1. UNIVERSIDAD CATÓLICA
LOS ÁNGELES DE CHIMBOTE
DOCENTE : Lic. Favio Roncales Armas.
E-MAIL : favio757@yahoo.com
TALLER DE EDUCACIÓN MUSICAL
ESCUELA PROFESIONAL DE EDUCACIÓN
Ciclo III
1

2. Roncales Armas, Favio. Taller de Educación Musical. 1a edición
Ediciones de la Universidad Católica Los Ángeles de Chimbote. Chimbote. 2013.
Universidad Católica Los Ángeles de Chimbote
Jr. Leoncio Prado 443
Chimbote (Perú) www.uladech.edu.pe
editorial@uladech.edu.pe
Reservados todos los derechos. No se permite reproducir, almacenar en los sistemas
de recuperación de la información ni trasmitir alguna parte de esta publicación,
cualquiera que sea el medio empleado-electrónico, mecánico- fotocopia, grabación, etc.,
sin el permiso previo de los titulares de los derechos de la propiedad intelectual.
2

3. PRIMERA UNIDAD:
NATURALEZA DE
LA MÚSICA
3

4. ¿QUÉ ES EL SONIDO?
Podemos definir el sonido como una sensación auditiva que está producida por
la vibración de algún objeto. Estas vibraciones son captadas por nuestro oído y
transformadas en impulsos nerviosos que se mandan a nuestro cerebro.
Observa el siguiente gráfico donde se muestra cómo se originan las ondas
sonoras:
Un objeto (el diapasón) vibra al ser golpeado.
Estas oscilaciones desplazan las moléculas de aire que tiene dicho objeto
alrededor formando ondas sonoras. Este efecto es parecido a las piezas de
dominó que se empujan unas a otras. La primera no se desplaza hasta el final
pero transmite la perturbación hasta la última generando el movimiento.
Las moléculas vibran en la misma dirección de la propagación. Este tipo de
movimiento se denomina onda longitudinal.
La Acústica es la ciencia que estudia el fenómeno sonoro.
4

5. EL SONIDO
El sonido proviene de cuerpos que vibran. Estas vibraciones sonoras se
propagan comúnmente a través del aire, hasta llegar a los oídos. Sin embargo,
el medio por el que se propaga el sonido no se traslada junto con él, sino que
cada molécula vibra en su posición y transmite esa vibración a las moléculas
que la rodean, manteniendo su posición inicial.
A la propagación de las vibraciones en un medio cualquiera, sea éste sólido,
líquido o gaseoso, se la llama onda. Las ondas sonoras no pueden propagarse
en el vacío. La velocidad de propagación será diferente en cada medio. En el
aire su velocidad es de 340 metros por segundo.
Una vibración es un movimiento que
realiza un objeto alrededor de su punto
de equilibrio, sin trasladarse respecto
de su posición original.
En el gráfico anterior se esquematiza la fisiología del Oído.
La función principal del oído es la de convertir las ondas sonoras en
vibraciones que estimulan las células nerviosas, para ello el oído está
compuesto por tres zonas con funciones bien diferenciadas.
El oído externo
Es el encargado de captar dirigir las ondas sonoras, a través del orificio
auditivo, hasta el tímpano.
El oído medio
En él, las vibraciones del tímpano se amplifican y transmiten hasta el oído
interno, a través de unos huesecillos denominados martillo, yunque y estribo.
El oído interno
Aquí reside la cóclea o caracol, donde las vibraciones se convierten en
impulsos nerviosos que el cerebro transforma en sensaciones auditivas.
5

6. CLASES DE SONIDO
Sonidos Determinados:
Son aquellos que permiten hacer ritmos y a la vez saber que nota se están
tocando, dentro de los sonidos determinados se encuentran los sonidos
producidos por instrumentos musicales (con excepción de los instrumentos de
percusión) y la voz humana, normalmente resultan agradables al oído y se
pueden ubicar en la escala de notas musicales DO, RE, MI, FA, SO, LA, SI.
Sonidos Indeterminados:
Dentro de esta clase de sonidos ubicamos a aquellos con los que podemos
hacer sólo ritmos, usualmente son desagradables al oído pues son producidos
por golpes, choques, caídas, etc. Además estos sonidos llevan este nombre
debido a que no se pueden determinar en la escala de notas musicales.
CUALIDADES DEL SONIDO
ALTURA O TONO
Está determinada por la velocidad de vibración del cuerpo. Medimos esta
característica en ciclos por segundos o Hercios (Hz). Los humanos podemos
percibir los sonidos comprendidos entre 20Hz y 20.000Hz. Por debajo
tenemos los infrasonidos y por encima los ultrasonidos.
INTENSIDAD
Nos permite distinguir si el sonido es fuerte o débil. Está determinado por la
cantidad de energía de la onda. Los sonidos que percibimos deben superar
el umbral auditivo (0 dB) y no llegar al umbral de dolor (140 dB). Este
parámetro lo medimos con el sonómetro y los resultados se expresan en
decibelios (dB).
DURACIÓN
Esta cualidad está relacionada con el tiempo de vibración del objeto. Por
ejemplo, podemos escuchar sonidos largos, cortos, muy cortos, etc..
TIMBRE
Es la cualidad que permite distinguir la fuente sonora. Cada material vibra
de una forma diferente provocando ondas sonoras complejas que lo
identifican.
¿Eres capaz de distinguir el sonido de una trompeta y de una flauta?
6

7. LA MÚSICA
Las definiciones parten desde el seno de una cultura, y así, el sentido de las
expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales,
culturales e históricas. De ésta forma, surgen múltiples y diversas definiciones
que pueden ser válidas al momento de expresar lo qué se entiende por música.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada
(según una formulación perceptible, coherente y significativa). Ésta definición
parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar
"música" se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de
cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los
humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres
atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este
sentido, artificial) y que predomina la función estética (es decir, es un arte).
Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas
dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el
instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema
receptor.
Una de las definiciones más tradicionales es "la música es el arte de ordenar
los sonidos en el tiempo".
Las teorías de los antiguos filósofos griegos concuerdan con las
especulaciones de los eruditos en la época medieval, definiendo a la música
como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodías) y
vertical (armonía). Este orden o estructura que deben tener un grupo de
sonidos para ser llamados música esta por ejemplo presente en las
aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la
arquitectura, definiendo a la última como "música congelada". La mayoría
coincide en el aspecto de la estructura, pero algunos teóricos modernos
difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable. Para comprender
el desarrollo de esta maravillosa forma de arte, exploraremos su evolución en
occidente, tanto en su tradición clásica o docta y sus formas populares.
Elementos de la música
La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los
silencios. A la vez la música tiene también otros elementos los que son
considerados por algunos autores como parámetros, estos son la melodía, la
armonía y el ritmo.
El sonido (que suena) es la sensación percibida por el oído, que recibe las
variaciones de presión producidas generadas por el movimiento vibratorio de
7

8. los cuerpos sonoros y que se transmiten por el medio que los separa que
generalmente es el aire. La ausencia perceptible de sonido es el silencio; que
es relativo, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza al haber
atmósfera.
El sonido tiene cuatro parámetros o elementos fundamentales:
Un elemento esencial de la música es el ritmo.
Ritmo es la sucesión de sonidos largos y cortos; fuertes y débiles.
Otros elementos esenciales de la música son la melodía y la armonía.
Se entiende por melodía la sucesión de sonidos de distinta altura, animados
por el ritmo.
Por armonía se entiende la combinación de sonidos simultáneos que sirven de
apoyo, de acompañamiento y de adorno a la melodía.
Melodía .- Es la sucesión de sonidos en forma ordenada, de diferente altura ,
que expresan una idea musical y que satisfacen al oído y a la inteligencia.
Armonía.- Es la combinación simultánea de dos o más sonidos que producen
un acorde.
Ritmo.- Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con
cualquier movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, en la música
se lo divide por medio de la combinación de sonidos y silencios de distinta
duración.
IMPORTANCIA DE LA MÙSICA:
Mucho se habla de la importancia que tiene la música en la vida del ser
humano, al respecto consideraremos las etapas en la que la música interviene
para aportar su influencia y destacar su importancia.
Gestación: se utiliza la músico terapia en el embarazo como terapia, para
estimular al bebe que está en crecimiento dentro del vientre de la madre.
Nacimiento: Las canciones de cuna para hacer dormir al bebe, son muy
comunes... ¿a quién no le han cantado una? (Quizá no lo recuerde... pero
puede preguntar a sus mayores)
Infancia: Canciones infantiles, para estimular a los niños, en juegos, o en
actividades variadas.
8

9. Adolescencia-Juventud: El factor común de muchos jóvenes y adolescentes
es la música. Juntarse a escucharla, ir a conciertos.
Una estadística recientemente realizada en América Latina, arroja el dato que
la industria discográfica, aumenta sus ingresos, gracias a que la mayor parte de
Consumidores ellos entre, 16 y 30 años de edad, hacen compras compulsivas
de Cintas y CDS.
Celebraciones Familiares: Bodas, Cumpleaños, aniversarios, graduaciones.
(Si hay celebración seguro, que hay música)
Vejez: La músico terapia, no solo se utiliza desde los comienzos de la vida,
sino también en el ocaso.
La Vida espiritual del hombre también ha encontrado en la música un lugar
para desarrollarse, ya que esta no solamente, tiene influencia sobre el cuerpo,
el alma sino también en el espíritu.
Entonces podemos ir concluyendo que:
La música también promueve el aprendizaje al incrementar el vocabulario y
lenguaje de los niños. También les permite incrementar su auto-competencia al
tener una voz en el medio ambiente y al ser capaces de expresarse. Aunque
los discos compactos de música son una excelente manera de involucrar a los
niños con las canciones, el cambiar las canciones tradicionales simples puede
enseñarles a los niños sobre repetición, lenguaje, destrezas sociales y maneras
emotivas de cómo expresar sus sentimientos.
La música posee la capacidad de despertar en las personas sentimientos de
diversa índole, experimentando reacciones de alegría, melancolía, tensión,
relajación etc. Ocasionando esta misma circunstancia en las personas que
bailan, produciéndole una enorme acción emotiva que le impulsa a expresarse
a través de sus movimientos. Tal es así que la música aporta al bailarín/a la
fuerza y la motivación que necesita para comunicarse. Pero para que la danza
fluya, es necesario realizar previamente un análisis de la música que va a
acompañar al movimiento, a fin de identificar aquellas estructuras que van a
permitir desarrollar al máximo la expresión y la interpretación del bailarín/a.
LA MÙSICA COMO ARTE
La música es el arte de producir y combinar sonidos acordes de todos los
elementos de creación sonora: instrumentos, ritmos, sonoridades, timbres,
tonos, organizaciones seriales, melodías, armonías, etc., En su sentido más
primigenio, es el arte de producir y de combinar los sonidos de una manera tan
agradable al oído, que sus modulaciones conmueven el alma.
En todas las civilizaciones, la música cobra un papel importante en los actos
más relevantes, social o personalmente, donde ejerce un papel mediador entre
lo diferenciado (material) y lo indiferenciado (la voluntad pura), o entre lo
intelectual y lo espiritual. Por ello cobra especial importancia en las ceremonias
9

10. rituales, además de por su capacidad de promover las emociones. La música
representa el equilibrio y orden; es un lenguaje universal.
En la Masonería, la música representa una de las siete artes liberales,
simbolizando la armonía del mundo y especialmente la que debe existir entre
los masones. A través de la belleza de los sonidos y de la armonía de los
ritmos se llega a la sabiduría del silencio. La música es el arte de organizar los
sonidos. Todo arte consiste en organizar un material de acuerdo con las
«Leyes» y un propósito. La música es, en ella misma y por esencia, una
masonería, una construcción de carácter iniciático. Los elementos que la
componen no son los sonidos, piedras brutas, sino las notas, piedras talladas.
Los tres parámetros que precisa la talla de la piedra, la precisa el sonido:
La Fuerza, que reside en la densidad.
La Sabiduría, en su «tempo» o longitud.
La Belleza, en su altura o frecuencia.
Las piedras justas y perfectas del edificio musical deben ser ensambladas: la
música es una construcción, una arquitectura, un «arte real» que nos revela las
leyes universales de la «Gran Obra» que podemos organizar en tres etapas.
El Silencio, vacío necesario antes de la manifestación, es el estado de
aprendizaje. El Sonido, la manifestación, la toma de conciencia, el despertar
del compañero. La Melodía, la organización del sonido por el maestro.
Se puede encontrar otra analogía en tres etapas, entre el método de formación
del músico y del masón:
El Aprendiz: Estudia la música en sí mismo (canta). Aprende a descodificar
unos símbolos o signos (solfeo) y escoge su/s instrumento/s. Para ello precisa
de un maestro o instructor.
El Compañero: Alcanza la soltura en la interpretación de los signos y en la
utilización de su/s instrumento/s. Colabora con otros compañeros en el canto y
en la interpretación (polifonía, conjuntos instrumentales). Estudia la historia, los
estilos y a los grandes maestros. En esta etapa el compañero entra en un
proceso de auto-formación.
El Maestro: Su tarea es alcanzar una interpretación personal, una vivencia que
haga posible la transmisión de la obra. El maestro trabaja en soledad, pero
precisa de un aprendiz, del cual aprende todo lo necesario para alcanzar la
auténtica maestría. Con esta relación se cierra el ciclo.
La música en la Logia esta representada por la Columna de Armonía que es el
conjunto instrumental o reproductor musical destinado ala ejecución de la
música masónica en el curso de las ceremonias rituales.
En las logias, hasta que en el siglo XVIII empezaron a introducirse instrumentos
de cuerda, trompetas y tambores, sólo se empleaban voces. La designación de
«Columna de Armonía» aparece a finales del reinado de Luis XV para referirse
al conjunto de instrumentos que sonaban en las ceremonias, que contaba con
un máximo de siete instrumentistas: 2 clarinetes, 2 cuernos, 2 fagots y 1
tambor. Luego, la competencia entre las logias por contar con los más virtuosos
instrumentistas originó que se admitiesen en las mismas músicos, que exentos
de cotización alguna prestaban estos servicios (aunque sólo podían aspirar al
grado de Maestro), y componían obras para las diferentes ceremonias
masónicas (tenidas, banquetes, fúnebres, iniciaciones, etc.); estos hermanos
artistas tenían el mismo derecho al voto que el resto de los hermanos y en las
grandes ceremonias, celebraciones y banquetes estaban obligados a contribuir
con su arte.
10

11. La Columna de Armonía tiene como misión aportar un complemento al ritual,
por lo tanto es una música funcional, cuyo valor no depende en primer lugar de
su valor intrínseco, sino de su adecuación al destino que se le asigna.
Quizá la más alta representación de la música masónica corresponda a W. A.
Mozart, fue iniciado como aprendiz masón el 14 de diciembre de 1784 en la
logia La Esperanza Coronada y con este motivo se interpretó en la logia su
cantata «A ti alma del Universo, OH Sol» (K. 429) en la que el aria del tenor es
un himno al sol y a la luz; cantata doblemente adaptada a la celebración de la
gran fiesta masónica de San Juan del verano (más conocida como del solsticio
de verano) y punto culminante del año masónico; y que encaja igualmente en la
ceremonia de iniciación del primer grado masónico, cuando el aprendiz,
después de haber sufrido las pruebas simbólicas, recibe la luz.
Agradecido y apasionado por su Logia, compuso para ella los más notables
cantos, en los que no se limitó a expresar de una manera sencilla y bella el
sentido de las palabras, sino que dio a las notas todo el calor de su fantasía,
todas las nobles y levantadas aspiraciones de un alma conmovida por lo bueno
y lo bello y ardiendo de amor por la humanidad. Con motivo de la ceremonia
del paso de su padre al grado de compañero, puso música a un poema de
Joseph Von Ratschky, «El viaje del compañero» (K 468) para canto y
acompañamiento de piano.
Unos meses antes de acceder al tercer grado de la masonería, asistió el 11 de
febrero de 1785, en la logia vienesa «La verdadera concordia», a la iniciación
masónica de su amigo Joseph Haydn en el grado de aprendiz, y a quien
Mozart, con este motivo, dedicó los «Seis cuartetos de cuerda».
Poco antes de la doble investidura que Mozart y su padre recibieron el 2 de
abril de 1785 como maestros masones en la logia vienesa «La esperanza
coronada», compuso para esta logia dos de sus más importantes
composiciones masónicas: «La alegría masónica, (K 471) y la «Música fúnebre
masónica» (K 477).
En 1786, con motivo de una reorganización de las logias vienesas ordenada
por el emperador José II, Mozart compuso para su logia «La nueva esperanza
coronada» dos cantatas masónicas: «Para la apertura de la logia» (K 483) y
«Para la clausura de la logia» (K 484).
Nos encontramos todavía con tres obras de Mozart ligadas a la masonería, y
en las que descubrimos a Mozart comprometido con la libertad y con los
ideales de la Revolución Francesa, especialmente en «Vosotros los que
honráis al Creador del Universo infinito» (K 619), que es un mensaje dirigido a
la juventud alemana en el momento en que componía la ópera de la fraternidad
universal. Las otras dos composiciones estrictamente masónicas a las que
Mozart puso música fueron una pequeña cantata masónica, «Elogio de la
amistad» (K 623), fechada en Viena el 15 de noviembre de 179), y «Enlacemos
nuestras manos» (K 623a) y que se canta constituyendo la cadena de unión.
Su obra póstuma, su canto de cisne, fue la que tituló «Pequeña Cantata
Masónica», cuya audición dio en una tenida de su logia, dirigiendo él mismo la
audición, dos días antes de sentirse atacado por la enfermedad misteriosa que
le condujo al sepulcro.
Resulta emocionante ver a Mozart en el umbral de la muerte, olvidándose de sí
y de su angustia física, cantando la fraternidad unida en el trabajo, y la
presencia de la luz en el ímpetu y en el calor de la esperanza. Tres semanas
más tarde, fallecía.
11

12. LA INFLUENCIA DE LA MÚSICA EN EL DESARROLLO INFANTIL
La música tiene una importancia vital en el desarrollo de la personalidad.
Es más: una buena y adecuada educación musical potencia las facultades
innatas del ser humano; especialmente, las cerebrales. Música que
debería ponérsele incluso al feto mientras está en el interior de la madre.
La de Vivaldi y, muy especialmente, la de Mozart, son los más adecuadas.
"La música es el sonido de la tierra y del cielo, de las mareas y de las
tempestades; es el eco del tren en la distancia, las reverberaciones de los
martillazos del carpintero en acción. Desde el primer grito de vida hasta el
último suspiro de la muerte, desde los latidos del corazón hasta los vertiginosos
vuelos de la imaginación, estamos envueltos en el sonido y vibración en todo
momento de nuestra vida. Es el aliento primordial de la creación, la voz de los
ángeles y átomos; es, en último término, la materia de la que están hechos la
vida y los sueños, las almas y las estrellas".
Don Campbell
UN PLANETA PRIVILEGIADO
Dicen los expertos que vivimos en un planeta privilegiado, un lugar nacido por y
para la música. Según parece, las condiciones ambientales y la presencia de
agua en nuestra atmósfera y sobre todo en la superficie producen un fenómeno
de sonoridad difícilmente repetible.
Si rastreamos en el tiempo el origen de la música encontraremos que todas las
culturas y civilizaciones han utilizado el poder del sonido y de la música, a
veces como elemento mágico, religioso o curativo. De hecho, las primeras
referencias se remontan a los más antiguos textos de la tradición hindú.
Johannes Keppler, el astrónomo del siglo XVII que descubrió las leyes del
movimiento planetario, creía que cada planeta estaba vivo y emitía sonidos
mientras se desplazaba en su órbita alrededor del Sol. Apoyándose en escritos
de Platón y Aristóteles descubrió la música de las esferas.
Siglos más tarde, dos profesores de la Universidad de Yale, Willie Rull -
profesor de Música- y John Rodgers -profesor de Geología- aplicaron las
leyes y anotaciones de Keppler al movimiento de los planetas tal como se
proyectaría durante un periodo de 100 años a partir del 31 de Diciembre de
1976. Introdujeron entonces la información en un ordenador conectado a un
sintetizador musical y el resultado fue una grabación de media hora en la que
cada planeta de nuestro Sistema Solar generaba una vibración sonora única. E
igualmente comprobaron que, al mezclarse todas, producían una melodía
armónica inigualable. Resultó que cada planeta emitía una nota diferente pero
que armonizaba con las del resto formando acordes en oleadas, sonidos
profundos y prolongados.
EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LA MÚSICA
La música es considerada hoy día el lenguaje más universal. De hecho, el ritmo
y la música han formado parte de la vida del ser humano desde su origen. Aún
más, tenemos muchas más capacidades musicales de las que imaginamos; al
punto de que podríamos decir que toda persona es musical como también lo es
12

13. el mundo que le rodea.
Sabemos que la música es un lenguaje que supera todas las fronteras, edad,
sexo, raza, religión y nacionalidad. Es algo que no diferencia entre niveles
económicos, clases sociales o formación académica. Es más, de la música
participan no sólo los seres humanos sino también el resto de la Naturaleza: los
pájaros hacen música, las ballenas y delfines se cantan serenatas y son
muchas las especies que se comunican a través de ella.
En los últimos tiempos, con la llegada de la era espacial, la música de las
esferas que Keppler intuía se ha hecho realidad. Como ejemplo baste decir que
la nave espacial Voyager llevaba a bordo un disco grabado con noventa
minutos de música en una selección de piezas de Bach y Beethoven así como
rock, jazz y música folklórica de varios países para disfrute y solaz de cualquier
civilización extraterrestre que pudiera escucharla. Además, en los últimos
cincuenta años la música se ha convertido en el idioma común del mundo
moderno.
CUANDO LA MÚSICA NACE CON NOSOTROS
"El alimento vocal que da la madre a su hijo es tan importante para su
desarrollo como su leche".
(Alfred Tomatis)
Durante mucho tiempo se pensó que el feto no podía oír sonidos durante su
permanencia en el útero materno. Sin embargo, en 1962 el doctor Lee Salk
demostró que el feto "oye" los latidos del corazón de su madre. En cualquier
caso, los estudios más completos corresponden al médico francés Alfred
Tomatis, quien dedicó buena parte de su vida a estudiar de forma científica el
mundo embrionario.
A pesar de las burlas de sus colegas, que intentaron desautorizarle, continuó
con sus experimentos y descubrió que, en contra de lo que se creía hasta
entonces, el oído comienza su desarrollo en la décima semana de gestación y
que a los cuatro meses y medio es un órgano que funciona perfectamente.
Su interés le llevó a apoyarse en los trabajos de V. E. Negus, un estudioso
británico que demostró en muchos casos que los pajaritos que habían sido
empollados por otros pájaros que no eran sus padres biológicos no cantaban ni
imitaban los sonidos de los pájaros adultos. El doctor Tomatis se preguntó
entonces si problemas como el autismo, los trastornos del habla o los
desórdenes emocionales podían ser debidos a una dificultad de comunicación
entre la madre y el feto o a un suceso traumático acaecido durante su vida
uterina.
Según parece, el feto está sumergido en un universo de sonidos que le llegan a
través del cuerpo de su madre: los latidos acompasados del ritmo cardiaco, la
respiración, los sonidos de los movimientos intestinales, los pasos... pero sobre
todo la voz de su madre, algo que representa un alimento imprescindible para
el desarrollo del feto y más tarde del bebé.
Una amplia gama de sonidos llegan hasta él amortiguados por producirse en
un medio acuático, sonidos de baja frecuencia que le proporcionan
sensaciones de seguridad; sonidos que él identifica con el bienestar que está
disfrutando, con una temperatura constante, con el alimento que recibe a través
del cuerpo de su madre, con la penumbra en la que vive y con un montón de
sensaciones gratificantes sumergido como está en un baño de endorfinas (la
13

14. que se ha dado en llamar hormona de la felicidad).
Es un hecho comprobado que después del nacimiento el bebé se relaja cuando
escucha la voz de su madre, cuando ésta de modo instintivo le arrulla y le
acuna en sus brazos para colocarle la cabeza contra su pecho y éste comienza
a oír el ritmo familiar del corazón que le acompañó casi desde el comienzo de
su vida. También las canciones de cuna, las nanas, los susurros de la madre le
proporcionarán un ambiente familiar donde se sentirá seguro y protegido. El
ritmo y la música forman, pues, parte de su vida como uno de los estímulos
más primarios de su consciencia.
Acostumbrado a trabajar con discapacitados, el doctor Tomatis creó también un
método llamado Renacimiento Sónico que consistía en reproducir sonidos
similares a los que escuchaba el feto durante su gestación. Para ello realizó
grabaciones de la voz de la madre y la desfiguró usando filtros para simular
cómo la oiría el feto dentro del líquido amniótico... El resultado fue una serie de
sonidos suaves, ecos lejanos, rumores que parecían surgir de la naturaleza,
fluidos y sonidos que trasladaban a quien los oía a un mundo de ensueño. Y es
que mediante estas grabaciones lograba recrear en los pacientes el ambiente
intrauterino que habían disfrutado antes de su nacimiento.
Actualmente esta terapia se está utilizando con buenos resultados en niños
autistas o con problemas de parálisis cerebral así como en otros que no tienen
problemas físicos para oír pero sin embargo son incapaces de hablar. Mediante
diferentes sesiones se va consiguiendo que el niño participe de experiencias
similares a las que vivió durante su permanencia en el vientre materno.
Después, en sucesivas semanas, se van eliminando los sonidos acuáticos
sustituyéndolos por los aéreos del mundo exterior. Con ello se intenta despertar
en los niños afectados por esos problemas el deseo de salir de sí mismos y de
comunicarse con el entorno.
LA IMPORTANCIA DE COMUNICARSE CON EL BEBÉ QUE VA A NACER
Los ginecólogos, pediatras y neonatólogos aconsejan que tanto el padre como
la madre se comuniquen con el feto, hablen con él, le lean cuentos, le cuenten
sus planes para cuando nazca, le canten y pongan música agradable en el
ambiente para que la escuche... incluso alguna dirigida y dedicada
expresamente a él. Todas esas cosas favorecen lo que se conoce como
"localización auditiva" que es la capacidad que tiene el bebé para distinguir los
sonidos una vez que ha nacido.
De hecho, muchos niños de edades tempranas recuerdan y reconocen
canciones, piezas de música clásica, nanas o melodías que escucharon
mientras estaban en el útero materno.
Asimismo, son aconsejables las lecturas de cuentos clásicos, sin imágenes que
infundan miedo; por ejemplo, de El Principito.
Otra práctica interesante es inventar canciones con letras cariñosas y repetirlas
a menudo. Una vez que el bebé haya nacido, cuando escuche esas palabras o
esas melodías que su inconsciente tiene registradas las reconocerá y le
producirán los mismos efectos placenteros: tranquilidad y confianza. Además,
desarrollarán su capacidad de escucha y favorecerán su desarrollo neuronal.
Experimentos realizados en 1993 y publicados por la prestigiosa revista
Science daban pruebas fehacientes de ello: en la Universidad de Greensboro,
en Carolina del Norte, los doctores Tony DeCasper y Melanie Spence hicieron
que un grupo de embarazadas en sus tres últimos meses de gestación leyeran
14

15. en voz alta un cuento clásico. Luego, poco después del nacimiento, se hicieron
pruebas que demostraban que los bebés reconocían determinadas frases o
pasajes pues "respondían" ante la lectura de ese cuento y no ante la de otros
textos.
La Psicobiología admite que las emociones intensas que vive la madre, sean
de la índole que sean, generan cambios hormonales e impulsos neurológicos
que afectan al feto. Estos "nuevos" planteamientos eran ya, sin embargo,
defendidos por culturas tan tradicionales como la japonesa. En ese sentido, la
educación embrionaria o tai-kyo defendía la preparación de toda la familia para
recibir al recién nacido no sólo durante el parto sino también durante la
gestación. Y es que asumían que el feto era capaz de captar todo lo que le
sucedía no ya a la madre sino a toda la familia: padre, hermanos, abuelos¼
Así, las voces, las emociones, los sentimientos, los pensamientos de todos
ellos eran objeto de atención a fin de evitar aquellos que pudieran provocar
desarmonía o cualquier perturbación en el feto y procuraban favorecer la
armonía, la paz y el amor en el seno familiar.
¿QUÉ MÚSICA ES MÁS BENEFICIOSA?
Con el desarrollo tecnológico se ha podido comprobar lo que los investigadores
de la primera mitad del siglo apenas intuían. Así, hoy sabemos que los fetos
muestran claras preferencias por la música de Mozart y Vivaldi. Ante esta
música se estabiliza su ritmo respiratorio, se relajan, dejan de patalear y tienen
sensaciones placenteras. Mientras que la música tipo rock duro les causa
alteraciones que muestran como pataleo, inquietud, movimientos bruscos, etc.
La utilización de técnicas de Musicoterapia durante el embarazo, parto y primer
año de vida están pues dirigidas a prevenir alteraciones emocionales y de
conducta posteriores y a mejorar la comunicación entre la madre y el niño.
Y aunque un grupo de investigadores norteamericanos ha afirmado hace tan
sólo unas semanas que el estudio que han llevado a cabo sobre la música de
Mozart no ha dado los resultados que se suponía debía tener, lo cierto es que
el mismo ha sido criticado abiertamente por los expertos. Son muchos los que
entienden que ese fue el resultado porque es lo que buscaban quienes hicieron
el estudio. No hubo objetividad ni ecuanimidad en el mismo.
LA ESPECIAL MÚSICA DE MOZART
A lo largo de más de cincuenta años de investigación el Dr. Tomatis comenzó a
incorporar en sus sesiones música de Mozart. "Mozart -afirma- es muy buena
'madre'. He probado todo tipo de música pero las propiedades que he
encontrado en la de Mozart, sobre todo en los conciertos de violín, generan el
mayor efecto curativo en el cuerpo humano".
Son notables los resultados obtenidos en niños prematuros, hasta el punto de
que en algunas unidades de neonatos el personal médico pone música de
Mozart o nanas. A pesar de su escaso peso, los bebés muestran signos de
mayor actividad, son capaces de sonreír y su respiración y ritmo cardiaco se
estabilizan llegando a reducir en una media de cinco días su estancia en el
hospital. Sin embargo, lo más curioso es que estos efectos se multiplican
cuando la música es filtrada para simular los sonidos intrauterinos.
En los últimos tiempos se ha publicado gran número de noticias sobre distintos
experimentos realizados en universidades norteamericanas sobre los efectos
de la música como potenciador de determinadas áreas cerebrales y, como
15

16. consecuencia de ello, de un mayor cociente intelectual. Son conocidos en ese
sentido, por ejemplo, los estudios realizados en el Centro de Neurobiología,
Aprendizaje y Memoria de Irvine, en la Universidad de California, donde un
equipo de investigadores comprobó los efectos de la música de Mozart sobre
los estudiantes cuando les sometieron a distintas pruebas de inteligencia
(razonamiento, inteligencia espacial, etc.). Los resultados apuntaban a una
mejor organización neuronal de la corteza cerebral potenciando las facultades
de creatividad y el razonamiento espacio-temporal del hemisferio derecho.
Desgraciadamente, el efecto de mayor inteligencia no duraba mucho -algo más
de 15 minutos- cuando terminaban las audiciones musicales.
En cuanto a experimentos realizados a preescolares los resultados fueron aún
más espectaculares. Las capacidades despertadas por los niños que fueron
estimulados con música de Mozart y Beethoven se mantuvieron durante todo
un día. Se logró una mayor respuesta psicomotriz, una ampliación de su
capacidad para realizar tareas espaciales y una mayor atención y rendimiento
en cualquier actividad. Algo que no sucedió con los otros dos grupos de control
que se habían establecido: uno de ellos fue estimulado con clases de
informática y otro con la dinámica habitual de la escuela.
Estos estudios han llevado a los investigadores a apuntar que la música de
Mozart puede tener efectos especiales y más duraderos que no suceden con
otros autores. Esa música parece imbricarse en los canales neuronales y calma
el ánimo, mejora la percepción espacial, favorece la expresión oral, ayuda a
comunicar la mente y el corazón (razón y emoción), estimula la capacidad
creativa y activa la motivación.
MÚSICA ESPIRITUAL:
Según el músico Don Campbell, "tal vez el secreto de la grandeza de la
música de Mozart está en que todos sus sonidos son muy puros y simples.
Mozart no teje un deslumbrante tapiz como el gran genio matemático Bach.
Tampoco levanta una marejada de emociones como el torturado Beethoven.
Su obra no tiene la desnuda llaneza del canto gregoriano, una oración tibetana
o un himno evangelista. No calma el cuerpo como un buen músico folk ni lo
incita a moverse frenético como una estrella del rock. Es al mismo tiempo
misteriosa y accesible y, por encima de todo, es transparente, sin artificio. Su
ingenio, encanto y simplicidad nos permite acceder a nuestra sabiduría interior
más profunda".
Probablemente, para entender el por qué de la fuerza de la música de Mozart
tendríamos que remontarnos a su concepción. Desde el principio estuvo
inmerso en un ambiente musical. Su padre era violinista y su madre hija de
músico por lo que ambos tuvieron un papel fundamental en la vida del genio. Y
no cabe duda de que las notas emitidas por el violín de su padre debieron
favorecer su desarrollo neurológico mientras la estimulación de su madre
durante el embarazo con serenatas y canciones conformaron un buen caldo de
cultivo para que desde muy temprana edad -intérprete excepcional desde los
cuatro años, compuso su primera obra a los seis- se desarrollaran sus
increíbles facultades creativas. Dicen sus biógrafos que era capaz de "oír" una
sinfonía antes de transcribirla al papel y que imaginaba una mientras escribía
otra. Además, mantuvo durante toda su vida un carácter infantil e ingenuo que
nos lleva a pensar en la existencia de una conexión directa entre inocencia y
creatividad.
16

17. Es más, probablemente esa faceta tan marcada de su personalidad sea la
clave para entender el efecto que su música ejerce sobre los seres humanos
en general y los niños en particular. Al fin y al cabo, los niños "saben" mejor
que nadie qué tipo de música es la más adecuada a su desarrollo integral y
Mozart parecía ser ese niño grande que gustaba de crear una música que
sintonizara con la más profunda manifestación de su alma infantil.
LA MÚSICA EN EL DESARROLLO INFANTIL
La iniciación musical empieza en la propia casa del niño. Los padres pueden
introducirle en los placeres del ritmo y los sonidos. A los bebés y niños en sus
primeros pasos les gusta mucho bailar y dar palmas. Los bebés se serenan si
se les canta o si le tararea canciones con suavidad.
Tengamos o no sentido musical, parece ser que hay en nosotros una especie
de instinto que encaja con la propia capacidad del bebé para responder a los
sonidos y a los movimientos. Es divertido investigar qué clase de música le
gustan a tu hijo. Escoge un momento en el que esté despierto, atento y
mirándote admirado. Selecciona distintos tipos de música, desde clásica hasta
rock, y observa sus reacciones. Al niño le agradará seguramente la música
suave y fluida con una melodía definida; sin embargo, a medida que se haga
mayor, seguramente preferirá canciones con altibajos, con un buen ritmo, bien
marcado. Te darás cuenta de que los diversos tipos de música le atraerán en
épocas diferentes.
En cuanto tu hijo sea capaz de fijarse y concentrarse en tu cara durante algo
más que unos pocos segundos, a partir de las seis a siete semanas, atrae su
atención entonándole canciones y ritmos; haz también la mímica. A los bebés y
a los niños que comienzan a caminar, hasta que tienen edad de ir al colegio,
les encanta. Prueba con las que te son familiares de tu infancia. A medida que
tu bebé crezca intentará cantar contigo. Se mostrará emocionado cuando repita
una o dos palabras y dé palmadas con sus manitos o se ponga de puntillas.
La educación musical temprana para el buen desarrollo del bebé
Deja que tu hijo note que puede formar parte de la música. Cuando le cantes o
él cante contigo, dale palmadas en las manos y enséñale cómo puede él
también dar palmas. No esperes que lo haga sin ayuda hasta que no haya
cumplido un año; e incluso entonces, pasará algún tiempo antes de que
17

18. consiga un sonido de palmas propiamente dicho. No importa. Al animarle, a
que se una a ti, le estás ayudando a comprender que la música es una fuente
de diversión
La educación musical temprana, es decir, en niños de 2 a 5 años, tiene como
objetivo el descubrimiento y desarrollo de las capacidades expresivas,
musicales, y psicomotoras del niño, que permitan posteriormente la elección de
un instrumento, según sus preferencias y aptitudes. La música para ellos debe
ser tratada como un juego de sonidos y expresiones corporales, a través de los
movimientos, la sensibilización motriz, visual y auditiva, y el contacto con las
fuentes musicales. De una forma general, se trabaja con:
- El desarrollo de la voz, su lenguaje y canto.
- El contacto con las fuentes sonoras a través de materiales diversos, objetos e
instrumentos.
- El reconocimiento y la representación cuanto a la duración, intensidad, altura,
timbre, etc., del sonido.
- El desarrollo de la percepción auditiva y del pensamiento musical.
- La utilización del movimiento como medio de expresión y sensibilización
motriz, visual y auditiva, para conocer el propio cuerpo, desarrollar el sentido
rítmico y fomentar las relaciones sociales.
La música está siendo introducida en la educación de los niños en edades
preescolares, debido a la importancia que representa en su desarrollo
intelectual, auditivo, sensorial, del habla, y motriz.
La música es un elemento fundamental en esta primera etapa del sistema
educativo. El niño empieza a expresarse de otra manera y es capaz de
integrarse activamente en la sociedad, porque la música le ayuda a lograr
autonomía en sus actividades habituales, asumir el cuidado de sí mismo y del
entorno, y a ampliar su mundo de relaciones. La música tiene el don de acercar
a las personas. El niño que vive en contacto con la música aprende a convivir
de mejor manera con otros niños, estableciendo una comunicación mas
harmoniosa. A esta edad la música les encanta. Les da seguridad emocional,
confianza, porque se sienten comprendidos al compartir canciones, e inseridos
en un clima de ayuda, colaboración y respeto mutuo.
18

19. Los beneficios de la música en los niños
La etapa de la alfabetización del niño se ve mas estimulada con la música. A
través de las canciones infantiles, en las que las sílabas son rimadas y
repetitivas, y acompañadas de gestos que se hacen al cantar, el niño mejora su
forma de hablar y de entender el significado de cada palabra. Y así, se
alfabetizará de una forma más rápida.
La música también es beneficiosa para el niño cuanto al poder de
concentración, además de mejorar su capacidad de aprendizaje en
matemática. La música es pura matemática. Además, facilita a los niños el
aprendizaje de otros idiomas, potenciando su memoria.
Con la música, la expresión corporal del niño se ve mas estimulada. Utilizan
nuevos recursos al adaptar su movimiento corporal a los ritmos de diferentes
obras, contribuyendo de esta forma a la potenciación del control rítmico de su
cuerpo. A través de la música, el niño puede mejorar su coordinación y
combinar una serie de conductas. Túmbale boca arriba y muéveselos para que
pueda bailar mientras que tú le cantas. Le puedes cargar y abrazar en tu
regazo entonando otros ritmos infantiles.
Primer año y segundo año de educación básica
Investigaciones indican que la música continúa teniendo una influencia
maravillosa en el desarrollo de lenguaje del preescolar, así como sus
habilidades motoras, de memoria y oído. Sally Rogers, profesor asistente de
psiquiatría en el Health Sciences Center de la Universidad de Colorado,
considera que dar a un preescolar la oportunidad de experimentar una amplia
variedad de actividades musicales puede mejorar su aprendizaje del lenguaje.
Conforme un niño aprende a aplaudir al ritmo de la música, o usa triángulos,
bloques y palitos para llevar los ritmos, o marcha de acuerdo a distintas
cadencias, se desarrolla su coordinación física, sincronización y pensamiento,
según la Dra. Carla Hannaford, autora de Smart Moves. "El movimiento es
parte indispensable del aprendizaje y el pensamiento", afirma Asi mismo,
adquiere habilidades para memorizar conforme aprende a cantar con variedad
de canciones con diferentes ritmos y armonías en una multitud de canciones y
varias piezas musicales.
La educación musical a temprana edad ofrece una forma agradable y efectiva
de preparar a un niño para el aprendizaje de las tareas escolares.
Experiencia musical
1.- Proporcionar todo tipo de instrumentos de ritmo que se los puede realizar
en clase y comprarlos, ya que estos tendrán mejor calidad.
2.- Es importante que en las reuniones con los padres de familia se haga
énfasis de la importancia que tiene la música. A todo padre le gusta la idea de
que su hijo desarrolle su intelecto, esto motivará a los padres para que brinden
19

20. a sus hijos experiencias con la música, al asistir a conciertos y otras
actividades culturales.
3.- Tener a disposición en la clase objetos como bufandas, tules de colores
serpentinas, plumas, etc. Para realizar expresión corporal con estos elementos,
ya que tienen mucho movimiento y color.
4.- Leerles historietas de grandes compositores y de instrumentos de
orquestas.
5.- Hacerles escuchar grabaciones de música mientras están haciendo una
tarea, especialmente marchas infantiles. Es necesario que el profesor o la
institución coleccione varias obras que son enfocadas al grupo infantil, ya sea
repertorio clásico, folklore, rondas, cuentos etc.
6.- Ya se ha dicho la importancia de la música en la vida del ser humano, pero
hay otros elementos que también colaboran al desarrollo. El aspecto visual es
tan importante como el auditivo. Por esta razón la música al fusionarla con
otras enseñanzas artísticas en el niño le hará elevar su potencial aún más.
El dibujo, la pintura, la literatura infantil, la danza les da libertad a expresarse
con un sentido más creativo y aprender a descubrir la belleza de su entorno, ya
que vivimos en un mundo bombardeado de imágenes y sonidos por esto es
necesario darle las pautas para asimilar el lado estético y sutil de estas. Esto
ellos lo asimilan desde pequeños y queda gravado para el resto de su vida.
7.- Los niños a esta edad siente la necesidad de crear, por la razón de tener
en su realidad ese mundo irreal que lo ven en sus mentes. Incentivarles a que
expresen los ritmos que quiera, los sonidos que sientan que salen de su alma.
Además que ayudará al profesor a descubrir más al alumno al ver que es lo
que quiere expresar.
Así de esta forma alternando colores con sonido aprender a poner colores a los
sonidos; texturas al timbre que produce el sonido, porque van a percibir el arte
como un todo.
El trabajo manual, es la forma en que ellos aprenden a realizar los primeros
signos musicales, como la clave en el pentagrama, las figuras musicales,
silencios. Hacer la manualidad ya es un recuerdo que lo tendrá en su hogar, lo
cuidará porque el lo hizo o se lo obsequió a un familiar o amigo. Esta
experiencia múltiple le hará apreciar la tarea de que tiene que aprender códigos
de la música para entenderla y que la clase de música no es solo cantar y
cantar sino crear.
Relajación para los niños
Vale la pena resaltar en este capítulo que los niños se estresan se sienten
agobiados por problemas en sus hogares.
20

21. Para los niños es ideal practicar la meditación por medio de visualizaciones, la
práctica de esto ayuda a la memoria y concentración y en su rendimiento
mental en general.
La técnica no es muy difícil, hay que hacer cerrar los ojos a los niños. La
visualización se puede hacer con imágenes mentales en base de colores o
situaciones agradables para los niños, todo el proceso de la meditación la
dirige el profesor.
La esencia de la meditación es tener en estado consiente situaciones,
imágenes y utilizar los sentidos de una manera imaginaria, las imágenes
siempre van a ser positivas para el comportamiento del niño.
Visualización con colores:
Color amarillo.- Visualizar imágenes amarillas, nos da alegría, dinamismo,
calidez, por ser el color del sol nuestra mente la asocia con luz, inspiración, por
lo tanto aporta para el desarrollo mental en forma directa.
Color azul.- ES el color del cielo, el aire y la iluminación de los mares, ríos.
Es un color tranquilo, da a la mente reposo pero a la vez imaginación,
creatividad. Lleva a la mente a estados de ensueño, por esta razón toda
meditación con colores no debe ser exagerada, siempre estamos necesitando
de la fuerza de varios colores pero con control.
Color rojo.- El rojo es el color del fuego y la sangre, es símbolo de esfuerzo y
actividad, simboliza coraje, heroísmo y elevación.
Podemos utilizar los colores derivados del rojo para hacer más calmado al
dolor, como ejemplo tenemos las gamas de rosados, fucsias, naranjas suaves
y pasteles.
El rojo en exageración incita a la violencia por esta razón es bueno visualizar
objetos con todas las gamas como rosas, atardeceres con estos colores etc.
Colores secundarios.-
Color verde.- Color de la naturaleza, color positivo, absorbe energía solar,
simboliza progresos en la vida, crecimiento y fe.
Color morado.- Expresa espiritualidad y bondad, es el color que manifiesta más
propiedades creativas.
Color naranja.- Este color da un impulso al visualizarlo, por su mezcla de
colores, expresa amor e iluminación.
¿Cómo actúa el concepto " sonido" en el color?
21

22. Se han realizado experiencias, que pueden aparentar ser subjetivas, en las que
se asignaron colores a los sonidos. Es en verdad, un idea muy notable y
curiosa, aunque insuficientemente documentada para poder establecer una
exacta correspondencia entre el elemento visual y el auditivo.
Los mismos instrumentos de la orquesta son como la paleta del músico; los
timbres instrumentales son sus matices, así como la armonía es su forma y las
masas sonoras sus volúmenes, y ya sabemos cuál es el poder expresivo de lo
melódico, las inflexiones lineales del sonido.
El hecho, tan frecuente, de que con las mismas palabras se designen
sensaciones sonoras y coloreadas, ya parece prueba suficiente de la verdad de
tan estrecha relación sensorial.
Segundo año a cuarto año de educación básica
Cuando los niños entran en preescolar, empiezan la tarea inicial de aprender a
leer. Antes y durante la etapa preescolar, su exposición a la música puede
ayudar y facilitar esta tarea.
Conforme los niños memorizan tonadas melodiosas de rimas infantiles, usan
instrumentos de ritmos y tocan juegos musicales, aprenden los patrones que
formulan los sonidos el ritmo y la combinación de sílabas que forman las
palabras.
Esta asociación de ritmos con rimas va creando al cerebro la facilidad de
decodificar los signos del lenguaje y el modo de emplearlos.
"Un niño que absorbe una y otra vez, a través del oído, no la vista, las partes
comunes de una palabra así como la melodía de su lenguaje estadísticamente
está destinado a aprender a la leer con mayor facilidad"
Factores claves del aprendizaje en esta etapa
Emplear canciones con ritmos fuertes
Leer poesía con ritmos y rima musical definida
Escuchar la combinación de sonidos y sílabas
Poner como meta de la semana memorizar una poesía con ritmos y melodías .
La música junto con la rima y el lenguaje son los elementos principales en esta
etapa de aprendizaje
El Dr. Hannaford considera que la forma natural de que los niños aprendan al
empezar en la escuela es a través de "la imagen, emoción y el movimiento
espontáneo" que se encuentran en estas sencillas actividades musicales.
22

23. Estas actividades tendrán una influencia importante en la actitud del niño hacia
la música sobre todo a valorar la buena música, en especial la clásica.
Llevar a los niños a actividades culturales, conciertos, teatro, etc. Ver y
escuchar en forma directa para los niños es importante ya que en esta etapa
necesitan imitar y tanto el padre como el maestro debe darle motivarle hacia
ejemplos positivos para mejorar el aprendizaje y la percepción de entorno en
forma artística.
Las clases audiovisuales ayudan al maestro a variar las clases, siempre se
debe buscar la diversidad para enseñar.
Motivarlos con películas de compositores o videos de orquestas infantiles, etc.
El hecho que el niño vea a otro involucrado en el arte y la música le da
seguridad a este a seguir por un aprendizaje hermoso y que le brinda
vivencias, porque aprenderá de cada paso.
Organizar espectáculos cada mes con toda la seriedad de una gran obra, en
esto el niño debe estar involucrado, el profesor debe evaluar al niño dentro de
su capacidad para determinado papel.
Los espectáculos pueden ser formando pequeños coros junto a una orquesta,
se puede involucrar el teatro con títeres y hasta malabares, los niños siempre
están dispuestos a hacer algo diferente en clase y si informamos y enseñamos
de esta forma verá a la música como su alegría en su vida.
Cada niño puede involucrarse en diferentes actividades, si rinde en el coro y en
los títeres, es bueno que experimente su potencial en todo lo que se pueda
desarrollar para la creación de estos eventos en la escuela.
Es muy importante felicitar a los niños en cada esfuerzo para que sigan
predispuestos a todo en la clase de música.
Quinto año a séptimo de educación básica
Las forma de desarrollar en esta etapa no varían mucho, lo importante ya es
pensar que los niños se deben involucrar y tener pensamiento en grupo,
coordinar sus ideas con otras, desenvolverse ante otras opciones y forma de
comportamiento del compañero.
En la edad de 9 años a 11 los niños o preadolescentes son muy variables y
evolutivos el interés por la opinión de su pandilla es muy notorio, entonces de
estos intereses nos vamos a valer para llegar a ellos con la música, que la
asimilen como parte de su desarrollo en grupo, como personas con opinión en
esta etapa de transición en la que sino se controla se pueden llegar a tener
problemas. Con la música el preadolescente sentirá que su evolución para
llegar a ser adulta no es tan complicada y que apreciar y hacer música con
diversión va a ser su tarea más cómoda y divertida.
23

24. Hacer crear a los chicos darles responsabilidades en ciertas actividades en la
clase de música los hará personas con un criterio extenso.
El encuentro con la música los tendrá en movimiento, ya que su
comportamiento es muy inquieto y encuentra muy difícil no hacer nada.
Los preadolescentes son muy fantasiosos se dejan llevar por las ilusiones, que
les ayudan a enfrentarse con sentimientos nuevos o difíciles de expresar. La
formación del pensamiento creativo en esta etapa debe ser explotado al
máximo para que ellos se descubran como personas talentosas capaces de
innovar y crear.
Actividades en la clase de música
El canon, es una forma musical de origen religioso, se repite indefinidamente y
las voces van entrando sucesivamente y siempre es a una voz.
Usar el canon va a despertar el interés hacia el canto en todos los chicos.
Quizá unos niños tenga más aptitud hacia el canto y otros no mucho, lo
importante es que cada niño se expresa por medio del canto, que utilice su
cuerpo para expresar, su instrumento vocal.
Cuando el chico ya decodifica los signos musicales comprenderá mejor la
música, él debe comprender que la música no es solo cantar sino crear,
interpretar y conocer las técnicas adecuadas para determinada actividad
musical.
El chico debe ya sentir el pulso, el ritmo, los acentos, las frases, es decir el
dialogo que comprende una pieza musical por más sencilla que ésta sea.
Los ejercicios vocales y de respiración ayudan a controlar su pensamiento en
general, y QUE SE DAN CUENTA DE QUE PUEDEN DIRIGIR SU
RESPIRACIÓN.
El uso del silencio, ejercicios en que el niño se queda en silencio para apreciar
los sonidos escondidos en la bulla, en la atmósfera ruidosa de una urbe. La
actividad en sí les enseñará a escuchar, si aprecian diferentes sonidos y ruidos,
los diferencian y clasifican, será más fácil apreciar la belleza musical de cada
sonido y silencio en el repertorio clásico, folklórico etc.
Llevar en el grado una musicoteca es una buena idea para que los chicos se
motiven a tener música y que luego ellos en sus casas tengan su musicoteca y
que lleguen a tener un perfil crítico de buena música.
La música proporciona un a experiencia de aprendizaje con significado a lo
largo de la vida, ayuda a los niños a ser más perceptivos al mundo y a las
personas que les rodea, tendrá u a influencia profunda en lo que el decida
hacer, así no sea dedicarse a ésta.
24

25. La filosofía de Dalcroze, en la que el cuerpo es el medio de expresión y se lo
entrena como un instrumento, se requiere atención, concentración y memoria .
Cuando un niño escucha música, mueve su cuerpo en sincronización con los
ritmos. Fusionando los sentidos de la vista, olfato, sentido y el movimiento con
la música, disfruta una experiencia musical absoluta.
Desarrollar el pensamiento creativo, la imaginación y la inventiva
Nada se compara con la mete humana cuando se trata de pensar, crear,
imaginar y soñar e inventar, conforme crecemos nuestros sueños se van
definiendo cada vez mejor y están mejor planeados. Fue la imaginación la que
mostró al joven Albert Einstein cómo medir la distancia que un objeto recorre
en el espacio a la velocidad de la luz. El mundo de la luz la energía y las
comunicaciones constituía los pensamientos inventivos de Thomas Edison.
Thomas Jefferson siguió sus propios pensamientos creativos e innovadores
cuando escribió la constitución de los Estados unidos (como coincidencia los
tres fueron músicos). Era la imaginación de Miguel Ángel la que veía una
estatua en cada bloque de mármol que encontraba, y Leonardo da Vinci, uno
de los hombres más creativos que ha existido, tuvo sueños que nunca antes se
había conocido en la ciencia. La música, el arte, las matemáticas y la
ingeniería. Fue el representante del espíritu del renacimiento de curiosidad
intelectual y creatividad.
Todo gran logro es primero y durante un tiempo sólo un sueño y una parte de la
imaginación creativa de una persona. La historia del escultor Gutzon Borglum,
que trabajaba en la cabeza de Abraham Lincoln, es un ejemplo excelente. Una
mujer que hacía la limpieza barrían las piezas que no servían, estaba
sorprendida de cómo la cabeza surgía de la piedra con el trabajo del escultor,
hasta que el trabajo quedó terminado. Ya no pudo contener su sorpresa y dijo
"señor Borglum, Cómo supo que Lincoln estaba en esa piedra?"
Cuando pensamos que alguien es creativo pensamos que es una persona con
talento para el arte. Pablo Picasso dijo: "cada niño es un artista. El reto
consiste en seguir siendo artista" .
Al niño hay que nutrirlo y esto se hace con la enseñanza musical, como se ha
dicho el cerebro es un músculo que se desarrolla con la exposición de
experiencias agradables de aprendizaje.
El proceso mental de aprender música utiliza las partes del cerebro en una
forma interactiva, amplían sus pensamientos de originalidad independencia ,
flexibilidad y curiosidad conforme interpretan, analizan y estudian a la música
en formas nuevas e interesantes.
En 1972 Joseph Haydn empleó una forma innovadora de convencer a su jefe,
el pricipe Nicolás, de que el y los demás músicos de la corte necesitaban unas
vacaciones, Haydn compuso una pieza que transmitía éste mensaje, y la llamó
la sinfonía de los Adioses. Durante la interpretación los músicos dejan de tocar
25

26. uno por uno y salen de la habitación con el instrumento musical bajo del brazo
el príncipe entendió el mensaje y les dio vacaciones.
Formación de la confianza
La confianza se deriva de la creencia interna en uno mismo y en las propias
habilidades. Un niño que confía en sus habilidades demuestra optimismo y no
se deja vencer de los desafíos ni los problemas.
Cuando un niño domina la compleja tarea de aprender un instrumento musical
o a cantar en grupo coral su confianza aumenta que proviene de una
satisfacción en cada recital o presentación.
Un niño no puede tener habilidades en todas las áreas, pero necesita la
oportunidad de descubrir la unicidad sobre la cual basar su confianza.
Nada supera al sentimiento que experimentas cuando se ha practicado una
sesión difícil y luego se toca con tanta satisfacción. La clase de música ser` una
base para el desempeño del alumno en las otras asignaturas, entonces los
maestros de música debe llevar esa responsabilidad y orgullo de que se está
aportando no sólo en la enseñanza sino en la forma de vivir que tomará el
chico gracias a sus experiencias musicales.
Igor Stravinski era un compositor que confiaba en sí mismo, dispuesto a
desafiar las tradiciones de la composición musical al introducir una dirección
totalmente nueva en la música. Las acciones de Sravinshki demuestran que la
gente que tiene confianza en sí misma tienen el valor de "golpear la vaca
sagrada" de la tradición utilizando sus talentos de maneras innovadoras y
elevando así el nivel de la expresión creativa a alturas nuevas.
La música no es sólo el desarrollo de la coordinación ojo- mano ni el
reconocimiento de símbolos, sino también la interpretación, el pensamiento y la
solución de los problemas. El desarrollo de estas habilidades mientras son
jóvenes les proporciona las herramientas que necesitan para el futuro.
La música y otras artes producen pensadores críticos, gente que toma
decisiones.
Los científicos en el Salk Institute of Bilogical Studies de la Jolla. California,
descubrieron que el ejercicio mental intenso puede fomentar el crecimiento de
nuevas células cerebrales durante toda la vida. Los desafíos mentales que
requieren de relaciones espaciales y de tiempo que son necesarias en el
aprendizaje de un instrumento musical tienen mayor efecto en el desarrollo de
nuevas células cerebrales.
El estudio de un instrumento musical (que ejercita las partes laterales, anterior
y posterior del cerebro) actúa como un poderoso estímulo para el crecimiento
de las dendritas. Es importante que los niños superen por sí mismos los
problemas y las dificultades, de otro modo su aprendizaje sería deficiente.
26

27. Experiencias musicales de séptimo a décimo año de educación Básica
En esta etapa el preadolescente y adolescente se juegan muchos aspectos por
su comportamiento y forma de ver la vida. El adolescente busca su propia
identidad el necesita saber quien es y a donde va, la actitud del maestro debe
ser un poco como la de los padres, aceptar el comportamiento reverles sin
demasiada tolerancia, ni demasiados castigos.
El profesor de música debe llegar a ser su aliado en sus pensamientos
positivos y guía para esos pensamientos negativos, con la forma de que el
profesor llegue al grupo y cada uno de los alumnos les aporta a los chicos las
herramientas para seguir su identidad con inteligencia y buenos hábitos.
Hay que recalcar la importancia de la confianza y el valorarse a sí mismo, ya
que en esta etapa el ya comprende de la inmensidad de criterios que hay en el
mundo, criterios de personas adultas y niños y que ellos están en ese trance,
entonces. Esa persona adulta que es su profesor le brindará el apoyo e invitará
al chico a descubrir todo lo que encierra la música, hacerla sentirla y apreciarla.
La autodisciplina es una cualidad que se la adapta a la vida con la educación
musical y aprendiendo un instrumento, tener experiencias en grupo y aplicar la
música fusionándola con otras tendencias artísticas.
Hay que aprovechar que en la actualidad el arte se enfoca más con la libertad
de crear, es decir cualquier idea excelente la pueden elaborar los chicos
mismos.
La actividades tiene que hacerse con más entrega, con objetivos más grandes
a nivel del colegio y fuera, para darle a los chicos más responsabilidad. Crear
presentaciones para actividades importantes de la institución, ya que cuando
tienen estos objetivos ellos se sienten más importantes, ya que a esta edad
buscan sobresalir, tener una identidad y modelos de identidad para aferrarse a
ello
Las actividades fuera del aula son positivas, como asistir a los conciertos de
música de cámara o de orquestas sinfónicas, el maestro debe incentivar a los
padres.
Formar grupos de distintos géneros, contando con el criterio de lo que ellos
deseen hacer musicalmente.
Ver videos de repertorio clásico y contemporáneo, no sería bueno enfrascarse
sólo en la música clásica, sino en todos los géneros.
Lo importante es que ellos reaccionen que si nadie se motivara por la música, a
tocar un instrumento, a crear, no hubiera existido tantos géneros musicales e
inclusive no existiera quien tocara la música pop, rap. Rock etc..
Explicarles que en la actualidad otras sociedades surgen por el aprendizaje del
arte que luego se refleja en forma general en la sociedad. El diálogo entre
27

28. maestro y alumno es importante en esta edad con los chicos, esto hará que el
alumno manifieste todas sus dudas y deseos respecto a la materia.
LA MÚSICA EN LA ESCUELA
¿Por qué la música es importante? ¿Por qué todos los niños deben estudiar
música en la escuela? Prácticamente todos los que han aportado una
significativa contribución al pensamiento educativo desde Platón, han
coincidido en que la música debe ser parte integral de la educación básica de
cada niño. Pero entonces, ¿por qué todavía tratamos de contestar estas
preguntas? Porque algunas personas ven a la música no como una materia
para ser estudiada con seriedad, sino meramente como una forma de
entretenimiento. Otros creen que la música puede ser aprendida bastante bien
fuera del ámbito escolar. Otros, inclusive, si bien pueden reconocer el valor que
hay en la música, simplemente no la consideran de máxima prioridad.
Los educadores generalmente concuerdan en que hay cinco campos básicos
de estudio: matemáticas, lenguaje y literatura, ciencias físicas, estudios
sociales y las artes. Nadie que no tenga un conocimiento razonable de estos
cinco campos, puede afirmar que posee educación. Cada persona debería
tener la habilidad para ejecutar, para crear y escuchar música con
discernimiento. Para alcanzar esa meta, cada estudiante debe tener acceso en
la escuela a un programa destinado al estudio de la música amplio, equilibrado
y secuenciado.
Recientes investigaciones han sugerido que la enseñanza de la música puede
ejercer en los pequeños un efecto positivo sobre el funcionamiento del cerebro,
y que puede ofrecer otros beneficios educacionales y evolutivos de un alcance
mucho mayor aún. Estos resultados merecen nuestra atención, pero la razón
básica más importante para encarar el estudio de la música es que la música,
intrínsecamente, es digna de atención. Vale por sí misma. Es importante.
No obstante, no todo lo que es valioso e importante puede ser incluido en el
currículo escolar. ¿Por qué, entonces, incluir la música? Por muchas razones.
He aquí solo algunas:
1. Uno de los propósitos educativos más importantes y generalmente aceptado
ha sido siempre el de poder transmitir la herencia cultural de un grupo a las
subsiguientes generaciones. Y es justamente la música una de las más
poderosas, de las más precisas, y de las más gloriosas manifestaciones de
cada patrimonio cultural.
28

29. El rol fundamental y penetrante que la música juega en el negocio del
entretenimiento, a veces enceguece a las personas y no les permite ver ese
otro rol tanto más fundamental y penetrante que juega la música en toda la
cultura humana. Como consecuencia de la posición central que la música
ocupa entre las conductas esenciales del ser humano, cualquier alumno al que
se le permite dejar la escuela sin haber estudiado música, habrá sido engañado
tal como si se le hubiera permitido dejar la escuela sin haber estudiado
matemáticas o ciencia.
2. Otro propósito de la educación, es ayudar a los estudiantes a alcanzar su
potencial. El potencial musical es una de las habilidades básicas presente en
cada persona. La mejor manera de desarrollarlo es permitiendo que el estudio
comience a una edad temprana y continúe durante la adolescencia. Cada
individuo cuyo potencial musical no ha sido desarrollado, lo cual sucede con
demasiada frecuencia, se ve privado de una de las experiencias más
satisfactorias que la vida tiene para ofrecer. Las escuelas deben ofrecer a los
estudiantes oportunidades para que pongan a prueba los límites de sus
potencialidades en la mayor cantidad posible de ámbitos del esfuerzo humano.
Cuantas más oportunidades tengan a su disposición, mayores probabilidades
habrá de que la vida de los estudiantes sea lo más completa y rica posible.
3. Todos los días estamos rodeados de música. Si revolcarnos
indiscriminadamente en la superficialidad y banalidad de la cultura popular nos
da satisfacción, no habría, entonces, necesidad de estudiar música. Pero justo
por debajo de la capa superficial de la música trivial, a la cual estamos
involuntariamente expuestos día a día, existe un reino maravilloso e
increíblemente variado de música profunda y cautivante; pero una vez
desmanteladas las barreras del desconocimiento y de los prejuicios, la
exquisita belleza y el placer son de fácil acceso para todos. El estudio formal de
la música puede abrir la cerradura de esta puerta. Puede acrecentar la
satisfacción que los estudiantes obtienen de la música, permitiéndoles
comprender y disfrutar de la música más sofisticada y compleja. Cualquiera
puede “disfrutar” la música a un nivel rudimentario, pero el estudio secuencial
puede afinar la percepción de los estudiantes, elevar su nivel de apreciación, y
expandir sus horizontes musicales.
4. Una de las cosas que implícitamente se enseña en las escuelas, es que para
cada pregunta hay una respuesta correcta. Pero fuera de la escuela, raramente
existan respuestas bien definidas para los problemas más importantes con los
que la sociedad debe enfrentarse. Estos problemas no se prestan al formulismo
de soluciones graduales como aquellas que nos enseñan a aplicar en la
escuela. La música se diferencia de las otras disciplinas básicas en cuanto a
que no refleja una preocupación por respuestas correctas. Puede tolerar y
acomodar las ambigüedades con las que la vida está llena. Nos enseña a
manejarnos con la subjetividad. En este sentido, la música, más que otras
disciplinas, es la que más se parece a la vida misma. La música aporta un
29

30. balance al currículo que puede ayudar a compensar lo que, de otra manera, en
el mundo real, podría ser una visión distorsionada de resolución de problemas.
5. Cada estudiante debe tener una oportunidad para destacarse en algo. La
música en la escuela puede prevenir deserciones al ofrecer oportunidades para
que, algunos estudiantes con dificultades en otras disciplinas del currículo
puedan ser exitosos. Para algunos estudiantes, la música puede hacer que la
escuela les resulte más tolerable. La mayoría de los maestros de música han
conocido alumnos que permanecieron en la escuela únicamente por la alegría
y satisfacción que recibieron participando en la actividad musical. Sólo en la
clase de música se apreciaron sus talentos, se respetaron sus contribuciones, y
se valoraron sus logros.
6. Pero lo más importante de todo es que la música exalta el espíritu humano e
intensifica la calidad de vida. Muchas veces, en discusiones relacionadas con
el valor del estudio de la música, se ha enfatizado muy poco, o se ha
descuidado totalmente la vasta y singular habilidad que posee la música para
mejorar la calidad de vida. La música transforma la experiencia humana. Trae
alegría y placer a hombres, mujeres y niños en cada sociedad y en cada
cultura. Nos trae consuelo en nuestras actividades cotidianas, y es un atributo
indispensable, tanto para nuestra felicidad como para nuestras ocasiones más
solemnes. Representa uno de los instintos más básicos de los seres humanos.
Es por ello que la música ha jugado un rol tan importante en toda civilización
conocida; y es por ello mismo que lo seguirá haciendo allá lejos en el futuro en
tanto y cuanto cualquiera pueda percibirlo. La única pregunta es, si queremos
limitar el acceso al conocimiento y a las destrezas musicales a una reducida
elite, o si queremos que estas estén disponibles para que todos puedan
apreciarlas y disfrutarlas. Espero que la respuesta sea más que obvia.
Estoy cansado de las excusas que ofrecen los administradores de las escuelas
cuando tratan de explicar por qué sus escuelas no pueden ofrecer buenos
programas de música. Pero la excusa que más me cansa es la del reclamo de
que no hay suficiente tiempo para la música durante el día escolar. Esto es un
disparate. La falta de tiempo es un problema totalmente infundado. Es un tema
infundado.
La falta de tiempo está enmascarando, en realidad, la falta de voluntad. Existen
excelentes escuelas a nuestro alrededor que no tienen problema alguno en
encontrar tiempo para la música y pueden servir de modelo. Si en la escuela A
el tiempo no es un problema, ¿por qué habría de serlo en la escuela B? De
todos los recursos necesarios para manejar una escuela, el tiempo es el único
recurso distribuido con absoluta equidad en cada escuela de cada lugar.
Otro reclamo frecuente es que el horario no permite incluir la enseñanza de la
música, lo cual también es absurdo. En definitiva, ¿quién dirige nuestras
escuelas? ¿El horario o los educadores? ¿Cuál es nuestra mayor prioridad, el
horario o los estudiantes? ¿Debemos comenzar con un horario arbitrario, y
30

31. luego tratar de acomodar las experiencias educativas siempre y cuando
podamos? ¿O deberíamos comenzar por identificar qué es lo que queremos
que los niños aprendan y sean capaces de hacer, para recién entonces pensar
en cómo lograrlo? Repito, por todos lados hay buenas escuelas que no tienen
problema en incluir música en sus horarios. Sólo nos basta con mirar a nuestro
alrededor.
Cuando se pidió a adultos y a estudiantes que citaran sus experiencias
escolares más memorables, un número extraordinario de ellos citaron sus
experiencias musicales. Describieron, de manera inconfundible, el escalofrío
electrizante que corre por la columna vertebral durante una ejecución
exquisitamente emocional; la extraordinaria camaradería que se genera con
otros estudiantes en una ensamble; la amistad y el consejo de un maestro de
música en particular; la acariciada oportunidad de ejecutar un solo, o el
magnífico sentimiento de logro que uno experimenta luego de superar
intimidantes desafíos, para poder alcanzar un meta musical fervientemente
buscada. La educación consiste en todo aquello que nos queda, tras olvidarnos
de las cosas que aprendimos en la escuela. A menudo, son las experiencias
musicales atesoradas las que configuran los eventos más inolvidables de
nuestros años escolares, y al mismo tiempo, sientan las bases para un
permanente fluir de experiencias placenteras a lo largo de la vida. La música
marca una diferencia en la vida de las personas.
Quizá, hoy en día en las escuelas, la mayor amenaza para los programas de
música proviene de los directivos y de quienes toman las decisiones, ya que,
es posible que estas personas, cuando fueron a la escuela, no hayan
experimentado programas de música desafiantes y gratificadores. No se dan
cuenta de lo que un buen programa de música puede hacer por el niño, por la
escuela y por la comunidad. Sin embargo, sería terriblemente perjudicial, tanto
para la sociedad como para los individuos involucrados, privar a otra
generación de líderes de la educación y de la política de la enorme satisfacción
y alegría proveniente de participar en un programa de música de primera
calidad.
Los maestros de música nunca intentaron involucrarse para promover una
causa, y sin embargo tienen que hacerlo. Nuestros aliados más poderosos son
los padres de nuestros alumnos quienes están bien posicionados para ejercer
una presión efectiva sobre los dirigentes que ellos mismos votaron. Por otra
parte, debemos movilizar, a todo nivel, a nuestros aliados naturales, para que
apoyen un sólido programa de música en la escuela. Estos aliados naturales
incluye a educadores, artistas aficionados y profesionales, profesores
universitarios, políticos simpatizantes y graduados de nuestros programas,
como así también a cada grupo y a cada individuo que se considere a sí mismo
un defensor de las artes.
31

32. En estos últimos años, y en muchos lugares, se ha deformado peligrosamente
el énfasis tradicionalmente puesto en los valores humanísticos de la educación,
ya que dicho énfasis se ha ido desplazando hacia objetivos a más corto plazo y
estrechamente mecánicos. Muy frecuentemente, las escuelas han descuidado
importantes metas a largo plazo, buscando alcanzar las metas en boga y a
corto plazo. El propósito central de la educación no es, por ejemplo, ayudar al
estudiante a conseguir un trabajo. Una persona con una amplia educación va a
encontrar un trabajo, pero un enfoque limitado sobre la capacitación laboral
ignora las reales necesidades que los empleadores más desean: la habilidad
para pensar con claridad y la habilidad para comunicarse eficientemente. Los
empleadores quieren trabajadores familiarizados con los cinco campos básicos
de estudio, ya que ellos mismos prefieren aportar el entrenamiento específico
de su trabajo. Y las destrezas personales que más evalúan los empleadores –
creatividad, flexibilidad, disciplina, y la habilidad para trabajar en colaboración
con otros – son todas destrezas que se enfatizan en la música.
Tampoco es propósito de la educación preparar a los estudiantes para la
elaboración y el marketing de los productos del consumidor. La gente joven no
debe ser tratada meramente como peones en el gigantesco tablero de ajedrez
de la competencia económica internacional. Y por cierto que tampoco es el
propósito de la educación preparar estudiantes para aprobar exámenes
estandarizados. El mayor y verdadero propósito de la educación es la
búsqueda de la verdad y de la belleza, del desarrollo de las capacidades
humanas, y del mejoramiento de la calidad de vida. Nada mejor que la música
para contribuir con este propósito. Es una falta de previsión y un engaño
enfatizar que a los estudiantes se los prepara para hacerlos merecedores de
una vida mejor a expensas de prepararlos para que vivan una vida mejor.
La posteridad no juzga a una nación por la fuerza de su ejército, ni por el
superávit o déficit de sus negocios, ni por los resultados que sus estudiantes
obtienen en los tests estandarizados, sino principalmente por su contribución a
las artes y a las humanidades. Esto ha sido así a lo largo de la historia, y se ha
vuelto tanto más real, a medida que expandimos nuestro potencial para hacer
que nuestro hermoso planeta se torne cada vez más inhabitable a causa de la
polución y la guerra. Cuando el tiempo barre con todo, lo único que queda de
una civilización, son las obras artísticas y humanísticas.
Música es vitamina M. La música es la pepita de chocolate en la galletita de la
vida. Hay magia alrededor de la música. Nos permite expresar nuestros más
nobles pensamientos y sentimientos. Compromete a nuestra imaginación. Nos
proporciona oportunidades inigualables para afirmar nuestra unicidad. Estas
son funciones particularmente importantes en un mundo cada vez más
dominado por la tecnología electrónica. La música no es simplemente un
ornamento de la vida; es la manifestación básica del ser humano. Si insistimos
para que cada estudiante tenga acceso en la escuela a un programa de música
comprensivo, balanceado y secuenciado, es porque, simplemente, aspiramos a
32

33. proporcionar a los alumnos de todas las escuelas las oportunidades que al
presente reciben los alumnos en las mejores escuelas. No es nada menos que
esto es lo que necesita una sociedad democrática para consolidarse.
Traducción: Dina Grätzer
SEGUNDA UNIDAD:
LA EDUCACIÓN
MUSICAL
33

34. La educación musical
La música se aprende: Se afirma desde el comienzo que no existen defectos
genéticos o de la personalidad tales como "no saber cantar", "no tener oído" o
"ser desafinado". Estas es, simplemente, falta de habilidades.
Sería contrario a la lógica negar la posibilidad de aprendizaje y al mismo tiempo
educar. Pueden no encontrarse los métodos adecuados, pero este es el
desafío de la pedagogía. Aún siguen existiendo instituciones educativas que
"evalúan" las aptitudes musicales de los aspirantes a alumnos. Pero un
profesor debe tener mentalidad abierta; no debe descreer de su propio trabajo.
Además ¿quién puede creerse con derecho a dictaminar si alguien es apto o
inepto para alcanzar determinada meta?
La Educación Musical al alcance de todos: Aquí se presenta el principio que
es la base de la existencia de la Educación Musical. Sería impensable hablar
de Educación Musical sin entenderla como posible para cualquier ser humano.
La Educación Musical, como parte de la Educación general, debe ser un
instrumento que contribuya a la evolución cultural, al desarrollo integral de las
personas. Para ello debe estar al alcance de todos. En este capítulo hay
reflexiones acerca de los siguientes temas: Libertad y Creatividad, Qué es la
Cultura Musical, Necesidad de Educación Musical, el Educador Musical como
transmisor de cultura, y los profundos cambios en la historia de la música
durante el pasado siglo XX.
Se afirma que no siempre se tiene en claro que la música es objeto de estudio
profesional, lo cual deriva en situaciones injustas. También hay una
consideración acerca de la ética del ejercicio profesional del músico.
Los distintos niveles de Educación Musical: Se deben distinguir cuatro
niveles de educación musical, según los requerimientos de los destinatarios: 1)
Educación Musical en la Educación General; 2) Educación Musical especial; 3)
Educación Musical en contextos interdisciplinarios; 4) Formación de los
34

35. músicos profesionales. Cuando no se realiza claramente esta distinción se
puede caer en planteos pedagógicos absurdos.
Los músicos amateur: No deben confundirse los músicos amateur con los
profesionales. Tener difusión no es igual a ser profesional; saber tocar música
de un estilo no es ser profesional; participar de una banda que toca en un bar
no es ser profesional; recibir aplausos no es signo de calidad profesional. La
profesionalidad está dada por la profundidad e integración de los estudios
realizados, por la calidad de la producción y por la dedicación.
Aprendizajes ocultos: Se estudia aquí la forma en que adquieren
conocimientos y habilidades musicales aquellas personas que se autocalifican
como "músicos intuitivos".
El principio del proceso de aprendizaje
Dedicado a la descripción del mecanismo básico de apropiación de las
habilidades musicales, a partir de ciclos de audición y ejecución. También se
aclara que lo que comúnmente se llama "tener oído" no es más que un grado
de discriminación auditiva, y por lo tanto todos lo poseemos. Se entiende que
los conocimientos se adquieren por intermedio de la percepción, integración y
reacción producidas en nuestro sistema nervioso. El aprendizaje puede ser
detenido por un condicionamiento cultural, por una enseñanza musical negativa
o por falta de estímulos. Muchos niños son cruelmente descalificados por los
adultos con frases como "no cantes, vos cantás mal", lo cual crea inhibiciones y
detiene el proceso de aprendizaje. Las habilidades musicales se adquieren
practicando, las destrezas en la ejecución vocal o instrumental se ejercitan. La
improvisación es una importante herramienta para el aprendizaje. Finalmente
se define qué es la imaginación musical, la imaginación musical creadora, y se
explica cómo componer música está más al alcance de todos de lo que
habitualmente se supone.
La Educación artística real
Se afirma que no es posible basar un plan o una asignatura exclusivamente en
ejercicios, aunque estos sean necesarios: las obras musicales deben estar
presentes. Las obras didácticas sirven sólo si son obras de arte, y no meros
ejercicios disfrazados. Además, las obras de cualquier estilo son accesibles a
todas las personas de alguna manera. También se aclaran temas acerca de los
objetivos y contenidos de la música, especialmente para el nivel de la
educación musical en el marco de la educación general.
Educación Musical integral
La Educación Musical no es una parte meramente complementaria o auxiliar de
la educación general: sin Educación Musical la educación resulta incompleta,
deficiente. Saber música es un saber profesional, con múltiples conocimientos,
habilidades e información de diferentes tipos. Se debe conocer la música en
35

36. sus diferentes aspectos. La Educación Musical incluye a la Educación Sonora.
Este capítulo tiene amplios párrafos dedicados a este tema. También se
establece la necesaria relación entre expresión y técnica.
La Educación Musical en la Educación General
Este es uno de los capítulos más largos del libro. Aquí se analiza al área de la
música inserta en el sistema educativo, desde los jardines maternales hasta
escuelas primarias: la condición de los docentes de música, los diseños
curriculares que suelen estar condicionados por modas e intereses, las
características de la educación musical para diferentes edades, la escuela
como construcción de cultura, la apreciación de la música, las condiciones de
las aulas y la calidad de los instrumentos. También se estudian las funciones
de la ejecución rítmica, el uso que se pretende dar a la flauta dulce, el
desarrollo de la técnica vocal y la elección de un repertorio de canciones. Hay
enfáticos parrafos acerca de la necesidad del canto individual, y lo que
constituye la peor educación musical: la discriminación que se realiza en la
formación de los coros escolares, como si estos debieran ser la imágen de la
perfección. Además hay una lista con las causas de indisciplina en las clases
de música de las escuelas primarias.
En todos los casos analizados se presentan soluciones.
La importancia de la Educación Musical
La Educación Musical es esencial en la formación del
individuo por varios motivos.
Ya en la primera infancia, el sonido es juego y
necesidad de expresión, dándose con el balbuceo, la
risa, e incluso, el llanto. De la misma manera, el
movimiento constituye el ritmo, y así adquirimos, en
los primeros años de vida, las dimensiones
fundamentales de la música: sonido y ritmo.
Esta disciplina puede profundizarse en los años
escolares, desde una dimensión natural y percibida
como un proceso sensible y cultural.
La escuela es uno de los lugares más indicados para potenciar el desarrollo de
la sensibilidad musical que posee cada individuo, ya sea para cubrir intereses
personales, o bien para ser enfocada hacia una perspectiva profesional.
La forma de disfrutar la música debe ser subjetiva, pero, a la vez, debe estar
orientada de modo que la formación que reciba el alumnado sea la correcta.
36

37. Educación Musical aplicada a las áreas de Inicial
y Primaria.
Daniel Brailovsky
Esta colaboración tiene el propósito de compartir con maestras/os de Nivel Inicial las
posibilidades de la música como recurso didáctico y con maestras/os de música, las
posibilidades de interrelación y articulación con las demás áreas que he desarrollado y
aplicado.
Conceptos y criterios:
Al abordar la enseñanza de la música en el Nivel Inicial y primaria, es preciso
establecer en una primera instancia cuáles son los elementos que están en
juego, desde una perspectiva ecológica, en la situación áulica.
Nuestra "materia prima" para desarrollar en los niños/as los saberes, destrezas
y actitudes respecto a la música, es el sonido. Abordémoslo, pues, con una
mirada analítica.
En todo fenómeno sonoro se pueden discernir distintos elementos. La altura del
sonido es la propiedad del mismo que permite reconocerlo como más grave o
más agudo. Su intensidad, es la cualidad que permite percibirlo como más
fuerte o más débil. Su duración, el período de tiempo comprendido entre el
momento en que el sonido comienza a percibirse, hasta su extinción, abrupta o
gradual. El timbre del sonido es aquella propiedad que nos permite distinguir la
fuente de la cuál proviene, aunque esto no alcanza para definirlo. Para no
abordar un análisis de los "armónicos superiores", que excede los propósitos
de éste texto, diremos que existen sonidos con diferentes grados de
"rugosidad", de diferentes texturas sonoras, y que son éstos atributos que se
definen genéricamente como timbre.
Estas propiedades del sonido, que no son de por sí un contenido de
enseñanza, sino un conocimiento orientador para el docente que ayudan a
organizar las actividades y experiencias episódicas y continuas, son percibidas
por los niños de maneras distintas y muy variadas. El primer paso para abordar
un plan de acción didáctica será, entonces, la tarea de investigación por parte
del docente de qué tipo de percepción tienen los niños/as del sonido,
percepciones éstas que ellos darán a conocer a través de sus
representaciones. Así, nos interesará saber qué atributos del sonido interpretan
37

38. los niños en función del carácter 2 , qué capacidad tienen para percibir las
alturas y representar tal percepción, en qué medida reconocen distintas fuentes
sonoras, etc.
Para lograr éste propósito es decir, dilucidar las características de la
percepción en los niños/as- se podrá echar mano a los más variados recursos:
la representación gráfica de sonidos, el intercambio oral, la pura observación
del docente, etc. A través de éste enfoque, descubriremos que las experiencias
previas de los niños como oyentes y productores de sonidos, serán el punto de
partida de nuestra acción. Sólo en la medida en que éste factor sea tenido en
cuenta el aprendizaje de los niños será significativo y adquirirá un carácter
funcional3 .Vayamos a algunas implicancias prácticas:
Si se propone a los niños la audición de un pasaje musical, por ejemplo, de una
orquesta, no lo haremos sin antes, o paralelamente, determinar ciertas
características de la percepción que los niños tienen de lo que es una orquesta
y de los elementos musicales que hay en juego. Buscaremos indicios de su
percepción de la densidad (cantidad de voces o instrumentos sonando en
forma simultánea), qué capacidad de discriminar los distintos timbres, alturas,
planos sonoros y fraseo. Trabajaremos entonces en forma individual éstos
elementos, proponiendo, por ejemplo, actividades de éste tipo:
 Escuchar varias veces un pasaje y determinar una característica
morfológica, como por ejemplo una "pregunta" (antecedente) seguida de
una "respuesta" (consecuente). Andamiar entonces la reflexión con
preguntas orientadoras: ¿duran lo mismo? ¿se parecen la pregunta y la
respuesta? ¿la semejanza/ diferencia se encuentra al principio o al final?
¿son iguales de "fuerte"? ¿tocan los mismos instrumentos en las dos
frases? ¿podríamos tocarlo con otros instrumentos en la sala? ¿O
cantarlo, inventándole una letra, o sin letra?
 El contacto directo experiencial con los instrumentos de la orquesta sería
también un buen punto de partida para el análisis.
 La posterior aplicación de estos criterios a otra música, a las canciones
del repertorio de la sala, irá delineando su internalización como saber
funcional.
 La representación gráfica de las frases nos dará también un buen
material de reflexión. Dibujar las línas sonoras, hacerlo según su altura o
intensidad. Esto nos permitirá saber qué parámetros del sonido son
percibidos como dominantes bajo determinadas condiciones. Generar
luego "partituras" parciales, distinguir entre la notación gráfica de las
palabras y los sonidos.
Desde ya que, en todo momento, el abordaje de un fenómeno sonoro de
naturaleza artística es global. La tarea de análisis existe, desde una
perspectiva didáctica, para facilitarnos la comprensión del fenómeno y apreciar
la totalidad desde una conciencia profunda del hecho que se está enseñando.
En todo momento debemos tener en cuenta la importancia y prioridad de que
los niños logren identificarse a sí mismos como activos generadores y
productores de fenómenos sonoros, y en definitiva, como artistas. Del mismo
38

39. modo que incentivamos en niños que transitan la etapa del garabato 1 la
asignación de un significado a los mismos como condición de la ejercitación y
desarrollo de su capacidad de representar y comunicar, en el ámbito de la
música debemos lograr que experimenten con materiales sonoros y, a su
manera y con nuestro andamiaje, sean luego capaces de prever una resultante
sonora.
La voz:
Dentro de todas las fuentes sonoras, la más rica, cercana y de mayores
posibilidades y riqueza es la voz. El trabajo sobre la altura de sonido, por
ejemplo, adquiere una dimensión de gran campo de aplicación: la percepción
muscular de la altura. Lo mismo sucede con la intensidad, y es posible
también trabajar con las texturas de la voz desde el timbre y desde el carácter
musical.
En un cuento, cuando es narrado por el/la docente a sus alumnos/as, los
distintos personajes que aparecen suelen ser encarnados en distintas voces,
que tienen que ver con la especie, tamaño y características generales del
personaje. Es éste un punto de partida para trabajar , en interrelación con una
actividad esencialmente literaria, contenidos de música.
Siguiendo ésta línea, propondremos algunos ámbitos de las distintas áreas de
contenidos que se pueden enriquecer y complementar con actividades y
contenidos de la música.
Interrelación y trabajo interdisciplinario:
Literatura.
El parentesco entre la literatura y la música es evidente. Las canciones
tienen argumentos plasmados en el lenguaje, existen rimas tanto en el
plano de lo lingüístico como en el plano musical, y cada componente le
da sentido al otro. Más allá de las letras de las canciones, es una
actividad muy aceptada por los niños y muy rica en experiencias, la
"sonorización" de fragmentos u obras literarias. La trama argumental de
un cuento, los distintos pasajes de un poema, ofrecen climas que
pueden ser representados, enriquecidos y resaltados desde lo sonoro.
Con instrumentos, con recursos corporales (aplausos, canto, silbidos,
etc.) con grabaciones y muchos otros recursos, la actividad de sonorizar
puede adquirir dimensiones excepcionales. Es también una manera de
visualizar el lenguaje musical como un tránsito entre momentos de
"tensión" y momentos de "reposo", al emparentar éstas características
con la tensión cambiante de la trama argumental de un cuento.
Los diálogos de los personajes pueden ser también, en todo o en parte,
cantados por niños y/o docente. O puede introducirse un narrador
omnisciente encarnado por un "coro", al estilo del antiguo teatro griego,
que estratégicamente intervenga dando cuenta del sentir de los
39