationsnebel, General “Hybrisis” and General Pony (from 2007).
They all pertain to a series he began working on in 2003, thematically
inspired by fantastic creatures, video games and comic books. These
sculptures oscillate between figuration and abstraction and are
characterised by an attitude of wild abandon.

20 21
HANS OP DE BEECK
Nació en 1969 Turnhout (Bélgica). Vive y trabaja en Bruselas
Born in 1969 in Turnhout (Belgium). He lives and works in Brussels
El artista Hans Op de Beeck se sirve de multitud de disciplinas artísticas,
como la arquitectura, el cine, el diseño o las artes plásticas, para crear
grandes escenografías transitables que semejan decorados de una obra
todavía sin escribir. Estas escenografías despiertan asociaciones con si-
tuaciones cotidianas de la infancia o escenas de películas.
«Las obras —afirma Op de Beeck— son un comentario al carácter
tragicómico de nuestra condición humana, a cómo manipulamos nuestro
espacio vital a la manera de un decorado, tanto a pequeña como a gran
escala, y a cómo tratamos de conjurar, dentro de este entorno antro-
pomorfizado, nuestra propia irrelevancia y mortalidad con una serie de
costumbres y rituales».
En Staging Silence (2) (2013), película con música electrónica del bri-
tánico Scanner, dos pares de manos construyen una y otra vez, sobre
una superficie de alrededor de un metro cuadrado, varios decorados con
objetos cotidianos como botellas de agua o azucarillos. Como explica
el artista, «el título es una alusión a los decorados mudos, en los que
el espectador, en ausencia de los personajes, puede proyectarse como
único protagonista».
The artist Hans Op de Beeck uses a variety of artistic disciplines, such
as architecture, film, design and the visual arts, to create enormous
staged scenarios, like sets for an as-yet unwritten play, which visitors
can walk through. These set designs conjure up memories of typical
childhood situations or movie scenes.
According to the artist, “The works are a commentary on our
tragicomic human condition as well as on how we manipulate, on
both a large and small scale, our habitat like a stage set, and how we
seek, within this anthropomorphized environment, to avert our own
irrelevance and mortality with rituals and habits”.
In Staging Silence (2) (2013), a film set to electronic music by
the British composer Scanner, two pairs of hands work on a surface
measuring roughly one metre square, building and rebuilding various
sets using ordinary objects like water bottles and sugar cubes. As Op
de Beeck explains, “The title refers to the staging of such dormant
decors where, in the absence of people, the spectator can project
himself as the lone protagonist.”
ULRIKE OTTINGER
Nació en 1942 en Constanza (Alemania). Vive y trabaja en Berlín
Born in 1942 in Konstanz (Germany). She lives and works in Berlin
Ulrike Ottinger cuenta con una dilatada carrera que engloba una gran can-
tidad de temas y formas de representación de lo más diversas. Es pintora,
grabadora, fotógrafa, cineasta y escenógrafa de óperas y obras de teatro.
Como cineasta, escribe los guiones de sus películas, dirige y produce
muchos de sus largometrajes, frecuentemente centrados en personajes
marginales. Buen ejemplo de ello es la denominada trilogía de Berlín, de la
que forma parte Freak Orlando (1981), donde el personaje principal, Orlan-
do, realiza un viaje a través de la historia durante el cual cambia de sexo.
La exposición incluye ocho fotografías surgidas a partir de esta película.
Se muestran también otras dos películas de Ottinger: Superbia–Der
Stolz (1986), una alegoría de los siete pecados capitales, y Ester. Ein Purim-
spiel in Berlin (2002), una parábola sobre el arraigo en un país extranjero,
así como las fotos documentales en blanco y negro tomadas durante un
viaje por China en 1985.
In the course of her long career, Ulrike Ottinger has explored myriad
themes and an amazingly diverse range of expressive media. She is
a painter, etcher, photographer, film-maker and opera and play set
designer.
In the field of cinema, she has written scripts, directed and produced
many of her own feature-length films, which often focus on marginal
characters. This is true of her “Berlin trilogy”, one part of which is Freak
Orlando (1981), where the main character Orlando takes a journey
through history in five chapters and on the way changes his gender. The
exhibition includes eight photographs based on this film.
The show also presents two other films by Ottinger, Superbia:
Der Stolz (1986), an allegory of the seven deadly sins, and Ester: Ein
Purimspiel in Berlin (2002), a parable about putting down roots in a
foreign country, as well as the documentary black-and-white photos she
took while travelling through China in 1985.

22 23
PAUL PFEIFFER
Nació en 1966 en Honolulú (Estados Unidos). Vive y trabaja en Nueva York
Born in 1966 in Honolulu (United States). He lives and works in New York
Paul Pfeiffer se ha ocupado repetidamente a lo largo de su carrera de acon-
tecimientos deportivos, analizando el valor documental de las imágenes
de los medios. De ahí su interés por el estadio de Wembley, legendario
entre otras cosas porque allí se disputó en 1966 la final de la Copa del
Mundo que enfrentó a Inglaterra y Alemania.
El mítico «gol de Wembley», que dio la victoria a Inglaterra aunque
nunca se supo si la pelota había entrado o no en la portería, fue el origen
de la exposición de Pfeiffer The Saints, celebrada en 2009 en la Hambur-
ger Bahnhof de Berlín. El núcleo de la muestra de Pfeiffer lo constituía la
enorme instalación Vitruvian Figure (2009), una reproducción a escala de
un cuadrante del óvalo del antiguo estadio.
El título hace referencia a la medición del hombre tal y como la presentó
Leonardo da Vinci en su célebre dibujo El Hombre de Vitruvio (1492), rea-
lizado a partir de las enseñanzas del arquitecto romano. Pfeiffer ya había
abordado con anterioridad la cuestión de la influencia de la arquitectura
en la construcción emocional del ser humano.
In the course of his career Paul Pfeiffer has repeatedly assessed the
documentary value of media images of sporting events. This explains
his interest in Wembley Stadium, a venue famous for hosting, among
other events, the 1966 World Cup final between England and Germany.
The legendary “Wembley goal” that swept England to victory,
even though it was never certain that the ball had actually crossed
the line, was the premise of Pfeiffer’s exhibition The Saints held at the
Hamburger Bahnhof in Berlin in 2009. The centrepiece of that show
was the massive installation Vitruvian Figure (2009), a full-scale replica
of a section of the old stadium’s curved seating area.
The title alludes to the proportions of the human body as depicted
by Leonardo da Vinci in his famous drawing called The Vitruvian Man
(1492), based on the teachings of the Roman architect Vitruvius. The
question of how architecture influences the emotional construction of
human beings had already been explored by Pfeiffer in his previous
work.
MARKUS SCHINWALD
Nació en 1973 en Salzburgo. Vive y trabaja en Nueva York y Viena
Born in 1973 in Salzburg. He lives and works in New York and Vienna
El artista multidisciplinar Markus Schinwald centra su producción a menu-
do en la figura humana y en su entorno arquitectónico y cultural. Le in-
teresan principalmente los aspectos psicológicos y sus figuras parecen
casi surrealistas.
Para sus obras pictóricas Schinwald compra cuadros antiguos del siglo
XIX y principios del XX que luego retoca añadiendo prótesis, correas o
joyas, reproducidos con tal perfección que es imperceptible distinguir
lo añadido.
Las obras del artista suelen integrarse en el entorno a la manera de
instalaciones, otorgando a los retratados un escenario propio, encajando
pinturas y esculturas en elementos espaciales dispuestos para la ocasión,
como paredes y pedestales, saledizos o colgando del techo, como ocurre
con sus esculturas Albert (2008) o Hans (2009), por ejemplo.
Entre sus creaciones, encontramos en la muestra tres impresiones
al carbón: Diego (2008), Sri (2008) y Neil (2010). Se trata de ediciones
de fotografías originales del siglo XIX modificadas por ordenador, en las
cuales resulta también complicado distinguir lo original de lo añadido.
In his work, multidisciplinary artist Markus Schinwald frequently focuses
his attention on the human figure and its architectural and cultural
context. He is primarily interested in the psychological aspects of
humanity, and his figures are quasi-surrealistic.
To create his paintings, Schinwald purchases old pictures from the
19th and early 20th centuries and retouches them, adding prostheses,
straps and jewellery rendered so flawlessly that it is impossible to tell
them apart from the original elements.
The artist’s works are usually integrated into their surroundings as
installations, giving the portrayed subjects a stage of their own and
situating paintings and sculptures on spatial elements provided for the
occasion—walls, pedestals, overhangs, etc.—or suspended from the
ceiling, as with his sculptures Albert (2008) and Hans (2009).
Three carbon prints from his oeuvre have been included in the show:
Diego (2008), Sri (2008) and Neil (2010). In these digitally altered
copies of vintage 19th-century photographs, it is also difficult to tell
what is original and what was added.

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LAURIE SIMMONS
Nació en 1949 en Long Island (Estados Unidos). Vive y trabaja en Nueva York
Born in 1949 in Long Island (United States). She lives and works in New York
Desde los años setenta la artista Laurie Simmons desarrolla una obra fo-
tográfica cuyo tema es la puesta en escena del universo de los muñecos.
Las casas de muñecas y los espacios artificiales constituyen el escenario en
el que se sitúan sus personajes, que se convierten en el espejo de nuestra
vida cotidiana. De esta manera surgen situaciones e imágenes poéticas, en
ocasiones grotescas, que a menudo recuerdan al estilo cinematográfico.
La serie de finales de los años ochenta Walking Objects presenta diver-
sos objetos a los que Simmons, con gesto surrealista, ha añadido piernas.
Casas de muñecas, relojes de arena o de bolsillo… recuerdan inevitablemen-
te episodios de la obra de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas.
En su primera película, The Music of Regret (2006), los temas tratados
anteriormente continúan siendo la base. Este musical tiene carácter de
obra de arte total y está dividido en tres actos, en cada uno de los cuales
aparecen personajes distintos. Sus figuras parecen cobrar vida y terminan
lamentando oportunidades perdidas y errores del pasado, en una com-
posición narrativa sin coherencia. Simmons se encargó de la realización
y escribió las canciones. Colaboraron con ella numerosas personalidades
del mundo del arte, el teatro y el cine, como, la actriz Meryl Streep, que
encarna a la artista en el segundo acto.
Since the 1970s, artist Laurie Simmons has developed a photographic
oeuvre devoted to the mise-en-scène of the world of dolls. Doll
houses and artificial spaces are the stages on which she positions her
characters, which become the mirror image of our daily lives. This
unusual approach gives rise to poetic and occasionally grotesque
images and situations that are often reminiscent of cinematography.
The series Walking Objects from the late 1980s presents various
objects to which Simmons has surrealistically appended legs. Doll
houses, hourglasses and pocket watches inevitably remind us of certain
episodes from Lewis Carroll’s Alice in Wonderland.
In her first film, The Music of Regret (2006), she continued to
explore the themes addressed in her earlier work. This musical is
conceived as a total work of art and is divided into three acts, each
featuring different characters. The figures seem to come to life and end
up lamenting past mistakes and missed opportunities in an incoherent
narrative composition. Simmons did the editing and production and
wrote the songs, and she enlisted the aid of numerous personalities
from the world of art, theatre and film, including the actress Meryl
Streep, who plays the artist in the second act.
HIROSHI SUGIMOTO
Nació en 1948 en Tokio. Vive y trabaja en Nueva York
Born in 1948 in Tokyo. He lives and works in New York
Hiroshi Sugimoto es uno de los fotógrafos japoneses más reconocidos del
panorama actual. Sus fotografías en blanco y negro y de pequeño formato
presentan el influjo del arte minimalista y del arte conceptual estadouni-
denses, además de la fuerte presencia de la cultura y filosofía japonesas.
Técnicamente, Sugimoto se mantiene fiel a la fotografía tradicional
analógica, no habiéndose adentrado en el mundo de la fotografía digital. El
artista utiliza una cámara de gran formato de finales del siglo XIX, abrien-
do el diafragma de manera manual y fijando intuitivamente el tiempo de
exposición, lo que le permite lograr matices muy sutiles en la escala tonal
de grises y una gran nitidez en los detalles.
La serie Theaters nos presenta instantáneas de cines y autocines —es-
tadounidenses en su mayoría, aunque algunos europeos— que fotografió
entre 1975 y 2001. Las fotografías introducen espacios vacíos, en los que
no se aprecia ningún espectador ni tampoco la película proyectada. En
su lugar vemos una pantalla con la superficie blanca y muy luminosa, en
contraste con la oscuridad de la sala. Sugimoto nos ofrece fotografías
muy enigmáticas, de tono melancólico y nostálgico.
Hiroshi Sugimoto is one of the most prestigious Japanese
photographers working today. Japanese culture and philosophy are
powerfully present in his small black-and-white photographs, which
also testify to the influence of American minimal and conceptual art.
His creations do not conform to the conventions of contemporary
photography, thanks in part to an almost contemplative reductionism
that makes his photos seem to hover on the edge of the temporal
dimension and raises questions in the spectator’s mind.
Sugimoto remains loyal to traditional analogue photography,
refusing to venture into the world of digital images. He uses a large-
format camera from the late 19th century, opening the shutter by hand
and letting intuition dictate the exposure time, which allows him to
achieve very subtle greyscale nuances and a sharp clarity of detail.
The Theaters series comprises snapshots of cinemas and drive-
in theatres—mostly American and a few European—which he
photographed between 1975 and 2001. The photographs show empty
spaces where neither the audience nor the film being projected is
visible. Instead, we see a blank screen whose luminous white surface
contrasts with the darkness of the room. Sugimoto offers us mysterious,
highly enigmatic photographs tinged with melancholy and nostalgia.

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CATHERINE SULLIVAN
Nació en 1968 en Los Ángeles. Vive y trabaja en Chicago
Born in 1968 in Los Angeles. She lives and works in Chicago
Catherine Sullivan comenzó estudiando arte dramático, lo que ha influido
poderosamente en toda su producción. Sus videoinstalaciones se sitúan
en la frontera entre el teatro, la performance, la danza, el cine y las artes
plásticas, ampliando sus horizontes.
Big Hunt (2002) presenta cinco proyecciones que abarcan toda la
pared, creando cinco ámbitos visuales relativamente grandes que emulan
un escenario. El título hace referencia al concepto de «big-game-hunting»
(caza mayor), término utilizado por el profesor de interpretación de Su-
llivan para aludir a aquellos papeles que exigían mucho desde un punto
de vista físico o psíquico.
El material en que se basa la instalación procede de fragmentos de
películas que incorporaban personajes «disfuncionales» (El milagro de Ana
Sullivan, ¿Qué fue de Baby Jane?, Persona, Marat/Sade y Tim) ya que Su-
llivan parte del hecho de que la capacidad de transformación de un actor
«puede demostrarse y reforzarse mediante minusvalías físicas o mentales».
Con los personajes de estas películas, Sullivan construye distintas dispo-
siciones coreográficas experimentales y escenas fragmentarias carentes
de toda narración lineal. La ausencia de voces resalta el conflicto de estos
personajes y hace que su expresión corporal funcione como texto.
Catherine Sullivan started out as a drama student, and this background
has powerfully influenced her entire oeuvre. Her video installations
operate at the intersection of theatre, performance, dance, film and the
visual arts, pushing the boundaries of the dramatic stage into the realm
of the plastic arts and cinema.
In Big Hunt (2002), five projections cover the wall to create five
relatively large visual settings that replicate a stage. The title alludes
to the concept of “big game hunting”, a term used by Sullivan’s acting
teacher to refer to physically or mentally demanding roles.
The material that forms the basis of the installation consists of
clips from films featuring “dysfunctional” characters (The Miracle
Worker, Whatever Happened to Baby Jane?, Persona, Marat/Sade and
Tim), as Sullivan operates on the premise that an actor’s mastery of
self-transformation can be underscored and “demonstrated through
the mental or physical afflictions of the character they play”. With the
characters from these movies, Sullivan constructs different experimental
choreographies and disjointed scenes entirely lacking a linear narrative.
The absence of voices emphasises the conflict of these characters,
letting their body language take the place of spoken dialogue.
HIROSHI SUGITO
Nació en 1970 en Nagoya (Japón), donde vive y trabaja
Born in 1970 in Nagoya (Japan), where he lives and works
La obra de Hiroshi Sugito aúna la herencia japonesa con el estilo occi-
dental debido a la educación que recibió el artista, que vivió durante
diez años en Estados Unidos antes de regresar a Japón. Extranjero en su
propio país, sin hablar ni escribir japonés, escogió la pintura como medio
de expresión y estudió la técnica del nihonga, una mezcla de tradición
japonesa y pintura occidental.
Los espacios que Sugito crea en sus cuadros parecen escenas congela-
das de una historia. Tanto en bird man (1998) como en in the freezer (1998),
las perspectivas no aportan información alguna acerca del tamaño de los
elementos que aparecen en la pintura, en este caso, un hombre-pájaro y un
avión. Las cortinas, recurrentes en su obra, aportan una marcada teatra-
lidad y recuerdan a las representaciones del Renacimiento y del Barroco.
En ocasiones, las piezas no reciben título hasta que llegan a una ex-
posición, por lo que los nombres nada tienen que ver con lo que se ve en
escena, provocando una contradicción en el espectador que es precisa-
mente lo que Sugito persigue.
Hiroshi Sugito’s work combines his Japanese heritage with the Western
style he discovered as a boy, when his family spent 10 years in the
United States before returning to Japan. An alien in his own country,
unable to speak or write Japanese, he made painting his vehicle of
expression and studied Nihonga, a blend of Japanese tradition and
Western painting.
The spaces Sugito creates in his pictures resemble frozen episodes
of a story. In both bird man (1998) and in the freezer (1998), the
perspective tells us nothing about the size of the elements appearing in
the paintings—in this case, a bird man and an aeroplane. The curtains,
a recurring device in his oeuvre, lend the compositions a markedly
theatrical feel, reminding us of Renaissance and Baroque drama.
Sometimes his pieces are not named until they are put on display,
and the titles therefore have nothing to do with what we see, yet the
contradictory feeling this elicits in viewers is precisely what Sugito aims
to achieve. “Every person has a different life or story [...]. But if I, as an
artist, erase myself and leave a little gesture for the viewers to make
their own story, then that is more real than showing my own reality as I
feel it.”

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ROSEMARIE TROCKEL
Nació en 1952 en Schwerte (Alemania). Vive y trabaja en Colonia
Born in 1952 in Schwerte (Germany). She lives and works in Cologne
La extensa y variada obra de Rosemarie Trockel destaca no solo por la
variedad de técnicas empleadas, sino también por la profundidad de sus
contenidos. Artista multidisciplinar con un enfoque marcadamente con-
ceptual, expresivo y surrealista, su obra puede enmarcarse dentro de la
corriente feminista, aunque no exclusivamente, pues su producción abarca
una complejidad mayor de temas.
La serie Manus Spleen, de atmósfera misteriosa, consta de varias pelí-
culas basadas en un excéntrico personaje llamado Manu, cuyo estado
anímico resulta algo más que cambiante, oscilando entre la histeria y la
melancolía o la ira y la tristeza.
La obra Manus Spleen IV (2002) hace referencia a la obra de teatro
Madre Coraje y sus hijos (1939), de Bertolt Brecht, que versa sobre una
vendedora de víveres que, al intentar sacar provecho de la guerra, pierde
a sus tres hijos. Pero mientras Brecht nos plantea un relato aleccionador
de la guerra, en Trockel queda descartada toda toma de posición moral
concluyente.
The prolific and varied oeuvre of Rosemarie Trockel is remarkable not
only for the diversity of media used but also for its profound message.
A multidisciplinary artist with a markedly conceptual, expressive,
surrealistic style, her work can be described as feminist art, although
this label does not really do justice to the complex range of themes she
addresses.
The series Manus Spleen, enveloped in an aura of mystery, consists
of several films featuring an eccentric character named Manu who
experience wild mood swings, shifting from hysteria to melancholy and
from rage to sadness.
The work Manus Spleen IV (2002) references Bertolt Brecht’s play
Mother Courage and Her Children (1939), about a canteen woman who
attempts to profit from war and loses her three children in the process.
However, while Brecht’s play is a moralising tale of war, Trockel’s work
refuses to take a conclusive moral stance.
JEFF WALL
Nació en 1946 en Vancouver, donde vive y trabaja
Born in 1946 in Vancouver, where he lives and works
Muchas de las obras de Jeff Wall emulan en un sentido colorista, compo-
sitivo y constructivo obras de artistas como Eugène Delacroix, Édouard
Manet o Edgar Degas.
Esta influencia es muy notable en Restoration (1993), una transparencia
de gran formato en caja de luz que muestra a dos restauradoras trabajando
sobre la obra circular Bourbaki Panorama, de Édouard Castres, finalizada
en 1881 y que representa el paso por la frontera suiza del ejército francés
bajo el mando del general Bourbaki. Los protagonistas no son los héroes
suizos que auxiliaron a los exhaustos soldados franceses en su huida de
las tropas alemanas, sino las restauradoras que se aseguran de conservar
la pieza a través del tiempo y que actúan como puente entre pasado,
presente y futuro.
En Doorpusher (1984) o Jell-O (1995) deja muchas preguntas sin res-
ponder. Pese a lo cotidiano de lo representado, crea una magia silenciosa
y misteriosa. Las fotografías de Wall cuentan historias sin caer en la lo-
cuacidad, más bien parecen fotogramas de una película cuyo guión deber
ser desarrollado por el espectador.
Many of Jeff Wall’s creations emulate the colouring, composition and
construction of artists like Eugène Delacroix, Édouard Manet and Edgar
Degas.
This influence is very apparent in Restoration (1993), a large-
format transparency in a light box that shows two female art restorers
working on Édouard Castres’s circular composition Bourbaki Panorama,
completed in 1881, which depicts the French army under the command
of General Bourbaki crossing into Switzerland. The protagonists are not
the Swiss heroes who came to the aid of the exhausted French soldiers
fleeing from the German troops, but the restorers whose efforts ensure
that the piece will stand the test of time, serving as a bridge between
the past, present and future.
In Doorpusher (1984) and Jell-O (1995), Wall leaves many questions
unanswered. Although the subjects are perfectly ordinary, they weave
a silent, mysterious magic spell. Wall’s photographs tell stories without
being overly loquacious, and in this sense they are more like stills from a
film whose script must be fleshed out by the audience.

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JOHANNES WOHNSEIFER
Nació en 1967 en Colonia. Vive y trabaja en Colonia y Erfstadt (Alemania)
Born in 1967 in Cologne He lives and works in Cologne and Erftstadt (Germany)
Johannes Wohnseifer creó su primera obra conceptual con tan solo die-
ciséis años. Actualmente realiza, además de pinturas y esculturas concep-
tuales, instalaciones y vídeos. El tema central de su obra es siempre el
intenso diálogo con imágenes superficiales y estereotipos escenificados
a la manera de los mass media, tomados de la vida cotidiana.
Through the Green Door (2007), presenta una puerta de madera pinta-
da en verde, con la inscripción «Departamento de Psicoterapia y Medicina
Psicosomática / Sección de Psicoterapia Forense» colgada en un cerco de
acero inoxidable de 30 cm de profundidad y con el picaporte untado de
vaselina. El visitante se refleja en el marco, siendo empujado a plantearse
cuestiones internas, iniciando una búsqueda de la propia identidad y la
exploración y análisis del ego.
La obra se creó en 1996, haciendo referencia a la película porno esta-
dounidense Behind the Green Door, y ha ido modificándose en función del
contexto expositivo. En The Porn Identity. Expeditionen in die Dunkelzone
(Kunsthalle Wien, 2009), la puerta quedaba entreabierta para dejar ver un
televisor que proyectaba películas porno. El detalle de la vaselina conserva
todavía hoy este tipo de connotación.
Johannes Wohnseifer created his first conceptual work of art when he
was just 16 years old. Today, in addition to conceptual paintings and
sculptures, he produces installations and videos. His oeuvre consistently
revolves around an intense dialogue with superficial, stereotypical
images taken from everyday life and staged in “mass-media” style.
In Through the Green Door (2007) we see a wooden door painted
green with lettering that reads “Department of Psychosomatic Medicine
and Psychotherapy. Forensic Psychotherapy Section”. The door hangs
from a 30 cm-deep stainless steel frame and the handle is smeared with
Vaseline. When visitors see their own reflection in the frame, it triggers
a process of introspection, launching them on a quest for personal
identity and an exploration and analysis of the ego.
The work was first created in 1996 as a nod to the American porn
film Behind the Green Door, and in subsequent showings it has been
modified to suit each new exhibition venue. In The Porn Identity:
Expeditionen in die Dunkelzone (Kunsthalle Wien, 2009), the door was
left ajar, allowing spectators to peer through the frame and glimpse
a television showing porn films. The Vaseline on the door handle still
retains its pornographic connotations today.
MATTHIAS WEISCHER
Nació en 1973 en Elte (Alemania). Vive y trabaja en Leipzig
Born in 1973 in Elte (Germany). He lives and works in Leipzig
Muchos de los trabajos de Matthias Weischer se caracterizan por mos-
trar espacios interiores amueblados con fantasía y universos visuales no
familiares, casi surrealistas, en los que la presencia humana es bastante
escasa. Es habitual una profusión desbordante de detalles pictóricos, que
confunde al espectador, haciéndole creer que la materialidad es palpable.
En ocasiones sus lienzos recuerdan antiguos frescos en los que el
tiempo ha dejado su huella; otras se presentan como collages, ya que
suele pintar varias capas que posteriormente pone al descubierto en al-
gunas zonas.
En Cutout Girl (2005), uno de sus nostálgicos interiores, observamos
un personaje femenino sin rostro que parece un ser ajeno a este mundo,
ofreciendo multitud de incógnitas al espectador. En Treppchen (2006),
Weischer revela aún de forma más explícita su pasión por la decoración,
los dibujos, la perspectiva y el collage. Combinando distintas técnicas pic-
tóricas parece sondear sus posibilidades como pintor, mezclando distintos
géneros y mostrando el enorme potencial de la pintura.
Many of Matthias Weischer’s works feature whimsically furnished
interiors and unfamiliar, almost surrealistic visual universes with a
paucity of human presence. The frequently overwhelming profusion
of pictorial details tends to confuse spectators, creating the illusion
of palpable materiality. Weischer creates spaces with a theatrical
appearance where he plays with the multiple possibilities afforded by
painting.
Sometimes his canvases remind us of ancient frescoes ravaged by
the passage of time, and in other cases they resemble collages, as he
often paints various layers which he later exposes in certain areas. His
interiors reveal memories of the past and occasionally refer to places
from his childhood, spent on the plain of Münster in Westphalia.
In Cutout Girl (2005), one of his nostalgic interiors, we see a faceless
female figure that does not seem to belong to this world, presenting
viewers with a plethora of unknown factors. In Treppchen (2006),
Weischer’s passion for decorating, drawings, perspective and collage is
even more explicit. Combining different pictorial techniques, he seems
to test the limits of his ability as a painter, mixing various genres and
demonstrating the enormous potential of painting.

32 33
MATTHEW BARNEY
Cremaster 5 [Cremáster 5]
1997
Vídeo monocanal en color pasado
a película de 35 mm con sonido
Dolby SR; vitrina acrílica con
LaserDisc serigrafiado, poliéster,
acrílico, terciopelo, plata de ley
y película de 35 mm
Duración: 54 min 30 s
88,9 x 119,4 x 94 cm (vitrina)
Edición: 3/10
(más dos pruebas de artista)
Cremaster 5
1997
Single-channel colour video
transferred to 35 mm film with
Dolby SR sound; and acrylic vitrine
with silkscreen LaserDisc, polyester,
acrylic, velvet, sterling silver
and 35 mm film
Running time: 54 min. 30 sec.
88.9 x 119.4 x 94 cm (vitrine)
Edition: 3/10
(plus two artist’s proofs)
Cremaster 5: Elválás
[Cremáster 5: Elválás]
1997
Dos copias cromogénicas
y una copia en gelatina de plata
74,5 x 59,5 cm (cada copia
cromogénica); 89,5 x 72 cm
(la copia en gelatina de plata)
Edición: 3/6
(más una prueba de artista)
Cremaster 5: Elválás
1997
Two C-prints and one gelatine
silver print
74.5 x 59.5 cm (each C-print);
89.5 x 72 cm (gelatine silver print)
Edition: 3/6
(plus one artist’s proof)
Ereszkedés
1998
Tres dibujos de grafito y grasa
de motor sobre papel gofrado
con acrílico y marcos Vivak
en vitrina autolubricante
25,7 x 21 cm (cada copia);
45,5 x 40,4 x 3,2 cm (cada marco);
94 x 176,3 x 95,7 cm (vitrina)
Ereszkedés
1998
Three graphite and petroleum jelly
drawings on embossed paper
with acrylic and Vivak frames
in self-lubricating plastic vitrine
25.7 x 21 cm (each print);
45.5 x 40.4 x 3.2 cm (each frame);
94 x 176.3 x 95.7 cm (vitrine)
CANDICE BREITZ
Becoming [Devenir]
2003
Vídeo de catorce canales
en color, con sonido; consta
de siete instalaciones de
vídeo de doble canal
dispuestas sobre catorce
peanas con monitores
175 x 55,1 x 51,3 cm (cada una)
Edición: 1/5
Becoming
2003
Fourteen-channel colour
video with sound, consisting
of seven double-channel video
installations on fourteen plinths
with monitors
175 x 55.1 x 51.3 cm (each)
Edition: 1/5
JANET CARDIFF &
GEORGE BURES MILLER
Playhouse [Teatro]
1997
Instalación, técnica mixta con
vídeo monocanal en color
400 x 250 x 243 cm
Edición: 1/3
Playhouse
1997
Mixed-media installation with single-
channel colour video
400 x 250 x 243 cm
Edition: 1/3
STAN DOUGLAS
Michigan Theater
1997–1998
Copia cromogénica
73 x 81 cm
Edición: 5/7
Michigan Theater
1997–1998
C-print
73 x 81 cm
Edition: 5/7
Abbott and Cordova,
7 August 1971
[Abbott con Cordova,
7 de agosto de 1971]
2008
Copia cromogénica
176,7 x 289,8 cm
Edición: 1/5
Abbott and Cordova,
7 August 1971
2008
C-print
176.7 x 289.8 cm
Edition: 1/5
ELMGREEN & DRAGSET
Go Go Go!
[¡Ve ve ve!]
2005
Instalación, técnica mixta
488 x 174 x 174 cm
Edición: 1/3
Go Go Go!
2005
Mixed-media installation
488 x 174 x 174 cm
Edition: 1/3
Last Performance
[Última función]
2009
70 x 90 x 4 cm (espejo);
70 x 35 x 14 cm (mesa);
87 x 39 x 49 cm (silla)
Edición: 2/2
Last Performance
2009
70 x 90 x 4 cm (mirror);
70 x 35 x 14 cm (table);
87 x 39 x 49 cm (chair)
Edition: 2/2
HANS-PETER FELDMANN
Schatten
[Sombras]
2005
Instalación con platos
giratorios, juguetes y luz
Dimensiones variables

34 35
Schatten
[Shadows]
2005
Installation with mechanical
turntables, toys and light
Dimensions variable
NAN GOLDIN
C as Madonna, Bangkok
[C caracterizada
de Madonna, Bangkok]
1992
Cibachrome
40,7 x 50,2 cm
Edición: 1/25
C as Madonna, Bangkok
1992
Cibachrome print
40.7 x 50.2 cm
Edition: 1/25
C Putting on Her Makeup
at Second Tip, Bangkok
[C maquillándose en el Second
Tip, Bangkok]
1992
Cibachrome
40,7 x 50,2 cm
Edición: 7/25
C Putting on Her Makeup
at Second Tip, Bangkok
1992
Cibachrome print
40.7 x 50.2 cm
Edition: 7/25
Toon, So and Yogo
on Stage, Bangkok
[Toon, So y Yogo
actuando, Bangkok]
1992
Cibachrome
40,7 x 50,2 cm
Edición: 2/25
Toon, So and Yogo
on Stage, Bangkok
1992
Cibachrome print
40.7 x 50.2 cm
Edition: 2/25
Yogo in the Mirror, Bangkok
[Yogo en el espejo, Bangkok]
1992
Cibachrome
40,7 x 50,2 cm
Edición: 2/25
Yogo in the Mirror, Bangkok
1992
Cibachrome print
40.7 x 50.2 cm
Edition: 2/25
Cody in the Dressing
Room at the Boy Bar, NYC
[Cody en el camerino
del Boy Bar, Nueva York]
1991
Cibachrome
40,7 x 50,2 cm
Edición: 6/25
Cody in the Dressing
Room at the Boy Bar, NYC
1991
Cibachrome print
40.7 x 50.2 cm
Edition: 6/25
Jimmy Paulette + Tabboo!
in the Bathroom, NYC
[Jimmy Paulette + Tabboo!
en el baño, Nueva York]
1991
Cibachrome
75 x 101,5 cm
Edición: 19/25
Jimmy Paulette + Tabboo!
in the Bathroom, NYC
1991
Cibachrome print
75 x 101.5 cm
Edition: 19/25
Kim between Sets, Paris
[Kim entre bambalinas, París]
1991
Cibachrome
50,2 x 40,7 cm
Edición: 3/25
Kim between Sets, Paris
1991
Cibachrome print
50.2 x 40.7 cm
Edition: 3/25
Kim in Rhinestones, Paris
[Kim en el Rhinestones, París]
1991
Cibachrome
50,2 x 40,7 cm
Edición: 1/25
Kim in Rhinestones, Paris
1991
Cibachrome print
50.2 x 40.7 cm
Edition: 1/25
Misty + Jimmy Paulette
in the Taxi, NYC
[Misty + Jimmy Paulette
en el taxi, Nueva York]
1991
Cibachrome
75 x 101,5 cm
Edición: 19/25
Misty + Jimmy Paulette
in the Taxi, NYC
1991
Cibachrome print
75 x 101.5 cm
Edition: 19/25
Misty Doing Her Makeup, Paris
[Misty maquillándose, París]
1991
Cibachrome
40,7 x 50,2 cm
Edición: 1/25
Misty Doing Her Makeup, Paris
1991
Cibachrome print
40.7 x 50.2 cm
Edition: 1/25
The Queen of the
Carnival, Merida, Mexico
[La reina del carnaval,
Mérida, México]
1982
Cibachrome
43,8 x 63 cm
Edición: 2/25
The Queen of the Carnival,
Merida, Mexico
1982
Cibachrome print
43.8 x 63 cm
Edition: 2/25
RODNEY GRAHAM
Allegory of Folly: Study
for an Equestrian Monument
in the Form of a Wind Vane
[Alegoría de la locura: estudio
para un monumento ecuestre
en forma de veleta]
2005
Díptico en caja de luz
304,8 x 304,8 x 17,8 cm
Prueba de artista (edición de
tres más dos pruebas de artista)
Allegory of Folly: Study
for an Equestrian Monument
in the Form of a Wind Vane
2005
Lightbox diptych
304.8 x 304.8 x 17.8 cm
Artist’s proof (edition of three
plus two artist’s proofs)

36 37
Dance!!!!! [¡¡¡¡¡Baila!!!!!]
2008
Díptico en caja de luz
272 x 350,5 cm
Edición: 2/4
Dance!!!!!
2008
Lightbox diptych
272 x 350.5 cm
Edition: 2/4
(plus oneartist’s proof)
ASTA GRÖTING
Die innere Stimme
[La voz interior]
1993
Vídeo monocanal en color,
con sonido
Edición: 15/50
Die innere Stimme
[The Inner Voice]
1993
Single-channel colour
video with sound
Edition: 15/50
LOTHAR HEMPEL
Die schwarze Stunde
[La hora negra]
2004
Instalación con DM,
plástico, aluminio,
reproducciones fotográficas
y reloj eléctrico
279 x 254 x 149 cm
Die schwarze Stunde
[The Black Hour]
2004
Installation with MDF, plastic,
aluminium, photographic
reproductions and electrical
clockwork
279 x 254 x 149 cm
CANDIDA HÖFER
Théâtre Municipal Calais I
2001
Copia cromogénica
152 x 170 cm
Prueba de artista (edición de seis)
Théâtre Municipal Calais I
2001
C-print
152 x 170 cm
Artist’s proof (edition of six)
Villa Stuck München I
[Villa Stuck Múnich I]
2005
Copia cromogénica
92 x 104,5 cm
Edición: 2/6
Villa Stuck München I
[Villa Stuck Munich I]
2005
C-print
92 x 104.5 cm
Edition: 2/6
MIKE KELLEY
A Dance Incorporating Movements
Derived from Experiments by Harry
F. Harlow and Choreographed in the
Manner of Martha Graham
[Un baile con movimientos
derivados de experimentos de
Harry F. Harlow y coreografiado
a la manera de Martha Graham]
1999
Vídeo monocanal en blanco
y negro, sin sonido
A Dance Incorporating Movements
Derived from Experiments by Harry
F. Harlow and Choreographed in
the Manner of Martha Graham
1999
Single-channel black-and-white
video without sound
Test Room Containing Multiple
Stimuli Known to Elicit Curiosity
and Manipulatory Responses
[Sala de pruebas con múltiples
estímulos conocidos para suscitar
la curiosidad y respuestas
manipuladoras]
1999
sin sonido
Test Room Containing Multiple
Stimuli Known to Elicit Curiosity
and Manipulatory Responses
1999
without sound
Joseph Supplicates
[Joseph suplicando]
2005
con proyección de vídeo
monocanal en color con
sonido y fotografía
264 x 580 x 350 cm
Joseph Supplicates
2005
with single-channel colour video
projection with sound,
and photograph
264 x 580 x 350 cm
Lonely Vampire
[Vampiro solitario]
2005
Técnica mixta, proyección
de vídeo de doble canal en
color con sonido y fotografía
Duración de vídeo 1: 5 min 16 s
Duración de vídeo 2: 56 s
218 x 290 x 290 cm
Lonely Vampire
2005
Mixed media with double-channel
colour video projection with sound,
and photograph
Video 1 running time: 5 min. 16 sec.
Video 2 running time: 56 sec.
218 x 290 x 290 cm
MICHAEL KUNZE
Vormittag
[Mañana]
1992–1995
Óleo sobre lienzo
330,3 x 559,4 x 9 cm
Vormittag
[Forenoon]
1992–1995
Oil on canvas
330.3 x 559.4 x 9 cm
ZILLA LEUTENEGGER
Rondo
[Rondó]
2008
Instalación con vídeo
monocanal en blanco
y negro, con sonido
Edición: 3/3
Rondo
2008
Installation with single-channel

38 39
black-and-white video
with sound
Edition: 3/3
JONATHAN MEESE
Flash Gordon
2003
Escultura en bronce
26 x 23 x 27 cm
Prueba de artista
(edición de tres)
Flash Gordon
2003
Bronze sculpture
26 x 23 x 27 cm
Artist’s proof
(edition of three)
Soldier of Fortune “Iwan”
[Soldado de fortuna «Iván»]
2003
Escultura en bronce
69 x 27 x 24 cm
Prueba de artista
(edición de tres)
Soldier of Fortune “Iwan”
2003
Bronze sculpture
69 x 27 x 24 cm
Artist’s proof
(edition of three)
Widder
[Aries]
2003
Escultura en bronce
38 x 28 x 32 cm
Prueba de artista
(edición de tres)
Widder
[Aries]
2003
Bronze sculpture
38 x 28 x 32 cm
Artist’s proof
(edition of three)
General „Hybrisis“. Bunter
Lolly voll Abenteuer
[General «Hybrisis». Piruleta
de colores llena de aventuras]
2007
Escultura en bronce
55 x 50 x 45 cm
Edición: 2/3 (más una
prueba de artista)
General „Hybrisis“. Bunter
Lolly voll Abenteuer
[General “Hybrisis”. Colourful Lolly
Full of Adventure]
2007
Bronze sculpture
55 x 50 x 45 cm
Edition: 2/3
General Pony. Es ist nie
zu spät Tierbaby zu sein
[General Pony. Nunca es
tarde para ser una cría]
2007
Escultura en bronce
52 x 51 x 40 cm
Edición: 2/3
General Pony. Es ist nie
zu spät Tierbaby zu sein
[General Pony. It’s Never Too Late
To Be an Animal Baby]
2007
Bronze sculpture
52 x 51 x 40 cm
Edition: 2/3
Schnabel Luigi im Zikulationsnebel
[El pico Luigi en la niebla
de la circulación]
2007
Escultura en bronce
63 x 58 x 35 cm
Prueba de artista
(edición de tres)
Schnabel Luigi im Zikulationsnebel
[Beak-Nosed Luigi in
the Fog of Circulation]
2007
Bronze sculpture
63 x 58 x 35 cm
Artist’s proof
(edition of three)
HANS OP DE BEECK
Staging Silence (2)
[Escenificar el silencio (2)]
2013
y negro, con sonido
Edición: 5/10
Staging Silence (2)
2013
video with sound
Edition: 5/10
ULRIKE OTTINGER
Absinth (Tabea Blumenschein)
[Absenta (Tabea Blumenschein)]
1975
Copia cromogénica
62 x 40 cm
Edición: 1/10
Absinth (Tabea Blumenschein)
[Absinthe (Tabea Blumenschein)]
1975
C-print
62 x 40 cm
Edition: 1/10
Das Festmahl der Zirkusartisten [El
banquete de los artistas circenses]
1980
Copia cromogénica
71 x 90 cm
Edición: 1/10
Das Festmahl der Zirkusartisten
[The Feast of the Circus
Performers]
1980
C-print
71 x 90 cm
Edition: 1/10
Der Bote der Inquisition
[El mensajero de la Inquisición]
1981
Copia cromogénica
60 x 90 cm
Edición: 3/10 (más dos
pruebas de artista)
Der Bote der Inquisition
[The Envoy of the Inquisition]
1981
C-print
60 x 90 cm
Edition: 3/10
Die Betörung der Alten
[El capricho de los viejos]
1981
Copia cromogénica
60 x 90 cm
Edición: 2/10
Die Betörung der Alten
[The Infatuation of the Elders]
1981
C-print

40 41
60 x 90 cm
Edition: 2/10
Die siamesischen Zwillinge
[Las gemelas siamesas]
1981
Copia cromogénica
40,5 x 62 cm
Edición: 1/10
Die siamesischen Zwillinge
[The Siamese Twins]
1981
C-print
40.5 x 62 cm
Edition: 1/10
Fräulein Mausi und Paulchen
[La señorita Mausi y
el pequeño Paul]
1981
Copia cromogénica
60 x 40 cm
Edición: 1/10
Fräulein Mausi und Paulchen [Miss
Mausi and Little Paul]
1981
C-print
60 x 40 cm
Edition: 1/10
Freak Orlando
1981
con sonido
Duración: 122 min.
Freak Orlando
1981
with sound
Running time: 122 min.
Mönche mit Harpyien
[Monjes con arpías]
1981
Copia cromogénica
40 x 60 cm
Edición: 1/10
Mönche mit Harpyien
[Monks with Harpies]
1981
C-print
40 x 60 cm
Edition: 1/10
Opfer des Heiligen Tribunals
[Víctima del Santo Tribunal]
1981
Copia cromogénica
42,5 x 62,5 cm
Edición: 1/10 (más dos
pruebas de artista)
Opfer des Heiligen Tribunals
[Victim of the Holy Tribunal]
1981
C-print
42.5 x 62.5 cm
Edition: 1/10 (plus two
artist’s proofs)
(Vor der Basilika) Doppelkopf
in Betrachtung anderer
Wundergestalten
[(Delante de la basílica)
Bicéfalo contemplando
otros seres fantásticos]
1981
Copia cromogénica
42 x 63 cm
Edición: 1/10
(Vor der Basilika) Doppelkopf
in Betrachtung anderer
Wundergestalten
[(In Front of the Basilica)
Bicephalous Contemplating other
Miraculous Creatures]
1981
C-print
42 x 63 cm
Edition: 1/10
One $ Strip
1983
Copia cromogénica
80 x 120 cm
Edición: 1/3
One $ Strip
1983
C-print
80 x 120 cm
Edition: 1/3
Opera: Drei Schicksalsgöttinen
[Ópera: tres moiras]
1983
Copia cromogénica
42 x 63 cm
Edición: 1/10
Opera: Drei Schicksalsgöttinen
[Opera: Three Goddesses
of Fate]
1983
C-print
42 x 63 cm
Edition: 1/10
China. Die Künste–der Alltag.
Kung Oper, Chengdu. Die
Stirnlocken werden einzeln
angesteckt. Das Schönheitsideal,
die ovale, ebenmäßige
Gesichtsform, wird durch das
Ankleben von zwei langen
schwarzen Haarsträhnen erreicht
[China. Las artes, la vida cotidiana.
Ópera Kung, Chengdu. Los
mechones se pegan uno a uno. El
ideal de la belleza, la forma ovalada
y simétrica de la cara, se obtiene
pegando dos mechones largos de
pelo negro]
1985
Copia en gelatina
de plata de 2001
30 x 24 cm
Prueba de artista
China. Die Künste–der Alltag. Kung
Oper, Chengdu. Die Stirnlocken
werden einzeln angesteckt.
Das Schönheitsideal, die ovale,
ebenmäßige Gesichtsform, wird
durch das Ankleben von zwei langen
schwarzen Haarsträhnen erreicht
[China: The Arts, Everyday Life.
Kung Opera, Chengdu. The
Forelocks Are Affixed Individually.
The Beauty Ideal, the Oval, Well-
Proportioned Face, Is Achieved by
Attaching Two Long Strands of
Black Hair]
1985
2001 gelatin silver print
30 x 24 cm
Artist’s proof
China. Die Künste–der
Alltag. Kung Oper, Chengdu.
Xuan Deng AO (Herr Riesenfisch)
in der Rolle des “feinsinnigen
jungen Mannes von großem Talent”’
Ópera Kung, Chengdu. Xuan
Deng AO (el señor pez gigante)
en el papel del “joven delicado
y de gran talento”]
1985
Copia en gelatina de
plata de 2001
50 x 40 cm
Edición: 1/7
China. Die Künste–der
Alltag. Kung Oper, Chengdu. Xuan
Deng AO (Herr Riesenfisch) in
der Rolle des “feinsinnigen jungen

42 43
Mannesvon großem Talent”
Kung Opera, Chengdu. Xuan Deng
AO (Mr. Big Fish) in the Role of the
“Sensitive Young Man with Great
Talent”]
1985
50 x 40 cm
Edition: 1/7
Oper, Chengdu. Zu den Aufgaben
und Fähigkeiten der Schauspieler
gehört auch das Anfertigen der
eigenen Maske
Ópera Kung, Chengdu. Entre las
tareas y aptitudes de los actores
está la de construirse su propia
máscara]
1985
Copia en gelatina
de plata de 2001
24 x 30 cm
Prueba de artista
Oper, Chengdu. Zu den Aufgaben
und Fähigkeiten der Schauspieler
gehört auch das Anfertigen der
eigenen Maske
Kung Opera, Chengdu. The Making
of One’s Own Masks Belongs to the
Tasks and Skills of the Actors]
1985
24 x 30 cm
Artist’s proof
Superbia–Der Stolz
[Superbia–La soberbia]
1986
con sonido
Duración: 15 min
Superbia–Der Stolz
[Superbia–The Pride]
1986
Single-channel colour
video with sound
Begegnung im Grasland
[Encuentro en la pradera]
1988
Copia cromogénica
71 x 90 cm
Edición: 1/10
Begegnung im Grasland
[Encounter in the Grassland]
1988
C-print
71 x 90 cm
Edition: 1/10
Ester. Ein Purimspiel in Berlin
[Ester. Una representación
de Purim en Berlín]
2002
y negro, con sonido
Ester. Ein Purimspiel in Berlin
[Ester. A Purim Play in Berlin]
2002
video with sound
Spiegelkabinett (Veruschka)
[Salón de espejos (Veruschka)]
2006
Copia cromogénica
50 x 76 cm
Edición: 1/10
Spiegelkabinett (Veruschka)
[Hall of Mirrors (Veruschka)]
2006
C-print
50 x 76 cm
Edition: 1/10
PAUL PFEIFFER
Prologue to the Story
of the Birth of Freedom
[Prólogo a la historia del
nacimiento de la Libertad]
2000
Vídeo de doble canal en color en
dos pequeños monitores LCD
y armazones de metal, con sonido
Duración: de 4 a 6 min
Dimensiones variables
Edición: 2/6
Prologue to the Story
of the Birth of Freedom
2000
Double-channel colour video
with sound on two miniature LCD
monitors and metal armatures
Running time: 4 to 6 min.
Dimensions variable
Edition: 2/6
Vitruvian Figure
[Figura vitruviana]
2009
Escultura arquitectónica con
paredes de espejo, contrachapado
de abedul, falso espejo y acero
inoxidable pulido
586 x 472 x 240 cm
Prueba de artista
(edición de tres)
Vitruvian Figure
2009
Architectural sculpture with mirror
walls, birched multiplex, spy mirror,
and polished stainless steel
586 x 472 x 240 cm
Artist’s proof
(edition of three)
MARKUS SCHINWALD
Albert
2008
Madera, fibra de vidrio y motor
170 x 53 x 32 cm
Albert
2008
Wood, fibreglass and motor
170 x 53 x 32 cm
Diego
2008
Copia pigmentada
139 x 99 cm
Ejemplar único
Diego
2008
Pigment print
139 x 99 cm
Unique
Sri
2008
Copia pigmentada
139 x 99 cm
Ejemplar único
Sri
2008
Pigment print
139 x 99 cm
Unique
Hans
2009
Marioneta, madera y ropa
180 x 70 x 35 cm
Hans
2009
Marionette, wood
and clothes
180 x 70 x 35 cm
Kacia
2009
Óleo sobre lienzo
69 x 56 cm

44 45
Kacia
2009
Oil on canvas
69 x 56 cm
Neil
2010
Copia pigmentada
98,3 x 68,2 cm
Ejemplar único
Neil
2010
Pigment print
98.3 x 68.2 cm
Unique
LAURIE SIMMONS
Walking Cake II (Color)
[Tarta andante (color)]
1989
Cibachrome
162 x 116 cm
Edición: 9/10
Walking Cake II (Color)
1989
Cibachrome print
162 x 116 cm
Edition: 9/10
Walking Hourglass
[Reloj de arena andante]
1989
Copia en gelatina de plata
211,5 x 120,3 cm
Edición: 3/5
Walking Hourglass
1989
Gelatin silver print
211.5 x 120.3 cm
Edition: 3/5
Lying Gun (Color)
[Pistola tumbada (color)]
1990
Cibachrome
116 x 161 cm
Edición: 6/10
Lying Gun (Color)
1990
Cibachrome print
116 x 161 cm
Edition: 6/10
Lying Fountain
[Fuente tumbada]
1991
Cibachrome
120,4 x 212 cm
Edición: 1/5
Lying Fountain
1991
Cibachrome print
120.4 x 212 cm
Edition: 1/5
Clothes Make the Man
[El hábito hace al monje]
1994
Escultura, técnica mixta
95 x 33 x 38,5 cm
Clothes Make the Man
1994
Mixed media sculpture
95 x 33 x 38.5 cm
Untitled: Band
[Sin título: grupo]
1994
Cibachrome
63 x 53 cm
Edición: 3/10
Untitled: Band
1994
Cibachrome print
63 x 53 cm
Edition: 3/10
The Boxes (Ardis
Vinklers) Library
[Las cajas (Ardis
Vinklers) Biblioteca]
2005
Cibachrome (anverso
montado sobre plexiglás)
102 x 193,6 cm
Edición: 4/5
The Boxes (Ardis Vinklers)
Library
2005
Cibachrome print (face-mounted
on Plexiglas)
102 x 193.6 cm
Edition: 4/5
The Music of Regret
[La música del lamento]
2005–2006
con sonido
Duración: 40 min
Edición: 4/10
The Music of Regret
2005–2006
with sound
Edition: 4/10
HIROSHI SUGIMOTO
Civic, New Zealand
1991
47,3 x 60,5 cm
Edición: 9/25
Civic, New Zealand
1991
47.3 x 60.5 cm
Edition: 9/25
Royal, San Francisco
1992
47,3 x 60,5 cm
Edición: 1/25
Royal, San Francisco
1992
47.3 x 60.5 cm
Edition: 1/25
Rubidoux Drive-In,
Rubidoux
1993
47,3 x 60,5 cm
Edición: 7/25
Rubidoux Drive-In,
Rubidoux
1993
47.3 x 60.5 cm
Edition: 7/25
South Bay Drive-In,
San Diego
1993
47,3 x 60,5 cm
Edición: 1/25
South Bay Drive-In,
San Diego
1993
47.3 x 60.5 cm
Edition: 1/25
Kino Panorama, Paris
1998
50,6 x 60,7 cm
Edición: 8/25
Kino Panorama, Paris
1998
50.6 x 60.7 cm
Edition: 8/25

46 47
HIROSHI SUGITO
The Battle
[La batalla]
1996
Óleo sobre lienzo
55 x 73 cm
The Battle
1996
Oil on canvas
55 x 73 cm
Bed Room
[Dormitorio]
1998
Acrílico, pigmento
y papel sobre lienzo
58 x 58 cm
Bed Room
1998
Acrylic, pigment
and paper on canvas
58 x 58 cm
bird man
[hombre pájaro]
1998
Acrílico, pigmento
178,1 x 213,5 cm
bird man
1998
Acrylic, pigment
and paper on canvas
178.1 x 213.5 cm
in the freezer
[en el congelador]
1998
Acrílico, pigmento
69,7 x 91,7 cm
in the freezer
1998
Acrylic, pigment
and paper on canvas
69.7 x 91.7 cm
Control
2001
Acrílico, pigmento
50,2 x 70,2 cm
Control
2001
Acrylic, pigment
and paper on canvas
50.2 x 70.2 cm
CATHERINE SULLIVAN
Big Hunt
[La gran cacería]
2002
Instalación de vídeo de cinco
canales en blanco y negro
Duración: 22 min
Prueba de artista (edición
de cuatro)
Big Hunt
2002
Five-channel black-and-white
video installation
Artist’s proof (edition of four)
ROSEMARIE TROCKEL
Manus Spleen IV
[Las excentricidades de Manu]
2002
con sonido
Edición: 2/10
Manus Spleen IV
2002
with sound
Edition: 2/10
JEFF WALL
Doorpusher
[El que empuja la puerta]
1984
Caja de luz con transparencia
cibachrome
268,5 x 142 x 20,5 cm
Ejemplar único (una
prueba de artista)
Doorpusher
1984
Lightbox with Cibachrome
transparency
268.5 x 142 x 20.5 cm
Unique (one artist’s proof)
Restoration
[Restauración]
1993
cibachrome
137 x 507 x 22 cm
prueba de artista)
Restoration
1993
transparency
137 x 507 x 22 cm
Edition: 2/2 (plus one
artist’s proof)
Jell-O
[Gelatina con sabor a frutas]
1995
cibachrome
143 x 180 x 20,5 cm
prueba de artista)
Jell-O
1995
transparency
143 x 180 x 20.5 cm
Edition: 2/2 (plus one
artist’s proof)
MATTHIAS WEISCHER
Cutout Girl
[Chica recortable]
2005
Óleo sobre lienzo
71 x 61 cm
Cutout Girl
2005
Oil on canvas
71 x 61 cm
Treppchen
[Escalerita]
2006
Óleo, témpera y lápiz
de grafito sobre lienzo
211 x 283 cm
Treppchen
[Small Staircase]
2006
Oil, tempera and
graphite pencil on canvas
211 x 283 cm
JOHANNES WOHNSEIFER
Through the Green Door
[A través de la puerta verde]
2007
Acrílico, espejo de acero inoxidable
pulido, madera, esmalte, vaselina
y picaporte
207,3 x 104 x 41 cm
Through the Green Door
2007
Acryl, polished stainless
steel mirror, wood, lacquer,
vaseline and door handle
207.3 x 104 x 41 cm

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