Los 40 principales

GUSTAVE COURBET
Nació en un pueblo próximo a Bensaçon, en el Doubs francés, cuyo paisaje
refleja en sus cuadros. Estudió en Besançon y luego en París(1840). Sus
padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a
París se volcó en el arte.
Tuvo fama de arrogante y efectista; afirmaba que «si dejo de escandalizar,
dejo de existir». Algunos le achacaban que provocaba escándalos sólo para
entretener a las clases biempensantes y que, en realidad, su arte se mantenía
fiel a cierta exquisitez formal.
Murió en La Tour du Peilz, localidad próxima a Vevey, víctima de una cirrosis
producida por su consumo abusivo de alcohol.
La obra pictórica de Gustavo Courbert (segunda mitad del siglo XIX),
pertenece al Realismo, un movimiento cultural que se manifiesta sobre todo
en la literatura y en la pintura, entre 1840 y 1880.
Este Realismo se explica por los cambios provocados por la Revolución Industrial, cuyo reflejo será el
fuerte movimiento obrero y la mala situación socio-económica, y que hizo que los pintores realistas
tomaran parte a favor de las grandes masas llevándolas al arte.
Algunas de sus obras son:
-El Sueño: Está realizado al óleo sobre lienzo. Se trata de un cuadro de carácter sensual.
Protagonizan el cuadro dos figuras femeninas desnudas durmiendo.
-El taller del pintor: La obra es un manifiesto del Realismo. Representa su estudio de París
dividiendo la escena en tres grupos. Él mismo, sus amigos, sus enemigos.
-El entierro del conde Ornans: El tema es un acontecimiento de carácter religioso, El entierro en
Ornans. Ninguno de los asistentes reza o refleja su dolor, si no que nos encontramos unas
expresiones frías y congeladas.

EL TALLER DEL PINTOR
EL SUEÑO
EL ENTIERRO DEL CONDE
ORNANS

HONORÉ DAUMIER
• Honoré Daumier nació el año 1808 en la ciudad de Marsella, pero siendo
niño debió trasladarse a París junto con su familia. En París, muy joven
trabajo como ujier en un tribunal de justicia y cadete en una librería, luego
se dedicó a estudiar pintura y dibujo. De este modo dio inicio a su carrera
de artista realizando trabajos en xilografía y la ilustración de anuncios
publicitarios en los que se nota el influjo de Charlet.
• En 1865 conociendo la grave situación económica por la cual pasaban
Daumier y su esposa, su amigo el escultor Geoffroy Dechaume les
convenció para que fueran a vivir a Valmondois donde su otro amigo,
Corot, les prestó una pequeña casa en el centro del pueblo; allí falleció
Daumier.
Daumier ejecuta sus obras mediante masas de color, sin apenas interesarse por el dibujo, abriendo el
camino a impresionistas y expresionistas. Sus temas favoritos se relacionan con la sátira social y
especialmente con la crítica al funcionariado de la justicia. También realizó algunas obras relacionadas
con textos literarios como el Quijote.
-Gargatúa: Esta litografía es una caricatura del rey Luis Felipe como el famoso personaje de Rabelais.
Ridiculizado, con su cabeza en forma de pera, el monarca se ingiere bolsas de oro por defecar Patentes y
decoraciones de la materia fecal en el que se sienta.
-La Revuelta: Daumier, debido a la terrible situación de las clases obreras y sus intentos, frustrados
durante mucho tiempo, de liberarse de esa nueva esclavitud, paso a mostrar en sus obras la rebelión
social.
-El vagón de tercera: el pintor marsellés desarrolla un tema reivindicativo de manera magistral: la
dura vida de las clases populares en las grandes ciudades.

LA REVUELTA GARGANTÚA
EL VAGON DE TERCERA CLASE

JEAN-FRANÇOIS MILLET
 Jean-François Millet (1814 - 1875) fue un pintor realista y uno de los
fundadores de la Escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus
escenas de campesinos y granjeros, donde quiere expresar la inocencia del
hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al
ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Nació en la aldea de Gruchy,
pero se mudó a París en 1839.
 Recibió su enseñanza académica con Paul Dumouchel, y con Jérome
Langlois en Cherbourg. Después de 1840 se alejó del estilo de pintura oficial y
cayó bajo la infuencia de Honoré Daumier, de quien aprendió el sentido del
contraste de luces y sombras, así como la construcción del cuerpo humano,
con simplicidad de volúmenes.
 Millet, poseía un profundo sentido de la naturaleza, al igual que Théodore
Rousseau: la interpretaba comprendiendo las voces de la tierra, los árboles o
los senderos. Millet afirmaba sentir en la naturaleza más de lo que los
sentidos le daban. El tono a ratos sentimental de sus obras (El Ángelus) le
aleja un tanto del otro gran realista, Courbet, más áspero y rebelde.
 Rousseau y Millet murieron en Barbizon.
Algunas de sus obras fueron:
-Las espigadoras: En este cuadro Millet recrea con todo el realismo posible el trabajo de estas tres
mujeres, una de las cuales ya casi no puede agacharse debido al dolor y al cansancio acumulado por el
trabajo en el campo.
-El Ángelus: Millet presenta aquí a dos campesinos que rezan y dan gracias a Dios por los frutos recibidos
de la tierra. La escena se desarrolla al atardecer, y las dos figuras, con sus vestimentas típicas, se presentan
al contraluz y con tonos más oscuros que el resto del cuadro.
-El aventador: Con esta obra el pintor inicia un estilo de pintura que va a reflejar la sencillez y la dureza
de la vida campesina en los más variados aspectos.

EL AVENTADOR
EL ÁNGELUS
LAS ESPIGADORAS

Édouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832, en una familia
acomodada. A los dieciséis años viajó a Río de Janeiro, y cuando vio que su
proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al arte. Desde 1853 hasta 1856
Manet se dedicó a viajar copiando a los grandes maestros.En 1865
emprendió un viaje por España, en el que descubrió la pintura barroca
española, en particular a Velázquez, que tendrá una enorme influencia en
su obra. En esta época, en la que tuvo mucha relación con Monet, empezó
Manet a adoptar las técnicas impresionistas. El 20 de abril de 1883, a causa
de su enfermedad, le fue amputada la pierna izquierda y diez días más
tarde falleció a los 51 años de edad.
Manet se desarrolló en el impresionismo, que es un movimiento
caracterizado por el intento de plasmar la luz y el instante, sin reparar en la
identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de
luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste.
-Desayuno sobre la hierba: Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas,
el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión
de unos personajes con otros.
-El bar del Folies-Bergère: evidencia el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al
fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que
crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar.
-Olympia: Manet sustituye en él a una diosa veneciana del amor y la belleza por una refinada prostituta
parisina. Pero lo que realmente desconcertó a los críticos de la época es que Manet no la sentimentaliza ni la
idealiza, y Olimpia no parece ni avergonzada ni insatisfecha con su trabajo.

OLYMPIA
DESAYUNO SOBRE LA HIERBA
El bar del Folies-Bergère

PAUL CÉZANNE
Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de Aix-en-Provence. En
1857 se inscribió en la Escuela de Dibujo de Aix, asistiendo a los cursos de
Joseph Gibert, director de la escuela y del museo de bellas artes de la
ciudad.
Desde 1859 hasta 1861 estuvo matriculado, por influencia paterna, en la
facultad de Derecho de la Universidad de Aix, mientras seguía recibiendo
lecciones de dibujo. Pronto comprendió que su verdadera vocación era la
pintura. Se inscribió en la Academia Suiza, una academia privada en la que
trabajaba con modelos del natural, todo ello para preparar el examen de
ingreso en la École des Beaux-Arts. En el Museo del Louvre descubrió la
obra de Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó profundamente su
evolución artística. Murió de neumonía en 1906 y fue enterrado en el
antiguo cementerio en su amada ciudad natal de Aix-en-Provence.
Cézanne perteneció al impresionismo, caracterizado por el intento de plasmar la luz. y el instante, sin reparar
en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los
impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste.
- Los jugadores de Naipes: Están definidos de manera geométrica. Son dos campesinos que juegan a las
cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz distorsionando la visión perspectiva,
Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad.
-Las grandes bañistas: El cuadro se compone en torno a dos grupos de figuras de bañistas. Están a la
orilla de un río, en el que puede verse a una figura nadando y más allá dos figuras en la otra orilla; y, detrás
de ellos, un castillo.
- Martes de carnaval: Las figuras se enmarcan por dos gruesos cortinajes relacionados con algunos de los
que aparecen en los bodegones desarrollando una sensación de dinamismo ausente en la mayoría de su obras.

LOS JUGADORES DE NAIPES
MARTES DE CARNAVAL
LAS GRANDES BAÑISTAS

PABLO PICASSO
Pablo Ruiz Picasso (25 de octubre de 1881 - 8 de abril de 1973), conocido como
Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis
de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron
una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y
prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y
colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el
dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de
escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del
Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-
Dame-de-Vie a los 91 años.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del cubismo. Este movimiento es un replanteamiento
de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea
un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte.
Algunas obras de Pablo Picasso son:
-Guernica: La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado
por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa
en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto.
-Las señoritas de Avignon: Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo
sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal
existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares
sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.
- Los tres musicos: En esta obra vemos a los músicos de perfil y de frente a la vez, gracias a la
superposición de planos, La obra traslada al espectador al mundo de la comedia del arte con tres
figuras, un Arlequín, un Pierrot y un Monje que aparecen tocando un instrumento musical.

GUERNICA
LAS SEÑORAS DE AVIGNON
LOS TRES MÚSICOS

LEONARDO DA VINCI
Leonardo da Vinci fue un pintor florentino y polímata, a la vez que otras cosas.
Nacido en Vinci el 15 de abril de 1452 y fallecido en Amboise el 2 de mayo de
1519, a los 67 años. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió
con el célebre pintor Florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de
importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza.
Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de
su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. Frecuentemente descrito
como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal,
además de filósofo humanista. Leonardo da Vinci es considerado como uno de
los más grandes pintores de todos los tiempos. El 23 de abril de 1519, Leonardo,
enfermo desde hacía varios meses, redactó su testamento ante un notario de
Amboise.[Murió en Cloux, a la edad de 67 años.
Leonardo da Vinci perteneció al renacimiento, que es un movimiento cultural caracterizado por retomar
los elementos de la cultura clásica. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser
humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, revisando el teocentrismo medieval y
sustituyéndolo por cierto antropocentrismo.
Algunas de sus obras más significativas son:
-La Gioconda: La técnica que utilizó se conoce como Sfumato, la cual consiste en prescindir de los
contornos netos y precisos y envolverlo todo en una especie de niebla que difumina los perfiles y produce una
impresión de inmersión total en la atmósfera, lo cual da una sensación de tres dimensiones a la figura.
-La última cena: La afirmación de Jesús «uno de vosotros me traicionará» causa consternación en los
doce seguidores de Jesús, y ese es el momento que Leonardo representa, intentando reflejar "los
movimientos del alma", las distintas reacciones individualizadas de cada uno de los doce apóstoles.
-La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana: El grupo triangular del primer plano encuentra correspondencia
con los elementos en prisma de las colinas. La escena se desarrolla en un paisaje atemporal, rocoso, que
delata el interés del autor por la geología. La luz proviene de una fuente indeterminada. Las pinceladas
son ligeras, en el típico esfumado leonardesco.

LA ÚLTIMA CENA
LA GIOCONDA LA V IRGEN, EL NIÑO JESUS Y SANTA ANA

DIEGO VELAZQUEZ
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 1599 – Madrid, 1660) conocido
como Diego Velázquez, fue un pintor barroco. Pasó sus primeros años en Sevilla
donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista. Se trasladó a
Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue
ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. Su
estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y
sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de
pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la
contemporánea. En su última década su estilo se volvió más esquemático y
abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se
inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y
a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas.
Finalmente en 1660 muere, tras haber padecido una larga enfermedad.
Velázquez perteneció al barroco, que surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor
parte de Europa. Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o
costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda
del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
Algunas de sus obras más importantes son:
-Las Meninas: El tema central es la infanta Margarita de Austria. El artista resolvió con gran habilidad todos
los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la
gran facilidad para caracterizar a los personajes.
-Las Hilanderas: Velázquez divide la obra en planos. Consigue que nuestra vista pase de la hilandera
iluminada de la derecha, a la de la izquierda, para saltar por encima de la que se agacha en la penumbra hasta
la escena del fondo. Poner el mensaje en un segundo plano es un juego típico del Barroco.
-La Venus del espejo: La Venus del espejo representa a la diosa romana del amor, la belleza, y la fertilidad
reclinada lánguidamente en su cama, con la espalda hacia el espectador

LAS MENINAS
LA VENUS DEL ESPEJO
LAS HILANDERAS

FRANCISCO DE GOYA
Francisco de Goya y Lucientes (30 de marzo de 1746 – 15 de abril de 1828) fue un
pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el
grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el
Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura
contemporánea.
Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, viaja a Italia en 1770, donde traba
contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a
mediados de esa década.
Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura
más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos
que había pintado para la decoración de los palacios reales. Además, su obra
refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la
Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra.
Francisco de Goya vivió en la época del romanticismo es un movimiento cultural y político originado en
Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el
racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. La libertad
auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.
-La carga de los mamelucos: En el cuadro, los insurgentes españoles atacan a los mamelucos. Los
movimientos de los caballos y de los distintos personajes dotan al cuadro de un gran dinamismo. Refleja la
escena con gran realismo, como puede verse la representación de los cuerpos caídos y los ríos de sangre.
-La maja desnuda: En el diseño de este cuadro hay un predominio de una gama cromática fría donde se
nota la influencia del neoclasicismo. Aunque se ubica dentro de la estética del neoclasicismo, esta obra de
Goya es audaz y atrevida para su época.
-Saturno devorando a un hijo: Con expresión terrible, Goya nos sitúa ante el horror caníbal de las fauces
abiertas, los ojos en blanco, el gigante avejentado y el cuerpo sanguinolento de su hijo. Es una pintura negra.

SATURNO DEVORANDO A
UN HIJO
LA MAJA DESNUDA
LA CARGA DE LOS MAMELUCOS

VINCENT VAN GOGH
 Vincent Willem van Gogh (30 de marzo de 1853 –29 de julio de 1890) fue un
pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo.
Pintó 900 cuadros y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano
menor Theo, quien le prestó apoyo financiero.
 La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte
considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran
influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas
alemanes y los fauvistas Por medio de numerosas reproducciones muchas de
sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la
consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.
 En 1890, luego de terminar su obra "Cuervos sobre el trigal", se disparó un tiro
el 27 de julio de 1890 y falleció dos días más tarde.
Van Gogh perteneció al posimpresionismo, y por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas
pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva.
-Comedores de patatas: Van Gogh tomó nota de las manos gruesas y las huellas en las caras de los
trabajadores de la tierra. En busca de la intensidad en la expresión dramática, exploró el potencial de los
tonos oscuros del barroco y el trazo nervioso.
-La noche estrellada: Es una obra maestra del pintor postimpresionista Vincent van Gogh. El cuadro
muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-
Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida.
-La iglesia de Auvers-sur-Oise: La iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. El cielo es de un
color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras. La parte superior del cuadro está iluminada
brillantemente por el sol, pero la iglesia misma está cubierta por su propia sombra, y ni refleja ni emana de
ella ninguna luz propia.

LA NOCHE ESTRELLADA
LA IGLESIA DE AUVERS-SUR-OISE
COMEDORES DE PATATAS

RAFAEL
Raffaello Sanzio (6 de abril de 1483 –6 de abril de 1520), también conocido
como Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó
importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se
interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvo su primer encargo
oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos
como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre
por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de
pintura y dibujo artístico.
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió
37 años. Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a
pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una
considerable pérdida de calidad.
Rafael perteneció al Alto Renacimiento que es el periodo culminante del Renacimiento, que comprende
los años finales del siglo XV y las primeras décadas del siglo XVI. Pueden utilizarse para delimitarlo
como hitos artísticos para iniciarlo La Última Cena de Leonardo da Vinci (1495-1497) y para terminarlo
la muerte del propio Leonardo (1519) y la de Rafael Sanzio (1520)
-La Resurrección de Cristo: El cuadro presenta a Cristo levitando sobre un sarcófago. Rafael utilizó el
dibujo y la simetría para crear un ambiente complejo y ampliamente detallado, y garantizó que todas
las miradas se condujesen hacia la figura del Cristo.
-Los desposorios de la Virgen: Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada.
Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento.
-La transfiguración: En la parte inferior, Rafael representa a los Apóstoles intentando, sin éxito,
liberar a un niño poseído de los demonios o epiléptico. Son incapaces de curar al niño enfermo hasta la
llegada de Jesucristo, recientemente transfigurado, quien lleva a cabo el milagro.

LA TRANSFIGURACIÓN
LA RESURRECCIÓN DE
CRISTO
LOS DESPOSORIOS
DE LA VIRGEN

Doménikos Theotokópoulos (Candía, 1541 – Toledo, 1614), conocido como el
Greco fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy
personal en sus obras de madurez. Hasta los 26 años vivió en Creta, después
residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista. En
1577 se estableció en Toledo, donde vivió y trabajó el resto de su vida.
Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy
distintos. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de
sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo
personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente
alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en
ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este
estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma.
El Greco perteneció al renacimiento, que es un movimiento cultural caracterizado por retomar los
elementos de la cultura clásica. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser
Algunas de sus obras más significativas fueron:
-El entierro del Señor de Orgaz: El Greco lo pinta en plena madurez artística. Tiene una unidad
extraordinaria a pesar de los dos partes en las que está dividido. En esta obra están presentes todos los
elementos del lenguaje manierista del pintor: figuras alargadas, cuerpos vigorosos, colores brillantes, etc.
-Adoración de los pastores: La composición está desarrollada en espiral, creando un movimiento de
ascensión. La distorsión extrema de los cuerpos la caracteriza como toda la obra tardía de El Greco. Los
colores brillantes, y las formas y poses extrañas crean una sensación de maravilla y éxtasis.
-El expolio: El momento del expolio no era un tema frecuente en aquella época en el arte occidental. En
la composición representa a Cristo en el centro, mirando al cielo con una expresión de serenidad, vestido
con una túnica de color rojo intenso que domina el resto de la composición; y a su alrededor, una masa de
figuras dispuestas a desnudarlo para comenzar la Pasión.
EL GRECO

EL EXPOLIO
EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ
ADORACIÓN
DE LOS PASTORES

SALVADOR DALÍ
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador
Dalí (España, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor
español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus
habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte
renacentista. También fue un experto dibujante. Tuvo la habilidad de forjar un
estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y
que «vampirizó» innovaciones ajenas. Como artista extremadamente
imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía,
cuyo objeto era atraer la atención pública. El 23 de enero de 1989 murió a causa
de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años.
Dalí perteneció al surrealismo que es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del
dadaísmo, en la década de los años 1920. En pintura Dalí utilizaba la fijación de imágenes tomadas de los
sueños e inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico.
-La persistencia de la memoria: El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación
rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que
ya habían aparecido en una obra suya del año anterior.
-Leda atómica: Leda está sentada sobre un alto pedestal, con los pies sobre pedestales flotantes, mientras
acaricia al cisne volador. Todo en el cuadro flota, incluso el mar flota sobre la arena y nada tiene contacto con
ninguna cosa, siguiendo la teoría física intra-atómica. El cascarón de huevo que flota es símbolo de vida para Dalí.
-Muchacha en la ventana: Representa a la hermana del artista, Ana María, a la edad de diecisiete años,
asomada a la ventana, de espaldas, en la casa de vacaciones que la familia poseía en Cadaqués, a la orilla del
mar. Dalí realiza un trabajo de gran uniformidad cromática y sencillez en la composición, donde la muchacha
nos introduce en el paisaje que ella contempla.
Claramente, los valores cromáticos de la obra son azules.

MUCHACHA EN LA
VENTANA
LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA
LEDA ATÓMICA

CLAUDE MONET
Claude Monet (París, 14 de noviembre de 1840- Giverny, 5 de diciembre de 1926) fue
un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el
estilo impresionista. Sus primeras obras son de un estilo realista. Monet logró
exponer algunas de estas obras en el Salón de París. Un ejemplo de este período
creativo es la vista del puerto de El Havre títulada Impresión, sol naciente, que le dió
nombre al movimiento. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte
impresionista. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que
un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo
comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para
sus pinturas. En sus últimos años Monet destruyó por cuenta propia varias de sus
pinturas, ya que no quería que obras sin terminar, bocetos y borradores entraran al
mercado de arte. El 5 de diciembre de 1926, Monet murió en Giverny.
Claude Monet en se segunda etapa perteneció al impresionismo, caracterizado por el intento de plasmar la
luz. y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que
subyacen bajo éste.
Algunas obras de Monet son:
-Mujeres en el Jardín: Representa un día de verano. Varias mujeres, se divierten en un jardín de flores.
Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra. Protagonista del cuadro es la luz que se refleja en
los cabellos, en la piel, en los vivos colores de los vestidos, las flores y las hojas de los árboles.
_ Impresión, sol naciente: Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición
que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de
colores complementarios y variedad de temperaturas de color.
- Nenúfares: Monet pintó los nenúfares para que quedaran suspendidos en círculo (dentro de una
estancia circular) así sería como si fuera un día que transcurría o bien siendo las cuatro estaciones que se
descubrían.

LOS NENÚFARES
MUJERES EN EL JARDÍN
IMPRESIÓN, SOL NACIENTE

EDVARD MUNCH
Edvard Munch (Løten, 12 de diciembre de 1863 - Ekely, 23 de enero de 1944) fue
un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus obras son como
variaciones constantes sobre la gran sinfonía de la existencia humana en sus
lados diurnos, pero aún más, como es congruente con la sensibilidad finisecular,
en los nocturnos. El amor y el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las
emociones, son elevados a arquetipos de la vida anímica del hombre moderno o,
incluso, de la propia condición humana.
El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había
estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar
almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con
los sentimientos y las tragedias humanas. El 23 de enero de 1944 muere en
Noruega como había vivido: completamente solo.
Edvard Munch perteneció al expresionismo. Los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo,
donde predominase la visión interior del artista. Este movimiento suele ser entendido como
la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando
primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
Algunas de sus obras más significativas fueron:
-El grito: El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una
persona. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se
aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. Esta obra expresa angustia.
-Madonna: Es un espectacular y sensual desnudo femenino rodeado de una atmósfera poco
tranquilizadora. La figura emerge de un fondo tenebroso, de líneas distorsionadas. El cuerpo nos atrae, pero
hay algo que nos angustia, los ojos son casi cuencas cadavéricas que simbolizan la muerte.
-El puente: Presenta a tres muchachas asomadas a un puente sobre un riachuelo.
Las líneas sinuosas recrean un ambiente de cierta angustia, las chicas no hablan, no se comunican,
solamente observan en silencio, reflexionan sobre el sentido de la existencia, sobre las contradicciones de la
vida, o sobre la soledad.

JOAN MIRÓ
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de
diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado
uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su
interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. A partir de su estancia
en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del
surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y
escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar
los métodos convencionales de pintura, para poder favorecer una forma de
expresión que fuese contemporánea. Uno de sus grandes proyectos fue la
creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro
cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo.
Falleció en Palma de Mallorca y fue enterrado en un cementerio de Barcelona.
Miró perteneció al Surrealismo, que es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del
dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba
descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para
expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
-La masía: La relación mítica mantenida por Miró con la tierra, se resume en este cuadro, que representa
la granja de su familia en Mont-roig. Los animales son los domésticos, los vegetales los que el hombre
trabaja y los objetos todos de uso diario y necesarios para el hombre. Estudia todos sus detalles al mínimo,
es lo que se llama la caligrafía mironiana.
-Carnaval de Arlequín: Un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes, son
los personajes principales de la composición pictórica, donde se aprecian también todo un mundo de
detalles dominados por la imaginación que se esparcen por toda la pintura.
-Bodegón del zapato viejo: Consigue una relación entre el zapato y el resto de los elementos colocados
encima la mesa, la botella, una manzana con un tenedor clavado, y el mendrugo de pan; los colores
consiguen la máxima agresividad ya que son ácidos y violentos

CARNAVAL DE ARLEQUÍN LA MASÍA
BODEGÓN DEL ZAPATO VIEJO

GEORGES SEURAT
Georges Pierre Seurat (2 de diciembre de 1859 – 29 de marzo de 1891) fue un
pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. Ingresó muy joven en el
taller de Lehmann, donde aprendió las teorías acerca de la luz y el color
inspiradas en el clasicismo de Ingres. Más tarde participó en la fundación del
Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias
como el neoimpresionismo o el puntillismo. Llevó al límite la experiencia
impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar
mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características
esenciales. En un lapso de siete años realizó sus cuadros más importantes: El
baño (1884), Un domingo de verano en la Grande Jatte (1886), su obra maestra, y
Parada del circo (1888), entre muchas otras. Seurat murió de difteria a la
temprana edad de 31 años, y fue incinerado en el cementerio de Père Lachaise.
Seurat perteneció al neoimpresionismo. Este término señalaba que las raíces de estos desarrollos se
situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la
línea en la práctica de Seurat y Paul Signac.
-Un baño en Asnieres: La obra representa una instantánea de la vida en los suburbios de París. La pintura
evoca el sopor de una calurosa tarde de sol, sin dejar de lado detalles urbanos como las chimeneas y las vías
ferroviarias al fondo. No obstante, no logra transmitir el ambiente festivo a las orillas del río, ya que con su
método puntillista las personas quedan «desposeídas de su individualidad».
-Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte: Seurat se concentró escrupulosamente en el paisaje del
parque. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. Mediante el puntillismo contrastó puntos
minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del
observador.
-El circo: Seurat trata el tema del circo con la técnica puntillista, en un cuadro en el que predomina el
color amarillo. Seurat redujo su paleta a cuatro colores principales, con sus tonos intermedios, en estado puro.

EL CIRCO
UN BAÑO EN ASNIERES
TARDE DE DOMINGO EN LA ISLA DE LA
GRANDE JATTE

FRA ANGÉLICO
Fray Juan de Fiésole O.P (Florencia, 24 de junio de 1390 – Roma, 18 de febrero de
1455), pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico
con la de pintor consumado. No se le atribuye ninguna obra hasta 1420 (relicarios
para Santa Maria Novella). Se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el
espacio y bañado por la dulce luz florentina, que no atenúa en absoluto la solidez
de la composición y la firmeza de los volúmenes. Todas estas cualidades aparecen
con gran evidencia en sus obras fundamentales: Descendimiento (c. 1440),
Lamentación sobre el cuerpo de Cristo (1440-1445), Coronación de la Virgen
(antes de 1445), la serie de pinturas realizadas para las celdas del convento de San
Marcos de Florencia y La Anunciación del Museo del Prado. Las virtudes
espirituales del pintor armonizan con la frescura y la delicadeza de sus coloridos,
con la elegancia del dibujo y con esa manera tan suya de ocupar el espacio con el
mínimo de medios y de efectos. Murió en el convento dominico de Roma.
La pintura del Quattrocento se enmarca dentro del Primer Renacimiento. Se desarrolló, como su nombre
indica, en la Italia del siglo XV. Sus características principales son, junto a la evocación de lo antiguo, la
observación de la naturaleza de manera que se pueda reflejar fielmente en la pintura. El dominio de la
perspectiva hace que se supere la bidimensionalidad de la superficie pictórica.
-La Anunciación: Se trata de una obra realizada alrededor del año 1430. De la época medieval quedan
rasgos como la minuciosidad propia de la miniatura, como puede verse en las detalladas alas del ángel o en
su halo dorado. La luz y el color son ya renacentistas, así como la austeridad de la arquitectura.
-Virgen de la humildad: Fra Angelico utiliza el dorado profusamente en esta obra, que la dota de mayor
carácter divino y nos muestra a una Virgen joven e inocente. Su rostro conserva todavía un cierto
hieratismo propio de la tradición medieval.
- Beso de Judas: Centra la composición el beso traidor de Judas Iscariote, que aparece identificado con la
aureola de color oscuro. A la derecha, el grupo de los apóstoles que estuvieron presentes en la traición:
Santiago, Pedro y Juan.

LA ANUNCIACIÓN
VIRGEN DE LA HUMILDAD
BESO DE JUDAS

FERNAND LÉGER
Fernand Léger (4 de febrero de 1881 - 17 de agosto de 1955) Pintor cubista francés.
Durante dos años cursó estudios de arquitectura en Caen y después viaja a París,
donde es rechazado en la Escuela de Bellas Artes y se inscribe como alumno en el
taller de León Gerôme y posteriormente en el de Gabriel Ferrier. A partir del año
1910 expone regularmente en el Salón de los Independientes. La mayoría de sus
primeros cuadros tienen un carácter cubista, entre ellos Desnudos en el bosque
(1909-1910, Museo Kröller-Müller, Otterlo). Su siguiente etapa estuvo influida por
sus experiencias en la I Guerra Mundial. Inició su llamado periodo “mecánico” en
el que utilizó muchos símbolos procedentes del mundo industrial. La Ciudad
(1919, Museo de Arte de Filadelfia). Su obra ejerció una influencia importante en
el constructivismo soviético. A su vez, destacó como realizador de vidrieras,
mosaicos, ceramista, diseñador de escenografías teatrales y de tapicerías. Falleció
el 17 de agosto de 1955.
Fernand Léger forma parte del cubismo que es un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la
perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético
que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte.
-La mujer de azul: Pintura cubista realizada por Fernand Léger entre los años 1912 y 1913. Se trata de una
de las escasas obras destacadas del Cubismo que permanece en manos privadas. El cuadro formó parte de
la exposición organizada por la revista alemana sobre Expresionismo ‘Der Sturm’ en 1913.
-Le grand dejeneur: Las figuras, que siguen compartiendo el espacio del cuadro con objetos de la vida
cotidiana, ganan en monumentalidad y pierden el aire de robots inanimados de épocas precedentes.
El gusto por el contraste se refleja también en la aparición de objetos inesperados.
-Desnudos en el bosque: Esta obra , es geométrica completamente , sus formas son cúbicas, con ángulos
rectos y extendidos. Cada una de sus partes forma una figura , sus colores verdes grises negros blancos,
cafés, amarillos, connotan la naturaleza. Importa la forma y el conjunto mas que el color.

LA MUJER DE AZUL
DESNUDOS EN EL BOSQUE
LE GRAND DEJENEUR

DAVID FRIEDRICH
Caspar David Friedrich (5 de septiembre de 1774 en Greifswald - 7 de mayo de
1840 en Dresde) fue el principal representante de la pintura romántica alemana.
Fue el paisajista más notable del romanticismo alemán. En sus pinturas se
encuentra un sentimiento de profundo pánico ante la naturaleza y el conocimiento
atónito y casi doloroso de la insuficiencia del hombre frente a su grandeza. El
significado de sus obras se va enriqueciendo por frecuentes referencias a la
mitología alemana; en las pinturas más tardías, el valor simbólico se hace más
evidente en la elección del tema y en la simplificación de las formas. El artista
prefirió el paisaje en determinadas horas del día, cuando se presta a correlaciones
psicológicas más directas, como en las obras donde aparecen, aisladas y casi
perdidas, pequeñas figuras humanas. Es interesante el trabajo de los artistas que
actuaron alrededor de Friedrich, si bien éste no tuvo jamás una verdadera escuela.
David Friedrich vivió en la época del romanticismo es un movimiento cultural y político originado en
Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el
racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. La libertad
auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.
-Caminante ante un mar de niebla: La obra representa a un viajero que se encuentra de pie en lo alto de
una montaña, mirando un mar de nubes que queda debajo. Utiliza una gama cromática más bien fría, los
únicos colores cálidos aparecen en el primer plano. De esta manera, logra una perspectiva cromática.
-Acantilados blancos en Rügen: Esta obra de arte está creada teniendo en cuenta las convenciones
tanto románticas como del paisaje. En este sentido, no se diferencia de otras obras de Friedrich; parecía
sentirse bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos.
-Abadía en un bosque: Se trata de una vista imaginaria en la que se expresa una originalidad temática y
práctica, más trascendental que realista. En este cuadro se ven encinas rodeando las ruinas de una abadía
gótica. Es posible que la obra simbolizase dos mundos: por un lado, el de la era precristiana, personificado en
los árboles, sería la época de la religión natural, y por otro lado, el de la era cristiana, con el edificio en ruinas.

CAMINANTE ANTE UN MAR
DE NIEBLA
ACANTILADOS BLANCOS
EN RÜGEN
ABADÍA EN UN BOSQUE

MIGUEL ÁNGEL
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Caprese, 6 de marzo de 1475 –
Roma, 18 de febrero de 1564) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano
renacentista. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel
cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados
extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. La vida de Miguel Ángel
transcurrió entre Florencia y Roma. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y
escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional
colección de estatuas antiguas. En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos
esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Al cabo
de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el
David. Murió el año 1564 en Roma a la edad de ochenta y ocho años, acompañado
por su secretario Daniele da Volterra y por su fiel amigo Tommaso Cavalieri.
Miguel Ángel perteneció al renacimiento, que es un movimiento cultural caracterizado por retomar los
elementos de la cultura clásica. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser
Algunas de sus esculturas fueron:
-David de Miguel Ángel: El cuerpo de David es el de un hombre musculoso. En lugar de aparecer
victorioso aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero
contrapposto. El rostro evidencia esta tensión contenida, además, con una mueca de odio y las aletas de la
nariz bastante abiertas.
-Crucifijo del Santo Spirito: Miguel Ángel realizó un crucifijo en madera policromada donde resolvió el
cuerpo de Cristo desnudo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, así mismo el rostro
parece el de un adulto con una medida desproporcionada respecto al cuerpo.
-Piedad del Vaticano: Una Virgen joven, bella y piadosa sostiene al Hijo muerto y
que,intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y
llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista.

PIEDAD DEL VATICANO
CRUCIFIJO DEL SANTO SPIRITO
DAVID DE MIGUEL ÁNGEL

AUGUSTE RODIN
François-Auguste-René Rodin (París, 12 de noviembre de 1840 - Meudon, 17 de
noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo a la corriente
Impresionista. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como
ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación
a la escultura. En 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel
Ángel. El resultado de su contacto con el genio del Renacimiento fue La edad del
bronce. Seguía sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando
presentó en el Salón San Juan Bautista predicando. Entonces recibió la gran
petición de su vida: las puertas monumentales del futuro Museo de Artes
Decorativas de París, que nunca llegaron a realizarse, si bien se fundieron en
bronce en 1928 gracias a un admirador del artista, y para las que Rodin esculpió
una de sus obras maestras, El pensador.
El Impresionismo fue un movimiento fundamentalmente pictórico. No existe en arquitectura y apenas en
escultura. Debido a la gran importancia de la luz en sus obras, Auguste Rodin (1840-1917) es el representante de
la escultura Impresionista.
Algunas de sus esculturas son:
-El pensador: El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno,
ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de
Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.
-Los burgueses de Calais: La escultura está realizada en bronce. Se compone de seis hombres de igual altura y
vestidos en ropajes similares. Las figuras forman un grupo compacto. Sin embargo, permanecen libres entre ellos.
Manifiesta la cruda verdad de las figuras épicas según las teorías del realistas que se refleja en rasgos expresionistas,
el rápido modelado, incluso con las manos imita los efectos lumínicos buscados por el impresionistas.
-El beso: Revela una de las características distintivas del escultor: no utilizar el punto de vista único, sino la
contemplación de la obra desde varias perspectivas, para potenciar al máximo la expresividad del cuerpo humano.

EL BESO
EL PENSADOR
LOS BURGUESES DE CALAIS

DONATELLO
Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de
1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Su
formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún
vestigio estilístico. Tras asociarse con su aprendiz Michelozzo, Donatello emprendió a
partir de 1427 la realización en Pisa de la tumba del cardenal Brancacci, en la que
esculpió en relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, la tumba de
Baldasare Coscia para el baptisterio de Florencia permitió al artista dar sus primeros
pasos en el difícil arte de la fundición en bronce.
El viaje a Roma que realizó el escultor hacia 1430-1432 condicionó de manera decisiva
toda su producción posterior, ya que le brindó la oportunidad de conocer en directo el
arte de la Antigüedad. A su regreso a Florencia comenzó la famosa Cantoría para la
catedral, en la que recreó libremente algunos de los motivos clásicos admirados en
Roma.
Donatello perteneció al renacimiento, que es un movimiento cultural caracterizado por retomar los elementos
de la cultura clásica. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por
las artes, la política y las ciencias, revisando el teocentrismo medieval y sustituyéndolo por cierto
antropocentrismo.
-Lauda sepulcral de Giovanni Pecci: Se representa exactamente en la camilla para el transporte de los
difuntos. Donatello, que fue capaz de dar en el relieve magistralmente una sensación de profundidad y
espesor. Los pliegues de las vestiduras crean una sensación típica del artista, mientras que la cara del obispo se
muestra serena y de líneas suaves, en contraste con el resto.
-San Marcos: está retratado con una cabeza barbuda, de antiguo filósofo, y con un vestido anudado a la
cintura. El rostro está esculpido con una expresión de seriedad digna y de integridad espiritual.
-San Juan Evangelista: El santo está representado sentado, con el atributo típico del libro mantenido de pie,
sobre una pierna, con la mano izquierda. Las vestiduras crean fuertes efectos de claroscuro. La cabeza, con
barba y con un espeso pelo rizado, girada hacia la derecha tiene una mirada fija e intensa, creando una
sensación de energía, que mantiene en sus mejores obras Donatello.

SAN JUAN EVANGELISTA
LAUDA SEPULCRAL DE GIOVANNI
SAN MARCOS

ANTONIO CANOVA
Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822)
fue un escultor italiano. Hijo de uno marmista, su aprendizaje artístico tiene lugar en
Venecia y Roma. En dicha ciudad, estudia la escultura antigua y entra en contacto
con los artistas y los intelectuales que propugnan un retorno a lo clásico.
Entre 1783 y 1810 realiza los monumentos fúnebres de Clemente XIII y Clemente XIV
en Roma, de Maria Cristina de Austria en Viena y de Vittorio Alfieri en Florencia.
Se hace famoso en ámbito internacional con las obras de tema mitológico – Amor y
Psique, Venus y Adonis, Las tres Gracias – y con las célebres estatuas de Napoleón,
heroicamente desnudo representado como Marte Pacificador, y de Paolina Borghese
como Venus Victoriosa.
Canova perteneció al neoclasicismo. En la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado. Las esculturas
neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se
pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que
Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega.
-Hércules y Licas: El héroe aparece en un momento de máxima tensión muscular, justo en el acto de levantar
por el pie al infortunado muchacho, que en vano se resiste, aferrándose al altar que se encuentra detrás de
Hércules y a la piel del león abandonada a sus pies.
-Monumento fúnebre de María Cristina de Austria: La obra escultórica se muestra como una gran
pirámide blanca abierta en el centro por una oscura abertura, hacia la cual se dirige una triste procesión.
Presenta la rigidez que caracteriza la nueva dirección artística de la escultura funeraria, dejando el
movimiento en esta tradición del barroco.
-Cupido y Psiche: Afrodita, celosa de la belleza de Psique mandó a su hijo, Cupido, para que le lanzara una
flecha de oro oxidado, que la haría enamorarse de un hombre horrible. Eros al verla se enamoró de ella y lanzó
la flecha al mar. Cuando Psique se durmió, se la llevó volando hasta su palacio .Cánova representa en el beso
de Cupido y Psique la fusión del cuerpo y el alma.

HÉRCULES Y LICAS
MONUMENTO FÚNEBRE
DE MARÍA CRISTINA DE
AUSTRIA
CUPIDO Y PSICHE

BERNINI
Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y diseñador, artista célebre creador de
la escultura estilo Barroco en el siglo 17. Hijo de un escultor florentino, Bernini
consiguió acceso privilegiado al mundo de las artes. Emigró a Roma junto a su
padre. Estudios iniciales de la escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y
las obras de Miguel Ángel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó
durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración
de iglesias y obras arquitectónicas. Bernini fue famoso en vida y todas las cortes
europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo
llevó a trabajar a París cuando el artista ya contaba con 69 años de edad.
La técnica de Bernini, cuando trabaja en marmol, es de un realismo exhuberante,
sobre todo cuando se trata de expresiones del rostro.
Bernini perteneció al barroco. La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas,
sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En
España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que
esperaba despertar la fe del pueblo.
-La Plaza de San Pedro: La plaza es una gran explanada trapezoidal que se ensancha lateralmente
mediante dos pasajes, con forma elíptica, de columnatas rematadas en una balaustrada sobre la que se
asientan las figuras de ciento cuarenta santos. En su interior se encuentran dos fuentes, una en cada foco
de la elipse,y en medio de la plaza se erigió un monumental obelisco.
-Fuente de los cuatro rios: La fuente se compone de una base formada de una gran piscina elíptica,
coronada en su centro de una gran mole de mármol, sobre la cual se eleva un obelisco egipcio. Las estatuas
que componen la fuente, tienen unas dimensiones mayores que en la realidad y son alegorías de los cuatro
ríos principales de La Tierra (Nilo, Ganges, Danubio, Río de la Plata).
-El rapto de Proserpina: Es una gran estatua de mármol, perteneciente a un grupo escultórico ejecutado
por el artista. Representa a Proserpina siendo raptada por Plutón, soberano de los infiernos.

EL RAPTO DE PROSERPINA
FUENTE DE LOS CUATRO RIOS
PLAZA DE SAN PEDRO

BRUNELLESCHI
Nació en Florencia, Italia. Escultor y arquitecto activo a comienzos del período
renacentista. Artista innovador que impulsó el abandono del estilo
arquitectónico Gótico, encantando positivamente a sus contemporáneos con
un estilo de mayor simpleza, lleno de elegancia y pureza geométrica basado en
formas elementales como el rectángulo y la esfera.
Brunelleschi era estudioso de la arquitectura antigua italiana lo que le permitió
rescatar de ella aspectos positivos que introdujo para renovar la escuela
arquitectónica de Florencia, que a la fecha era considerada de vanguardia y
ejemplo a seguir en el arte italiano.
Brunelleschi perteneció al renacimiento, y como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta
a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que
caracterizaron la escultura de este período. Ya el Gótico había preludiado en cierta manera algunos de estos
aspectos, pero algunos hallazgos arqueológicos que se dieron en la época supusieron una auténtica conmoción
para los escultores y sirvieron de modelo e inspiración para las nuevas realizaciones.
-Palacio Pitti: La relevancia arquitectónica del Palacio Pitti es su severidad y simplicidad, una estructura que
ha sido copiada repetidas veces a los largo de la Historia. Llama la atención por la magnificencia del tamaño, la
fuerza y el reflejo de la luz en la repetitiva estructura de piedra de la fachada, en la que el vasto y sólido
almohadillado quita importancia a la ornamentación y la elegancia del diseño.
-Sacristia vieja de San Lorenzo: Esta obra ha sido considerada como uno de los ejemplos más expresivos de
la arquitectura de Brunelleschi, con una gran influencia en otros edificios posteriores de planta central. Se
trata de un espacio cúbico cubierto por una cúpula nervada sobre pechinas, a la cual se une al fondo otro
espacio similar de planta cuadrada, que actúa a modo de ábside.
-Capilla Pazzi: Planta rectangular con cúpula central y pórtico. Su fachada es un pórtico de cinco tramos
entre seis columnas de orden compuesto. Sobre tal pórtico se alza un ático decorado con pilastras corintias y
seccionado por el gran arco del centro, que se corona en una cornisa muy ornamentada.

CAPILLA PAZZI
PALACIO PITTI
SACRISTÍA VIEJA DE
SAN LORENZO

BERRUGUETE
Alonso González Berruguete nació en Paredes de Nava, España. Pintor y
escultor manierista durante el renacimiento europeo. Recibió educación
artística en Italia, donde adoptó el estilo de su contemporaneo Miguel Angel.
Vivió en Florencia y al regresar a su tierra natal, trajo consigo el estilo
manierista, el que transmitió a sus pares, época en que el Renacimiento se
introducía poco a poco en España. La escultura de Berruguete es ecléctica y
mezcla estilos de varios otros artistas italianos célebres, entre ellos Rafael y
Leonardo. Su especialidad fueron las obras decorativas para iglesia que superan
largamente a trabajos de otros escultores ibéricos de la época.
Berruguete perteneció al renacimiento, y como en las demás manifestaciones
artísticas, los ideales de vuelta a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza,
humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la
escultura de este período.
-Retablo de San Benito el Real: Berruguete realizó un diseño arriesgado y original, de formas muy
ligeras y al mismo tiempo llenas de tensión desenfrenada: balaustradas grutescos y órdenes
arquitectónicos clásicos coronados por una gran venera, todo remozado por el espíritu inquieto del
artista.
-Sepulcro del Cardenal Tavera: El sepulcro del cardenal Juan Pardo de Tavera se encuentra situado
bajo la cúpula en el crucero de la iglesia del Hospital de Tavera de Toledo. La cama es rectangular, con
cuatro grifos en las esquinas y en el lateral izquierdo dentro de un tondo san Juan Bautista con relieves
en ambos lados. En el otro lateral largo dentro del tondo la imagen de Santiago Apóstol
-Coro de la catedral de Toledo: Las tablas para la sillería fueron trabajadas en madera de nogal. En
los rostros de los personajes hay una expresión psicológica de los sentimientos de cada uno a modo de
simbolismo. En el trabajo de las tallas Berruguete tiene la gran habilidad de saber jugar con el
claroscuro, valiéndose de esta técnica para realizar bellos efectos que aportan aún más calidad al
conjunto.

CORO DE LA CATEDRAL DE TOLEDO
RETABLO DE SAN BENITO
EL REAL
SEPULCRO DEL CARDENAL TAVERA

GHIBERTI
Nació en Florencia, Italia. Escultor durante la transición entre el período Gótico y
el Renacimiento. Orfebre de escuela florentina, Ghiberti junto a otros maestros
destacados de la época, como Brunelleschi, fueron pioneros en la renovación del
arte italiano. Aunque en sus obras se ve con claridad la presencia del estilo Gótico
también se puede observar que sus trabajos están dotados de alta perfección.
Ghiberti esculpe aplicando técnica impecable y gusto refinado. Esto se transformó
en referente de calidad para los artistas del Renacimiento que le siguieron.
Su obra más famosa corresponde al tallado en bronce de dos puertas de iglesia. En
ellas ('Las Puertas del Paraíso'), Ghiberti nos deslumbra hasta hoy con el
perfeccionismo de sus lineas y la expresión que consigue dar a cada una de las
figuras que talla.
En esta época aparece la figura del artista-creador en detrimento del anonimato. Surge el taller del maestro,
que es quien recibe los encargos de los clientes. Este hecho podría sindicarse como el nacimiento de la
categoría de autor. El hombre es la obra más perfecta de Dios. Se pinta la figura humana independientemente
de lo que represente. Los escultores se interesaron por representar el cuerpo humano.
Algunas esculturas son:
-El sacrificio de Isaac: la composición de Ghiberti, fundida en una sola pieza, es clara, diáfana; se dispone en
un orden diagonal que separa el grupo del holocausto y el formado por los dos sirvientes y el asno.
-San juan bautista: La estatua del Santo fue comisionado por el gremio del comerciante de las lanas, Arte di
Calimala. El uso del artista de las curvas unnaturalistic pero elegantes en el pelo y el drapery del santo
demuestra la influencia del Gótico internacional labre frecuente en Italia cuando el trabajo fue creado.
-La Puerta del Paraíso: es la puerta este del Baptisterio de Florencia, se encuentra ubicada frente a la
catedral de Santa María del Fiore. Fue realizada por el orfebre y escultor Lorenzo Ghiberti en 1452 y es su obra
cumbre y una de las obras más destacadas del Renacimiento. Completamente dorada, le fue puesto el
sobrenombre de 'del Paraíso' por Miguel Angel Buonarroti. Después del aluvión de Florencia los paneles
originales, fueron restaurados y se los conserva en el Museo dell'Opera del Duomo que se encuentra en las
inmediaciones.

SAN JUAN BAUTISTA
LA PUERTA DEL PARAISO
EL SACRIFICIO DE ISAAC

CELLINI
Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500 - 13 de febrero de 1571) fue
un escultor, grabador y escritor florentino. Junto al destacado Giambologna, fueron
herederos artísticos de Miguel Angel, a fines del Renacimiento. Cellini ocupa un
sitial destacado en la historia de la escultura por la excelencia y perfeccionismo de
sus obras, las que han servido de ejemplo para los escultores clásicos posteriores a él.
Trabajó en Roma, durante el pontificado de Clemente VII y de Pablo III.
Posteriormente, el rey Francisco I de Francia lo reclutó para el desarrollo de las artes
en su país. Cellini residió en Paris durante tres años y allí creó sus obras más
destacadas. En esa época se pensaba que después de Miguel Angel no existiría nadie
que lo superara. Sin embargo, aunque no alcanzó la misma fama, Cellini demuestra
en sus esculpidos que gozaba de tanta habilidad como su célebre maestro.
Brunelleschi perteneció al renacimiento, y como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta
a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que
caracterizaron la escultura de este período. Ya el Gótico había preludiado en cierta manera algunos de estos
aspectos, pero algunos hallazgos arqueológicos que se dieron en la época supusieron una auténtica
conmoción para los escultores y sirvieron de modelo e inspiración para las nuevas realizaciones.
-Salero de Francisco I de Francia: Este salero es la única obra de oro conocida que puede atribuirse con
certeza a Cellini. Fue creado en un estilo renacentista tardío y representa alegóricamente la Terra e Mare en
las propias palabras de Cellini en su Autobiografía.
-Perseo: Perseo, erguido y victorioso, sostiene con la mano izquierda la cabeza de la Medusa, cuyo cuerpo
yace a sus pies. Según el mito, éste es un episodio importante en la lucha de los dioses por configurar un
mundo humano. Todo exalta la belleza del cuerpo en reposo, cuya carne lisa contrasta con el cabello
ensortijado, hirsuto y cincelado en profundidad.
-La ninfa de fontainebleau: Las obras artísticas que se producen arrastran consigo más de alguna historia
sórdida, en lo que a su concepción se refiere. Un ejemplo es la "Ninfa de Fontainebleau", que esculpió
Benvenuto Cellini, cuya historia arrastra adulterio, sadomasoquismo y un intento de asesinato.

PERSEO
LA NINFA DE FONTAINEBLEAU
SALERO DE FRANCISCO I DE FRANCIA

DUQUESNOY
François Duquesnoy (Bruselas, 12 de enero de 1597 - Livorno, 12 de julio de 1643) fue
un destacado escultor barroco en Roma. Escultor de raíz flamenca, activo durante los
inicios del período Barroco. Fue discípulo de su padre que era escultor. A los 21 años
emigra a Roma, donde estudia en profundidad la escultura antigua de griegos e
italianos, cuyos estilos en ese momento, eran considerados caducos por los
vanguardistas del Barroco. Junto a Algardi, Duquesnoy se alejó con éxito de la escuela
emergente que comandaba el maestro Bernini. Sus primeras esculturas realizadas en
Italia son consideradas hoy como ejemplo de pureza de estilo y sirven de referente
para establecer lo que es una estatua vestida bien lograda. Ya en ese momento el nivel
de virtuosismo de los escultores clásicos comenzó a ser medido principalmente por la
calidad con que tallaban los pliegues de la vestimenta.
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y
también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en
imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo.
Algunas obras son:
-La estatua de Santa Susana: Muestra a la santa en actitud modesta. Esta es una de las esculturas que
representan a diversas vírgenes mártires, en la Basílica de Santa María de Loreto. Los expertos han destacado
la finura del acabado de las superficies y la suavidad y dulzura con la que Duquesnoy dotó a la estatua.
Duquesnoy consiguió un verdadero alarde de equilibrio clasicista.
-El San Andrés del crucero de San Pedro: Se dice que Duquesnoy estaba irritado por los manejos de Bernini
por conseguir la única esquina de la basílica que recibía directamente la luz del sol para su obra, consiguiendo
así un efecto dramático del que las otras ubicaciones carecían.
-El Fauno Rondanini: Es una recomposición a partir de una de estas piezas. El resultado es una figura de
ademanes típicamente barrocos muy del gusto de sus contemporáneos, pero que fue agriamente criticada por
los neoclasicistas de finales del siglo siguiente. Otro ejemplo de este tipo de reconstrucciones es el Adonis
conservado actualmente en el Museo del Louvre.

FAUNO RONDANINI
SANTA SUSANA
SAN ANDRÉS

KEVIN CARTER
Nacido en Sudáfrica en 1960, a los 23 años empezó a trabajar como
fotógrafo deportivo en periódico local. Un año después, cuando
estallaron las revueltas raciales de 1984, cambió de periódico y
empezó a documentar las brutalidades del apartheid. Pronto, el y sus
colegas del Bang Bang Club se hicieron un hueco en la historia del
fotoperiodismo por su cobertura, con gran riesgo de sus vidas, de la
violencia de los disturbios urbanos en el país, algo que hasta ese
momento tan sólo algunos fotógrafos negros habían osado reflejar. La
brutalidad de las imágenes de pesadilla que vivieron y de las revueltas
es difícil de describir, y sus fotografías fueron más difundidas en el
extranjero que en la propia Sudáfrica, donde eran objeto de censura y
en varias ocasiones fueron detenidos.
En mayo de 1994, catorce meses después de realizar la famosa foto del bitre y la niña, Kevin Carter
recogía en Nueva York el Pulitzer de fotografía de ese año, y llegaba a un acuerdo con Sygma, una de
las agencias de fotografía más importantes del mundo. Dos meses después, aparcaba su furgoneta
cerca del río donde jugaba de niño, enchufaba una manguera al tubo de escape y se suicidaba a los 33
años. Una década de contemplar la brutalidad a la que puede llegar el hombre, varios trabajos
fallidos y sobre todo, la muerte en abril de Oosterbroek, su mejor amigo, durante unos disturbios
que él mismo había fotografiado poco antes (y en los que también fue herido Marinovich), acabaron
por pasarle factura.

En la imagen puede verse la figura esquelética de una pequeña niña, totalmente desnutrida, recostándose
sobre la tierra, agotada por el hambre, y a punto de morir, mientras que en un segundo plano, la figura negra
expectante de un buitre se encuentra acechando y esperando el momento preciso de la muerte de la niña.
Cuatro meses después, abrumado por la culpa y conducido por una fuerte dependencia a las drogas, Kevin
Carter se quitó la vida.
El fotógrafo seguramente realiza esta fotografía para hacernos
ver el nivel de vida del tercer mundo. Centraliza la persona
para resaltarla en la foto, y así podamos ver su rostro de apatía
y desgana, síntomas de las personas que habitan en este tercer
mundo, con falta de muchas cosas fundamentales para la
supervivencia.

STEVE MCCURRY
Nacido en Philadelphia en 1.950, Steve McCurry está considerado uno de los
mejores fotógrafos del mundo.
McCurry se graduó con los más altos honores de la Facultad de Artes y
Arquitectura en la Universidad del Estado de Pennsylvania con un “cum laude”
en Cinematografía e Historia. Después de trabajar en un periódico durante dos
años, lo dejó y se marchó hacia la India. La experiencia que allí adquirió enseñó
a Steve la recompensa a la paciencia de esperar a que un medio ambiente sea
perfecto para formar una magnífica composición. En 1.984 fue ganador del
premio al mejor fotógrafo por la Asociación de Fotógrafos de Prensa.
Colaborador habitual de National Geographic y de numerosas publicaciones
fotográficas, el reconocimiento le llegó de la mano de la que fue su mejor
fotografía. Fue en 1984 cuando realizó la toma: el rostro de una muchacha
afgana en el campamento de refugiados de Nasir Bagh en Peshawar (Pakistán).
Los ojos de la chica dieron la vuelta al mundo en la que fue la portada más
sonada de National Geographic.
Steve McCurry empezó a trabajar en Afganistán justo después de la invasión Rusa en 1979.
Y alcanzó un punto decisivo en su carrera en el año 1980 cuando, encubierto en vestimenta nativa, cruzó la
frontera con el Pakistán en el Afganistán controlado por los rebeldes, justo antes de la invasión soviética.
Cuando salió de Afganistán tenía los rollos de película cosidos a la ropa. McCurry presentó con horribles
imágenes al resto del mundo la zona devastada por la guerra, por primera vez. Sus imágenes de Afganistán
se publicaron en todo el mundo y demostraron el conflicto que allí había. Su valor para entrar y capturar
fotografías de un país en ese tiempo tumultuoso fue recompensado con la Medalla de oro de Robert Capa al
Mejor Reportaje Fotográfico del extranjero, un premio dedicado a fotógrafos que exponen un coraje.

La niña afgana fue fotografiada por Steve McCurry a finales de 1984 en un
campo de refugiados de Pakistan. Los ojos de la chica y el sentimiento que
llevaban dentro dieron la vuelta al mundo. “Cuando me encontré con la niña,
reconocí la magia de su mirada, repleta de miedo”. Años después McCurry
consciente de lo que había significado esa foto para él volvió para ver que
había sido de Sharbat, encontrándose con una mujer con el rostro marcado
por el tiempo y las penurias.
Con la composición elegida el artista lleva nuestra atención a lo
más importante que quiere enseñar y transmitir - la camiseta
sucia, la mirada llena del dolor indescriptible y la pistola
desproporcionadamente grande en la mano tan diminuta. La
imagen produce sentimientos tan fuertes, es tan chocante que es
imposible que alguien se queda indiferente.
Sus característicos colores vivos y la mirada cargada del sufrimiento,
pero a la vez llena de fuerza invencible. No hay mentira en estos ojos,
solo alma pura y dolida. Detrás del trabajo de McCurry siempre hay
una historia. La técnica de la toma es impecable, no hay nada que nos
distraye del rostro, de los ojos de esta niña que parece que nos dice
algo con su mirada directa y triste.

MAN RAY
Nació en Filadelfia en 1890. Su familia se traslada a Nueva York
en 1897. Realiza sus estudios en la Hihg School y La Escuela de
Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. Se casa con
Adon Lacroix y se bautiza como Man Ray. Conoce a Marcel
Duchamp, que fué una figura relevante en su vida. Compra su
primera cámara con la idea de hacer reproducciones de sus
cuadros. Con Duchamp participa en experimentos
fotográficos y cinematográficos y en la publicación del
número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp,
Man Ray se trasladó a París en 1921. A su llegada a París conoce
a Jean Cocteau que le acoge en su amplio grupo de amigos.
Inventa los rayogramas. Se unió al movimiento Dadá y luego a
los Surrealistas. Experimentó con todos los medios posibles:
pintura, escultura, fotografía y películas. Man Ray fallece en
Francia en 1976.

En esta foto podemos percibir cierta sensación de goce debido
a la postura de la chica. Se observa también la sensación de
tragedia debido a la tonalidad oscura de la foto. La foto la
podemos concebir como una reflexión cercana a la psicológico
del personaje.
Una de sus más bellas fotografías. Recuerda el poder hipnótico
de los ojos, de las miradas, de la imagen. Al verl as lágrimas y al
apreciar la tonalidad, recibimos una gran sensacion de tristeza,
de algo trágico.
Otra foto de tonalidades negras en la que por el titulo y la imagen
apreciamos mucha tristeza. Utiliza, como en numerosas de sus
fotos, retratos de desnudos de mujeres

ANSEL ADAMS
Fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas.
Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes y como autor de numerosos libros
sobre fotografía. Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros
como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.
Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro de la misma mide
el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la
exposición dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición.
Adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país, en los que trataba de
reflejar un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y
monstruosos árboles.

Podemos ver la fotografía como una forma inquietante, con sombras
profundas y un blanco distante pico agudo contra un cielo oscuro .Es
un lugar maravilloso con una plataforma de granito, ligeramente
sobresaliente, y tenía casi 4000 metros de altura.
Este primer plano de una rosa de madera, de color negro. a la
deriva es un ejemplo perfecto del deseo de captar los secretos
de la luz y la sombra de los objetos cotidianos.
Retrata el paisaje de un monte en invierno, en el que
apreciamos grandes árboles, monstruosas montañas y
nubes y refleja un gran contraste de luces y sombras.

BERENICE ABBOTT
Fue una fotógrafa estadounidense. Dejó su tierra natal
en 1918 para estudiar en las ciudades de Nueva York, París y Berlín.
En París se volvió asistente de Man Ray y Eugéne Atget.
En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados
parisinos, artistas, escritores y coleccionistas. Rescató y
catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte. En
los años 1930, fotografió los barrios de Nueva York para el
Proyecto Artístico Federal de la WPA, documentando su
arquitectura cambiante y siendo publicadas muchas de
esas fotografías en Changing New York en 1939.
La fotografía de Benerice Abbott se centra, gracias a Eugène Atget
en la fotografía documental, en la que se centraba en numerosos
retratos de hombres y mujeres, fotografías de ciudades, espacios,
lugares, deteniendo por un instante y para siempre el tiempo,
explorando en ellas los fenómenos físicos.

El hecho de que esta foto esté en blanco y negro se debe a la
concepción de la fotógrafa de esta ciudad, reflejando la esencia de
ésta, la esencia que encontraba en todos los barrios, calles y zonas
de la ciudad.
Realiza esta foto, porque al ver como la moda de los
rascacielos estaba cambiando las ciudades, rápidamente decidió
quedarse para fotografiar los contrastes entre lo nuevo y lo viejo.
En una imagen de la variante, Abbott ha
adoptado un formato horizontal y se
superponen en el signo Schenley sobre el
paisaje urbano de todo, totalmente oscurecer el
panorama.

LUIS GARCÍA BERLANGA
De joven, decidió estudiar Derecho y luego Filosofía y Letras, pero más tarde, en 1947, cambió su vocación e ingresó
en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid.
Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a
éste, se le considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Su cine se caracteriza por su mordaz ironía
y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista despuntó su
habilidad para burlar la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente
contra-lectura.
Su película Plácido fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no ingles en 1961. En 1980 obtuvo el
Premio Nacional de Cinematografía, en 1981 la Medalla de Oro de las Bellas Artes, en 1986 el Premio Príncipe de
Asturias de las Artes y en 1993 el Goya al mejor director por su película Todos a la cárcel. El 25 de abril de 1988 fue
elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Era padre de Carlos Berlanga, músico,
compositor e importante precursor de la corriente cultural conocida como la movida madrileña. Falleció en su casa de
Madrid el 13 de noviembre de 2010 a los 89 años, por causas naturales.
Algunas de sus películas fueron:
Los jueves, milagro: En ella, el director español consigue, en una época en la que
resultaba muy difícil hacer un cine con cualquier tinte crítico dibujar una comedia
corrosiva que ataca la sociedad pacata y reprimida por una religión alejada de la
gente.
El verdugo: Es una de las mejores películas de Berlanga y para muchos, una de las
mejores películas del cine español. Es en parte un alegato contra la pena de muerte y
en parte una recreación irónica de las contradicciones de la España franquista,
realizada en plena era del régimen. Destacan en el film las actuaciones de José Isbert
en su papel de verdugo, Nino Manfredi y Emma Penella.
Bienvenido, Mister Marshall: Es una película producida por UNINCI (lo que obligó a su director a incluir a
Lolita Sevilla ), que, en tono de sátira y crítica soterrada, habla de la situación política y económica de España en
la época del rodaje, hecho inédito en la filmografía española hasta ese momento. Se ha comentado que pasó la
censura franquista por las dosis irónicas de xenofobia que contiene.

CLINT EASTWOOD
Nació el 31 de mayo de 1930 en San Francisco, California. Se trasladó a Los Ángeles
donde se encontró un empleo en Universal Studios. Alambre de la aguja se encuentra
ante las cámaras en 1955 para su primer pequeño papel en una película de serie B "La
venganza de la criatura". El primer componente será seguido en 1965 y 1966 (El bueno,
el feo y el malo).
Su primera hija, Kimber nació en 1964, a partir de entonces serán otros seis niños. A
principios de los años setenta, dirigió su primera película "Una Noche En Frisson. Se
verá cada vez más cerca de la realización y desde 1982 lo hace. Su consagración como
director fue en 1985, cuando "Pale Rider" se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
En 1993, con la occidental "implacable", Clint Eastwood gana dos Oscar: a la Mejor
Película y Mejor Director. Más tarde, con el melodrama "Million Dollar Baby",ganó los
dos mismos Oscar. Clint Eastwood está considerado como uno de los más grandes
cineastas de América y las nuevas películas actuales son esperadas por el público. La
última, "Gran Torino" en 2009.
Algunas de sus películas son:
-Million Dollar Baby: Con 4 premios Oscar 2005: A la mejor dirección, a la mejor película, a la mejor actriz en el
papel principal (Hilary Swank), y al mejor actor secundario (Morgan Freeman).
Galardonada con 20 premios cinematográficos de Estados Unidos, y 12 premios cinematográficos internacionales.
Narra la historia de un veterano entrenador de boxeo al final de su carrera y sus esfuerzos por ayudar a una
boxeadora a llegar hasta lo más alto, aunque entrenar a una mujer esté contra sus criterios.
-Sin perdón: es una película estadounidense del género western dirigida por Clint Eastwood en 1992. La cinta
ganó 4 premios Óscar, entre ellos los de mejor película y mejor director. Relata la historia de William Munny (Clint
Eastwood), un pistolero viejo, viudo y acabado, que tiene dificultades para mantener a sus hijos.
Se le presenta la oportunidad de sacar adelante a su familia haciendo un último trabajo, acompañado por un viejo
socio y un joven e inexperto novato. La misión consiste en matar a dos hombres que le marcaron la cara a una
prostituta.
-Cartas desde Iwo Jima: Es una película estadounidense de 2006, producida y dirigida por Clint Eastwood, que
junto a Banderas de nuestros padres, completa el díptico de este director sobre la Batalla de Iwo Jima, ocurrida en el
océano Pacífico durante la II Guerra Mundial.

STEVEN SPIELBERG
Nació en Cincinnati (EEUU) el 18 de Diciembre de 1946. Tras varios
trabajos en telefilms y series televisivas, Spielberg consigue su primer
éxito con el telefilm El Diablo Sobre Ruedas (Duel) en 1971. En 1975,
Steven estrena su segunda película en las salas comerciales (tras una
comedia protagonizada por Goldie Hawn). Tiburón es un éxito mundial
que abre definitivamente las puertas de la fama a Spielberg. Dos años más
tarde, dirige un nuevo film, Encuentros en la Tercera Fase. Otro éxito, que
consagra al director. En 1979, realiza 1941, un film de humor que no
obtiene el éxito deseado.
Dos años tarda Spielberg en estrenar la que será su reconciliación con el
público. En Busca del Arca Perdida será la primera de la trilogía de las
aventuras de Indiana Jones que serán dirigidas a lo largo de los 80. No
obstante, su mayor éxito viene un año después con E.T. el Extraterrestre,
que bate todos los records de taquilla hasta entonces. Tras E.T., Spielberg
comienza a repartir sus films entre el drama y la fantasía. Su primer
drama, El Color Púrpura, consigue 11 nominaciones al Oscar, pero no
materializa ninguna.
Desde entonces, los films dirigidos por Spielberg y sus producciones para
el cine y la televisión (para la que ha dirigido varios capítulos de distintas
series) son éxitos asegurados, lo que le ha valido el sobrenombre de "El
Rey Midas" de la industria cinematográfica al que, con toda seguridad, es
el director de más éxito de las últimas décadas.

Poltergeist es película de la saga de horror-thriller Poltergeist, Dirigida
por Tobe Hooper y Producida y Coescrita por Steven Spielberg.
Argumento: La familia Freelings vive en un suburbio de California
(EEUU) en una casa, aparentemente, normal. Todo cambia cuando
Carol Anne (Heather O'Rourke), la pequeña de la familia, sea la primera
en contactar con los espíritus que hay en la casa a través de la televisión.
Convencidos de que necesitan ayuda, los Freelings llamarán a un grupo
de parapsicólogos e, incluso, a una medium espiritual para poder acabar
con los poltergeist.
Transformers es una línea de juguetes de la compañía Hasbro y Takara
(en el mercado Japonés) caracterizados por presentar dos formas
diferentes según la disposición de sus piezas móviles, una posición de
robot humanoide y una segunda versión variable característica del
modelo.
E.T., el extraterrestre es una película estadounidense
de ciencia ficción de 1982, coproducida y dirigida por
Steven Spielberg. El concepto de E.T. está basado en
un amigo imaginario de Spielberg, creado tras el
divorcio de sus padres. En 1980, Spielberg conoció a
Mathison y desarrollaron una nueva historia a partir
de un proyecto fílmico estancado de ciencia
ficción/horror Night Skies.

PEDRO ALMODÓVAR
Pedro Almodóvar nació en Calzada de Calatrava el 24 de Septiembre de 1949,
provincia de Ciudad Real.
A los ocho años emigra con su familia a Extremadura. Allí estudia el
bachillerato elemental y superior , con los padres salesianos y los
franciscanos, despectivamente. Su mala educación religiosa sólo le enseñó a
perder la fe en Dios. Por esa época, en Cáceres, empieza a ir al cine
compulsivamente.
A los dieciséis años se instala en Madrid, solo, sin familia y sin dinero, pero
con un proyecto muy concreto: estudiar y hacer cine.
Imposible matricularse en la Escuela Oficial de Cine, pues Franco acaba de
cerrarla. Ya que no puede aprender el lenguaje (la forma), decide a aprender
el fondo, y se dedica a vivir. A finales de los sesenta, a pesar de la dictadura,
Madrid supone para un adolescente provinciano la ciudad de la cultura y la libertad. Realiza múltiples y
esporádicos trabajos, pero no puede comprarse su primera cámera de super 8 hasta conseguir un empleo
»serio« en la Compañía Telefónica Nacional de España, donde permanece doce años como auxiliar
administrativo. Estos años suponen su verdadera formación. Por la mañana (desde muy temprano) está en
contacto con una clase social que de otro modo no habría conocido tan a fondo: la clase media española en
el inicio de la época del consumo. Sus dramas y sus miserias. Todo un filón para el futuro narrador. Pr la
tarde-noche escribe, ama, hace teatro con el grupo Los Goliardos, rueda películas en super 8. Colabora con
diversas revistas underground. Escribe relatos, algunos de los cuales se publican. Es miembro de un grupo
punk-rock paródico, Almodóvar y Mcnamara, etc.
Tiene la suerte de que el estreno de su primera película coincide con el nacimiento de la democracia
española. Después de un año y medio de azaroso rodaje en 16 mm, en 1980 estrena Pepi, Luci, Bom... A
partir de este momento el cine se convierte en su segunda naturaleza. Escribe y dirige. Y vive, lo suficiente
para poder seguir inventándose historias que estén vivas. Sus películas se estrenan en los cines de todo el
mundo.

Un hombre escribe, vive y ama en la oscuridad. Catorce años antes sufrió junto a
Lena, la mujer de su vida, un brutal accidente de coche en la isla de Lanzarote.
La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de amour fou,
dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de
culpa.
La mala educación es una película española de 2004 de temática LGBT escrita
(en colaboración con Gonzalo Garcés) y dirigida por Pedro Almodóvar y
protagonizada por Gael García Bernal, Fele Martínez y Daniel Giménez Cacho.
Está ambientada en Madrid en 1980 y cuenta el encuentro de un director de cine de
éxito, Enrique Goded, con su antiguo compañero de colegio, Ignacio Rodríguez.
Dos hombres se enfrentan a la soledad de la manera más cruda y cruel que
puedan imaginarse. Dos almas heridas por el azar del destino, dos espíritus
aparentemente muertos y convalecientes en camas hospitalarias a la espera de un
milagro sobrenatural. La incomunicación, soledad, amistad y pasión irracional
son temas de plena efervescencia en Hable con ella; el filme de Pedro Almodóvar
se centra principalmente en la vida de dos hombres.

Alejandro Fernando Amenábar Cantos (Santiago, Chile, 31 de marzo de 1972), conocido como
Alejandro Amenábar, es un compositor, guionista y director de cine español. Es hijo de la madrileña
Josefina Cantos y el chileno, Hugo Ricardo Amenábar. En la actualidad mantiene la doble
nacionalidad, española y chilena. Su padre trabajaba como técnico en la General Electric, mientras que
su madre, Josefina, se dedicaba al hogar y al cuidado de sus hijos. Alejandro es el pequeño de dos
hermanos varones; el mayor, Ricardo, nació el 4 de diciembre de 1969.
Su madre fue invitada por su hermana mayor, que había trasladado su residencia a la capital chilena, y
ahí fue dónde conoció a su marido con el que un tiempo después contrajo matrimonio.
En agosto de 1973, dos semanas antes del golpe de estado de Augusto Pinochet, con solamente un año
de vida, la familia de Alejandro Amenábar decidió emigrar a España e instalarse en Madrid. A su
llegada a la capital se instalaron en una caravana de cámping, pero cuando Alejandro tuvo seis años
cambiaron su residencia a una urbanización a las afueras de la localidad de Paracuellos del Jarama
(Madrid). La totalidad de su carrera cinematográfica se ha desarrollado en España. Ha ganado once
Premios Goya y un Óscar. Ha escrito el guión de sus 5 películas y ha compuesto casi todas sus bandas
sonoras.
ALEJANDRO AMENÁBAR

La película se basa en la historia real de Ramón Sampedro, marinero, que
tras un accidente en su juventud queda tetrapléjico y permanece postrado en
una cama durante cerca de 30 años y que desea morir dignamente. Su
mundo es su habitación y a ella llegan Julia, su abogada (que padece
CADASIL), y Rosa, una vecina que intenta convencerlo de lo interesante que
puede ser la vida. La gran personalidad de Ramón cambia por completo los
principios de las dos.
Ágora es el título de una película española dirigida por Alejandro Amenábar
estrenada en España el 9 de octubre de 2009. Ágora, quinta película de
Amenabar y la segunda rodada íntegramente en inglés después de Los
otros, es un drama histórico que se desarrolla en la ciudad de Alejandría,
Egipto, a partir del año 391 d. C. La protagonista, interpretada por Rachel
Weisz, es la matemática, filósofa y astrónoma Hipatia de Alejandría -- que
fue asesinada, descuartizada e incinerada por los seguidores del obispo y
Santo cristiano copto Cirilo de Alejandría en el año 415 d. C.
Los otros es el tercer largometraje de Alejandro Amenábar. Está
protagonizado por la actriz australiana Nicole Kidman y es una
coproducción hispano-franco-estadounidense en la que se mezcla el
género de suspense y el thriller psicológico.
Nominada a 15 premios Goya en su Edición XVI de los premios Goya,
logró hacerse con 8 de ellos. Junto a Días contados y Celda 211, también
con 8 Goyas, es la cuarta en la lista de películas más galardonadas en los
Premios Goya de la Academia de Cine Español.

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