Las vanguardias I
Bloque 3
Berthe Morisot

glosario
Introducción: El escándalo de los Impresionistas
Lo artístico y lo social
El color: descubrimiento de una técnica en sí
Técnica del puntillismo o divisionismo
Análisis del color: Mezclas sustractivas y aditivas. El color luz y el color pigmento
Pintura. Claves estéticas y temáticas del simbolismo relacionado con el erotismo, drogas
y el satanismo. Odilon Redon
Impresionismo “revolución de las manchas de color”. Manet, Monet,
Pissarro, Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt
Sorolla y el tratamiento de la luz mediterránea. Relación de su obra con la de John
Singer Sargent

Introducción
El escándalo de los Impresionistas
Louis Leroy fue un crítico de arte que consideró insultante un cuadro de Claude Monet
llamado “impresión: sol naciente” en el que se representaba un pequeño disco solar que
brillaba entre las brumas en un amanecer portuario en la exposición organizada en el
taller del fotógrafo Nadar en 1874. Además de este cuadro habían otros de autores como
Sisley, Pissarro, Eduard Manet, Berthe Morrisot, Renoir, Cezanne, entre otros. Este será el
comienzo público de una nueva de entender el arte.
En 1874 estos autores rompieron la costumbre de
Los salones oficiales donde se guardaba “la Verdad
Artística”. Los academicistas defendían el buen hacer
del arte, defendían sus pautas artísticas clásicas
como las únicas válidas en nombre del buen Arte.
Este “arte” ya había sido puesto en entre dicho con el
Realismo Social representado por autores como Millet
Daumier y Coubert, amenazándo ya un tiempo antes ese
buen hacer que defendían críticos como Louis Leroy, los “ataques pictóricos” que estaban
comenzando a surgir en contra del buen arte iban a marcar las pautas de una nueva visíón
artística.

Jean -Françoise Millet “el ángelus” 1859

Honoré Daumier “ el vagón de tercera clase” 1864

Lo artístico y lo social
¿El impresionismo trato de socavar el orden artístico? a ¿es el inicio del arte contemporáneo?
¿se podría decir que el siglo XX empieza en el campo de las artes plásticas en 1874? Es difícil
separar las relaciones entre arte y sociedad, como realidades distintas que se relacionan pero
que están separadas la una de la otra, o que la una es el reflejo de la otra. Más bien deberíamos
analizar lo artístico como parte fundamental de lo social, ya que el arte es un organismo de la
sociedad.
¿Quién era el público del arte el último cuarto de
siglo XIX? Era un número reducido de personas
pertenecientes a las élites burguesas y aristocráticas,
grupos que sus gustos no coincidían con las obras que
pintaban estos nuevos creadores impresionistas.
Abandono del taller: pintar a “plen air”
Lo que se representaba en estos nuevos cuadros no
era contar historias, no se exaltaban actitudes, no
daba una visión pictórica de un acontecimiento ni
relato, los temas representados eran cotidianos, una
calle por ejemplo como esta obra de Camille Pissarro
de una calle de París pintado allá por 1898.

Un paseo en barca como este de Édouard Manet, una estación de ferrocarril o unas damas
en el jardín o este “campo de amapolas” de Mary Casatt serán los temas representados
por estos pintores.
El estilo grandilocuente y retórico da paso a un modo de representar cotidiano y simple.
El pintor se olvida de su estudio, sale a pintar al aire libre y pinta lo que ve y cuando lo ve,
sólo le interesa el presente, aquello que ocurre en el mismo momento en el que está
frente al lienzo. Los artistas abandonan progresivamente el encargo para ser en sentido
estricto: autor de su obra y no sólo un mero individuo con habilidad manual.
En el siglo XIX o XX el “tiempo” se dinamiza, y el ritmo de la vida ha variado sus constantes.
La necesidad de que el pintor sea autor de su propia obra responde y participa de ese cambio,
y por consiguiente no sólo el tema varía sino también se introduce una nueva expresión
plástica, la transformación no se queda sólo en el qué se dice si no en el cómo se dice.

Por ejemplo una crucifixión Románica s. XII y una del Barroco s. XVII poco tienen que ver
en su contenido, ambas denotan una misma concepción de ver el mundo, de la realidad
social en sus aspectos místicos, relaciones de poder, no se puede separar la forma del
contenido.

En este sentido, el impresionismo no sólo aporta una nueva concepción iconográfica de la
realidad , si no una distinta visión plástica de la misma. Podemos decir que por primera vez en
la historia d la creación plástica el artista ve por sus propios ojos y transmite una realidad no
manipulada. El pintor no construye una “escena” simplemente transmite lo que ve en ese
momento.
El impresionista sale al campo, “a plein air” en
Busca de aquello que le sugiere o le produce un
placer estético y lo pinta. Lo hace con rapidez sin
preocuparse demasiado de las estructuras que
ordenan el color, el dibujo, si buscar armonizar las
combinaciones y mezclas cromáticas, de eso ya
se encargará la retina. La pincelada es rápida, no
demasiado larga y los colore puros. Su visión rápida
no le permite ver los detalles, son manchas de color
que insinúan la realidad.
Se dice que estos autores se encandilaban con las
teorías científicas de Chevreul sobre la luz y el color.
entre el pintor y la realidad sólo está el lienzo, el
transcurrir del tiempo y los efectos del mismo.
El pintor impresionista sea captar el tiempo a través
de la luz cambiante que transforma el cromatismo
como hace Monet en la catedral de Rouan

El color: descubrimiento de una técnica en sí
Los descubrimientos técnicos relacionados con la descomposición de la imagen en colores
primarios nos remite directamente con la técnica usada por los impresionistas.
Los impresionistas aprendieron mucho de uso del color estudiando la obra de Delacroixe.
Este autor hacía un sorprendente uso del contraste entre colores complementarios, es decir,
Colores opuestos en el círculo cromático, llegando a abandonar el uso de tonos terrosos.
Los impresionistas añadieron
el uso del blanco como
fuente de luz y las sombras
las consiguieron
abandonando el uso del
negro para oscurecer
(tan usado en la pintura
academicista) y
sustituyéndolo por la
yuxtaposición de tonos puros.

“La libertad guiando al pueblo” Eugène Delacoix 1830

“La muerte de Sardanápalo “ Eugène Delacroix 1827

“Los convulsionados de tanger” Eugène Delacorix 1838

Técnica del puntillismo o divisionismo
En 1885 Pissarro (uno de los principales pintores impresionistas) se topó con el trabajo de dos
pintores Seurat y Signac. Ambos estudiaban un uso del color de manera particular, consistía
En una técnica que se basaba en la aplicación de pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores
puros, para ello se requería hacer un estudio previo de las
combinaciones de colores más adecuadas dependiendo
de los efectos que se querían conseguir.
“Palacio de los papas “ Paul Signac . 1900

“Retrato de Félix Fénéon” Paul Signac 1890

“El pino de St. Tropez” paul Signac 1909

”Un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte” George Seurat 1884-1886

“ Un baño en Asnières” George Seurat 1884

“Boulevard de Montmartre” Camille Pissarro, 1897

El color en sí no existe, es el resultado del efecto que ejerce la luz sobre los objetos.
Depende del material que componen los objetos sean naturales (árbol) o
artificiales, la luz generará un efecto u otro que los distinguirá por su tonalidad.
por ejemplo, si tomamos un prisma de cristal y lo ponemos a la luz,
veremos que lo atraviesa un haz de luz blanca, que dentro del prisma de cristal
se descompone en diferentes colores, los colores del arco-iris, cada color tiene
una longitud de onda, es decir como una medida diferente, así pues
cada objeto atrapa o refleja una longitudes de onda, y éstas reflejadas serán
las que le den el color resultante al objeto.
Análisis del color: Mezclas sustractivas y aditivas.
El color luz y el color pigmento

COLOR LUZ
Si descomponemos la luz
al pasar por el prisma,
observamos las diferentes
longitudes de onda. Los tres
colores primarios del color
luz son el rojo anaranjado,
el verde y el azul violeta.
MEZCLA ADITIVA
Si hiciéramos girar a una gran
velocidad estos tres colores,
al superponerse los tres
obtendríamos el color blanco.
Al mismo tiempo observamos
que al unir dos a dos obtenemos otros tres colores, el amarillo, el cian
y el magenta, es decir los colores secundarios del color luz.

COLOR PIGMENTO
El color pigmento, es color creado por
el hombre. A partir de él obtenemos toda
clase de pinturas que se utilizan tanto
para pintar un coche, una casa o
un cuadro.
Los colores primarios del color pigmento
son: el cian, magenta y amarillo,
NO SE DEBE CONFUNDIR CON EL
COLOR LUZ
MEZCLA SUSCRACTIVA
Si mezclamos los tres colores primarios
en la misma cantidad exactamente,
obtendremos el color negro.

Colores primarios
Los colores primarios son el magenta,
Cian y amarillo.
Los colores secundarios son el resultado
de la mezcla de estos tres
Cian + magenta = violeta
Cian + amarillo = verde
Magenta + amarillo = naranja

Pintura. Claves estéticas y temáticas del simbolismo
relacionado con el erotismo, drogas y el satanismo.
Odilon redon

El romanticismo rompe con el clasicismo “artificial” de periodos anteriores, es un arte
reaccionario en el nombre de la naturaleza y la razón.
Este carácter “reaccionario” marcará también al realismo. Charles Baudelaire en 1846
reivindicó obras pictóricas que expresaran el heroísmo de la vida moderna. Así pues su amigo
Courbet elaboró una serie de obras consideradas “vulgares” y carentes (ante los ojos de la
sociedad del momento) de contenido espiriual, a lo que él replicó: “ no puedo pintar un ángel
porque nunca lo he visto”.
Para el autor realista el artista debe
apoyarse en su experiencia directa.
También el preimpresionista Manet,
basó su obra en la provocación como
“reacción”, eso sí, de manera muy
Sutil en lo referente a la técnica para
Ser un iniciador del impresionismo
Pero no tan sutil con alguna temática
Gustave Courbet “los picapedreros” 1849

En la obra “almuerzo sobre la
hierba” de 1863, Manet
realiza un tributo a Courbet,
una pintura campestre, tema
tan habitual en la pintura
academicista salvo por el
detalle del tratamiento de
las figuras, en medio de
hombres vestidos de gris y
negro, una muchacha
sentada con ellos, desnuda,
provoca en la opinión pública
una ofensa para la moralidad.
Así pues, este carácter
reaccionario continuará
también con los Simbolistas,
Los Impresionistas y durante las siguientes vanguardias. La “reacción” es un cambio, una ruptura
con lo “habitual”, una respuesta a unas necesidades plásticas que a partir de del siglo XIX y en
adelante desarrollarán una nueva concepción de la expresión artística.

“Mujeres jovenes al borde de la mar” Puvis de Chavanes 1879
El Simbolismo es un movimiento
literario y de artes plásticas que se
originó en Francia en la década de
1880, paralelo al post-
impresionismo, y que surgió como
reacción al enfoque realista implícito
en el Impresionismo. Tanto el
Impresionismo, como el idealismo y
el naturalismo académico se habían
identificado con los problemas
contemporáneos, políticos, morales e
intelectuales.
Los artistas de 1885 disgustados por
la incapacidad de la sociedad para
resolver estos problemas buscaron
nuevos valores basados en lo
espiritual. Desean crear una pintura
no supeditada a la realidad de su
momento, rechazan lo que trae
consigo la vida diaria, la
aglomeración, la actividad industrial
y la degradación.

Los simbolistas consideran que la obra
de arte equivale a una emoción
provocada por la experiencia. Tratan
de exteriorizar una idea, de analizar el
yo. Les interesa la capacidad de
sugerir, de establecer
correspondencias entre los objetos y
las sensaciones, el misterio, el
ocultismo.
Sienten la necesidad de expresar una
realidad distinta a lo tangible y
tienden hacia la espiritualidad. El
símbolo se convierte en su
instrumento de comunicación
decantándose por figuras que
trascienden lo material y son signos
de mundos ideales y raros. Hay una
inclinación hacia lo sobrenatural, lo
que no se ve, hacia el mundo de las
sombras.
Gustave Moreau “poeta muerto llevado por un centauro 1890

Gustave Moreau
“La aparición “ 1876
Tema religioso
que contrasta con
la figura de Salomé
erótica y sensual
en un contexto
religioso

La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existencia de una parte
irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la búsqueda
interior.
Cultivarán el subjetivismo, el antirracionalismo y aflorará el interés por el cristianismo y
las tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la belleza hermafrodita, lo andrógino, la
mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino devorador. La mujer brota del mundo
del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o
de genio alado. Los seres que aparecen en ese mundo de sueño serán incorpóreos
Prestan especial atención a la forma, pero la
ponen al servicio de unos ideales que van más
allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños
y fantasías por medio de la alusión al símbolo y
a una rica ornamentación. A veces utilizan
colores fuertes para resaltar el sentido onírico
de lo sobrenatural. Puede decirse que es una
pintura de ideas, sintética, subjetiva y
decorativa. Los precursores de esta nueva
pintura son Gustave Moreau, Puvis de
Chavannes y Odilon Redon.
Puvis de Chavannes. “María Magdalena en el desierto”. 1869

Odilon Redon.
El interés por el inconsciente, lo
onírico y lo fantástico se hace
patente en su temática. Su obra se
puede dividir en dos partes, una en
blanco y negro y otra en color. Para
él, el negro era el príncipe de los
colores. La araña sonriente, El sueño
acaba con la muerte o El ojo como
un globo extraño se dirige hacia el
infinito son algunos ejemplos. Esta
última es un precedente claro del
surrealismo. El tema del ojo permite
la conexión con los surrealistas,
aunque también es una actitud
simbolista. En sus litografías
aparecen metáforas a obras de
escritores como Edgar Alan Poe,
Baudelaire o Flauvert.
“Ojo- Globo”, Odilon Redon 1878, obra
realizada
A partir de un poema de Edgar Allan Poe

Con series de litografías como "Los Orígenes" de1883, homenaje a Darwin, y el mismo
"Homenaje a Goya" de 1885,Redoncomienza a ser considerado como una de las grandes
figuras de la representación fantástica.
“La pesadilla” y “el hombre cactus” 1884

“El pólipo deforme vagaba por las
riberas, cual suerte de cíclope sonriente
y horrible” (1893).

“Cíclope” 1898-1900.

Figura, 1876
Técnica pastel

" Ophélia y las flores " 1905-08

Influencia del simbolismo en el arte posterior:
El simbolismo no puede definirse como un estilo unitario, sino como un conglomerado
de encuentros pictóricos individuales que supera nacionalidades y límites cronológicos.
En esta línea podemos encontrar figuras tan dispares como Van Gogh, Gauguin, Klimt o
Munch. El simbolismo derivará en una aplicación bella y cotidiana de profunda
raigambre en el arte europeo de finales del S. XIX y principios del S. XX, el Art Nouveau.

impresionismo

Precedentes Impresionismo:
Corot y la escuela de Barbizon
Los impresionistas habían tenido un
precedente en Camille Corot y en la
Escuela de Barbizon. Corot tuvo un
importante papel en la formulación del
Impresionismo, porque renunció a
muchos de los recursos formales
renacentistas prefiriendo concentrar su
atención en espacios más planos, más
sencillos y en superficies más luminosas.
Y, aunque a diferencia de los
impresionistas nunca llegó a fragmentar
la luz en sus componentes cromáticos y
siempre organizó y simplificó sus formas
para conseguir una cierta composición
clásica, también usó con frecuencia una
elevada clave tonal así como, en
términos generales, un frescor y una
espontaneidad nuevos en el Salón oficial.
Corot :Ville d’Avray (c. 1867). Óleo sobre tela
Corot :El estanque de Ville-d'Avray,

Impresionismo “revolución de las manchas de color”
Con el nacimiento de la fotografía surge un nuevo estilo que de alguna manera es un desafío
Ante la competencia de la máquina fotográfica.
Manet insistió en que “ la tela pintada es, por encima de todo, una superficie material cubierta
con pigmentos, que debemos mirar a ella, no a través de ella”.
La palabra “Impresionismo”, en tanto que utilizada para referirse a un movimiento artístico,
tiene un origen muy concreto, que se remonta al año 1874. En efecto, en abril de ese año
un grupo de artistas funda una «Sociedad anónima cooperativa de artistas pintores,
escultores, grabadores, etcétera».
Lo que estos artistas tenían en común era su desprecio por el arte tradicional oficial en
favor de nuevas formas de expresión artística mucho más innovadoras. Tenían en común
que sus obras habían sido reiterada y casi sistemáticamente rechazadas por los distintos
jurados de tendencia conservadora de las muestras oficiales del Salon.
Ese grupo de artistas, encabezados por Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley y Morisot

El 15 de abril de 1874, en un local cedido por el fotógrafo Nadar abrió sus puertas al
público la primera exposición de este grupo de artistas. Monet expuso, entre otras obras,
una vista del puerto de El Havre, con el sol entre las brumas del amanecer, y algunos
mástiles de barcos.
La respuesta del público y de la crítica ante la muestra fue implacable: insultos, mofas, una
auténtica humillación pública para los artistas. El 25 de abril un crítico llamado Louis Leroy
publicó un artículo en la revista Charivari que tuvo mucha repercusión y que se titulaba:
«Exposición de los Impresionistas». El artículo era demoledor con los artistas y sus obras, y
de ahí en adelante el término “Impresionismo” se extendería para referirse a la concepción
del arte de este grupo de artistas, que pasaron a ser los impresionistas.

Otra característica (por influencia de la fotografía y del grabado japonés) es que el
Impresionismo busca captar en las obras la temporalidad, la apariencia fugaz del
fenómeno que quieren representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de
amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de una catedral, lo
fundamental es lo que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe. En
palabras de Pissarro, se trata de «no proceder según reglas o principios, sino pintar lo
que se observa y lo que se siente». En consecuencia, el Impresionismo deja de lado el
enfoque tradicional que exigía al artista contar una historia o transmitir un mensaje de
tipo moral.
Una exigencia adicional de
este afán por captar
instantáneamente momentos
fugaces de motivos cotidianos
era la de pintar «au plain
air»», al aire libre
La descripción de la forma,
relegada a segundo plano y
dejada a manos del dibujante y
no del pintor queda subordinada
a la definición de las condiciones
particulares de iluminación
Camille Pissarro “ Camino de Versalles” 1871

Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como
retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar
Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz
pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o
multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es
intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada
del clasicismo; así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa
dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da
nombre al movimiento.

Édouard Manet

En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras
representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta.
Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres personajes
van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque
haya un personaje hablando y la disposición en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y
tercer término (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los
impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.
Édouard Manet Un autor clave
entre los precursores del
movimiento impresionista es
Édouard Manet. Dos de sus
obras son esenciales en la
comprensión de su influencia
sobre el grupo.

Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos
lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las
grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y,
por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.

“En la barca” 1874
“Pareja en el Père Lathuille” 1879
« La casa de Rueil » 1882
“La primavera”, detalle 1881

Claude Monet

Oscar-Claude Monet fue un pintor francés, uno de los creadores del impresionismo. El
término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872) Sus
primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró
exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar
obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las
academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de
continuar en ese azaroso camino.
En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también
participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su obra Impresión, sol naciente formó parte
del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel,
pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la
década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un
motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a
trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego
utilizó como motivo para sus pinturas.

“Baño en la Grenoullerè” 1869

“Casa del pescador”
“Jardín en Saint Andresse” 1867“Molinos en Guiverny”
“Paisaje en Port-Villez2, 1885

Pissarro

Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro fue un pintor
impresionista, y se le considera como uno de los fundadores de ese movimiento.
Se le conoce como uno de los "padres del impresionismo". Pintó la vida rural francesa,
sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero
también escenas urbanas en Montmartre. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne,
Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.
Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y frecuentó con asiduidad a los pintores
de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. Compartió esa posición con
Gauguin, con quien luego tuvo relaciones tensas..
“La casa de los campesinos” 1887 “Los campos de centeno “1887

“Los O’Jays” 1879

Sisley

Alfred Sisley fue un pintor impresionista francobritánico.
Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los
alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon.
Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, en las que no pierde
igualmente su connotación intimista y poética.
Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la
miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada
familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871.
Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que
en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte
comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en
el mercado artístico.
“ el puente” 1872 “Inundación en Port Marly” 1872

“Pueblo a orillas del Sena”

Berthe Morisot

Berthe Morisot fue una rebelde y valiente pintora
Impresonista. Se saltó las normas convencionales
de las mujeres decentes, para lograr su meta: PINTAR
Educada junto a su hermana en una familia acomodada
amante del arte, la poesía y la música, recibieron en un
principio una enseñanza artística convencional dentro
de los límites del academicismo, pero enseguida ambas
hermanas salieron a pintar al aire libre par captar esos
efectos de la luz y los juegos de luces y sombras como
hacían algunos pintores en esos momentos. Su primer
profesor de pintura al aire libre fue Camille Corot.
Berthe fue colega y amiga de Manet, trabajaron muchas
veces influyéndose el uno al otro retratándose ambos
en numerosas obras. Morisot entró en el grupo de Monet,
Renoir, Pissarro y Siley. Fue uno más y al unirse a ellos
perdió su prestigio como pintora y “señorita decente”.
Partició en casi todas las exposiciones del grupo excepto
en la de 1876. La técnica de Morisot es particular, su
pincelada suelta es una característica en su obra, el
juego de líneas que dan forma y volúmenes a los cuerpos
y las sombras dotn de frescura e inmediatez a sus obras

“Tendiendo” 1881

“Mujer arreglándose”, 1875 “Manet y su hija en el jardín”
“Niñas jugando con barreño de agua”. 1875 “En la terraza” 1884

Mary Cassatt

Su condición de mujer no ayudó a Mary en la academia de Pennsylvania y decidió
abandonarla cansada del trato condescendiente de sus profesores y compañeros. A partir
de ese momento decidió estudiar de manera autodidacta la obra de los grandes artistas.
Para ello pudo viajar a Europa en 1866 acompañada de varios familiares, entre ellos su
madre. París, Italia, España o Holanda fueron algunos de los destinos de Mary, quien pudo
observar, analizar y copiar de primera mano las grandes obras del arte europeo.
Era una e esas jóvenes estadounidenses de familia rica que buscaron formación
artística en Paris. Fue descubierta por Edgar Degas que se
convirtió en amigo y compañero de “aventuras artísticas”. Otros
Autores como Sisley, Renoir o Berthe Morisot también
Pertenecieron a su círculo de amistades.
El papel de Mary Cassatt en el impresionismo es fundamental:
Estaba muy bien relacionada en los círculos norteamericanos
Adinerados que visitaban Paris. Así ella fue la que se encargó de
“exportar” la obra de los impresionistas a EEUU cuando en
Europa aún no eran aceptados.
Fue una luchadora de los derechos de la mujer y durante mucho
Tiempo se encargó de becar a mujeres jóvenes procedentes de
Estados Unidos para estudiar y formarse en Europa. Edgar Degás, “clase de Danza”, 1883

“Paseo en barca” (1884)
“El te de las cinco” (1880) “Mujer joven en la ventana “ (1883)

Antoinette en su vestidor table 1909 Lidia Cassatt 1880

Técnicamente el contacto con los impresionistas supuso un cambio en la pintura de
Mary Cassatt: su paleta se aclaró y la luz, que siempre le había fascinado, se convirtió en
la protagonista de sus cuadros.
Aplicó la técnica abocetada para crear las sensación de inmediatez y de momento. Pero
no cambió la temática de sus obras. Sus protagonistas siguieron siendo, en la mayor
parte de los casos, las mujeres. Mujeres pensativas, solas o en grupo, en actitud cariñosa
con niños o absortas en sus labores o lecturas. Mujeres por cuyas cabezas y corazones
cruzaban pensamientos y emociones que podían adivinarse en un gesto o en una
mirada.
A pesar de que el Impresionismo abrió a Mary las puertas de un
nuevo estilo, no permaneció fiel a él. La influencia de Degas
(cuyo estilo nunca dejó de depender de la línea) y el
descubrimiento del grabado japonés con sus colores planos y
siluetas definidas animaron a Mary a probar otras vías
expresivas.
Cuando se habla del nacimiento de la vanguardia artística a
finales del siglo XIX con el grupo de pintores impresionistas
es fácil recitar de carrerilla los nombres de los grandes
pintores del grupo: Monet, Renoir, Degas, Sisley se
menciona antes que a las dos mujeres que formaron parte
de él.

“En el palco “ 1879

Sorolla y el tratamiento de la luz mediterránea. Relación de su obra
con la de John Singer Sargent.
El Luminismo es una técnica pictórica que
se aplica a varias épocas estilísticas.
En lo referente a finales del siglo XIX, esta
corriente nace en Norte América entre 1860
y 1870 y se propagó por Europa donde
convivió con el Impresionismo.
La capacidad de admirar la belleza natural junto con la cantidad de técnicas artísticas que
provenían de Europa de la mano de los nuevos colonos que formaron la nueva sociedad
norteamericana, dan origen a esta corriente artística.
El impresionismo y el Luminismo son dos estilos pictóricos que buscan un mismo propósito:
la búsqueda de lo nuevo, ambos comparten el interés por la luz cambiante y el uso de la
pincelada gruesa; se diferencian en la composición: mientras el Impresionismo rompe la
forma y es innovador, el Luminismo es descriptivo y muy realista.
"Newburyport Meadows" de Martin Johnson Heade.

El Luminismo en España está representado por una escuela Valenciana encabezada por
Sorolla que estudió junto a Pinazo y Benlliure. Este grupo de pintores formados en la
Academia de San Carlos de Valencia constituirán una escuela coherente que contribuye
a la renovación de la pintura decimonónica española.
Autorretrato I - José Benlliure Ortiz
Su principal aportación será la
captación instantánea
y lumínica de las cosas,
desarrollando una técnica
de pequeñas pinceladas
individualizadas y manchas
de color para una ejecución
rápida. Así pues este
factor ha contribuido al
equívoco de llamarles
Escuela Impresionista
valenciana cuando en realidad
eran luministas, ya que el
pensamiento filosófico
del Impresionismo es ajeno a
los Luministas.

Sorolla y Sargent tienen una técnica y una temática similar, ambos realizan una pintura
Naturalista. Los temas representados son los propios del entorno y la técnica está basada
en pinceladas sueltas que reflejan la incidencia de la luz.
“El pescador” 1904 de Joaquín Sorilla
” Recolectores de ostras de Cancale” 1878 de John Singer Sargent

John Singer Sargent

John Singer Sargent es un autor de raíces norteamericanas, nacido en Florencia y criado en
Francia. El carácter nómada de su familia le propició una serie de ventajas que él supo
aprovechar. Se formó pictóricamente en París, hablaba diferentes idiomas y desarrolló unas
Grandes cualidades técnicas en la pintura que junto a su actitud desenvuelto le ayudaron en
su despegue como pintor de renombre.
Los retratos de Sargent revelan la
individualidad y la personalidad de
los retratados. Sus más ardientes
admiradores piensan que sólo es
comparable con Diego Velázquez,
uno de los pintores que más influyó
en él. La influencia más clara del
maestro español se encuentra en el
cuadro Las hijas de la familia Boit
(The Daughters of Edward Darley
Boit), realizado en 1882.

El retrato que hace Sargent de Madame X, en 1884, que
fue uno de los favoritos del artista, es considerado
actualmente uno de sus mejores trabajos. Sin embargo, al
vetar sus obras en una exposición del Salón de París
(1884) provocó que Sargent se fuera a vivir a Londres y,
además, decidió retratar sólo a las bellezas exóticas de la
época.
La representó exactamente como era, superficial,
egocéntrica, vestida de manera inmodesta, el público se
escandalizó, Madame Gautreau se puso histérica, y el
pintor fue obligado a retirarse a Londres" . "A veces,
insinuar es más pecaminoso que enseñar...
"Para la época, finales del siglo XIX, fue una bofetada
primero para la burguesía y segundo a esa gente que
sufría de penurias económicas en esa Europa pre
revolución industrial.” Isaac Asimov

Sorolla

Además, la obra de Sargent fue realmente influyente en la pintura de Sorolla. Hasta 1900
la pintura de Sorolla estaba en fase de asentamiento, basada en cuadros de historia, y
sobre todo retratos. Pero ese año en París, en la Exposición Internacional, recibió el mayor
galardón posible, el primer premio de pintura por su lienzo Triste herencia (1899). Además,
en esa misma exposición, pudo tener acceso a las obras de Sargent, e iniciaron una
amistad muy importante para la obra del pintor valenciano

“Aún dicen que el pescado es caro” 1894
“Triste herencia” 1899
“Trata de blancas” 1884
Éstos son unos de los pocos ejemplos que se
conservan del realismo social que cultivó
Sorolla en el periodo que va de 1890 a 1899.
Esta corriente, que irrumpía con fuerza desde
Europa y centraba el interés en las
circunstancias más dramáticas de las clases
menos favorecidas, era presencia habitual en
los Salones de la época, en los que todavía se
consideraban necesarios argumentos de
"historia", es decir, contenidos narrativos.

El luminismo será la característica fundamental de Sorolla a lo largo de toda su carrera
pictórica. La influencia de la luz del mar Mediterráneo será una constante en su obra.
tanto en el retrato, como en el realismo social como en sus obras en las que el paisaje
y la vida cotidiana la luz y el color serán los elementos compositivos por excelencia.

HAY QUE MENCINAR EN LA CARRERA PICTÓRICA DE Joaquín Sorolla el encargo para la Hispanic
Society of America, por el que realizaría catorce murales que decorarían las salas de la
institución, y dedicados a las Regiones de España. Con esta obra realizada entre 1913 y 1919,
de tres metros y medio de alto por setenta metros de largo, alzó un imborrable monumento a
España, pues en ella se representaban escenas características de diversas provincias tanto
españolas como portuguesas.

Bibliografía
Todo este material ha sido elaborado a partir de la siguientes fuentes:
E.H. GOMBRICH “La historia del arte” Ed. Debate 1997
H. W. JANSON “Historia general del arte” tomo 4: el arte moderno. Ed. Alianza-Forma 1991
J. SUREDA, A.Mª GUASCH “La trama de lo moderno” Ed. Akal 1993
https://es.slideshare.net/redondus/2-fundamentos3