Frax master definitivo v1

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FUNDACIÓN FRAX de la Comunidad Valenciana
Presidente > Matías Pérez Such.
UNIVERSIDAD MIGUEL HERNÁNDEZ DE ELCHE
Facultad de Bellas Artes de Altea.
Decano > José Vicente Martín Martínez.
Director del Departamento de Arte > Daniel Tejero Olivares.
EXPOSICIÓN
Fechas > 22 de abril al 12 de junio de 2016.
Comisario > José Maldonado Gómez.
Coordinación > Esperanza Durán y José Maldonado.
Sala > Sala Pedro Delso. Paseo de las Estrellas 3, 03581. Albir, L’Alfas del Pí. Alicante, España.
Producción > Fundación Frax / Facultad de Bellas Artes de Altea. UMH / Departamento de Arte de la UMH/ Máster Universitario en Proyecto e Investigación en Arte.
Montaje > Miguel Ángel Crespo González / Davinia Fernández Latorre / Cármen Sáez / Manuel José Sanz Costa / Julio Antonio Soler Mejías.
CATÁLOGO
Edita > www.pasionporloslibros.es
Textos > José Vicente Martín, Javier Díaz Guardiola, José Maldonado.
Diseño Editorial > José Maldonado.
Diseño y maquetación del catálogo > María López Benito.
Fotografía > Celía Martín Timón.
Producción > Máster Universitario en Proyecto e Investigación en Arte.
© de los textos, sus autores.
© de las obras expuestas y reproducidas, sus autores.
© de la edición, Máster Universitario en Proyecto e Investigación en Arte.
ISBN
978-84-16846-69-6
www.pasionporloslibros.es
www.fundacionfrax.org
www.bbaa.umh.es
http://masterbellasartes.umh.es
Fundación Frax de la Comunidad Valenciana
Paseo de las Estrellas 3, 03581. Albir, L’Alfas del Pí. Alicante, España.
Facultad de Bellas Artes de Altea. UMH.
Avda. Benidorm, s/n – Pda. Pla de Castell. Altea – 03590. Alicante, España.
Agradecemos profundamente el apoyo prestado por la Fundación Caixa Altea para el desarrollo de la investigación y la promoción de las artes en esta y otras ocasiones.

MásterenProyectoeInvestigaciónenArte.CampusdeAltea.
índice
Presentación. José Vicente Martín Martínez. Director Máster.
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Clinic. Gnome. José Maldonado. Comisario exposición Máster.
Trece casos clínicos. Javier Díaz Guardiola.
Exposiciones 2014 / 2015 - 2015 / 2016
Clinic Máster.
Obras y artistas 2014 / 2015 / 2016. Dos años de Máster.
Continuará...
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El Máster Universitario en Proyecto e Investigación en Arte ofertado por la Universidad Miguel Hernández de Elche en su Campus de Altea inició su an-
dadura en el curso 2014-2015, completando la adaptación al Espacio Europeo de Enseñanza Superior –y a la propia reforma educativa española- de las
enseñanzas artísticas ofertadas por la Facultad de Bellas Artes de Altea.
El diseño de estas nuevas enseñanzas ha pretendido ser fiel al compromiso que el Campus de Altea ha tenido desde su creación con una enseñanza de las
artes atenta a los contextos y debates del arte contemporáneo, a los nuevos escenarios donde el arte se torna interdisciplinar y trasciende sus fronteras
convencionales, convirtiéndose en herramienta no ya sólo de reflexión sobre lo representado, sino de transformación de lo real.
Este compromiso se plasmó en primer lugar con la implantación del grado en Bellas Artes en el curso 2010-2011 que, con sus dos itinerarios en Artes
Plásticas y en Artes Visuales y Diseño y especialmente con este segundo, buscaba ampliar el terreno de las prácticas artísticas a aquellas manifestaciones
que han ido permeando el concepto tradicional de creación artística, abarcando otros ámbitos profesionales y conceptuales caracterizados por los nuevos
productos culturales, la hibridación o el trabajo colaborativo.
Por su parte, el Máster en Proyecto e Investigación en Arte se ha formulado como una propuesta de post-grado que responda al carácter propio de la in-
vestigación en arte, desde la dimensión experimental y discursiva de la práctica artística contemporánea y desde el componente inevitablemente práctico
de la investigación teórica en arte. Un compromiso con la reflexión y el rigor en la construcción del discurso artístico y con la búsqueda de la especificidad
de las metodologías, campos de estudio y resultados de la investigación artística.
Esta exposición confronta la obra de estudiantes de las dos primeras promociones del Máster –cursos 2014-15 y 2015-16- y profesores que imparten
docencia en el mismo, estableciendo un diálogo similar al que pretendemos que ocurra en las aulas y talleres de la Facultad, una discusión sobre la enun-
ciación de los discursos, la elección de las metodologías y procesos más adecuados, la producción y divulgación de los proyectos, o el alcance y función
del arte contemporáneo. Diálogo que conforma el marco de reflexión sobre la práctica artística, la experimentación y la investigación en arte que nuestro
Máster quiere ser.
Por último, querría terminar esta presentación agradeciendo su colaboración a las entidades que nos han apoyado en este proyecto: a Caixa Altea, al De-
partamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández de Elche y la propia Fundación Frax. También de modo particular a José Maldonado por haberse
puesto al frente de este proyecto con todo su entusiasmo y capacidad.
José Vicente Martín Martínez
Decano de la facultad de Bellas Artes
Universidad Miguel Hernández de Elche
josé vicente martín
presentación
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clinic máster
Lugar > Campus de Altea, Facultad de Bellas Artes
Edificios > Cap Blanch (boxes) y Albir (conferencia)
Fechas > 14 y 15 de mayo de 2015
Concepto
En el ámbito de la medicina un Clinic es la lección que el Médico Clínico da a los residentes a pie de cama de los pacientes. En el ámbito universitario y
educativo es un seminario breve y práctico que sirve para establecer objetivos y analiza la manera de alcanzarlos.
Es este espíritu el que impulsa el CLINIC en investigación artística. Una actividad de apoyo al Master de Investigación Artística en el que se desarrollaran
una serie de actividades relacionadas con los contenidos del mismo. El objetivo ha sido dar alcance real a la investigación realizada a través de la produc-
ción plástica, audiovisual y teórica de los alumnos y dar a conocer el proyecto del Campus de Altea al tejido profesional y a los posibles interesados en
participar de un master que se plantea un objetivo de alto rendimiento en el campos de las artes visuales y plásticas.
Estructura
El Clinic se estructuró y desarrolló como sigue:
Primer día
- Sesiones de Art Dating entre críticos, galeristas y alumnos (2 sesiones, mañana y tarde) con apoyo de los profesores del Master.
- La modalidad fue como sigue: presentación del proyecto de investigación y exposición de 5 minutos por parte de cada alumno y análisis por parte de
cada uno de los galeristas y críticos de 10 minutos aprox. Todos los alumnos tuvieron un cara a cara con cada uno de los invitados.
- La sesión de mañana se desarrolló de 11:00 a 14:00 horas y la de tarde de 16:00 a 19:00 horas.
Segundo día
- Visita al Campus con profesionales e invitados para dar a conocer la facultad, sus instalaciones y las posibilidades productivas del Master.
- Conferencia a cargo de Javier Duero (crítico y comisario de exposiciones).
- Puesta en común.
campus de altea
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Estudiantes premiados becas propias del máster
Beca CIEC (Fundación CIEC-UMH): Elisa Vázquez del Río y Sebastian Chisari
Beca Puenting (Mustang Art Gallery-UMH): Saúl Sellés
Galerías > Galeristas
Galería Punto > Jorge López
Set Espai d’art > Reyes Martínez Fuentes
Espai Tactel > Juanma Melero e Ismael Chappaz
Adelantado > Olga Adelantado
Espai Visor > Alejo Negro y Sandra Moros
Críticos de arte
Javier Duero (INJUVE, Intransit, Real Academia de España en Roma).
Javier Díaz Guardiola (ABC de las Artes)
Conferencia
Javier Duero
Profesores Implicados en diferentes aspectos del Clinic
Daniel Tejero Olivares
Tatiana Sentamans Gómez
Carmen García Muriana
José Vicente Martín
Iván Albalate
José Manuel Álvarez Enjuto
Susana Guerrero Sempere
José Maldonado Gómez
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Enlaces
Blog Máster > http://masterbellasartes.edu.umh.es/?s=CLINIC
Facebook Máster > Máster Universitario en Investigación y Producción en Arte
Vimeo > https://vimeo.com/127915629
Exposiciones
Muelle. Galería Mr. Pink, Valencia
[Arántzazu Ros, Alberto Castelló, Saúl Sellés (beca). Sebastián Chisari (beca), Ana García]
18 de junio – 30 de junio
Comisaria > María Tinoco
18 Casos Clínicos
Centro Cultural Las Cigarreras, Alicante
[Todos los alumnos]
10 julio – 2 de agosto
Comisaria > Susana Guerrero
Exit. Museo de la Universidad de Alicante.
[Todos los alumnos]
Septiembre / Octubre 2015
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Dirigido por José Vicente Martín, la Universidad Miguel Hernández, desde su facultad de Bellas Artes en el campus de Altea, puso en marcha este curso
pasado la primera edición del Máster en Proyectos e Investigación en Arte. Este tiene como objetivo profundizar en los procedimientos y metodologías de
creación y experimentación artística, así como formar al alumno en las metodologías de investigación en la producción y recepción del hecho artístico de
forma que lo capaciten en el desarrollo crítico y experimental de un proyecto artístico creativo o de investigación en el ámbito de las Bellas Artes. Desde
su arranque se tuvo muy claro que este curso de postgrado debía ser un puente entre la universidad y el ámbito profesional, al que antes o después, los
alumnos tendrían que enfrentarse. Y, de esta manera, una de las iniciativas en su seno que se convertía en banco de pruebas (con red o “con anestesia”,
sobre todo si atendemos a su nombre) fue el CLINIC que se desarrolló en sus instalaciones durante los días 14 y 15 de mayo.
En Medicina, un “clinic” es la lección que el médico clínico da a los residentes a pie de cama de los pacientes. En el ámbito universitario y educativo, nos
estaríamos refiriendo a un seminario breve y práctico que sirve para establecer objetivos y analizar la forma de alcanzarlos. El del Máster en Proyectos e
Investigación en Arte de la Facultad de Bellas Artes de Altea se imbuía en este espíritu y, durante dos jornadas, enfrentaba a sus alumnos al tejido pro-
fesional, de manera que, con el apoyo de los profesores, situaba a estos futuros artistas frente a comisarios de arte, críticos especializados, galeristas y
otros agentes del sector para que, en sesiones de art dating, defendieran sus propuestas en un tiempo reducido que obligaba al alumno a ser rápido en
sus respuestas y en su capacidad para condensar sus discursos y adaptarlos a las necesidades de sus interlocutores. La experiencia fue tremendamente
provechosa y sirvió para que los alumnos se acercaran en muchos casos por vez primera al mundo real y salieran del castillo sobreprotector en el que se
puede llegar a convertir el ámbito de estudio y de los primeros proyectos.
En estas actividades participaron destacados agentes del ámbito artístico español, como el comisario Javier Duero o los galeristas Jorge López (Punto),
Reyes Martínez (Set Espai d’Art), Juan Manuel Melero e Ismael Chappaz (Espai Tactel), Olga Adelantado (Adelantado-Valencia), Alejo Negro y Sandra
Moros (ambos, directores de Espai Visor). Yo mismo tuve también el privilegio de actuar como follower de todo lo que tuvo lugar en esa doble jornada.
La mayor parte de esos alumnos (que en su día integraron el Clinic junto a otros estudiantes premiados con becas propias del máster, como la CIEC, que
recayó en Elisa Vázquez del Río y Sebastián Chisari, o la Beca Puenting de Mustang Art Gallery, de la que se beneficiaba Saúl Sellés) forman parte ahora
de la nómina de creadores de la exposición final del Máster que recala en diversos espacios expositivos de la Comunidad Valenciana.
Ellos son los protagonistas de los textos de este catálogo, y así defienden sus aportaciones al ámbito artístico. Y de igual forma que en su día el Clinic
fue una actividad colaborativa que implicaba a diferentes agentes del sector, a ellos volvemos ahora para elaborar el “historial médico” final de los trece
artistas. Entre sus manos tiene los datos objetivos de su “fiebre por el arte”. Y suyas ahora como espectador son las conclusiones después de conocer las
opiniones de primer nivel aportadas por el grupo de expertos consultados, entre los que también se encuentran los profesores que, durante los últimos
meses, se han encargado de guiarlos en este deseo “enfermizo” de convertirse en prósperos y rigurosos profesionales del arte. Comenzamos.
javier díaz-guardiola
trece casos clínicos
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Sintomatología: Nacida en Rusia, María Alekseeva reconoce que su labor artística está constantemente salpicada por su formación y experiencia profesio-
nal como arquitecta: “Para mí –señala con acierto–, el trabajo del arquitecto va unido al conocimiento de las acciones y de los comportamientos cotidianos
y los entornos que lo hacen posible. La inquietud por esos entornos cotidianos a los que hago referencia siempre está presente en mis obras”. Alekseeva
tiene un pequeño periodo de iniciación en lo artístico vinculado a la pintura, pero es en el salto generado hacia la escultura donde su intención de analizar
lo arquitectónico desde las artes plásticas encuentra un caldo de cultivo interesante.
La opinión del médico de cabecera: Tras todo un curso lectivo “monitorizada” por su profesores, es este un buen momento para acudir al equipo de la
Facultad de Bellas Artes de Altea, donde Alekseeva ha cursado este Máster de Investigación Artística, para conocer de primera mano sus impresiones so-
bre esta creadora. Habla como portavoz de todos ellos el profesor Daniel Tejero Olivares, que sintetiza de esta manera su respuesta: “De María hay que
destacar sus ganas por conocer, por impregnarse de cosas nuevas que le abran el espectro intercultural. A su vez, otro gran potencial de esta alumna es
el campo de estudio del que procede”. Para los profesores, los análisis del espacio abordados desde la arquitectura aportan a esta creadora un andamiaje
conceptual extra con respecto a sus compañeros a la hora de abordar el universo de las artes visuales.
La segunda opinión médica: Reyes Martínez es la galerista del espacio Set Espai d’Art de Valencia y, por tanto, una voz externa, ajena a la burbuja uni-
versitaria, cualificada para enfrentarse al trabajo de una artista novel como Alekseeva. ¿Qué destaca ella de María?: “Sorprende encontrar un perfil y una
motivación como las de Aleekseva. Buscó en el máster una vía para enfocar su carrera hacia una vertiente más artística, ya que la dificultad del idioma y
la no convalidación de su título en España le impedían ejercer su profesión”. Martínez destaca cómo unos dibujos académicos de hace años y ejecutados
en Moscú se han convertido, una vez revisados, en punto de partida de un proyecto de investigación desde el que salta a lo tridimensional: “Eso le ha
dado pie a una arquitectura imposible en su conjunto, pero posible en cada una de sus caras”. La galerista animó en su día a la nueva artista a desasirse
de ese pasado academicista y dejarse llevar por las posibilidades que le aporta su llegada a lo escultórico.
Tratamiento: En estos meses, Aleekseva ha ido rompiendo barreras (las culturales e idiomáticas) y construyendo otras (una metodología desde la que
avanzar en lo plástico). Nadie puede desasirse de su pasado. De hecho, en el caso de esta artista, su conocimiento de lo arquitectónico se ha convertido
en su máximo potencial. Y un territorio virgen aún por explotar. El proyecto que propone investiga en el concepto de tránsito como premisa filosófica,
literaria, plástica y también estética, de forma que su plasmación en imágenes y maquetas era necesaria. El concepto, definido en sus propias palabras,
“va siempre unido a la memoria fotográfica del paseante”. Y forma parte de las conclusiones que se pueden sacar sobre esta artista sus propias reflexio-
nes sobre lo que este máster formativo le ha aportado a ella: “He aprendido que una investigación artística no es algo rígido, con un principio y un final
cerrado, sino que es justo esa meta abierta y flexible la que permite la llegada de nuevos pensamientos enriquecedores para la investigación”. María ha
convertido el tránsito en experiencia vital. ¡Buen viaje, María!
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13María Alekseeva. El tránsito. Forex pintado. 2013.

Sintomatología: Fogeda se define a sí misma como “artista en formación”, atraída por la idea de observar fragmentos del entorno que pasan inadverti-
dos. “Trabajo a través de la línea –apunta–, construyendo retículas como metáfora de conexión e intercambio. El principal objetivo de mi labor es hacer
visible lo invisible”. Para ello, la artista centra su atención en las estructuras naturales, en la plasmación y análisis de todo tipo de redes. De esta manera
“doy otro valor a la materia y, al sintetizar la información, dignifico determinados elementos”. El empleo de formas comunes, de materiales que generan
marañas por sí mismos, y la deconstrucción como base son puntos de partida de su actividad. Y la distancia es capital: “Intento crear una atmósfera en
la que el espectador se acerque a la obra y descubra detalles que desaparecen en la lejanía”.
La opinión del médico de cabecera: Es de nuevo el profesor Daniel Tejero Olivares quien nos ayuda a analizar todos estos síntomas: “El potencial de Fo-
geda está en su capacidad para escuchar y absorber la información que se le propone. A esto debemos unir su capacidad de trabajo y lo sistemático en la
ejecución de las piezas, conclusión de un trabajo previo basado en lo heurístico para la obtención tanto de conocimiento como de producción de un objeto
o proceso artístico”. Para este profesional, el paso de nuestra artista por el máster ha sido fundamental, “con una evolución satisfactoria”, en tanto que ha
dado lugar a unos resultados “a la altura”, así como un afianzamiento de su propia metodología de trabajo. Eso la prepara para el trabajo autónomo una
vez que se lance a iniciar su propia carrera profesional.
La segunda opinión médica: Las elogiosas palabras de Tejero nos obligan a recabar una segunda opinión fuera del entorno universitario para reforzar o
contrastar sus indicaciones. Esa labor la ejerce la galerista Olga Adelantado: “Lo que más me interesó de esta artista fue la puesta en escena de su tra-
bajo, unas piezas delicadas y mínimas, junto con sus cuadernos de campo o libros de artista llenos de reflexiones y dibujos con los que se construía un
mundo de la imagen entrelazado con sus propias ideas”. Adelantado pone el acento ahora en conceptos como “conexión con la Naturaleza”, “piel” “el papel
como materia”, “la huella”, “la superposición”… “Interesante su reciente incorporación del color”, afirma. Tal vez allí encontremos a una nueva Ana Fogeda.
Tratamiento: El proyecto final de máster (Labores arácnidas) sitúan a la joven artista frente a una nueva estructura reticular que analiza la disposición de
la información en red y la representación de todo ello como objeto. Surge así una metáfora objetual de nuestra interconexión en redes sociales. Y algo tan
voluble queda plasmado a través de un material frágil, como es el papel. Al romperlo, la huella que deja el corte plasma poéticamente para la autora esos
flujos invisibles de la comunicación. También el papel fue básico durante siglos en nuestras estrategias comunicativas. Ahora se acumula de nuevo para
representar su incontrolada y en absoluto uniforme distribución: “Una nueva telaraña de lo virtual”. Fogeda ha desarrollado una doble vía de trabajo (la
más expansiva e instalativa de sus piezas de pared y la más íntima y “caótica” de sus libros de artista) que debe desarrollar en paralelo. Que una alimente
a la otra y que la una no se coma a la otra. La artista ha caído en su propia red y, desde allí, tiene mucho que contar.
ana fogeda
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Ana Fogeda. En línea. Collage sobre lienzo. 2015.
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Sintomatología: Durante su formación universitaria, Nieves Baviera ha ido avanzando e investigando sobre los nuevos medios de narración y contenido
multimedia. “Durante este periodo, mis trabajos han girado en torno al mundo de la moda”, especifica. De esta manera, su proyecto final de carrera es
un fashion film, un género, quizás poco explorado en el ámbito artístico español. “He concluido con un resultado que mezcla la vídeo-instalación con el
género del fashion film, buscando así un nuevo diálogo entre el publicitario y el arte”. No podemos negar que Baviera apuesta por lo que verdaderamente
le gusta, con lo que arriesga con ello.
La opinión del médico de cabecera: En coincidencia con la profesora Tatiana Sentamans, el punto fuerte de Nieves Baviera, según el académico Daniel
Tejero, es la interdisciplinaridad de la que parte: “Viniendo del ámbito de las artes visuales y del diseño, en su obra profundiza en los códigos de repre-
sentación de las nuevas tecnologías y los formatos sociales de la comunicación. De esta manera, introduce una visión abierta y plural adaptada a su
propio espacio-tiempo”. Baviera es una “hija de su época” y sabe sacar buen provecho de los recursos expresivos que las nuevas tecnologías y el ámbito
audiovisual ponen a su alcance.
La segunda opinión médica: A la hora de enfrentarse a un crítico y comisario de exposiciones independiente como Javier Duero, Baviera sabe defenderse
con sus armas. Así define su trabajo este destacado agente artístico: “La transversalidad es la marca personal de Nieves. Algo natural, al pertenecer a
una familia con antecedentes dedicados al diseño y la sastrería”. Interesada por la fotografía, la tecnología y las redes sociales, desarrolla sus proyectos
desde disciplinas como el diseño gráfico, la videoinstalación y el vídeo. “De alguna manera –prosigue Duero–, esta artista representa a una generación de
creadores que, asumiendo la precariedad del sector, no reniega de las diferentes posibilidades creativas que otras prácticas ofrecen, como la publicidad y
la moda, conciliando los proyectos alimenticios con los personales y profesionales”. Para el comisario, favorecer la contaminación de estas líneas de tra-
bajo en una suerte de retroalimentación continua y mantener una posición abierta a la colaboración con otros creadores le permite formalizar proyectos
interesantes.
Tratamiento: Baviera apuesta, pues, para su proyecto final de máster por un fashion film, un género filmográfico que, en su opinión, está en auge: “Su
pretensión es proyectarse en el espacio de tal forma que la propia pieza audiovisual juegue con el entorno”. Y ese es uno de los aspectos más destacados,
que nos hace entender que nos encontramos ante una verdadera artista y no ante un producto publicitario. “El género aglutina características del spot,
el videoclip, la obra artística, pero, debido a su corta Historia, aún no existe una categorización muy definida para él”. Pero una de sus cualidades princi-
pales es la de viralizarse con rapidez en redes sociales. De esta forma, Baviera rompe otra barrera del arte contemporáneo como es la de aproximarse de
manera natural al receptor. Los profesores concluyen que su evolución en el máster de Altea ha sido “autónoma y le ha facilitado entrar en contacto con
profesionales del sector de la moda”, que pueden resultarle de gran ayuda en el futuro. Desde luego, la singularización del trabajo de la artista le aporta
un elemento distintivo que no debe desaprovechar.
nieves baviera
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17Nieves Baviera. Selfie me. Fashion film. 2015.

Sintomatología: En los trabajos más recientes de José Antonio Hinojos existe un componente vindicativo que le posiciona frente a toda injusticia, racismo
y prepotencia política o cultural: “Trato de que mi obra funcione como sutil instrumento desmitificador de convencionales percepciones y como cuestio-
nadora de prejuicios, paradigmas o supremacistas posicionamientos étnico-culturales, sociales, y políticos”, señala. Hinojos pone el dedo en la llaga de
problemáticas actuales que surgen de la deformación y reduccionismo de conceptos complejos relacionados con lo islámico, la cultura e identidad religio-
sa, el terrorismo, la guerra contra éste, el neocolonialismo y los desequilibrios geopolíticos. “Desde ellos, pretendo reflexionar y evidenciar cómo ciertos
discursos totalizadores del poder en referencia a la representación de la alteridad actúan como ficciones instrumentales, teniendo una fuerza emotiva e
ideológica considerable”. Un potente mensaje, muy necesario, que se traduce a fórmulas pictóricas o gráficas, principalmente con óleo, sobre soportes
tradicionales.
La opinión del médico de cabecera: Para los profesores de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH, por boca de los cuales habla Daniel Tejero, el
potencial de Hinojos reside en la multiculturalidad de la que parte en su obra (y de la que no habla de oídas). A su vez, ellos quieren subrayar que “el
conocimiento de los procedimientos pictóricos y de la academia lo ayudan a formalizar con éxito sus propuestas”: “La evolución de este alumno viene
marcada por la profundización en el discurso teórico de la obra así como en los mecanismos de difusión y repercusión de la misma”. Hinojos parte con
dos ventajas con respecto a otros compañeros: una es el “conocimiento de causa”. La otra, la veteranía. Y un pequeño secreto que desvelamos en las
siguientes líneas y que hablan de la humildad de este artista.
La segunda opinión médica: No mantenemos más la intriga y es Reyes Martínez, galerista de Set Espai d’Art, quien descubre el misterio: “Sorprende que
un profesor de pintura de la facultad de Bellas Artes de Altea esté cursando el máster integrándose como un alumno más. Y lo percibo como una manera
positiva en la que él es capaz de cuestionarse su trabajo y aceptar la crítica”. En el espacio creado para el Clínic, mostraba piezas donde el diálogo entre la
geometría, realizada con finas líneas flúor, y los paisajes montañosos sobre los que era ejecutada, llevaban la obra a una dimensión muy contemporánea”.
La galerista destaca además la buena ejecución en el tratamiento del color, pero echó en falta “discurso en la exposición”, algo que supo trabajar mejor
con otros followers de la iniciativa. ¡No se puede bajar nunca la guardia!
Tratamiento: Hinojos emplea para su propuesta final de máster el bombardeo mediático al que estamos sometidos diariamente sobre los turbulentos
acontecimientos que se desarrollan en Oriente Medio desde hace décadas. “Por debajo de toda dialéctica discursiva, surgen los antiguos y nunca enterra-
dos miedos en el imaginario e identidad occidentales”, recuerda. “En esta antigua relación entre el “Islam” y “Occidente” se puede subrayar el peligro de
mutua demonización o de simétrica intolerancia”. Su serie El paradigma de lo islámico contempla todas esas visiones estereotipadas y deshumanizadoras,
lo que insufla de savia nueva al género de la pintura de Historia. “Trabajo parte de estos complejos tópicos, construyendo exageradas y surrealistas esce-
nas en donde aparecen mezcladas la irracionalidad con determinadas realidades políticas y sociales”. Así, el trabajo no se queda sólo en la denuncia, sino
que persigue que el espectador saque sus conclusiones. Consultado sobre su paso por el máster, nos quedamos con una frase que resume la actitud que
debe tener todo artista: “He podido conocer de primera mano el método, conocimientos y proceder académico de mis compañeros docentes”. Descubrir
y asumir al otro siempre nos hace más grandes.
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19José Antonio Hinojos. Asimetric warfare. Óleo sobre tela. 2015.

Sintomatología: Castelló se confiesa. Dice haber sentido siempre la curiosidad por saber el porqué del comportamiento de las personas con las que se
relacionaba: “Trabajé mucho tiempo en empresas privadas y tuve que ver comportamientos rastreros desde la adolescencia. Acciones que, por mucho que
las meditara e intentara justificar, siempre me llevaban a la misma conclusión: el miedo”. Para este artista, es ese miedo el que nos hace tomar decisiones
contra nosotros mismos y a sabiendas. Cuando decidió dedicarse al arte, tomó la determinación de que lo irracional del ser humano y su capacidad para
aceptar y después olvidar las miserias que él mismo se provoca serían los temas que siempre lo acompañarían. La memoria como pozo sin fondo para el
olvido. La interpretación interesada o inconsciente de los actos de los que somos responsables. Mi interés en el arte se encuentra en la exposición pública
de lo que no queremos recordar. Veo lo peor del ser humano como una fuente inagotable de poesía. Castelló dice así no acusar (“simplemente, muestro”).
“Trato lo moral desde la abstracción”, concluye.
La opinión del médico de cabecera: El profesor de la UMH, José Maldonado, sitúa la obstinación y la voluntad de desentrañar como los dos puntos fuer-
tes de Alberto Castelló: “Su trabajo con las imágenes y las sensaciones de un pasado que presiona el presente y se proyecta en el futuro, a pesar de lo
borroso de ambas, es lo que más me atrae de él”. Castelló, según este profesional, narra como nadie desde la oscuridad y el miedo (“y está dispuesto a
renunciar, y a abrirse a otros recursos expresivos, en pos de una necesidad de luz y claridad”). Tengamos esto en cuenta.
La segunda opinión médica: “Recuerdo el trabajo de Alberto a medio camino entre el distanciamiento técnico y la proximidad autobiográfica”, explica el
galerista Jorge Ignacio López de la valenciana Punto. Su dibujo –prosigue– se sitúa, como registro conceptual, a caballo entre la escritura evocadora e im-
precisa de una introspección personal y la contemplación de lo cotidiano. “Los sueños, la fantasía, el mundo de la infancia, el entorno cercano se plasman
en él mediante pequeñas imágenes de factura pretendidamente ingenua”. Alberto Castelló suele presentar así su mundo interior que, para López, pasa
primero filtrado por un lenguaje plástico que evoca “una narración desordenada” y que se nutre “de ironía y de sarcasmo”.
Tratamiento: “Todo es rosa cuando la culpa se encuentra latente a partir del sexo”, escribe Alberto Castelló en la memoria de su proyecto Un garrote rosa,
su trabajo final de máster, en el que el dibujo fragmentado y la instalación se dan la mano. “Mi trabajo es una ficción sobre mi memoria –desarrolla– una
memoria utilizada para inventar historias, una experimentación sobre la representación del drama”. Castelló parte de un paisaje basado en la realidad,
“que es siempre una excusa para experimentar sobre el lenguaje visual y sus diferentes representaciones”. Creen los profesores que nuestro artista es de
los que más ha evolucionado durante este ciclo formativo. “Grandes resistencias al principio y muchas horas de trabajo para desbrozar un lenguaje que
estaba muy en bruto”, recuerda Maldonado. Castelló admite que el martilleo ha sido constante, pero “este ejercicio de autodefinición obligada, de defensa
condicionada, de elecciones bajo presión, de renuncia en pos de la humildad” ha tenido sus frutos (de hecho, pronto disfrutará de una Beca Puenting de
Mustang). Lo más importante es que los “cimientos” de este viejo árbol no han sido dañados, y su copa, ahora podada, luce más desafiante.
alberto castelló
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Alberto Castelló. Un garrote rosa. Instalación / mural dibujado con rotulador y garrote vil rosa. 2015.
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Sintomatología: Puede resultar una respuesta sencilla y hasta ingenua, pero en el fondo es rotunda. ¿Qué es lo que mueve a Alfredo Mas como creador?
Así lo resume él: “Mi interés como artista visual es comunicar ideas mediante piezas u objetos artísticos. Porque, en mi opinión, un creador tiene que ex-
poner sus obras para el disfrute de la sociedad. Cuando esto sucede, surge la oportunidad de hacer pensar a las personas. Sinceramente pienso que ese
momento es único y particular entre el artista y la persona que contempla la obra”.
La opinión del médico de cabecera: De nuevo recurrimos a Daniel Tejero, profesor de la Facultad de Bellas Artes de Altea, para que intente condensar el
potencial de este artista desde un punto de vista académico. Y nuestro interlocutor alude a su contexto: “El potencial de Mas Valero parte de ser un creador
cuya producción artística está muy afianzada en el mercado local en el que está ubicado. De esta forma, su manera de avanzar se situará siempre en el
conocimiento y ampliación de ese mercado para transformarlo en otro profesional más amplio”. En definitiva, si bien Alfredo Mas cuenta con un lenguaje
propio que además ha encontrado un hueco en el sistema, el artista debe ser ambicioso para poder salir de un círculo reducido y ampliar sus límites.
La segunda opinión médica: De una opinión similar es el crítico y comisario Javier Duero: “Uno de los principales desafíos ante los que se encuentra un
artista como Mas Valero es entender las nuevas formas de recepción del arte, asumido éste como un acto comunicativo entre el autor y el público. Y en
su caso, es esencial esta circunstancia, ya que su trabajo se centra en la percepción de imágenes icónicas, elaboradas mediante un proceso creativo que
él quiere vincular a un ámbito afectivo construido desde un imaginario muy personal, conectado con elementos del surrealismo”. Asimismo, Duero señala
que otro de sus desafíos es asumir la movilidad como oportunidad: “Alfredo viaja con frecuencia a Palermo, donde existe una gran tradición de pintura y
obra gráfica. Eso es una oportunidad para aprender, para expandir determinados conocimientos, abriendo esa posibilidad de compartir”. El comisario, que
entiende al artista como un interfaz, ve claro que desde la dinámica de lo colaborativo podrían surgir para nuestro protagonista posibilidades de activar
una red y generar proyectos de intercambio.
Tratamiento: Interpretación de los sentimientos es el título de la propuesta de Alfredo Mas para su proyecto final del máster: “El eje temático del proyecto
se basa en la percepción de la imagen y el placer que proporciona su contemplación”. El autor tiende ahora a lo instalativo, que se apoya incluso en lo
escultórico, sin cederle nunca ni un milímetro de protagonismo a la pintura, con influencias de la corriente psicodélica. “La evolución de este alumno ha
sido lenta y dificultosa –repara Tejero–. Sin embargo, se puede señalar que le ha abierto caminos nuevos de análisis y deconstrucción de la realidad”. Con
ello, y probablemente instintivamente, Mas ha ampliado el imaginario concreto del que partía hacia procesos más contemporáneos, que ahora asume con
naturalidad. “Mis conclusiones respecto al máster es que siempre hay que estar actualizado”, escribe. Quizás se trate de ser consciente de las herramientas
que se usa y el sentido que se da a ese empleo de las mismas. Aún así, Alfredo Mas tiene un gran camino andado, y es que el elemento emocional no le
es ajeno y sabe encontrarlo y situarlo en la imagen.
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Alfredo Mas Valero. Iconos, interpretación de los sentimientos. Técnica mixta acrílica y serigrafía sobre acetato. 2015.
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Sintomatología: Celia Puerto es de esos artistas que se han comprometido tanto con su labor que la han convertido en palanca social y herramienta de
cambio. Durante muchos años, la agricultura fue el trabajo sustentante de su unidad familiar, participando en la elaboración de dichas labores. “Partiendo
de ese contexto, me sensibilizo con estos temas y comienzo a investigar sobre las alteraciones genéticas en las especies vegetales que se realizan en
la actualidad”. Ella misma confiesa cómo ahora sus intereses se dirigen a concienciar al espectador sobre los alimentos transgénicos y el uso abusivo de
los agrotóxicos: “En estos momentos, me interesa desarrollar un proyecto que haga cambiar los hábitos de algunas personas, que cree empatía hacia
situaciones que otras tantas sufren en la actualidad a consecuencia de estos tóxicos y que conciencie, en la medida de lo posible, sobre las terribles si-
tuaciones que se están viviendo en países como Argentina a causa de los transgénicos”. La meta y el campo de acción de esta creadora, por tanto, están
bien definidos.
La opinión del médico de cabecera: ¿Logrará su cometido? Para el profesor de la Facultad de Bellas Artes de Altea Iván Albalate, Puerto tiene una capaci-
dad muy desarrollada en cuanto a la organización y la resolución formal de su trabajo: “La constancia y el rigor es uno de sus puntos fuertes, así como la
buena disposición para modificar y redirigir su trabajo cuando se le hacen sugerencias o recomendaciones para mejorarlo”. Albalate también destaca de
la joven creadora su capacidad para analizar y estructurar las ideas que le surgen “de un modo impecable”.
La segunda opinión médica: El activismo individual entendido como una reflexión crítica que parte del compromiso de ser corresponsable con la Comu-
nidad a la que uno pertenece es para el comisario Javier Duero el marco de práctica artística en el que se inscribe el trabajo de Celia Puerto. Describe la
suya como “una posición sincera y coherente de alguien que, habiendo crecido en un entorno familiar dedicado a la explotación agrícola de pequeña escala
y con variedad de cultivos, se enfrenta a la extensión del monocultivo y a la utilización abusiva de pesticidas y agrotóxicos en la producción de alimentos
transgénicos”. La línea principal de trabajo de la artista en la actualidad es analizar cómo este nuevo contexto está modificando el frágil ecosistema eco-
nómico y social de miles de familias que habitan en el área del Levante. Duero aplaude que este proceso investigativo dé visibilidad a esta situación “en
un contexto social algo conservador” y que delata “unas estructuras políticas muy poco reactivas ante problemas de este calado”.
Tratamiento: Recuerda Albalate que Puerto comenzó el máster con cierta incertidumbre en cuanto a su forma de enfocar el tema que le interesaba. Pero,
a lo largo de su andadura en esta enseñanza, ha sabido conservar sus intereses personales y forjar una línea de trabajo profesional. “Si yo he aprendido
algo con ella –confiesa– es a redescubrir la importancia de llevar los proyectos que uno empieza hasta sus últimas consecuencias. Me ha recordado que
son las inquietudes internas las que ofrecen el discurso necesario para contar algo particular y propio en estos tiempos tan homogeneizados. En definiti-
va: me ha enseñado a mostrar más mi entusiasmo por los proyectos propios”. Y lo ha hecho con un proyecto que ha sabido adaptar sus inquietudes a la
práctica artística contemporánea. Invasión transgénica, su título, resuelve sus intenciones a través de la vídeo-instalación, la fotografía, el fotomontaje y
la performance. Profesores y la misma artista coinciden en que este periodo formativo le ha servido a su autora para madurar y consolidarse como pro-
fesional. No nos queda más que sumarnos a sus opiniones.
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Celia Puerto Espinós. Hacia un mundo sin abejas. Vídeo-instalación. 2015.
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Sintomatología: El artista explica sus intereses como artista en su statement de esta manera: “ Desde mis inicios en el arte, he sentido gran inquietud
por la magia y la grandeza de los elementos que componen la vida. Trabajos anteriores tratan de hallar una respuesta visual de la Química, la Física, de
las Matemáticas, de aquellos elementos que componen nuestro conocimiento de la materia o de las fuerzas que ordenan el universo. Juego técnicamente
para lograr metáforas gráficas de problemas y resoluciones complejas”. Bienvenidos, pues, a un universo en el que Ciencia y Arte se dan la mano.
La opinión del médico de cabecera: La valoración la redacta el profesor Iván Albalate, una opinión fiable: “Creo que este artista tiene una capacidad inne-
gociable para luchar contra las adversidades que se le presentan, sabiendo afrontarlas con valentía y firmeza”. El experto señala que otro de los puntos
fuertes de Mora es su lealtad (“sobre todo a sus principios”). Esto, a su parecer, lo presenta potencialmente como “una persona coherente y comprometida
para afrontar cualquier proyecto artístico”, concluye.
La segunda opinión médica: Mora Utiliza la abstracción como medio expresivo: “La experimentación y aplicación de polígonos, degradados, cortes de
plano,
paralelepípedos y formas orgánicas son la base de mi trabajo”. Sobre este punto se posa la galerista Olga Adelantado: “En sus dibujos, Juan sugiere una
suerte de constelación tridimensional que nos lleva a pensar en las imágenes fractales. Su cercanía al mundo del diseño de joyas le hace buscar en sus
propuestas un desdoblamiento o los primeros dibujos preparatorios de piezas con intenciones futuristas”. Y nos quedamos con su apreciación final: “Se-
guro que será interesante ver la conclusión tridimensional de estos ejercicios”.
Tratamiento: No iba desencaminada la galerista sobre el devenir del trabajo de Mora, sobre todo si atendemos a esta última apreciación del artista: “Para
proyectos futuros, mi intención es aislar mi estilo y mi forma de componer para poder adecuarla y aplicarla a otros campos que domino menos y que
llaman especialmente mi atención. En primer lugar, me gustaría centrarme en los nuevos métodos de diseño y en la incorporación de nuevas tecnologías
al mundo del arte, como podrían ser el diseño o la impresión 3-D”. Explican los profesores de Altea que la evolución de este artista durante el máster ha
sido sutil, pero ha servido para que el creador “afiance su discurso personal y refuerce su personalidad”. Digamos que cuando las metas no son despro-
porcionadas es más fácil materializar las expectativas originales. En ese punto se encuentra Juan Mora.
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27Juan Mora. Defragmentation Waves. 50 x 70 cm. Técnica mixtra sobre papel. 2014.

Sintomatología: Nos recuerda Miriam Rincón que, pese a contar con 23 años, ha cambiado de residencia ya en nueve ocasiones. “Esto me ha hecho re-
flexionar sobre las mudanzas y la adaptación a distintos espacios”, explica. El presente sería el tercer año en el que aborda estas temáticas. Desde el punto
de vista técnico, los materiales protagonistas de sus obras suelen ser el papel, la piel y la madera, mientras que las disciplinas utilizadas son el grabado,
la fotografía y la escultura. “Actualmente, el de la adaptación es un tema que está a la orden del día, y, a través de las distintas piezas, yo propongo una
reflexión metafórica sobre la necesidad, el fracaso o los resultados de los procesos de socialización en el mundo contemporáneo”.
La opinión del médico de cabecera: El profesor de la Universidad Miguel Hernández José Maldonado, y uno de los tutores este año de Miriam, no tiene du-
das: “La capacidad de trabajo es robusta en esta artista. Trata de comprender cada vez con más claridad, y es muy analítica”. Para Maldonado, el potencial
de Rincón se sitúa en su insistencia y en su tesón. “Miriam sabe plantearse un problema y depurarlo poco a poco, mostrando y escuchando; estando atenta
a todas las señales y asumiendo sus errores como ventanas de oportunidad”. Una creadora que sabe afrontar todas las tareas tiene ya un buen trecho
andado. ¿Lo mejor? Que, según el docente, “en casi todas ellas podemos reconocer el rastro de un aprendizaje y la tendencia a ser un paso adelante”.
La segunda opinión médica: Acudimos una vez más a las reflexiones de Jorge Ignacio López, de galería Punto: “La obra de Miriam Rincón, la primera
con la que me topé en el Clínic, compila documentos que nos hablan sobre la raíz como metáfora. Para ello, utiliza la fotografía a modo de silenciador o
amplificador del espacio y el tiempo para catalogar ámbitos destinados a la contención de la Naturaleza en las urbes”. De ella, al galerista le interesa la
dimensión que ofrece del artista como explorador de lo inexplorado: “Miriam parte de la implantación de una especie arbórea como el alcorque, que fue
trasplantado e incorporado artificialmente para dar sombra en las ciudades mediterráneas (el hábitat contenido). Lo que vemos es sólo una pequeña parte
del cuerpo de su trabajo, y es lo oculto (lo autobiográfico), lo que hace que lo visible exista”. López se refiere a “esa parte que aparentemente ignoramos”
y que enlaza con la Historia en una especie de mímesis con el árbol y con la fotografía como documentación y narración de la mudanza y falta de arraigo.
Un personal trabajo que nace del análisis de la ordenación del espacio para contener la Naturaleza en un entorno que le es hostil.
Tratamiento: Rincón cierra su master con el proyecto Naturaleza contenida. Contenedores antinaturales, en torno a la Naturaleza y a cómo el ser humano
elige y limita el espacio en el que ésta se encuentra. Una metáfora entre el espacio del que dispone el árbol y el nuestro propio. La artista busca belle-
za en lo inesperado. “He llegado a la conclusión de que el máster consiste en profesionalizar al artista. Salimos preparados de la carrera, sí, pero no lo
suficiente”. La creadora admite que ha madurado un proyecto a largo plazo, y que ha evolucionado técnica y conceptualmente. Lo bueno –y así lo creen
los profesores– es que Miriam “tiene tesón y cree en el arte como vía de transformación”. El espíritu “romántico” regresa de nuevo al arte. Es posible y
factible, y, cómo subraya José Maldonado, “no está reñido con ser práctico”: “La ilusión de Rincón y su aparente caos animan”. Sean pues bien recibidos.
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Miriam Rincón. Ausencia. Fotografía digital. 2015.
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Sintomatología: Joan-Sabas Pardo proviene del mundo del teatro, por lo que nos interesa su enfoque de la disciplina artística: “Como escenógrafo, los
trabajos en el ámbito escénico han centrado en estos últimos años mi actividad principal, He estado, y estoy interesado, en la creación y la investigación
sobre artes escénicas en su contexto más amplio: teatro, ópera, danza...”. Sus inquietudes actuales se centran en indagar en las relaciones espaciales, su
vertiente plástica y estética, de forma que el del arte era una parada obligada para analizar allí las relaciones que se establecen entre lo espacial, lo tem-
poral y el público como receptor del mensaje. “Los proyectos que actualmente desarrollo –prosigue explicando– se encuentran en la intersección entre las
artes escénicas y las performativas, la instalación, los objetos interactivos y la intervención espacial”. Sus últimas propuestas, ya nacidas de la hibridación
con el arte, se centran en el estudio de posibles asentamientos y apropiaciones de diferentes espacios ajenos a la escena por parte de la escenografía.
La opinión del médico de cabecera: Para el profesor José Maldonado, Joan-Sabas Pardo es de esos creadores que saben resolver y hacer de la necesidad
virtud: “La necesidad de un “complemento” –expone– es clara en Joan. Y es su curiosidad por tal “complemento” lo que deviene potencial. Este autor
tiene muy claro su campo de interés principal, pero en su trabajo en el máster, en la forma de relacionarse y preguntar, de posicionarse y de abrir los
discursos, se detectaba cierta tensión”. Maldonado cree firmemente que nuestro protagonista no desea estar constreñido ni formal, ni conceptualmente.
Eso le lleva siempre a “esforzarse por ir más allá, con atención y mucha curiosidad”. Todo ello, con la veteranía a cuestas proveniente de otros ámbitos,
es mucho más que una palanca de cambio e impulso. Es un ejercicio de humildad.
La segunda opinión médica: Acudimos por primera vez a la opinión de Sandra Moros, una de las dos cabezas visibles de la galería Espai Visor, en la ca-
pital valenciana. A ella le interesa el movimiento que se produce en la obra de Joan-Sabas Pardo de la escenografía teatral hasta el ámbito artístico de la
instalación: “El artista introduce la teatralidad como un elemento más de la obra de arte, recordando inevitablemente los debates de los años sesenta en
torno a este concepto en el seno del Minimalismo, aunque de una forma totalmente diferente y con preceptos ya superados por el tiempo”. La galerista
apunta a que nos situamos ahora ante una labor donde la narración forma parte de la obra a partir de la apropiación de los textos de Beckett. “Pardo
genera preguntas en el espectador acerca de la vida y la existencia humanas, y lo hace creando una experiencia única y personal en el momento de per-
cepción de su propio trabajo”.
Tratamiento: Sentirse extraño, como cree José Maldonado que se encontraba Pardo en el máster, no tiene por qué ser malo. Al contrario. Es un revulsivo
para buscar respuestas. Desde el arte ha completado el proyecto El teatro invisible, integrando el teatro –“la plástica escénica”, como él la define– en el
campo expandido en el que gran parte del arte contemporáneo se sitúa actualmente. Desde un punto de vista formal, El teatro invisible lo conforman un
conjunto de maquetas, fotografías, bocetos, intervenciones en el espacio público, una escenografía para la obra La alambrada de la razón –estrenada en
el centro Párraga de Murcia el pasado 6 de junio– y una instalación en el ámbito expositivo de Cigarreras. “El desafío –concluye– ha sido responder a la
pregunta de si es posible la escenografía sin escenario: ¿Cómo sería la dramaturgia? ¿Cuáles sus espacios? ¿Podría llamarse instalación escenográfica a
este género? Y, finalmente: ¿Cuál sería el papel del escenógrafo?”. Las respuestas quedan en manos del espectador, mientras Pardo, que se ha enfrentado
a un destilado proceso de investigación con un pie en cada ámbito, considera haber salido enriquecido con el reto. También nosotros.
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31Joan-Sabas Pardo. ...mañana seguramente vendrá. Instalación. Madera, cuerda, alfombra. 2015.

Sintomatología: La experimentación siempre ha estado en el punto de mira de esta joven creadora que, como artista visual, se ha visto inmersa en las
más variadas disciplinas: escultura, vídeo, fotografía y performance. “Sin embargo, en la actualidad, mi trabajo se ha enfocado más en este último ámbito,
interesada por la relación cuerpo-objeto-espacio, para reflexionar sobre lo sagrado como concepto de poder, inmutable y arbitrario a nivel social, cultural
y político”. Para ello, Ros se sirve de la ficción (“un campo abierto para subvertir y desacralizar desde mi imaginario visual lo sagrado”). La creadora mani-
pula los iconos, y recurre asimismo al ámbito de la sexualidad, en un deseo de desmaterializar el poder del objeto cotidiano y otorgar nuevos significados
a las definiciones asumidas. Para el colofón del máster, todo esto se ha traducido a Dinámicas de poder y acción, una serie de tres vídeo-acciones y una
performance que cierran un ciclo.
La opinión del médico de cabecera: La profesora Carmen García Muriana ha sido la encargada de dirigir la tesis que Arántzazu Ros prepara en la Univer-
sidad Miguel Hernández. Nadie como ella, pues, para interrogarle sobre los puntos fuertes de esta artista: “Considero que el potencial de Arátzazu reside
en aquello que no se torna fácilmente visible en su obra y que, sin embargo, se materializa en su particular imaginario y sentido del humor, así como
gesto tras gesto. Me estoy refiriendo a la forma que tiene de utilizar sus vivencias, intereses y preocupaciones para crear nuevos significados abiertos a la
interpretación a partir de la deconstrucción de objetos y acciones”. Para García Muriana, la evolución de Ros está ligada a su toma de conciencia personal
y artística. A la capacidad, podríamos decir, de haber ido deshaciéndose de los andamiajes y de reconocer sus propias herramientas.
La segunda opinión médica: Los dos responsables de Espai Tactel, la joven galería emergente valenciana, aportan el punto de vista externo. Ellos pudieron
analizar el estadio intermedio de su actual proyecto, desplegado en los entornos del Clínic. Y así justifican lo experimentado: “Las piezas fálicas y flácidas
de Arántzazu no dejaban indiferente a nadie. La espada es y será por siempre un arma con esa clara referencia. La flacidez, la textura y el color elegido
para el objeto (el rosa chicle, que también posee unas connotaciones queer muy obvias), al igual que su posterior acción, sitúan a la artista dentro de un
contexto explorado por autoras como Ana Laura Aláez e Itziar Okariz. Sus justificaciones a veces resultan naïves, pero, en muchos casos, convincentes”.
Para estos galeristas, la acción que realiza es clara, rotunda y posiblemente chocante para el público en general. Nos quedamos con el calificativo tras la
pausa: “Interesante”.
Tratamiento: Lo sagrado es aquello que debe ser venerado. En Dinámicas de poder y acción, Arántzazu reivindica romper las normas establecidas y, con
ello, redefinirnos identitariamente: “Presento la ficción y el abanico de posibilidades que esta nos da –y que ligan muy bien con el concepto de la sexua-
lidad y la pluralidad de identidades sociales que la conforman– para iniciar un ejercicio de autoexploración del cuerpo en relación con los objetos. Esta
sexualidad se basa en el gesto, los movimientos y la reiteración, lo que hace asentar los conceptos de interiorización y puesta en escena en el individuo”.
Cree García Muriana que Arátzazu le ha enseñado a recordar, a tener presente por qué hacemos lo que hacemos (“parafraseando a Esther Ferrer, el arte
hecho en libertad es siempre político”). Ros por su parte, ha aprendido a aprender, a superarse sin convencionalismos: “Al fin y al cabo, lo que hace el
artista es exponer su vida, su percepción y su visión de la sociedad”. Eso requiere un ejercicio de interiorización diario y sin ataduras. Queda mucho por
aprender, pero las bases son sólidas. Y lo más importante: la artista cree en ellas.
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Arántzazu Ros. Soy exploradora, no geógrafa. Fotografía digital. 2015.
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Sintomatología: Como Licenciada en Filología Eslava y en Bellas Artes, las obras de Elena Toreli están intrínsecamente relacionadas con el mundo de la
Literatura, mostrando predilección en el arte por la figuración. Las técnicas que utiliza para expresar su interés por el ser humano (su memoria, recuerdos,
psicología…), son la pintura, el grabado, la ilustración y su combinación en instalaciones. “A nivel pictórico, normalmente realizo retratos que hacen refe-
rencia a personajes sacados de los libros, pero intento ver a estos héroes como personas reales que sirvieron de prototipo para sus escritores o creadores,
una especie de proceso inverso que muestre el origen humano de su reflejo literario”. Por otro lado, las instalaciones, una de sus líneas de actuación más
interesante, muestran la segunda parte de sus divagaciones en torno a la relación del sujeto con el espacio: “Yo las entiendo como un desván repleto de
extraños artilugios, de objetos o símbolos que despiertan la curiosidad e invitan a deducir lo siniestro y oscuro, y que, en mayor o menor medida, todos
guardamos dentro”.
La opinión del médico de cabecera: “Creo que Elena Toreli tiene una alta capacidad para trabajar las ideas y una visión fresca de lo que es un proyecto
artístico”. Quien así se expresa es el profesor de la Facultad de Bellas Artes de Altea Iván Albalate. “Toreli presenta con facilidad temas que tienen un po-
tencial elevado como discursos contemporáneos y sabe superar cualquier dificultad que se le presenta, ya que su carácter reflexivo le ayuda a no tomar
decisiones equivocadas”. Para este docente, su evolución ha sido ejemplar, ya que, en los inicios, “solamente podía entender el máster como un terreno en
el que desarrollar lo teórico”. Al final del periodo, la creadora rusa ha demostrado saber llevar toda esa carga conceptual que tanto le interesa a la plasma-
ción práctica de su trabajo, “con un nivel de profesionalidad muy elevado”, según Albalate: “Creo que la palabra clave para su evolución sería integración”.
La segunda opinión médica: Pasamos la palabra a Alejo Negro, una de las voces de la galería Espai Visor, en Valencia, que destaca la capacidad de Toreli
para fusionar Arte y Literatura: “La labor de su obra pictórica a través de los textos literarios se desarrolla de forma perfecta gracias a su formación como
filóloga y licenciada en Bellas Artes. Adentrarse en una de sus exposiciones te transporta al interior de un libro ilustrado”. Negro destaca la carga de mis-
terio de sus piezas, “la cual involucra al espectador en un mundo de fantasía, sobre todo en sus series Cuentos criminales y Bajo el cristal”. Por último,
el galerista pide que atendamos a sus instalaciones: “Cuando sus pinturas o grabados son expuestos, forman parte de un montaje completo en el que
se genera una especie de escenografía que ayuda a penetrar en la historia y a convivir con los personajes”. Sin duda, podríamos decir que Elena Toreli
funciona como un libro abierto.
Tratamiento: El proyecto final de Toreli se nutre del mundo imaginario del escritor ruso Daniil Kharms. (1905-1942). Tras la experimentación con técnicas
como las del monotipo y el arte textil, esta artista de origen ruso se sumerge en varios escritos de su compatriota. La autora plasma en imágenes los
principios de su Literatura del absurdo y su peculiar relación de lo temporal y lo espacial, acontecimientos ilógicos y humorísticos. “Sobre todo, me gusta
realzar el contraste del imaginario del escritor con la cruel realidad que le rodeaba en los años 20 y 30 en la Unión Soviética”. Junto a este trabajo, con-
tenidos de
la serie Cuentos criminales. En este proyecto, a través de la pintura y la instalación, se juega con la imagen de personajes literarios que una vez vivieron
realmente y que destacaron por ser criminales de primera línea. “En cierto modo, una de las ideas que subyace en este conjunto es que la vida de un
personaje imaginario no está tan lejos de la realidad. Por cruel o triste que sea una creación literaria, nuestra existencia supera con creces la maldad y
perversión que los cuentos nos muestran siendo todavía niños”. El máster ayudó a Toreli a aclarar y reafirmar su línea de trabajo e insertarla en el ámbito
de las artes plásticas. Un verdadero ejercicio de traducción, en todos los sentidos, cuyos mejores capítulos aún están por escribir.
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Elena Toreli. Un jóven que sorprendío al sereno. Collagraph sobre papel Fabriano Unica Blanca. 2015.
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Sintomatología: La unión del arte con la vida es algo que caracteriza el trabajo de Marina Yepes. Así lo cree esta creadora, con un marcado carácter femi-
nista: ”Aunque siempre haya intentado huir de mi experiencia personal poniendo como ejemplo las vivencias de otras mujeres, en el trascurso del tiempo
se puede ver reflejada la evolución de mis propias vivencias en mi labor”. A través del estudio e investigación, sus proyectos propician soluciones a sus
inquietudes sobre el papel que jugó y juega la mujer en la sociedad: “Todo ello queda materializado de alguna manera en las diversas obras plásticas”. Su
trabajo incluye además una veta antropológica para nada desdeñable que funciona como caja de resonancia de sus aspiraciones.
La opinión del médico de cabecera: De esta manera, el proyecto Tribu Yun intenta recomponer mitologías o acciones rituales utilizadas a lo largo de la
Historia por grupos o tribus matriarcales, matrilineales o que simplemente resisten al sistema represor para crear una nueva tribu. Siguiendo estas premi-
sas, la artista crea un nuevo código y un nuevo mensaje para introducirlo dentro de los orígenes de lo que será posteriormente entendido como “nuestra
tribu”. En cuanto a los aspectos técnicos, Yepes combina técnicas, medios y materiales convencionales con nuevas tecnologías para hacer referencia a
los saltos de unos momentos históricos respecto a otros. Para algunos de sus profesores, como Tatiana Sentamans y Daniel Tejero, los grandes valores
de esta artista son su energía y la necesidad de reivindicación de su propia identidad: “Bajo la coartada de las culturas inventadas, Marina teje nuevos
mundos donde poder ser”. Un pasaporte, pues, a la dignidad.
La segunda opinión médica: Para los dos responsables de Espai Tactel, la intención de Marina Yepes por recrear tribus ficticias a partir de experiencias
vitales y ocuparse de la investigación antropológica para hablar del rol de la mujer (y, obviamente, también de su sexualidad), es un punto de partida
interesante, que, posiblemente por su carácter inabarcable en un único proyecto, ofrece una lectura muy epidérmica y de primeras impresiones. Los
galeristas destacan el empleo de medios tecnológicos (ipad y códigos QR), con contenidos que nos remiten a un pasado primigenio, donde aún deben
crecer en libertad sus referencias conceptuales y estéticas. Desde Espai Tactel se destaca sus aspiraciones, un fértil punto de arranque que puede escribir
interesantes capítulos en un futuro no muy lejano.
Tratamiento: La artista lo tiene claro: “A través de la creación de una nueva tribu durante la realización del máster he pretendido iniciar un proyecto que
experimenta a través de la experiencia personal y la investigación. No muestro, por tanto, un trabajo acabado, sino el inicio de un gran proyecto en el
que embarcarme. La necesidad de buscar en los orígenes de la sociedad el papel que juega la mujer ha sido muy importante para tomar conciencia de
la situación actual y de los posibles cambios de cara al futuro”. Coinciden sus profesores en que, en estos meses, la evolución de la artista ha venido
marcada por la ampliación de su discurso y de su propio método investigativo. Lo que Marina Yepes nos puede aportar a los demás es que su mirada
desprejuiciada dialoga muy bien con el cambio social en el que estamos inmersos y que ni todos desean abordar, ni están preparados para hacerlo. Sus
obras harán más liviana la transición.
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37Marina Yepes. Cánticos de amor. Instalación audiovisual. 2015.

Gnome
Spend the years of learning squandering
Courage for the years of wandering
Through a world politely turning
From the loutishness of learning.
Samuel Beckett 1932
Es difícil, tampoco fácil, aunque esto pueda resultar paradójico, diferenciar aquello que se recibe de aquello otro que ofrecemos con generosidad.
Quizá esta sea una de las esencias indistinguibles del arte, pero también lo es de la formación investigadora y universitaria. Da lo mismo el campo de
conocimiento o el área de interés. Da lo mismo. Se avanza a través de una amalgama de intuición, esfuerzo, ilusión, protocolos y algoritmos, fracasos y
éxitos que repercuten, siempre, en los demás… con incertidumbre. Mostrar el resultado de tal amalgama es el deseo del artista, del científico, de quien
trabaja y de quienes construyen, habitan y piensan.
Hoy, aquí y ahora, al coger esta hoja, lo que vas a ver, pensar y sentir inevitablemente, no es el resultado del trabajo de alumnos. En cierto modo nunca
lo fueron. Tengo la sensación, una sensación intensa, de que aportaron tanto como recibieron, cada una y cada uno a su manera, con sus resistencias y
derivas y su mirada especial; con sus aproximaciones y sus distanciamientos de aquello que en ciertas ocasiones, más de las necesarias, parece lo im-
prescindible y necesario tanto para el arte como para la llamada formación académica.
Sí, ellos son los que resisten, y lo hacen porque es en tal resistencia donde el arte se ofrece: ahí lo encontramos, y es ahí donde la obra se construye y
con pasión la habitamos, y donde acaba brotando toda emoción y todo pensamiento.
Quizás nunca fueron alumnos de la Facultad de Bellas Artes de Altea y tampoco trabajaron en los talleres del Máster en Proyecto e Investigación en Arte.
Quizás nunca estuvieron con nosotros en el Clinic –es una hipótesis, pero hemos trabajado junto a ellos y nuestro deseo ha sido potenciar su trabajo y
proyectarlo más allá… hasta aquí y ahora, y a otros lugares aún desconocidos. Más allá todo depende de ti, de tu generosidad para aproximarte a su tra-
bajo y divulgarlo. Es tu aportación, tu generosa aportación: apreciarlo.
Los artistas que participan con sus obras son Ana García, Arántzazu Ros, Alberto Castelló, Sebastián Chisari y Saúl Sellés.
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clinic
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Obras, las de todos ellos, sutiles en su divergencia de la realidad y esforzadas por mantener un vínculo tozudo con ella para que los demás podamos en-
contrar el hilo conductor, el camino de baldosas amarillas, que nos permita llegar justo al lugar donde el mago emite sus enunciados y los significantes
caen pesados con el lastre de sus significados simples y falsamente seductores. Todo es más aterradoramente complejo… la vida es obviamente extraña.
Y no, no es polisémica ni semántica la cuestión: es la vida. El arte, lo hecho con él , sus productos, se enclava en la vida misma y trata de mostrarla des-
nuda, en toda su esplendorosa apariencia. La singularidad es, como la vida, extraña –parece repetición pero no lo es.
El trabajo de Ana García camufla, esconde y trata de reintegrar paisajes y emociones a un estado dimensional inquietante. Horizontes que vibran a través
de texturas, de pieles y superficies que no lo son… al final no lo son, y eso genera una distancia que vuelve la obra una especie de puerta a una dimensión
ritual y chamánica. Sus obras son umbrales inquietantes donde una segunda naturaleza, artificiosa, se retuerce en una tibia bruma de tiempos y procesos.
Una naturaleza que se deshace en escamas, fragmentos, trozos, pedazos y rasgaduras que se unen para anunciar levedad y lo efímero de toda unión y
horizonte.
Por último el trabajo de Saúl Sellés, vertiginoso y explosivo. Una obra que transpira resistencia ágil y meditada. Saúl se enfrenta a la domesticación del
instinto y el deseo. Todo es su obra es anhelo y devoción por el fracaso y por los héroes caídos y magullados; por el esfuerzo vano y sin recompensa; por
esos momentos de esplendor que surgen del individuo cuando se enfrenta a retos que requieren de esfuerzo, pasión y entrenamiento, demasiado entre-
namiento. En la obra de Saúl la crítica se incrusta como un parasito en cada uno de los movimientos de su acciones, en cada uno de los elementos que
constituyen el corpus fibroso dispuesto al castigo y a la caída. Cada paso, cada gesto, cada trazo o palabra, los sonidos, todo, responden a una tensión
que no se relaja y que se excita con cada estímulo tensándose aún más y más y más. Fracturas y magulladuras son comentarios a pie de obra.
En fin, estas líneas podrían haber sido otras pero penden esencialmente del respeto que siento por los artistas y sus obras. Del cariño por aquellos que
empeñan su deseo y se esfuerzan en la generosidad.
[Texto realizado para la exposición Muelle en la Galería Mr. Pink. 18 de junio - 30 de junio de 2015]
José Maldonado (AKA limboboy)
Artista y profesor en la Facultad de BBAA de Altea
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exposiciones 2014/2015 - 2015/2016
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El máster ha desarrollado y generado diferentes muestras en sus dos años de existencia. Cigarreras en Alicante, Mr. Pink, en Valencia, y la sala de exposiciones de la Univer-
sidad de Alicante.
Imágenes diversas de estas exposiciones. 42

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Esta exposición, así como todas las que precedieron a la misma, se ha podido realizar
gracias al esfuerzo y a la generosidad de todos los artistas e instituciones publicas y pri-
vadas que de una u otra forma han participado en el nacimiento y desarrollo del Máster
en Proyecto e Investigación en Arte de la Facultad de Bellas Artes de Altea.
Gracias a todos por estar en ella y por aceptar con cariño y relax los posibles errores que
el factor humano suele dejar por el camino.
- es – y + es +… y todos lo matices que entre ambas expresiones pudieran darse…
José Maldonado.
Las imágenes de la exposición fueron realizadas tratando de preservar la luz natural de
la sala. No se empleó iluminación artificial para mostrar las obras expuestas en ningún
momento de la duración de la muestra.
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obras y artistas 2014/2015/2016
dos años de máster

46Alberto Castelló. El fuego primigenio / La piel de Prometeo / La muerte de Prometeo / Todos los males del mundo. Medidas diversas. Soldadura. 2014.

47Alfonso Julián Sánchez Luna. Rescoldo. Temple resinoso sobre papel.

48Alfredo Mas Valero. Feel. Intervención + vídeo / Técnica mixta. 2016.

49Amparo Alepuz. 3G. Técnica mixta / lienzo. 2016.

50Ana Fogeda. El jardín de las delicias. Pintura acrílica sobre papel. 2016.

51Ángel Castaño. Anamnesis. Técnica mixta sobre tela. 2016.

52Antonio Pérez. Horror Vacui / Horror Vacui Azul. Esmalte sintético sobre tablero de aglomerado recuperado atornillado a la pared / Esmalte sintético sobre puerta de cocina.
2016.

53Bernabé Gómez Moreno. Dilated horizonts 03. Lambda print. 2015.

54Celia Puerto Espinos. Transgénico I y II. Fotografía sobre sobre PVC. 2015.

55Chenia. Ciudad 2. Impresión sobre acetato y óleo sobre papel. 2015/2016.

56Daniel Tejero Olivares. Ricard Dog. Grafito sobre papel. 2014.

57David Vila Moscardo. In & Out. Bronce y piedra. 2016.

58Emilio Roselló. Formar de un error. Imágenes en papel fotográfico. 2013.

59Estefanía Rodríguez. A / E. Técnica mixta sobre tela. 2016.

60Inma Mengual. Ara en siete. Piedra y hueso. 2014.

61Iván Albalate. Deutoronomio. Fotografía en papel perla sobre dibond. 2016.

62Javier Moreno. No habéis aprendido nada. Spray acrílico sobre pared. 2016.

63Joan-Sabas Pardo. El box. Instalación. Técnica mixta. 2015.

64José Antonio Hinojos. An-icon. Técnica mixta sobre lienzo. 2016.

65José Luis Maravall. El Templo de Hueso / El Bosque de Piedra / La Cabaña en el Pantano / La Cuarta Marca. Ilustración digital impresa sobre papel fotográfico. 2015/2016.

66José Maldonado. Casi falso Maldonado. Acrílico, pigmentos de titanio iridiscentes y platos de cerámica de Paterna del siglo XIII sobre pared. 2016.

67José Vicente Marín. El fin de la biografía. Grafito sobre papel. 2016.

68Juan Francisco Martínez Albacete. Dánosle hoy. Vaciado y construcción en cera. 2015.

69La Mutua Artística. El ladrón de auras o Nefertiti. Fotografía y audio exhibido en monitor de televisión. 2016.

70Lourdes Santamaría Blasco y Carlos Llorens. Baile de máscaras. Electrografía sobre papel Avorio. 2015.

71Luisa Atanor. Código abierto-Código cerrado. Instalación. 2016.

72Maitane Pastor Garbi. Invasión. Metales fundidos y madera. 2014.

73María José Zanón. Paisaje del transitar. Hierro, pizarra y cera. 2010.

74Marina Yepes. Círculo protector Tribu Yun. Instalación. 2015.

75Mirian Díaz Rincón. Ausencia / Presencia. Fotografía digital. 2015.

76O.R.G.I.A Sculture Lab Riot #1. Fotografía digital en blanco y negro. 2014.

77Paula Muñoz Tovar. Reiteración, Caos, Repetición. Instalación / Objetos diversos. 2016.

78Rocío Cifuentes. Deseo VII. Cabello humano y fieltro. 2014.

79Rocío Villalonga. In Memoriam. Collage. 2016.

80Silvia Mercé Cervelló. Flipper. Técnica mixta sobre papel. 2014.

81Susana Guerrero. El Vigor de los cabellos de Medusa. Cerámica esmaltada, cuerno y terciopelo. 2009.

82Teresa Marín García. Lección #0. Nivel principiante: ganar no es ganar-v2. Bordado sobre fieltro estampado. 2014.

83Vicente J. Pérez Valero. Ser vacante. Fotografía Digital. Impresión en papel fotográco sobre PVC. 2016.

84
algunos detalles...

85Alberto Castelló. El fuego primigenio / La piel de Prometeo / La muerte de Prometeo / Todos los males del mundo. Medidas diversas. Soldadura. 2014.

86Alfonso Julián Sánchez Luna. Rescoldo. Temple resinoso sobre papel.

87Alfredo Mas Valero. Feel. Intervención + vídeo / Técnica mixta. 2016.

88Amparo Alepuz. 3G. Técnica mixta / lienzo. 2016.

89Ana Fogeda. El jardín de las delicias. Pintura acrílica sobre papel. 2016.

90Ángel Castaño. Anamnesis. Técnica mixta sobre tela. 2016.

91Antonio Pérez. Horror Vacui / Horror Vacui Azul. Esmalte sintético sobre tablero de aglomerado recuperado atornillado a la pared / Esmalte sintético sobre puerta de cocina.
2016.

92Bernabé Gómez Moreno. Dilated horizonts 03. Lambda print. 2015.

93Celia Puerto Espinos. Transgénico I y II. Fotografía sobre sobre PVC. 2015.

94Chenia. Ciudad 2. Impresión sobre acetato y óleo sobre papel. 2015/2016.

95Daniel Tejero Olivares. Ricard Dog. Grafito sobre papel. 2014.

96David Vila Moscardo. In & Out. Bronce y piedra. 2016.

97Emilio Roselló. Formar de un error. Imágenes en papel fotográfico. 2013.

98Estefanía Rodríguez. A / E. Técnica mixta sobre tela. 2016.

99Inma Mengual. Ara en siete. Piedra y hueso. 2014.

100Iván Albalate. Deutoronomio. Fotografía en papel perla sobre dibond. 2016.

101Javier Moreno. No habéis aprendido nada. Spray acrílico sobre pared. 2016.

102Joan-Sabas Pardo. El box. Instalación. Técnica mixta. 2015.

103José Antonio Hinojos. An-icon. Técnica mixta sobre lienzo. 2016.

104José Luis Maravall. El Templo de Hueso / El Bosque de Piedra / La Cabaña en el Pantano / La Cuarta Marca. Ilustración digital impresa sobre papel fotográfico. 2015/2016.

105José Maldonado. Casi falso Maldonado. Acrílico, pigmentos de titanio iridiscentes y platos de cerámica de Paterna del siglo XIII sobre pared. 2016.

106José Vicente Marín. El fin de la biografía. Grafito sobre papel. 2016.

107Juan Francisco Martínez Albacete. Dánosle hoy. Vaciado y construcción en cera. 2015.

108La Mutua Artística. El ladrón de auras o Nefertiti. Fotografía y audio exhibido en monitor de televisión. 2016.

109Lourdes Santamaría Blasco y Carlos Llorens. Baile de máscaras. Electrografía sobre papel Avorio. 2015.

110Luisa Atanor. Código abierto-Código cerrado. Instalación. 2016.

111Maitane Pastor Garbi. Invasión. Metales fundidos y madera. 2014.

112María José Zanón. Paisaje del transitar. Hierro, pizarra y cera. 2010.

113Marina Yepes. Círculo protector Tribu Yun. Instalación. 2015.

114Mirian Díaz Rincón. Ausencia / Presencia. Fotografía digital. 2015.

115O.R.G.I.A Sculture Lab Riot #1. Fotografía digital en blanco y negro. 2014.

116Paula Muñoz Tovar. Reiteración, Caos, Repetición. Instalación / Objetos diversos. 2016.

117Rocío Cifuentes. Deseo VII. Cabello humano y fieltro. 2014.

118Rocío Villalonga. In Memoriam. Collage. 2016.

119Silvia Mercé Cervelló. Flipper. Técnica mixta sobre papel. 2014.

120Susana Guerrero. El Vigor de los cabellos de Medusa. Cerámica esmaltada, cuerno y terciopelo. 2009.

121Teresa Marín García. Lección #0. Nivel principiante: ganar no es ganar-v2. Bordado sobre fieltro estampado. 2014.

122Vicente J. Pérez Valero. Ser vacante. Fotografía Digital. Impresión en papel fotográco sobre PVC. 2016.

continuará...
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