Almanaque historia

Almanaque
Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial
Desde la creación de los derechos de autor al esencialismo orgánico
Por Jenifer Monje Aranda
Historia del Diseño 2011

INTRODUCCION …………………………………………………………………………………………………….. PAG 1
LINEA DE TIEMPO ………………………………………………………………………………………………… PAG 2
1- 1826- MOBILIARIO PATENTADO ……………………………………………………………………………... PAG 3-5
2- 1850- ART AND CRAFT …………………………………………………………………………….................... PAG 6-10
3- 1860- CRAFT REVIVAL ……………………………………………………………………………...................... PAG 11-14
4- 1870- MOVIMIENTOS ESTETICOS ………………………………………………………………………….. PAG 15-21
5- 1890- ART NOUVEAU ………………………………………………………………………………………….... PAG 22-25
6- 1897- SEZESSION ………………………………………………………………………………………………… PAG 26-28
7- 1897- JUGENDSTIL ………………………………………………………………………………………………… PAG 29-31
8- 1900- FORDISMO …………………………………………………………………………………………………. PAG 32-36
9- 1900- VANGUARDISMO …………………………………………………………………………………………. PAG 37-47
10- 1907- WERKBUND (DWB) ………………………………………………………………………………………. PAG 48-51
11- 1910- EXPRESIONISMO …………………………………………………………………………………………… PAG 52-56
12- 1914- CONSTRUCTIVISMO ……………………………………………………………………………………… PAG 57-60
13- 1915- READY MADE ……………………………………………………………………………………………… PAG 61-63
14- 1917- NEOPLASTICISMO (de stilj) ……………………………………………………………………………. PAG 64-67
15- 1919- BAUHAUS ……………………………………………………………………………………………………. PAG 68-71
16- 1920- INTERNATIONAL STYLE ……………………………………………………………………………… PAG 72-74
17- 1920- SURREALISMO …………………………………………………………………………………………... PAG 75-79
18- 1925- ART DECO …………………………………………………………………………………………………. PAG 80-85
Índice

Tendencias y estado del arte del Diseño Industrial 2
19- 1928- DYMAXION (RICHARD BUCKINSTER FULLER) ………………………………………………. PAG 86-92
20- 1930- DISEÑO ORGANICO ……………………………………………………………………………………. PAG 93-96
21- 1930- STREMLINE MODERNE ……………………………………………………………………………….. PAG 97-100
23- 1930- SWEDICH MODERNE ………………………………………………………………………………….. PAG 101-103
24- 1930- KITSCH ……………………………………………………………………………………………….…….. PAG 104-106
25- 1940- DISEÑO ITALIANO ………………………………………………………………………………………. PAG 107-110
26- 1950- DISEÑO ESCANDINAVO ……………………………………………………………………………….. PAG 111-114
27- 1950- POP ART ………………………………...………………………………………………………………… PAG 115-120
28- 1950- HARD EDGE …………………………………………………………………………….………………… PAG 121-123
29- 1953- ESCUELA ULM ………………………………………………..…………………………………………. PAG 124-127
30- 1958- OP ART ……………………………………………………………………………………………………. PAG 128-130
31- 1960- DISEÑO RADICAL (ANTIDISEÑO) ………………………………………….…..…………………… PAG 131-135
32- 1960- ARTE PSICODELICO …………………………..…………………….………………………………… PAG 136-139
33- 1960- SPACE AGE …………………………………………………………….………………………………… PAG 140-142
34- 1965- MINIMALISMO ……………………………………………………………………………………………. PAG 143-146
35- 1966- ARCHIZOOM ……………………………………………………………………………………………… PAG 147-149
36- 1966- SUPERSTUDIO …………………………………………………………………………………………… PAG 150-152
37- 1968- GRUPO 9999 …………………………………………………………………………………………….. PAG 153-154
38- 1970- GRUPO STRUM …………………………………………………………………………………………. PAG 155-157
Índice

39- 1970- DISEÑO RETRO …………………………………………………………………………………………. PAG 158-160
40- 1973- GLOBAL TOOLS …………………………………………………………………………………………. PAG 161-163
41- 1977- GRUPO ALCHIMIA ………………………………………………………………………………………… PAG 164-165
42- 1978- HIGH TECH ………………………………………………………………………………………………… PAG 166-170
43- 1978- POST INDUSTRIALISMO …………………………………………………………………….….…….. PAG 171-173
44- 1980- ECODISEÑO ………………………………………………………………….……………………….…….. PAG 174-178
45- 1980- GRUPO MEMPHIS ………………………………………………………………………………..……… PAG 179-182
46- 1988- DESCONTRUCTIVISMO ………………………………………………………………………………… PAG 183-186
46- 2000- ESCENCIALISMO ORGANICO ………………………………………………………………………. PAG 187-189
CONCLUSION ……………………………………………………………………….……………………………….. PAG 190-191
Índice

A través del paso de los años hemos sido los
espectadores pudiendo sentir, ver, tocar, oler,
saborear y ser participes generadores de tendencias
mediante ideas o las mismas acciones y
desempeños de cada una de las culturas,
convergiendo e introduciendo en nuestras memorias
estas experiencias y experticias; es lo que
conocemos hoy como Historia. Entonces es en este
concepto de la historia donde día a día se producen
cambios involucrando en ello todas nuestras formas
de vida, y las consecuencias de nuestros actos,
dando paso así a nuevas tendencias y tecnologías
que con el paso de los años van acaeciendo modas
y derogando las formas de ver y concebir la vida
que van siendo un obstáculo para lograr llevar a
cabo las aspiraciones de las nuevas generaciones y
las necesidades que la misma humanidad a ido
desarrollando y auto-exigiendo.
Es para el entendimiento y la envoltura del Ser en
las delicias que expenden las genialidades de los
mentores, en este caso de las expresiones e
invenciones del ser humano, entregando al lector
solo un ápice de lo que puede llegar a ser y de lo
que ha sido la Historia del Diseño Industrial.
Introducción

Línea de tiempo del Diseño Industrial

1826 Mobiliario Patentado

El mobiliario patentado, procedente de inventores
anónimos, posee una larga cola de modelos. Ya en
1826, hubo una patente británica, para evitar mareos
en el mar. Entre 1850 y 1893 EE.UU. tendrá una
gran profusión de patentes, entre 1850 y 1940 una
serie de sillas de «máquinas de coser» (basada en
principios científicos para evitar muchas dolencias
de la postura), sillas para máquinas de escribir,
quirúrgicas, dentales, de barberos y dental-hidráulica.
Adaptables a la fisiología, todas ellas iban a la par
de los «asientos reclinables de los ferrocarriles» (el
«pullman» es el sobreviviente de aquella larga
historia). El vagón de ferrocarril en Europa, estaba
construido bajo el principio de que las masas
merecían escasa consideración (más del 80% de
los viajeros se sentaban apiñadamente en toscos
bancos de madera), tan solo los estratos más altos
de la sociedad podían asegurarse un cierto nivel de
confort.
En el siglo XIX, gran parte de Estados Unidos era
un territorio virgen, existían pocas ciudades
construidas. En el 1804 Chicago era un fuerte, más
adelante se parcela y se empieza a construir, la
ciudad avanzaba y se hacía más fuerte, el sueño
americano de libertad e individualismo se
solidificaba.
Se comienza a crear un tipo de mobiliario
catalogado como mobiliario patentado: muebles
móviles, adaptables y funcionales, cada idea se
patentaba para no ser copiada. Los pioneros en
crear este tipo de muebles, austeros y funcionales,
fueron los integrantes de la Comunidad Shaker,
creada en 1840. Liderados por una mujer inglesa,
Ann Lee, los Shaker fueron una de las numerosas
sectas utópicas que emigraron al Nuevo Mundo a
finales del siglo XVIII. Creían en un deseo de
uniformidad de estilo en todas sus comunidades.
Los pueblos Shaker estaban caracterizados por la
extrema simplicidad en sus construcciones,
edificaciones construidas en base a “una
arquitectura sin adornos”.

Los Shaker construían muebles y utensilios no sólo
para su uso personal sino también para la venta.
Era una forma de vida y de distracción junto con
su alto conocimiento sobre plantas,
especialmente medicinales, jardinería,
mermeladas y semillas. Impulsados
por sus creencias religiosas, los
Shaker buscan la perfección a
través de la austeridad. Por ello, su
artesanía adopta las formas sencillas, claras,
atractivas y útiles propias de la obra bien hecha,
siendo la armonía de las
proporciones su característica
más notable y peculiar. Son
muebles muy funcionales, sin
adornos
superfluos.
Crearon muebles adaptables con
nuevos “gadgets” como por ejemplo
pequeñas ruedas en las patas para
facilitar su desplazamiento.
Se les considera los pioneros en
crear muebles minimalistas. Se
puso de moda este tipo de mueble
porque engloba la idea americana
de comodidad, confort y el control
de la silla, tú tienes el control y se
adapta ella a ti. Transmite una
sensación de superioridad, a la vez que se crea una
silla única ya que cada uno tiene sus necesidades,
la silla se adaptará a cada una de ellas y se
crearan diferentes modelos.

1850 Art and Craft

Arts and crafts (artes y oficios) es un movimiento
social y estético surgido en Inglaterra a mediados
del siglo XIX, que pretendía rescatar la importancia
de lo artesanal frente a la creciente mecanización y
la producción en serie.
Este movimiento artístico tuvo sus
bases en las ideas de John Ruskin
(1819-1900), el crítico de arte más
influyente de su época, quien
pertenecía a la corriente romántica en
su concepción de artista como profeta
y maestro inspirado. Abogaba por un renacimiento
del gótico y se puso en contra de los efectos de la
revolución industrial. Influenciado por el arte gótico,
publico una enorme cantidad de libros sobre
literatura, pintura, arquitectura, escultura, estética y
otros muchos sobre temas sociales. Sus ideas se
popularizaron a través de sus libros e influyeron en
el movimiento modernista naciente llamado Arts and
Crafts, que empezaba a caracterizarse por un
retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas,
delicadas, donde frecuentemente se ven reflejadas
las formas de la naturaleza en flores, insectos, aves,
peces e incluso en animales mitológicos como los
dragones.
El mayor exponente e impulsador fue
William Morris, poeta y diseñador
originario de Gran Bretaña quien se
inspiró en la cultura de la edad
media. A través de su obra literaria,
teórica y artística intentó la
renovación de la cultura recuperando
el espíritu de las artes y oficios medievales. Como
diseñador y artesano, su obra ejercería gran
influencia en el diseño de libros, en el arte de la
impresión, en las artes visuales y en el diseño
industrial del siglo XIX. Su ideario social, de signo
utopista, quedó recogido en escritos teóricos y en
novelas como Noticias de ninguna parte (1890).
1850 Art and Craft

Principios del Art & Craft:
Entre las ideas más características del Arts and
Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y
políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más
importantes:
1. Rechazo de la separación entre el arte y la
artesanía. El diseño de los objetos útiles es
considerado una necesidad funcional y moral.
2. Rechazo de los métodos industriales de trabajo,
que separan al trabajador de la obra que realiza,
fragmentado sus tareas.
3. Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto
en la arquitectura (con el neogótico) como en las
artes aplicadas.
4.Propuesta de la arquitectura como centro de todas
las actividades de diseño. Una idea que sería
recogida por el racionalismo de principios del siglo
XX.
5. Propuesta de agrupación de los artesanos en
guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de
trabajo colectivo.
6. Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado
y satisfactorio para el artista y para el cliente.
Diversas asociaciones simpatizantes fueron creadas
durante la segunda mitad del siglo XIX. Arthur
Mackmurdo fundó en 1882 la Century Guild (taller
de interiorismo), la primera asociación en rebelarse
contra los utensilios a la manera gótica. En 1908
crea una especie de reserva para artistas y
artesanos labradores que no pudieron resistir la
competencia de las empresas con una producción
en serie de gran calidad y menor precio.
1850 Art and Craft

Desde el punto de vista de la acción el Arts &
Crafts experimentó un empuje importante en 1861
cuando William Morris fundó la empresa Morris,
Marshall, Faulkner and Company, conocida
generalmente como Morris and Company. En 1890
Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta
artesanal de la que salieron tiradas reducidas de
algunos de los libros impresos más cuidadosamente
producidos de toda la historia, y que fue capaz de
ejercer una poderosa influencia sobre las grandes
editoriales comerciales durante varias décadas.
Este movimiento pronto fue imitado y hasta
plasmado en papel como fue el caso de la obra
titulada “Consejos sobre el gusto doméstico en
mobiliario, tapicería y otros detalles”, escrita por el
arquitecto, también originario de Gran Bretaña,
Charles Eastlake, cuyo libro se transformó en una
joya de la historia de la decoración.
Mobiliario
1850 Art and Craft

Decorativo Papeles tapiz
Joyería
1850 Art and Craft

1860 Craft Revival

Los inicios de esta tendencia, Craft Revival,
comienzan a mediados del sigo XIX con el retorno
de la artesanía tradicional, la simplicidad y la
honestidad en los diseños, que busca un trabajo
bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el
artista y su cliente; tras la industrialización de Gran
Bretaña, proveniente del Art and Craft.
A mediados del siglo XX, cuando los procesos
de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el
diseño y la producción fueron distanciándose cada
vez más y las técnicas artesanales bajaron su
popularidad, generando productos de baja calidad,
malas terminaciones debido a la fabricación
industrializadas de estos.
Grandes expositores del Craft Revival actual
son John Makepeace y Wendell Castle, tendencia
que conservan las técnicas artesanales, trabajando
la madera, manteniendo todas sus propiedades a
través de sus obras como diseñadores y en sus
escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el
Craft Revival se abrió paso estilísticamente con el
post modernismo, así algunos diseñadores como
Fred Baler (1949) mezclaron el virtualismo técnico
con formas extravagantes para crear objetos que
son completamente opuestos al “Mobiliario para
Buenos Ciudadanos” que defendían William Morris y
Ruskin, grandes expositores del Art and Craft
(artes y oficios).
1860 Craft Revival

" Como diseñador, mi papel ahora
es comparable a la de un
compositor y director de
orquesta con instrumentistas de
trabajo altamente cualificados
para interpretar 'el resultado'”
John Makepeace
Su medio preferido es la maravillosa variedad de
bosques que crecen en los bosques y jardines.
Trabaja con artesanos
independientes
que han sido miembros del
Estudio Pacífico en los
últimos 30 años. Las 3
actividades principales
para las que necesita muebles
están sentadas en
la recolección y la protección
de las cosas, donde cada uno
presenta diferentes aspectos
funcionales y estructurales.
Mientras que las maderas más comunes se
producen en cantidades comerciales e
industrializadas, su interés para sus trabajos se
centra en el uso de los árboles autóctonos de
carácter excepcional.
Su constante búsqueda de conceptos mas
elocuentes para sus muebles; sus más libre, más
ligero, más fuerte y más esculturales formas más
adecuadas para su función y más expresivo de lo
que es único acerca de cada comisión son sus
principales principios para la creación de cada uno
de sus diseños y que lo han llevado a ser uno de
los grandes diseñadores de los últimos tiempos.
1860 Craft Revival

Wendell Castle
Escultor, diseñador y educador dedicado al rubro por
más de cuatro décadas. Influyente artista de trabajo
prolijo y especialmente bello,
desarrollando muebles hecho a
mano, de diseño moderno como
una forma de arte más
importante. Sus piezas audaces
y elegantes, a menudo orgánicas,
están hechas de maderas preciosas y bellas, plásticos,
chapas, metales y con acabados innovadores, presentes
en éste, su estilo contemporáneo sin tiempo. Su
expresión de color y materiales exóticos han llevado al
reconocimiento de Castle dentro de los artistas.
1860 Craft Revival

1870 Movimientos Estéticos

La característica fundamental del siglo XIX y
principios del siglo XX son sus fuertes cambios
anunciados y gestados en el pasado pero que sin
embargo se efectuarían en el futuro. Estos cambios
se vieron envueltos en todos los ámbitos de la vida
y el conocimiento del hombre; revoluciones de todas
las índoles tendrían su lugar en ello. La ciencia y la
economía se retroalimentarían, el término
" científico" , acuñado en 1833 por William Whewell,
sería parte fundamental del lenguaje de la época; la
economía sufriría dos fuertes revoluciones
industriales, la primera acaecida entre 1750 y 1840,
y la segunda entre 1880 y 1914. En política las
nuevas ideas del anterior siglo sentarían las bases
para las revoluciones burguesas, revoluciones que
se explayarían por el mundo mediante el
imperialismo y buscarían alianzas con el movimiento
obrero al que, para evitar su triunfo le cederían el
sufragio universal; el arte demoraría en iniciar el
proceso de vanguardización pero quedaría
cimentado en movimientos como el impresionismo
y en arquitectura y diseño el modernismo dentro de
todo sería la principal característica en el
desarrollo de objetos y productos que lidiarían por
mucho dentro del área de los estilos y modas
acrecentadas dentro de los futuros años de avance
de la industrialización.

REVOLUCION INDUSTRIAL
Es el periodo histórico comprendido entre la
segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX,
dividido en dos etapas: la primera del año 1750 hasta
1840, y la segunda de 1880 hasta 1914.
Inicialmente Inglaterra y luego el resto de la Europa
continental, sufriendo el mayor conjunto de
transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y
culturales de la Historia. La economía establecida en el
trabajo manual fue remplazada por otra dominada por
la industria y la manufactura.
La Revolución comenzó con la mecanización de las
industrias textiles y el adelanto de los procesos del
hierro. La expansión del comercio fue beneficiada por
la mejora de las rutas de transportes y posteriormente
por el nacimiento del ferrocarril.
A mediados del siglo XIX, en Inglaterra se realizaron
una serie de transformaciones dentro de las cuales las
más relevantes fueron:
1. La aplicación de la ciencia y tecnología permitió
el invento de máquinas que mejoraban los procesos
productivos.
2. La despersonalización de las relaciones de
trabajo: se pasa desde el taller familiar a la fábrica.
3. El uso de nuevas fuentes energéticas, como el
carbón y el vapor.
4. La revolución en el transporte: ferrocarriles y
barco de vapor.
5. El surgimiento del proletariado urbano.

Maquina a vapor
Ferrocarril a vapor
Producción en serie
Barco a vapor
Trabajo industrializado
Tendencias Estéticas
Arts and Crafts
La concepción de este movimiento se vio expresada en
Inglaterra aproximadamente en las décadas de
mediados del Siglo XIX. Esta tendencia haciendo
honores a su nombre es llamada Artes y Oficios,
defendiendo el diseño y la destreza manual. Siendo uno
de los movimientos que renegaban la industrialización
de productos y de la producción en serie de la era
victoriana, resultado de la Revolución Industrial.
Exponente más reconocido
Williams Morris
Mobiliario Arquitectura

Exponentes más reconocidos
Modernismo es el término con el que (en España e
Hispanoamérica) se designa a una corriente de
renovación artística desarrollada a finales del siglo
XIX y principios del XX. En distintos países recibió
diversas denominaciones:
- Art Nouveau (en Bélgica y Francia),
- Modern Style (en los países anglosajones),
- Sezession (en Austria),
- Jugendstil (en Alemania y países nórdicos),
- Nieuwe Kunst (en Países Bajos),
- Liberty o Floreale (en Italia).
Todas estas denominaciones hacen referencia a la
intención de crear un arte nuevo, joven, libre y
moderno, que representara una ruptura con los
estilos dominantes en la época, tanto los de tradición
academicista (el historicismo o el eclecticismo) como
los rupturistas (realismo o impresionismo)
Modernismo
Por Víctor Horta
Casa Taseel
Interior Casa Taseel
Henry Van de
Velde Por Henry Van
de Velde Por Henry Van
de Velde
Víctor Horta

Sezession
Es el término con el que se conoce a varios
movimientos artísticos de finales del siglo XIX,
identificados historiográficamente con el modernismo, y
caracterizados por la voluntad rupturista de un grupo
de artistas que pretendían fundar un arte nuevo,
moderno y libre, frente a las instituciones oficiales, que
veían como tradicionales y anquilosadas.
Gustav Klimt
No sólo pretendían reformar el arte sino también
recuperar un estilo de vida más sencillo y menos
condicionado por los imperativos comerciales.
Compartían el optimismo de la juventud y un gran
respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su
obra. Los detallados estudios ayudaron a
comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a
los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un
gran sentido del dinamismo y de un fuerte
desarrollo orgánico.
Jugendstil
Richard
Riemerschmid

Nieuwe Kunst
Es la denominación que la historiografía del arte da al
estilo local identificado con el modernismo, Jugendstil o
Art Nouveau en los Países Bajos (finales del siglo XIX
y comienzos del siglo XX).
No se aplicó hasta los años 1960, y se restringe su
uso para designar al modernismo típicamente holandés,
al que popularmente se da el nombre de Slaolie. La
decoración más habitual del Nieuwe Kunst consiste en
el empleo de una figura geométrica en series de
bloques, o bien plantas y animales muy estilizados.
Vanguardismo
Se puede reconocer a través de varios
movimientos de vanguardia ya sea de representación o
expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine,
música, etc. Estos movimientos artísticos renovadores,
en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las
primeras décadas del siglo XX, desde donde se
extendieron al resto de los continentes, principalmente
América. Surgen diferentes ismos, tales como el
futurismo, dadaísmo, cubismo, orfismo, constructivismo,
ultraísmo, surrealismo, entre otros.
Piet Mondrian
Dadaísmo
Expresionismo
Cubismo
Futurismo Fauvismo

1890 Art Nouveau

Muchas fueron las influencias que contribuyeron a
su nacimiento, desde el Neogótico hasta el Exotismo
y desde el Historicismo hasta el Simbolismo, pero
se considera relevante el Arts and Crafts, de
William Morris, definido también como el primer Art
Nouveau inglés que desarrolló una personalidad
claramente precursora.
Es un estilo de carácter complejo e innovador que
se dio en el arte y diseño europeos pero
particularmente en las artes decorativas, como
reacción contra la industrialización y la tecnología
dominantes durante las dos últimas décadas del
siglo XIX y la primera del siglo XX.
Desde 1890-1893, se habló por toda Europa de Art
Nouveau que es como se le llamó en Francia,
aunque se le denominó Modern Style en Inglaterra.
Sezession o estilo secesión en Austria. En Bélgica
este movimiento era denominado Coup de Fouet
(latigazo), por la fluidez de las líneas de los diseños.
En Alemania y Austria se llamó Jugendstil, por la
revista de Munich Jugend. En Francia también se
llamó style Guimard, por el arquitecto Henri
Guimard, que diseño en 1899 las verjas
ornamentales de las bocas del metro de parís,
aunque también se le aplicó el termino descriptivo
Style Noulle (estilo fideo o tallarín). En España se
lo denomino modernismo, y los italianos lo llamaron
Lo Stile floreale, o Lo Liberty, por los almacenes
Liberty de la regent Street londinense, celebre en la
época por vender tejidos con diseños modernistas.
Características formales
Sus rasgos estilísticos más característicos fueron el
uso obsesivo de líneas sinuosas, ondulantes y
flameantes, la ornamentación estilizadamente vegetal
y policromada, y el recurso a efectos decorativos
cargados de refinamiento, historicismo y simbolismo.
Las formas vegetales onduladas, llamas, olas en
movimiento y cabellos sueltos eran los motivos más
característicos.
Es el primer movimiento que se desprende casi por
completo de la imitación de estilos anteriores
(Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo,
Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo
urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo
siglo. Por ello utiliza técnicas que le son propias: la
reproducción mecánica, como la xilografía, el
cartelismo, la impresión...
1890 Art Nouveau

A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y
fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista
ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos
que aparecen en la década de 1890.
Materialidad y aplicaciones
El modernismo se manifiesta en el diseño de
ilustraciones de libros, de tejidos, de cristalería y de
muebles. De estos materiales decorativos se pasó al
empleo de la fayenza, los vidrios de colores, la
terracota y los chapeados.
En arquitectura, el hierro y el vidrio sencillo eran
materiales favoritos, así como las vidrieras de
colores y el estuco. Los ornamentos arquitectónicos
y del mueble tal vez son los únicos que siguen una
simetría, impuesta quizá por una armonía
estructural. Los arquitectos del Modern Style
cubrían los muros en acero y cristal de sus
edificios con una decoración curvilínea, movida, que
tomaba como modelo la flora o las cintas
ondulantes; pero, en cuanto a estructura, seguían los
principios del funcionamiento formulado por Henry
Van de Velde (1863-1957), Víctor Horta (1861-1947)
y Paul Hangar (1861-1901), y que querían romper,
de una vez por todas, con ese estilo
cosmopolita que se utilizaba para la arquitectura
civil, un grecorromano recargado y para la
arquitectura religiosa, un neogótico.
Se plasmaría especialmente en las construcciones
utilitarias (fábricas, almacenes, estaciones, puentes),
sobre todo gracias a la amplia aceptación del nuevo
material: el hormigón armado.
1890 Art Nouveau
Casa del Pueblo
Mansión Solvay
Víctor Horta

1890 Art Nouveau
Henry van de
Velde
Héctor Guimard
Antoni Gaudí
Otto Wagner
Karl-Ernst-Osthaus-
Museum
Entradas al metro
de París
Casa Batló
Sagrada Familia
Casa Milá

1897 Sezession

Modernismo en España
Art Nouveau en Bélgica y Francia
Modernstyle en Inglaterra
Sezession en Australia
Jugendstil en Alemania
Liberty o Floreale en Italia
El movimiento más conocido de la secesión es la
Sezession de Viena capital de Austria formado en
1897, por un grupo de artistas, que aspiraron al
renacimiento de las artes y artesanías optando por
formas más abstractas y puras en los diseños de los
edificios, el mobiliario, el vidrio y el metal. Para ello
trataron de reunir a los simbolistas, naturalistas y
modernistas de la época.
Movimiento que surgiría como protesta de la
generación más joven hacia el arte tradicional de
sus antepasados, una “separación” del pasado hacia
el futuro.
1897 Sezession
Gustav Klimt
Joseph Maria Olbrich

1897 Sezession
Egon Shiele
Koloman Moser
Alfred Roller
Joseph Hoffmann

1897 Jugendstil

Modernismo en España
Art Nouveau en Bélgica y Francia
Modernstyle en Inglaterra
Sezession en Australia
Jugendstil en Alemania
Liberty o Floreale en Italia
Líneas sinuosas y juguetonas que se enredan,
suben y bajan, mujeres transformadas en pájaros,
formas asimétricas, arabescos que parecen volar
por las esquinas de una mesa o por las fachadas
de los edificios; todo un mundo de formas
exquisitas y bellas, estaba al alcance de una
sociedad en pleno auge.
El descubrimiento de las artes decorativas infundía
un respiro de ligereza en la vida de cada día, no
solo pretendían reformar el arte sino también
recuperar un estilo de vida mas sencillo y menos
condicionado por imperativos comerciales.
Compartían el optimismo de la juventud y un gran
respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su
obra.
El maravilloso juego de líneas ornamentales que se
lanzaban a hacer ceramistas, cristaleros, ebanistas,
joyeros y artistas, los llevaba a construir obras con
una estructura propia más libre, que les permitía
escapar del espíritu racionalista de los diseñadores
precursores del Bauhaus.
Objetos de todo tipo que embellecen y facilitan la
vida cotidiana, como un vaso o un tapiz, un reloj o
un vitral, aparecen como testigos de una época de
grandes cambios y nuevas técnicas en el arte.
El Museo Bellerive de Zúrich consagra una
novedosa exhibición dedicada a uno de los estilos
que mejor revelaron el sentir y las preocupaciones
artísticas en Europa hacia finales del siglo XlX, el
llamado Jugendstil.
La muestra que se lleva a cabo en el Bellerive está
concebida a partir de las colecciones que, gracias a
donaciones o ventas, fueron enriqueciendo los
acervos del Museo de las Artes Decorativas, hoy
Museo del Diseño de Zúrich.
1897 Jugendstil

En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la
política artística oficial del Imperio promovida desde
Berlín, y muchas regiones de autonomía cultural,
como desde Múnich, Darmstadt, Weimar y Hagen,
adoptaron con entusiasmo el Jugendstil.
1897 Jugendstil
Richard Riemerschimd
Bruno Paul
Bernhard Pankok

1900 Fordismo

El Fordismo fue un suceso importante ocurrido
en Estados Unidos en el siglo XX surgió gracias
a la Revolución Industrial que hizo posible la
invención de la maquina a vapor, logrando
trabajar mejor el metal, y producir objetos en
serie mejorando eficiencia en la producción y
aumentando las ganancias por las ventas en
serie.
El término Fordismo, viene de Henry Ford, un
fabricante de automóviles estadounidense, quien
con la producción en cadena logro una
combinación y organización general del trabajo
altamente especializada y reglamentada a través
de cadenas de montaje, maquinaria especializada,
salarios más elevados y gran número de
trabajadores. Modelo de producción que resulta
rentable siempre que el producto pueda
venderse a un precio relativamente bajo en
relación a los salaros promedio. Estrategia
utilizada posteriormente en forma extensiva en
la industria de numerosos países, hasta el año
1970 (cuando fue remplazada por el Toyotismo).
Historia del Fordismo
En los tiempos antiguos antes
del siglo XX el automóvil era
un artículo de lujo, muy caro
y solo estaba para el alcance
de los ricos, su costo era equivalente al precio
de una casa, y su mantenimiento también tenía
precios muy elevados.
Fue en este contexto donde Ford crearía una
nueva idea de producción, ve la gran
oportunidad de sobresalir en administración de
empresas y cambiar para siempre el mundo
occidental. Piensa que; al bajar los costos del
producto aumentarían las ventas y recaudaría
más dinero, pero para esto necesitaría una
producción en masa que le ayudara a ahorrar
tiempo de producción (horas hombre), Dando
paso él junto a 11 inversionistas a la FORD
MOTOR COMPANY en 1903.
1900 Fordismo

El 12 de agosto de 1908, la
fábrica de la Ford Motor
Company de la ciudad
norteamericana de Detroit,
fundada cinco años antes por
el industrial Henry Ford, puso
a la venta el primer modelo
Ford T
Causas del Fordismo.
1. La producción de autos con elevados precios
2. El poco alcance de la gente a adquirir un auto.
Objetivos de la producción fordista.
1. Aumentar la productividad. Otorgando mejores
salarios y dejando a los trabajadores en un
puesto fijo.
2. Mayor producción en menos tiempo.
3. Incrementar la ganancia por medio de la
reducción del costo de producción.
Rasgos característicos del fordismo.
Automatización de los procesos: Se fraccionan
las etapas del proceso productivo para que sean
lo más simples posible y se puedan ejecutar
con la mayor velocidad de forma repetitiva.
Economía de escala: El gran volumen de
producción permite reducir costos en materias
primas, así como vender el producto a menores
precios.
Salarios fijos: El trabajo se valora en función del
tiempo, ya que no hay un factor de calidad o
cantidad que pueda venir determinado por el
trabajador, éste no puede producir más o menos
que lo que marca el ritmo de la cadena de
montaje, ni tampoco puede producir un trabajo
mejor o peor que otros. En consecuencia, se
establece un salario.
Estandarización: Es más fácil optimizar la
elaboración de un único producto con pocas o
ninguna variante.
1900 Fordismo

Cadena móvil del
montaje: El producto
se va desplazando
mediante la cadena
por cada fase en la
que los operarios
realizan las tareas
que corresponden. El concepto clave es el de
ritmo de producción y viene determinado por la
velocidad de la cadena.
Mercado nacional:Se expandió el mercado
nacional, la construcción de una clase media
capaz de acceder a la compra de los bienes de
consumo fabricados.
Sindicalismo de clase: A pesar de que Ford
prohibió los sindicatos en sus fábricas, el
Fordismo proporcionó en la práctica un gran
poder a los trabajadores, por la relativa facilidad
para alterar o detener el ritmo de producción
con una huelga y sus consecuencias para la
empresa.
Crisis del Fordismo
Este modelo entra en crisis en los años 70 del
siglo XX, debido a que las empresas comienzan
la búsqueda de nuevas soluciones de
organización que pudiesen afrontar las variables
de la sociedad por esos días.
El final del sistema de cambio fijo de moneda:
Basado en la divisa del oro, se presenta la
paridad variable en la economía, lo que introduce
un factor de variabilidad en el precio de
materias primas.
La crisis del petróleo: La crecida del precio del
petróleo condiciono el aumento de los costes de
productividad.
1900 Fordismo

La internacionalización: El incremento del coste
del trabajo aumento gracias a la conflictividad
laboral, lo que dio paso a una búsqueda, por
parte de las empresas, de mercados laborales
menos costosos. Así mismo las empresas
fordistas buscaban mercados laborales que no
tuvieran relación con su empresa, llevando a la
deslocalización y a la subcontratación.
La fragmentación de la demanda: La saturación
del mercado nacional y la perdida de la
capacidad adquisitiva de los trabajadores, llevo a
la producción orientada a la exportación hacia
mercados no fordistas, es decir a empresas que
no producían objetos para la venta.
1900 Fordismo

1900 Vanguardismo

Se manifestó a través de varios movimientos que
desde diferentes planteamientos, abordando la
renovación en todos sus sentidos, desplegando
recursos que quiebren o distorsionen los sistemas
mas aceptados de representación o expresión
artística como el teatro, pintura, literatura, cine,
arquitectura, diseño, música, etc. Estos movimientos
artísticos renovadores se produjeron en Europa en
las primeras décadas del siglo XX, desde ahí se
extendieron al resto de los continentes,
principalmente hacia América, en donde se
enfrentaron al modernismo.
La característica primordial del vanguardismo es la
LIBERTAD DE EXPRESION, manifestándose
alterando la estructura de las obras, abordando
temas tabú y desordenando parámetros creativos.
Con una actitud provocadora atacaba todo lo
producido anteriormente que se desechaba por
desfasado, al mismo tiempo se reivindicaba lo
original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores
existentes hasta el momento.
En la pintura ocurría una huida del arte figurativo
en favor del arte abstracto, suprimiendo la
personificación, expresando la agresividad y la
violencia, violentando las formas y colores
estridentes. Surgieron diseños geométricos y la
visión simultanea de varias configuraciones de un
objeto.
Surgieron diferentes Ismos, como propuesta
contraria a supuestas corrientes envejecidas y
propusieron innovaciones radicales de contenido,
lenguaje y actitud vital. Provienen de diferentes
corrientes vanguardistas con diferentes
fundamentos estéticos, aunque con denominadores
comunes como: la lucha contra las tradiciones,
procurando el ejercicio de la libertad, innovación,
audacia y libertad de la forma, además del carácter
experimental y la rapidez con que suceden las
propuestas.
1900 Vanguardismo

Impresionismo
Es un movimiento pictórico francés de finales del
siglo XIX que apareció como reacción contra el arte
académico, de hecho se considera como el punto de
partida del arte contemporáneo. Partió del
desacuerdo de temas clásicos y escogieron la
pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana
con una representación del mundo espontanea y
directa, para lograr esto se centraron en los efectos
que produce la luz en los objetos, eliminando
detalles minuciosos y tan solo surgieron formas.
1900 Vanguardismo
Frédéric Bazille
Gustave Caillebotte

Expresionismo
Un movimiento dominante en el arte alemán desde
1910 hasta 1930 se aplicaba a un arte en que el
autor expresa con el mayor vigor posible su propia
visión del mundo, abandonando las ideas
tradicionales del naturalismo, distorsionando y
exagerando la forma y color que expresan las
emociones del artista, pretendiendo conmover al
espectador para lo cual utiliza la figura y el trazo
violento demostrando el ritmo de los sentimientos.
1900 Vanguardismo
Ernst_ Ludwig_ Kirchner
Erich Heckel
Karl Schmidt

Fauvismo
Movimiento pictórico francés se desarrollo entre
1904 y 1908 aprox. Desarrollado por un grupo de
pintores que creían que a través de los colores
podían expresar sentimientos y este pensamiento
condiciono su forma de pintar. No busca la
representación naturalista, sino realzar el valor del
color en si mismos. Por ello, rechazaron la paleta
de tonos naturalistas empleada por los
impresionistas a favor de los colores violentos para
crear mayor énfasis expresivo.
Exponentes más destacados
1900 Vanguardismo
Henri Matisse
Andre Derain
Maurice Vlaminck

Cubismo
Movimiento significativo de la pintura occidental
rompe con toda la estética clásica, el concepto de
belleza y las nuevas formas de ver la naturaleza,
conmocionando a todo el mundo del arte, el
cubismo es un arte creado, un nuevo lenguaje y
estética, un replanteamiento integral de la pintura y
las artes plásticas. Es un arte mental no solo en las
formas sino en la concepción de la obra.
1900 Vanguardismo
Pablo Picasso
George Braque
Juan Gris

Dadaísmo
Este movimiento surgió con la intención de destruir
todos los códigos y sistemas establecidos en el
mundo del arte. Es un movimiento antiartístico,
antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la
existencia del arte, la literatura y la poesía. Se
presenta como una ideología total, como una forma
de vivir y como un rechazo absoluto de toda
tradición o esquema anterior.
1900 Vanguardismo
Kurt Schwitters
Tristán Tzara
Marcel Duchamp

Ultraísmo
Movimiento literario nacido en España en 1918, con
la declarada intención de enfrentarse al modernismo,
que había dominado la poesía en lengua
española desde fines del siglo XIX. La expresión
" trabajos ornamentales" era una clara referencia al
modernismo rubendariano, al que los ultraístas
consideraban recargado de adorno y sin sustancia.
El ultraísmo coincidía con las otras vanguardias en
eliminar el sentimentalismo.
1900 Vanguardismo
Guillermo de la Torre
Rafael Cansinos Assens

Surrealismo
Para los surrealistas la obra nace del automatismo
puro, es decir, cualquier forma de expresión en la
que la mente no ejerza ningún tipo de control.
Intentan plasmar por medio de formas abstractas o
figurativas simbólicas las imágenes de la realidad
más profunda del ser humano, el subconsciente y el
mundo de los sueños.
1900 Vanguardismo
Vladimir Kush
Salvador Dalí
Max Ernst

Estridentismo
El estridentismo movimiento literario poético, nació
de la mezcla de varios ismos. Se dio
entre 1922 y 1927 y se caracterizó por la
modernidad, el cosmopolitismo y lo urbano, así
como por el inconformismo, el humor negro,
el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo lo
antiguo. Su antecedente inmediato fue el futurismo
ruso.
1900 Vanguardismo
Manuel Maples Arce
Diego Rivera

Existencialismo
Movimiento filosófico que postuló fundamentalmente
que son los seres humanos, en forma individual, los
que crean el significado y la esencia de sus vidas.
Este movimiento generalmente describe la ausencia
de una fuerza trascendental; esto significa que el
individuo es libre y, por ende, totalmente
responsable de sus hechos, sin la presencia de una
fuerza superior que pudiera determinarle en su
actuar. Esto les atribuye a los humanos el crear
una ética de responsabilidad individual, apartada de
cualquier sistema de creencias externo a él. Esta
articulación personal del ser es el único camino
existente para superar, generalmente, a las
religiones, que tratan del sufrimiento, la muerte y el
fin del individuo.
1900 Vanguardismo
Pascal
Friedrich Nietzsche
Martin Heidegger
Jean Paul Sartre

1907 Werkbund (DWB)

Alemania a fines del siglo XIX quería surgir en el
mercado del diseño industrial que competía con
grandes potencias como Inglaterra y Estados
Unidos. Buscaba una nueva expresión artística en la
era de la máquina con una importante teoría. Para
este fin envía a Herman Mathesius como un
cazador de estilos, a Inglaterra a estudiar y
aprender sobre el movimiento de Artes y Oficios
impulsado por William Morris.
Herman Mathesius fue un arquitecto, escritor y
diplomático alemán que criticó el movimiento de
artes y oficios pero que impulsó sus ideas en
Alemania al crear junto con Peter Behrens la
Deutscher Werkbund
En el año 1903 en Inglaterra conoce y se ve
ampliamente influenciado por William Morris y lleva
sus ideas a Alemania fundando en 1907 en Múnich
la Werkbund, una asociación mixta de arquitectos,
diseñadores y artistas.
Debe tenerse en cuenta que la Werkbund gozó del
privilegio de la polémica, del debate, de las
contradicciones. Es más, en los primeros años del
siglo se señalaba que era una " asociación de
íntimos enemigos" , en la que convivían artistas
como Henry van de Velde o Bruno Taut,
tradicionalistas y artesanos como H. Tessenow y
partidarios de la tipificación de la forma, de los
objetos, de la arquitectura, como H.
Muthesius, Peter Behrens o Walter Gropius. La
Werkbund también presenció el conflicto entre el
expresionismo y el racionalismo, anticipando y
coincidiendo así con la misma Bauhaus.
A pesar de que estaba inspirado principalmente en
el movimiento de Morris, se distanciaba al admitir la
utilización de la máquina y del proceso industrial.
Esta asociación se dividía en dos partes: una
encargada de la producción del diseño (producción
mecánica en masa) y en la preservación de la
expresión artística industrial.
La Werkbund fue uno de los establecimientos que
impulsó el Racionalismo en la forma, se basó en la
producción en serie quitando la ornamentación pero
sin dejar de lado la estética en sus diseños.
1907 Werkbund (DWB)

La Deutscher Werkbund se fundaba en la filosofía
de Gesamkultur; una actitud para mejorar el mundo
en función del hombre, el progreso social a través
del uso de la máquina, del arte y de la artesanía.
Su principal lema era " Vom Sofakissen zum
Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la
construcción de ciudades) indica su amplio abanico
de intereses. El grupo se dividió en dos partes: una
que defendía la estandarización y la tipificación de
los productos (encabezada por Muthesius), la
eliminación de todo ornamento, el desprendimiento
de la individualidad artística y la forma-función y
otra (encabezada por Henry Van de Velde) que
daba lugar a la primacía de la expresión individual.
Peter Behrens intentaba situarse entre los dos
extremos pero sus trabajos se inclinaban a seguir a
Mathesius.
La Werkburn trabajaba ya en el dominio de diseño
industrial. Se veía en las páginas de los anuarios de
la Werkburn reproducciones de fábricas, de
muebles, de lámparas, de locomotoras del
Maffeiwerke de Münich, ferrocarriles eléctricos,
buques, reproducciones del avión de Rumper,
puentes de hormigón armado, puentes colgantes de
acero, etc. Esto hizo que se empezara a hablar ya
de la “forma alemana” que despojaba a los objetos
de los agregados superfluos.
La Werkbund para la arquitectura representó la
defensa de la construcción de acero, hormigón y
vidrio. Fue clausurado por el nacionalsocialismo,
pero sobrevivió hasta nuestros días con varias
transformaciones.
A partir de las ideas de la Werkbund nace la
Bauhaus, escuela de artes y oficios de Alemania,
también se extendió prontamente a Suiza donde se
fundó la Swiss Werkbund.
1907 Werkbund (DWB)

Caricatura de Karl
Arnold sobre la polémica
del congreso del
Werkbund de 1914: Van
de Velde propone la silla
individual, Muthesius
propone la silla tipo, y el
carpintero hace la silla
para sentarse.
1907 Werkbund (DWB)
Deutshe Werkbund
Cartel exposición
Werkbund en Colonia
1914
Centenario de la
Werkbund
Modelo con 16, Carl
Pott, estilo clásico en el
año 1935. Werkbund
Bruno Taut. Pabellón del Vidrio.
Exposición del Deutscher
Werkbund en Colonia, 1914
Teatro exposición
Werkbund
Diseño de Peter
Behrens

1910 ExpresionismoVanguardismo

El Expresionismo es un flujo artístico que busca la
expresión de las emociones y los sentimientos del
autor más que la representación de la realidad
objetiva, desarrollado principalmente en Alemania.
Muestra el lado pesimista de la vida generado por
las circunstancias históricas del momento. El lado
oculto de la modernización, la alineación, el
aislamiento, la masificación, se hizo patente en las
grandes ciudades y los artistas, creyeron que
debían captar los sentimientos más íntimos del ser
humano. La angustia existencial es el principal
generador de su estética.
El objetivo es potenciar el impacto emocional del
espectador distorsionando y exagerando los temas.
Representan las emociones sin preocuparse de la
realidad externa, sino de la naturaleza interna y de
las impresiones que despierta en el observador. La
fuerza psicológica y expresiva se plasma a través
de los colores fuertes y puros, las formas
retorcidas y la composición agresiva.
No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera
intencionadamente.
La obra de arte expresionista presenta una escena
dramática, un conflicto interior. De aquí que los
personajes que aparecen más que seres humanos
concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las
esculturas y máscaras de África y Oceanía también
supuso para los artistas una gran fuente de
inspiración.
Precedentes del Expresionismo
Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las
pinturas negras de Goya, que rompe con las
convicciones con las que se representaban las
anatomías para sumergirse en el mundo interior. Si n
embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y
Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad
psicológica.

Otro grupo de gran influencia es el simbolismo,
entendido como la búsqueda en la cual el artista,
limitando la pintura objetiva, concreta los
sentimientos, los estados del alma, los miedos
subjetivos, las fantasías y los sueños.
El Expresionismo se inicia con un periodo
preliminar representado por el belga Ensor y el
noruego Munch.
Exponentes mas destacados.
1910 Expresionismo
Edvard Munch
James Ensor
Vanguardismo

Expresionismo en Alemania
En 1905 se constituye en Drede el grupo Die
Brücke (El Puente), manifestantes con una técnica
basada en la intensidad de las siluetas y las masas
cromáticas, prefiriendo los tonos oscuros, ahincando
la plasmación de las angustias interiores del hombre
y sus preocupaciones existenciales.
En el grupo Die Brücke, influido por Múnich,
destacan Nolde y Kirchner. Son artistas
comprometidos con la situación social y política de
su tiempo.
En 1911 Se formo en Múnich el grupo Der Blaue
Reiter (El jinete azul), recibió un importante aporte
internacional sobre todo del cubismo y el futurismo,
ya que lo integraron numerosos artistas extranjeros.
Además del alemán Franz Marc, encontramos al
ruso Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a
Gabriel Münter entre otros.
El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y
espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el
cómo de la representación que el qué.
Los artistas creían que el significado y el sentido
de cada cuadro están en manos del propio
espectador. El artista da forma a la emotividad en
su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo
observa determinados sentimientos.
La Primera Guerra Mundial destruye las
agrupaciones, pero el Expresionismo no se extingue,
al contrario, los desastres y la crueldad de la
guerra incita a otros artistas a traducir el dolor
provocado.
El austriaco Oskar Kokoschka (1886-1980) con su
personalidad vigorosa, busca la expresión a través
de la pasta y el color. En La noria del viento
trasciende lo puramente figurativo y anecdótico
para expresar contenidos interiores a través de sus
composiciones.
En Francia, Georges Henri Rouault (1871-1958) es
un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo
al Expresionismo sin cambiar los aspectos formales,
simplemente con un cambio en la concepción.
A partir de 1950, los norteamericanos se apropiarán
del nombre en lo que se ha conocido como el
Expresionismo Abstracto.

Expresionismo Abstracto.
Su principal representante es Jackson Pollock, quien
recogió toda la tradición vanguardista europea y la
combino con un cierto espíritu americano, creando
un mundo pictórico nuevo, donde lo importante es
el acto de pintar. Sienta los principios de una nueva
forma de entender la pintura.
Introdujo materiales que nunca hasta entonces
habían sido considerados como propios del lenguaje
pictórico: pasta espesa con arena, vidrios molidos….
La materia pasa a ser por si misma un elemento
sustancial de la obra pictórica. Con Pollock concluye
un proceso en el que el lenguaje pictórico de la
abstracción se desvincula totalmente del objeto real.
Características artísticas
 Emplea la abstracción de forma absoluta.
 Pintura instintiva.
 Las obras carecen de un plan prestablecido en las
que no parece haber ni principio ni fin.
 Emplea la técnica del Driping, ya utilizado por los
indios del Oeste americano, que consta en
derramar, dejar gotear, o lanzar pintura sobre el
lienzo sin tensar para que formara las más
sorprendentes configuraciones.
1910 Expresionismo
Oskar
Kokoschka
Ernst_ Ludwig_ Kirchner
Vanguardismo

1914 Constructivismo

El constructivismo nace en Rusia imbuido en las
ideas de la revolución que, en nombre del
proletariado, habían llevado a cabo. Este proceso se
salda con una profunda crisis social y económica
como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial
y la propia revolución Rusa, cerrándose de esta
manera una era de la historia y se abre una época
para la humanidad. Aunque la revolución plástica
había precedido a la revolución política. El
rayonismo y el simultaneísmo se desarrollaron antes
de 1918, abriendo el camino del constructivismo.
La Revolución Soviética buscó nuevas formas de
expresión relacionadas con la aspiración de
suplantar el sistema capitalista por esquemas más
democráticos de producción y distribución de
bienes. Con esta finalidad, artistas como Vladimir
Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander Rodchenko,
Wassily Kandinsky, Naum Gabo y El Lissitzky
promovieron una estética y una aproximación al
diseño que, entre otras cosas, se asociaba a la
producción industrial y decía adiós al ornamento
complaciente.
El término constructivismo aparece por primera vez
en 1920 en el Manifesto realista de Gabo Diem y
Pevsner. Alexei Gan utilizó la palabra como el
título de su libro “Constructivism”, impreso en 1922.
Aplicó el constructivismo a su trabajo, mientras que
su abstracción geométrica se debió, en parte,
al suprematismo de Kasimir Malevich.
A partir de entonces se dividen en dos tendencias:
Una liderada por Tatlín y Rodchenko, la cual tiene
un carácter utilitario. En 1921 lideraron, junto a 25
artistas, la renuncia al “arte por el arte” e hicieron
un llamado a los artistas para que dejaran de
producir cosas inútiles, para dedicarse al diseño
industrial, la comunicación visual y las artes
aplicadas al servicio de la nueva sociedad
comunista.
La segunda visión del constructivismo es
simplemente estética y defiende la libertad de
creación. Esta llegó a Europa en 1921 y 1922 y
estuvo representada por Kandisky, Malevich, Gabo y
Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra de
arte.

Características del movimiento
Del mismo modo que los futuristas, los
constructivistas rusos se fijaban como meta una
“reconstrucción” de la sociedad, lo que les condujo a
un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la
escenografía.
A partir de los años veinte, el arte en Rusia se
convierte en una edificación, en un producto más. El
constructivismo implica que la obra de arte sea una
construcción, que se articule como un edificio y se
realice siguiendo métodos análogos.
 Sus composiciones son construidas
matemáticamente.
 Los motivos no son ni objetos reales ni
fantasías libres del artista.
 La valoración del espacio y el componente
espacio/tiempo eran fundamentales.
 La inspiración estaba basada en la producción
técnica desde un punto de vista estético.
 Abandonaron el ámbito puramente material y se
dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño
de carteles, de moda, tipografías, fotografía,
arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.
 Utilizaban colores como el naranjo, rojo, azul,
amarillo, negro y blanco (generalmente siempre
en los mismos tonos, tanto en afiches como en
objetos).
 Las obras aludían a elementos modernos que
simbolizan el progreso, las estructuras
geométricas y las formas pesadas.
Kasimir Malevich

Vladimir Tatlin
Alexander Rodchenko
Wassily Kandinsky
Naum Gabo

1915 Ready Made

El Ready Made (“ya hecho”) expresión que se
impuso en 1915 por Marcel Duchamp en nueva
York, se logra definir como un arte o práctica
artística donde se crea una obra la que es realizada
a partir del uso de los objetos cotidianos que
carecen de valor artísticos en sí mismos, pero que
al ser presentados fuera de su contexto habitual
toma otro sentido del arte. Es así como
transforman este objeto cotidiano en una obra de
arte casi inmediatamente, este objeto se modifica
pero no al extremo donde llegue a ser irreconocible
pudiendo así clasificar al objeto encontrado como
modificado, interpretado o adaptado.
Los Ready-Mades nunca habrían existido de no ser
por el movimiento dadaísta. Es un movimiento
antiartístico que cuestiona la existencia del arte, la
literatura y la poesía
Dentro de este movimiento uno de sus
exponente fue Marcel Duchamp (28 julio 1887- 2
octubre 1968), artista y ajedrecista francés quien en
1915 impuso la expresión de Ready-Made.
Según Duchamp, el Ready-Made es una
manifestación perfecta del no-arte indiferente
visualmente y con una ausencia total del buen o
mal gusto, para Duchamp lo importante al crear una
obra de arte es el gusto de quien la observa, no
tanto si es bueno o malo ya que siempre habrá
quienes encuentren buena a mala una obra, lo
importante es que le genere interés, gusto por verla
lo que posteriormente determinará la calificación de
buena o mala dependiendo de la opinión de la
mayoría de los observadores.
La obra de Duchamp ejerció una importante
influencia en la evolución del movimiento Pop Art,
Surrealismo y Dadaísmo. En 1913 concibió una obra
a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre
una banqueta de cocina, fue uno de los primeros
ejemplos de arte cinético. Luego en 1915 presenta
un urinario de loza puesto al revés titulado Fontane.
1915 Ready Made

Obras de Marcel Duchamp
1915 Ready Made

1917 Neoplasticismo

Constituido en Leinden, Holanda el De Stijl fue un
movimiento integrador de las distintas artes que
buscan una total renovación estética del entorno
humano basada en valores plásticos nuevos
universales y más puros. Fue la sencillez del estilo
lo que dio el nombre a la revista “de Stijl” (El
estilo).
Las bases teóricas de esta nueva estética fueron
formuladas por Mondrian, lo que posteriormente fue
llamado neoplasticismo. Decretó dentro de la
conceptualización, un arte objetivo, es decir,
revelador en la estructura interna de la realidad
sensible, capaz de establecerse como un lenguaje
plástico, de validez universal.
El planteamiento básico de este movimiento queda
perfectamente claro en una frase de uno de sus
creadores, Doesburg, quien dijo: " Desnudemos a la
naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el
estilo” en 1917 Teo Van Doesburg junto a Piet
Mondrian fundaron la revista “De Stijl” principal difusor
del movimiento en cuyo primer artículo salió publicado
el manifiesto neoplasticiano defendiendo la abstracción
y la simplificación.
La intención del Neoplasticismo es representar la
totalidad de lo real, expresar la unidad de la
naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y
caprichosas, pero que, sin embargo, es de una
regularidad absoluta.
 Búsqueda de la renovación estética.
 Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia,
universal.
 Exclusión de lo individual y del objeto (limitado
temporal y localmente).
 Se elimina todo lo superfluo hasta que
prevalece sólo lo elemental, en un intento de
llegar a la esencia. Depuración de las formas
hasta llegar a sus componentes fundamentales:
líneas, planos y cubos.
 Planteamiento totalmente racionalista.
1917 Neoplasticismo

 Estructuración a base de una armonía de líneas
y masas coloreadas rectangulares de diversa
proporción, siempre verticales, horizontales o
formando ángulos rectos.
 Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un
marcado sentido del equilibrio logrado por la
compensación de las formas y los colores.
 Uso de pocos colores. Colores planos, de
carácter saturado o puros (primarios: amarillo,
azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y
grises).
 Empleo de fondos claros.
 Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas,
alegres.
 Es una orientación artística antitrágica: arte no
como expresión purgativa de sentimientos
trágicos interiores del artista, sino como
metáfora visual de armonía espiritual.
1917 Neoplasticismo
Piet Mondrian
Theo Van Doesburg

1917 Neoplasticismo
Bart van der Leck
Vilmos Huszár
Georges Vantongerloo

1919 Bauhaus

El origen de la Bauhaus se
remonta años antes de su creación
(antes de la Primera Guerra
Mundial), cuando desempeñando
Henry Van de Velde el cargo de
director de la Escuela Ducal de
Artesanía y de la Escuela Ducal Superior
de Artes Plásticas, ambas en Sajonia,
dejo como sucesor, a Walter Gropius, el
cual, consiguió plenos poderes para
reorganizar las dos escuelas.
Bauhaus fue fundada en 1919 en Weimar, Alemania,
Se desata la concepción de esta escuela por la
fusión llevada a cabo por Walter Gropius, de la
Escuela Ducal de Artesanía y de la Escuela Ducal
Superior de Artes Plásticas.
Bauhaus se basó en los principios de William Morris
y en el movimiento Arts & Crafts. En la escuela se
buscaba la colaboración tanto de los profesores
como de los alumnos para la proyección de
trabajos de diseño.
Entonces Bauhaus se basó en la experimentación,
en que el artista y el arquitecto deben ser también
artesanos.
En 1928 Walter Gropius abandona la
escuela y asume como director Hannes
Meyer. Junto con él se implementa una
nueva organización de la escuela,
compuesta por 4 departamentos
principales:
 Arquitectura
 Publicidad
 Acabado (producción de madera y metal)
 Tejidos
Dos años mas tarde de la dirección
de Hannes Meyer, asume la
responsabilidad Ludwig Mies van der
Rohe, quien era el director de la
escuela de arquitectura.
1919 Bauhaus

Bauhaus en Weimar 1919
Bauhaus en Dessau
1925, cambio de
cuidad por problemas
políticos.
Bauhaus en Berlín 1932,
donde en 1933 se produce
el cierre de la escuela por
el régimen nazi,
produciendo un éxodo de
los diseñadores que
trabajaban en ella, surgiendo nuevas escuelas en
distintos lugares del mundo (La New Bauhaus).
1919 Bauhaus
Walter Gropius
Henry van de Velde

l
l
l
l
l
1919 Bauhaus
Marcel Breuer
Wassily Kandinsky
Paul Klee

1920 International Style

El Estilo Internacional fue un estilo más que nada
arquitectónico. Donde se produjo la formación de la
arquitectura moderna surgiendo entre los años
1920 a 1930 fue impulsado por un pequeño grupo
de destacados arquitectos, entre ellos Walter
Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Charles
Edouard Jeanneret, Peter Behrens.
Los autores identificaron tres principios:
 La expresión del volumen en lugar de masa.
 El énfasis en el equilibrio y no de la simetría
preconcebida.
 La expulsión de la ornamentación aplicada.
Este movimiento comenzó en primer lugar por
la incomodidad de algunos arquitectos con el
eclecticismo y divergencia de estilos que
estaban en boga a finales del siglo XIX, pues se
basaban en características y elementos de
diversos estilos y periodos, sin obedecer la
relación entre forma y utilidad de las
edificaciones.
Además de la aparición acelerada de la
industrialización, que comenzó a crear necesidad de
nuevos tipos de edificaciones; por ejemplo: edificios
de oficinas, bloques de apartamentos, nuevas
fábricas más espaciosas.
Como otro factor de importancia podemos nombrar
los enormes avances técnicos de la ciencia de los
materiales y la construcción, permitiendo la
invención del hormigón armado y avances en
aleaciones de acero.
Ludwig Mies van
der Rohe

Walter Gropius
Charles Edouard Jeanneret
– Le Corbusier
Peter Behrens

1920 SurrealismoVanguardismo

¿Cómo puedo ser libre?
Es la gran pregunta que se hace este movimiento,
muchas obras de arte son metáforas de libertad,
nos muestran el libre juego de la mente y los
sentidos y son modelos de elección. Tomó del
Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero
rechazo su carácter negativo y destructivo, en
cambio el surrealismo aspiraba a ser el instrumento
de libertad, quería ser como los revolucionarios y
evangelizadores que prometen la salvación por un
acto de fe. Por lo tanto, había algo más en el que
simplemente una parodia solemne de las amenazas
revolucionarias tenía algo en común con una
religión, tenía dogmas y rituales, tenia mártires y
santos, tenia un círculo de fieles y un papa.
Por esos días en París, cuna del surrealismo, vivía
un joven estudiante de medicina convertido en
poeta su nombre era André Bretón y en los años
20 se transformo en una de las grandes
fascinaciones del arte moderno, inspiraba una
devoción fiel, en buena parte por que era muy
inventivo, muy perceptivo y muy moral, actitudes no
muy corrientes en los círculos culturales de Francia
o de cualquier otro sitio.
El sueño era el instrumento. El inconsciente nos
habla en los sueños, la mente soñadora era la
verdad sin legislar y también era la neurosis la
forma permanente y voluntaria de los sueños. En
esto Bretón y su circulo formaban parte del gran
movimiento intelectual cuyo motor era la obra de
Sigmund Freud, pero realmente no eran freudianos
y no hay pruebas de que Freud los tomara en
serio, como tampoco de que Stalin llegara a tener
noticias de los masoquistas esfuerzos de los
surrealistas para ponerse al servicio del comunismo
en los años 30. Bretón era un jefe de clan natural
y pronto adquirió la devoción de un grupo
amablemente caricaturizado por Max Ernst en
1922.

Se distinguen dos modos de hacer arte surrealista:
1. Una que defendía el automatismo, aquí las ideas y
las asociaciones de imágenes surgen de manera
rápida, espontanea, fluida, sin hacer caso para nada
de la coherencia y el sentido. Se encontraban en
boga los surrealistas abstractos como Joan Miró y
André Masson, quienes creaban universos
figurativos propios.
2. La otra forma de surrealismo era en donde
creían que la figuración naturalista podía ser un
recurso igual de valido. Donde los surrealistas
figurativos como Salvador Dalí, Rene Magritte, Paul
Delvaux, Estefano Viu o Yves Tanguy, se
interesaban por los sueños y el realismo mágico.
Técnicas y métodos
 La fotografía, la cinematografía y la fabricación
de objetos, tomadas del Dadaísmo.
 El collage y el ensamblaje de objetos
incongruentes.
 El forttage (dibujos logrados por el roce de
superficies rugosas contra papel o lienzo).
 Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura
automática (varios artistas dibujaban las distintas
partes de una figura o de un texto sin ver el
trabajo del anterior, logrando imágenes
interesantes e ilógicas).
 Automatismo (cualquier forma de expresión en
la que la mente no ejerza ningún tipo de
control).
 Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido,
en el erotismo descubren realidades oníricas, y
el sexo será tratado de forma impúdica.
 Se interesaron además por el arte de los
pueblos primitivos, el arte de los niños y de los
dementes.

 Preferencia por los títulos largos, equívocos,
misteriosos.
 Decalcomanía (técnica pictórica, consiste en
aplicar acuarela opaca negra sobre un papel, el
cual se coloca encima de otra hoja sobre la
que se ejerce una ligera presión,
despegándolas antes de que se seque).
 Grattage (técnica que consiste en raspar los
pigmentos de pintura ya secos sobre la
superficie de madera o lienzo).
Imágenes de la pintura surrealista
 Formas abstractas o figurativas simbólicas
que intentan plasmar las imágenes de la
realidad más profunda del ser humano, el
subconsciente y el mundo de los sueños.
 Animación de lo inanimado.
 Aislamiento de fragmentos anatómicos.
 Elementos incongruentes.
 Metamorfosis
 Máquinas fantásticas
 Relaciones entre desnudos y maquinaria.
 Evocación de caos.
 Representación de autómatas, de espasmos y
de perspectivas vacías.
 Realidades oníricas.
 Universos figurativos propios.
1920 Surrealismo
André Bretón
Vanguardismo

1920 Surrealismo
Joan Miró
Automatismo Surrealista
André Masson
Surrealismo Figurativo
Salvador Dalí
Rene Magritte
Vanguardismo

1925 Art Decó

El período llamado Art Decó se manifestó entre las
dos guerras mundiales, entre 1920 y 1939.
Teniendo periodos diferentes correspondientes a
dos líneas estéticas de estilos; una es el ZigZag y
la otra llamada Stream Line.
Este movimiento surge en la exposición
Internacional de las Artes Decorativas, Realizada en
París en 1925. Conocido en general como un
movimiento artístico decorativo o diseño ilustrativo.
Se utilizo principalmente en mobiliario, joyería,
vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Sus
formas estilizadas transmitían elegancia y
sofisticación.
El Art Decó se inspira en las corrientes artísticas
de principio del siglo XX, por ejemplo: el
constructivismo, cubismo, futurismo, el racionalismo
de la Bauhaus y del propio Art Nouveau del que
evoluciona.
En los años 20 se vivió una modernización en la
sociedad; la igualdad de sexos, la emancipación de
la mujer, sombreros encasquetados, hombreras en
vestidos cortos, etc; alcanzando así una expresión
de mujer dinámica que al igual que el hombre
despeña un nuevo papel en esta renovada sociedad.
El cambio también se avoco al estilo de esa época
siendo característico en el Art Decó el uso de
líneas rectas, con diferentes combinaciones, el
chapado, las curvas aparecen con frecuencia, se
utilizan las líneas en sentido geométrico; el
hexágono y el octágono son las figuras geométricas
mas utilizadas.
Aparecen nuevos materiales en la decoración del
mobiliario y sorprendentes combinaciones; por
ejemplo: el cromo, la baquelita, resinas sintéticas y
moldeables, plásticos utilizados de múltiples maneras,
en el chapeado de muebles se utilizan exóticas
maderas, además de conchas de tortuga, pieles de
serpientes, de tiburón o del pez espada. Productos
enfocados para el consumo de la alta sociedad, sin
embargo, la población de clase media desea
consumir estos objetos de diseño exclusivo, los
talleres y la industrias empiezan a producir en
masa, productos copiados e inspirados en los
originales que solo se vendían en grandes
almacenes y boutiques, estos tiempos de consumo
provoca que el comercio sea decorado
atractivamente para atraer la atención del
consumidor, la publicidad es una nueva ciencia
donde el cartel toma gran importancia.
1925 Art Decó

El Art Decó era casi puramente decorativo, por lo
que se lo considera un estilo burgués, que a pesar
del eclecticismo de sus influencias formales y
estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara
identidad propia. No se trata de un historicismo ni
de un anacronismo; es fiel a su época y deja
entrever la noción futurista de la Revolución
Industrial.
1925 Art Decó
Paul Poiret
Louis Majorelle
André Groult

1925 Art Decó
Pierre Chareau
Jacques Émile
Ruhlmann
Tamara de Lempicka

Dentro del Art Decó existen dos líneas estéticas:
1. El ZigZag
Mayormente desarrollado en Europa en la primera
etapa entre 1920 a 1930. Se basó más en las
referencias de las culturas pasadas que se pusieron
de moda por descubrimientos arqueológicos. Egipto,
Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca.
Resalta en su decoración los triángulos
encadenados, superpuestos, líneas y composiciones
geométricas en movimiento.
1925 Art Decó
Claude Beelman
Donald Parkinson

2. El Stream Line
Tuvo su origen en Estado Unidos, en la década
de 1930 a 1940. El factor desencadenante fue
la depresión económica de 1929. Todo empezó
con los nuevos aviones de línea aerodinámica,
las locomotoras y los automóviles.
El Lockheed Orion de 1930 se diferenciaba con
claridad de los pesados aviones de chapa
ondulada, donde tuvo su apogeo en 1937,
representa la recuperación económica después
del “crack” bursátil del 29.
Los principales motivos decorativos son las
líneas curvas aerodinámicas, horizontales y
abstractas.
1925 Art Decó
Raymond Loewy
Henry Hohauser
Lawrence Murray Dixon

1928 DYMAXIONRichard Buckminster Fuller

Nació el 12 de julio 1895 en Massachusetts,
Estados Unidos y fallece el 1 de julio 1983 en Los
Ángeles, California.
Sus años de formación coinciden con una época de
gran innovación tecnológica y de expansión
industrial. Durante su juventud se instruyo sobre
diseño analizando los barcos veleros y su
estructura, su pensamiento esta con la máxima
utilidad con un mínimo de materiales, que queda
como la esencia de los trabajos de Fuller a lo largo
de su vida.
De 1913 a 1915 estudia matemáticas en la
Universidad de Harvard siendo expulsado dos veces
de la institución, al no poder con la mente creativa
de Fuller.
En 1917 interrumpe su cotidianidad para enlistarse
en la armada en la Primera Guerra Mundial.
Experiencia que contribuiría positivamente en su
formación fortaleciendo sus conocimientos
marítimos, matemáticos y logísticos, y empezando a
formar su “concepción teórica”.
Sin una educación formal en diseño, su
acercamiento a este campo vino por medio del
matrimonio, cuando se casa con una estudiante
de arte e hija del arquitecto James Monroe
Hewlett.
Durante esos años muere su primera hija, hecho
que Fuller atribuye a las condiciones poco salubres
que caracterizaban la vivienda de esa época. A
consecuencia de esto, empieza a trabajar en el
campo de la construcción, con la ambición de
mejorar la calidad de la vivienda en general.

Su primer paso en dirección al diseño fue publicar
dos ensayos, en los cuales presentó su filosofía de
diseño al cual definía como, " Desarrollar soluciones
para satisfacer necesidades reales de la
humanidad”, e incluyó unos esquemas para vivienda
industrializada que denominó Casa 4D.
Al igual que Le Corbusier, Fuller concibe la vivienda
como una " máquina para vivir" , pero Fuller va
más allá y la define como “un sistema para
satisfacer las necesidades humanas de protección
contra los elementos, privacidad e higiene”.
En los mencionados ensayos, Fuller propone un
diseño específico para vivienda industrializada: una
torre con las áreas habitacionales suspendidas de
un mástil central. La razón por la cual propone
suspender los pisos es para lograr una estructura
más ligera y fácilmente transportable de la fábrica
al sitio de elección. La planta de los pisos en la
Torre 4D era hexagonal y todos los servicios
estaban incorporados al mástil.
En la selección de materiales Fuller demostró su
gran capacidad para innovar con respecto a los
materiales que implementó:
 Aluminio en el mástil.
 Plástico en ventanas
 Losetas inflables de hule para los pisos.
Con respecto a las estructuras; deseaba la utilización
de ensambles en fábricas para el transporte completo
de las unidades a cualquier parte del mundo por
dirigible. El concepto de transportar las unidades por
dirigible era una extensión de su interés en artefactos
aéreos. En 1927 Fuller ya anticipaba cómo, en un
futuro próximo, las aeronaves facilitarían el transporte
a cualquier punto del planeta, sin necesidad de
transbordos.
Fuller estaba logrando su propósito de hacer de la
vivienda una máquina para vivir asequible a la
población de su país, por lo que ofrece ceder las
patentes que tiene sobre la vivienda 4D al Colegio de
Arquitectos de Estados Unidos para su mayor
difusión, pero la directiva del Colegio no sólo rechaza
el ofrecimiento sino además pasa una resolución
estipulando que está en contra de cualquier diseño
reproducible.

Fuller no se desanima y desarrolla la versión de
vivienda unifamiliar del edificio4D, a la que denomina
la casa Dymaxion.
Aunque ninguno de sus diseños para vivienda pasa
de la etapa de anteproyecto, el baño unitario de
plástico moldeado provoca el interés de la industria
de sanitarios. En 1940 desarrolla un prototipo que
incluye una regadera de agua atomizada e inodoro
seco. A pesar de que varias compañías habían
apoyado las investigaciones del baño integral, ninguna
se aventuró a lanzarlo al mercado. En 1940, se le da
la oportunidad de realizar este concepto de vivienda.
El diseño fue bautizado Unidad Dymaxion Desplegable,
pues el concepto era producir albergues
transportables. La producción llegó a ser de mil
unidades por día, pero en la Segunda Guerra Mundial
la producción se limitó por la escasez de materia
prima, sin embargo, estas unidades encontraron
múltiples usos durante la guerra.
Dinámica + máxima tensión
El concepto Dymaxion es una contracción de las
palabras dinámica y máxima tensión en ingles,
acuñada en 1928. Fuller se entusiasmó con la palabra
y la empleó para muchas de sus invenciones en las
siguientes décadas, como la casa Dymaxion, el coche
Dymaxion y el mapa Dymaxion, pues refleja su
filosofía de diseño.
Auto Dymaxion
En concepto y diseño este automóvil era muy
diferente a otros de la época. La primera versión fue
construida en 1934, el vehículo era totalmente
aerodinámico. El sistema estructural, materiales y
modo de fabricación
también simulaban los
de un avión de la
época, el motor
estaba montado en la
parte posterior con
tracción delantera. El
coche tenía solamente tres ruedas. Esto le brindaba
un alto grado de maniobrabilidad.

Casa Dymaxion
Aproximadamente en 1944,
Fuller se puso a trabajar con
la compañía Beech Aircraft
Corporation en Wichita, Kansas.
Ahí diseña y construye un
prototipo de vivienda que fue
denominado la casa Wichita. Este prototipo
representa la maduración de los conceptos para
vivienda industrializada que Fuller había trabajado
por casi dos décadas.
La casa Wichita era de forma circular y la
estructura íntegra estaba suspendida de un mástil
central, esta vez la vivienda
estaba próxima al terreno y
anclada al mismo.
Los avances en metalurgia y
plásticos permitieron que la
estructura fuera más fuerte y liviana que los
diseños anteriores.
Mapa Dymaxion
En el ámbito universitario Fuller enfoca sus
energías en la investigación de la geometría
estructural. El estudio de volúmenes lo lleva al
tetraedro, el cual es la estructura más estable y
más resistente a la compresión. Combinando 20
tetraedros se forma un icosaedro, el cual se
aproxima a la esfera. Este tipo de estructuras
presenta la mejor relación entre volumen, contenido
y resistencia, puesto que las fuerzas se reparten de
manera pareja por toda la estructura. Fuller llamó a
este tipo de estructuras: estructuras geodésicas.
Las estructuras geodésicas son un ejemplo por
excelencia de la máxima eficiencia en uso de
materiales: la esencia de la filosofía de diseño de
Buckminster.

Mapa mundial aire océano Dymaxion
El mapa que usa como base para presentar la
distribución de factores alrededor del mundo es otra
innovación. Se trata de una proyección de la esfera
terrestre sobre un icosaedro, lo cual minimiza la
distorsión al aplanar el globo terrestre, por lo que la
representación de las masas terrestres es más
exacta.
En 1956 Fuller diseña el Pabellón de los Estados
Unidos para una exhibición industrial en Kabul,
Afganistán. La estructura era un domo de 30 m de
diámetro, construido con tubos de metal y lona. El
domo fue diseñado y fabricado en un plazo de seis
semanas, las partes transportadas en avión y fue
erigido por trabajadores locales en 48 horas.
Paradójicamente, la estética (cualidad
menospreciada por Fuller en su filosofía de diseño)
contribuyo al éxito de las estructuras geodésicas.
La calidad estética de las estructuras, es decir sus
proporciones, simetría, textura, ligereza y volumen,
no son el resultado del genio o capricho artístico
del diseñador. Estas cualidades fluyen de la base
matemática que las conforma y los materiales
utilizados.

Las características intrínsecas de las estructuras
geodésicas en especial su economía, ausencia de
soportes internos, erección en corto plazo por mano
de obra no especializada, ligereza y fácil
transportación, así como calidad estética, generan
demanda para este tipo de estructuras en el ámbito
civil.
Estilos influenciados por Richard Fuller
Las influencias llegaron a diferentes estilos de
diseño, tal como el High-Tech, que surgió en la
arquitectura de los setenta inspirada en el
formalismo geométrico del movimiento moderno y
el diseño radical de Fuller. También fue un
defensor más del eco-diseño, ya que en los años
veinte promovió una “ciencia del diseño” basada en
la idea de ofrecer pureza estética gracias al
pensamiento; “lo máximo, con lo mínimo”.
Richard Fuller
“La función del diseñador es encontrar soluciones a
necesidades humanas, soluciones que puedan servir
a la mayor parte de la humanidad posible”.
" El diseño debe resolver, no imponer”.

1930 Diseño Orgánico

Es un movimiento del diseño que en su primera
fase se desarrolló entre 1930 y 1960, y luego
desde los años ‘90 al presente.
El diseño orgánico es un enfoque holístico y
humanizado del diseño. En ese enfoque orgánico
fue crucial la manera en que los elementos,
como objetos o muebles, conectaban visual y
funcionalmente con el contexto de su
emplazamiento interior y el conjunto del edificio.
También era importante cómo los interiores se
integraban con la totalidad del esquema y cómo
el propio edificio lo hacía con su entorno,
mediante la armonía de sus proporciones, los
materiales y el color. Donde las curvas suaves
y sinuosas se opusieron al rígido formalismo
geométrico del estilo internacional.
Uno de sus principales exponentes Alvar Aalto,
le preocupaban las conexiones funcionales,
espirituales y emocionales de sus muebles con los
usuarios individuales. Sus ideas tuvieron un alto
impacto, sobre todo en los EE.UU, cambiando el
rumbo del diseño hacia el movimiento orgánico
moderno: de este modo, diseñadores como Eero
Saarinen y Charles Eames crearon sillas, muebles
realmente revolucionarios, no sólo por la
tecnología de punta que utilizaron en la estructura,
sino también por el concepto de contacto y
soportes continuos, promovido mediante las formas
orgánicas ergonómicas y refinadas del asiento.
A principios de los años noventa, impulsado por
un mejor conocimiento de la ergonomía, la
antropometría, los avances en el diseño y la
creación por computación, el diseño orgánico
emergió con más fuerza que nunca.
Independientemente del material empleado, ya sea
natural o plástico, el diseño orgánico expresa toda
su potencia cuando su sensual y emocional
vocabulario formal conecta con el usuario de
manera subliminal, apelando directamente a su
sentido innato de la belleza natural.

Alvar Aalto
Ray Esmes
Eero Saarinen
Arne Jacobsen

Ross Lovegrove Frank Lloyd Wright

1930 StreamLine Modern

Movimiento también nombrado como Styling, fue
una variación del estilo de diseño Art Deco, que
surgió durante la década de 1930, que tuvo sus
inicios en el contexto histórico del período la crisis
económica que se produjo en los Estados
Unidos debido a la depresión de finales de
la década de 1920
Poseía un estilo arquitectónico, que fue el primer
estilo en incorporar luz eléctrica en las estructuras.
El cual se enfatizaba en formas curvas, largas y
suaves líneas horizontales y la presencia de
elementos y formas náuticas.
Si bien era considerado un gran estilo de
arquitectura, también era un estilo importante en el
diseño industrial, ya que fue aplicado a las formas
de muchos productos de la época, por su lenguaje
conceptual claro y preciso.
Con el objetivo de captar interés en los
consumidores y compradores, se apeló a un cambio
en la estética y forma del estilo predominante en el
área de la arquitectura y el diseño industrial de
aquella época.
Se propuso un cambio de formas que fuera acorde
al nuevo mundo que estaba surgiendo en ese
entonces.
Este nuevo enfoque tuvo la influencia del futurismo,
el cual glorificaba los conceptos relacionados con
velocidad y además estaba basado en
investigaciones técnicas y científicas, orientadas a
lograr superficies y formas que ofrecieran una
menor resistencia al avance para aplicaciones
ingenieriles.
En el área del diseño industrial se popularizó
gracias a diseñadores como Norman Bel Gedes. El
estilo se extendió tanto en los Estados Unidos que
ha llegado a ser considerado como sinónimo de
diseño industrial estadounidense de las décadas de
1930 y 1940.

En la Arquitectura
Un ejemplo claro es el
vestíbulo del Strand Palace
Hotel (1930), salvado de la
demolición del Victoria and
Albert Museum en 1969,
marcó uno de los primeros
usos de la luz interior del
vidrio arquitectónico, y
casualmente fue el primer
interior de estilo aerodinámico que se conserva en
un museo. A pesar de que el estilo se usó
principalemnte en edificios comerciales, existen
algunas viviendas de este estilo.
La Casa de Lydecker en Los
Ángeles, construida por Howard
Lydecker, es un ejemplo de
diseño aerodinámico en
arquitectura habitacional.
En el Diseño Industrial
El Streamline se aplica a aparatos como relojes
eléctricos, maquinas de coser, pequeños receptores
de radio y aspiradoras. Sus procesos de fabricación
son mayormente desarrollados por materiales como
el aluminio y baquelita (primera sustancia plástica
totalmente sintética).
En comparación con Europa en 1930, en EEUU
había un mayor enfoque en el diseño como un
medio para aumentar las ventas de productos de
consumo. La racionalización y un futuro
prometedor.
Esta esperanza resonó con la clase media
norteamericana, el principal mercado para los
productos de consumo. Una amplia variedad de
productos, desde neveras hasta sacapuntas,

 Orientación horizontal.
 Bordes redondeados, ventanas esquineras y ladrillos
de vidrio.
 Ladrillo de vidrio.
 Ventanas ojo de buey.
 Uso de hierro cromado.
 Paredes de superficie lisa, generalmente estuco.
 Azoteas lisas con remate.
 Ondas o rectas horizontales en las paredes.
 Colores suaves y apagados: predominio de pinturas
color tierra, blanco opaco y beige como base, y
colores brillantes u oscuros en las molduras para
contrastar.
Raymond Loewy
Norman Bel Geddes

1930 Swedish Modern

Suecia 1930
En la década de los 30, predominaba en EEUU
formas y diseños estilizados paralelamente con el
estilo Art Decó, los que se propagaron a gran parte
del mundo. Las tendencias en los países
escandinavos, lograron desvincularse de los
postulados característicos del diseño estadounidense.
A partir de esto surgió durante la década de los 40
y los 50, el apogeo de un estilo bastante distinto:
Swedish Modern.
En 1930, la pintura, el diseño grafico y la
arquitectura moderna entraron al país con la
corriente del funcionalismo y desde entonces las
obras de pintores, diseñadores y arquitectos suecos
han ganado una buena reputación. Sin embargo, su
arte tradicional aun se conserva, siendo su mejor
ejemplo las artesanías fabricadas en las zonas
rurales y comercializadas en las ciudades e incluso
exportadas a otras partes del continente. Algunas
de las más populares incluyen las estufas de
cerámica, obras hechas de vidrio y con tallas en
madera.
Estilo que promulgaba la minoracion de material,
como material popular se dio el apogeo del plástico,
material que permitía gama de colores y formas,
dando a luz objetos que oscilaban entre la función
y la diversión. Dentro de algunos años se le dio
utilización, por ciertos diseñadores, a la fibra de
vidrio, material de gran diversidad formal, también
se utilizaba la espuma de poliuretano.
Estilo predomínate de formas onduladas, alargadas y
orgánicas, con un parecido exuberante al diseño
orgánico, gracias al uso del material similar, de
hecho algunos de los más destacados diseñadores
del diseño orgánico pueden verse además como
diseñadores del estilo Swedish Modern.
1930 Swedish Modern
Eero Saarinen

1930 Swedish Modern
Alvar Aalto
Eero Aarnio
Bruno Mathsson
Verner Panton

1930 Kitsch

Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto
estético empobrecido con mala manufactura,
significando más la identificación
del consumidor con un nuevo estatus social y
menos con una respuesta estética genuina. El
sacrificio de una vida estética convertida en
pantomima, usualmente, con el interés de señalar un
estatus social.
Lo kitsch es una imitación estilística de formas de
un pasado histórico prestigioso o de formas y
productos característicos de la alta cultura moderna,
ya socialmente aceptados y estéticamente
consumidos.
Tal vez un ejemplo clásico de ello es la
arquitectura y el arte decorativo desarrollado en el
área de Los Ángeles en California durante las
décadas 10 al 30 del siglo XX, cuando la zona vivió
un gran desarrollo económico debido a la agricultura
y el éxito de la industria
cinematográfica de Hollywood, lo que creó una
generación de gente emigrada de Europa recién
adinerada que intentaron recrear el estilo de los
nobles europeos.
Esto dio pie a la creación de mansiones en las que se
mezclaban caóticamente estilos como
el barroco, florentino, gótico y el rústico. Este estilo fue
llamado Californiano; en la decoración se crearon piezas
estrambóticas, como chimeneas de más de tres metros
de altura, falsos escudos nobiliarios, tapetes de oso,
espejos gigantescos con marcos de falsa madera
tallada estofada realizados en plástico o cuadros idílicos
de falsos antepasados que decoraban sus paredes. Se
llegó al exceso de comprar antiguos castillos europeos
que eran trasladados piedra por piedra a los Estados
Unidos o bien comprar títulos nobiliarios en subasta.
La palabra se popularizó en los años 1930 por los
teóricos Clement Greenberg, Hermann Broch,
y Theodor Adorno, que intentaban definir lo avant-
garde y el kitsch como opuestos.
En aquella época, el mundo del arte percibía la
popularidad del kitsch como un peligro para la cultura.
1930 Kitsch

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