05-23-gentleman.pdf

LA ISLA DEL REY
POR FERNANDO SCHWARTZ
NÚMERO 215
MAYO 2023. 4€
ALEX KATZ
ETERNA JUVENTUD
NOMBRES PROPIOS
LA MARCA PICASSO
SINATRA EN CLAROSCURO
EL VALOR DE LA ELEGANCIA
CANARIAS
4,20€

EL
CORTE
INGLÉS,
S.A.
C/
Hermosilla
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Madrid

T H E A R T O F F U S I O N
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EDITORIAL
CUANDO ERA UN ADOLESCENTE,la
vena del arte se activó con fuerza; primero con
la música y aquellos acordes a la guitarra que en
solitariodenotabanpocooídomusical–o por
lo menos no el suficiente para continuar con el
esfuerzo de aprender–. Luego llegó la pintura,
dondedeboreconocerquemesentíamáscómo-
do e incluso algo más competente. Fueron años
en los que, además, avancé en ese terreno donde
la creatividadyla bellezatomanforma; dondese
empieza a vislumbrar el verdadero arte.
Ni quedecirtienequela pinturanoha sido
mi forma de ganarme la existencia, pero sí que el
paso del tiempo solo ha intensificado la idea de
que el arte es consustancial con esa excelencia que
procuramos desde GENTLEMAN. Lo hemos
dejadoclaroalolargodetodosestosaños,enel
que, apoyados en grandes firmas y con colabora-
doresfieles–comoustedes–,hemosidoconfor-
mando una de nuestras ‘patas’ informativas más
apreciadas. Esta revista ha prestado siempre sus
páginas para encontrar y hablar de esa belleza que
el arte nos procura, de ese inequívoco escenario
de cultura en el que se hallan valores mucho más
profundosquela meraobraplasmada enun lien-
zo o en cualquier otra superficie y materia.
Este es un año generoso en aniversarios de
nombres que cambiaron el devenir del arte –y
aquí tenemosquerendirnosala figuradePablo
Picasso, al quehacemosnuestroparticular home-
naje–, de exposiciones que ofrecen una perspecti-
va poco conocida de autores que, en vida, se han
ganado el reconocimiento y la fama suficientes
para poder expresar su arte sin esa cortapisa de
buscar solo el lado comercial de las cosas... Y en
este territorio emerge la figura de Alex Katz, uno
de esos autores de culto que ha consagrado su
vida a la creación. Porque hablamos de genios y
de sus obras; o quizás el término más apropiado
sea el de genialidades. Esas que nos abren los ojos
y también procuran nuestra admiración.
Admiración es la que también sentirán cuan-
dolean aFernandoSchwartz ysu‘viaje’ala isla
del Rey, fortaleza convertida en museo en el que
el arte se expresa con la misma fuerza con la que
el mar acaricia el islote. Aquí el arte del escritor
se pone al servicio de una instancia superior, de
un espacio donde la iniciativa personal –Hauser
& Wirth es el resultado de la asociación en 1992,
en Zúrich, de Iwan Wirth, Manuela Wirth and
Ursula Hauser– ha logrado crear un refugio de
notable y apreciada singularidad.
Singular fue en vida, y también su legado,
Frank Sinatra. Quien fuera portada en los oríge-
nes de esta revista, vuelve a nuestras páginas a
modo de recordatorio y homenaje... pues hace
nada menos que 25 años de su muerte. Eso sí,
nunca olvidaremos su arte, aunque su vida tuviera
algún que otro claroscuro. Pero por encima de
todo, Sinatra sedujo tanto en la pantalla como
con la voz, y lo hizo porque hacía algo diferente.
En realidad, eso es el arte. Una contribución per-
sonal a un espacio donde la libertad es la base para
crear. Y por supuesto, el buen gusto.
Ricardo Balbontín. Director
CON MUCHO ARTE
LA ISLA DEL REY
POR FERNANDO SCHWARTZ
NÚMERO 215
MAYO 2023. 4€
ALEX KATZ
ETERNA JUVENTUD
NOMBRES PROPIOS
LA MARCA PICASSO
SINATRA EN CLAROSCURO
EL VALOR DE LA ELEGANCIA
8

10
CONTENIDOS 05.2023
38
VISITA A
LA ISLA DEL REY
Texto: Fernando Schwartz
G-MANÍA
16 DISEÑO
VEAMOS LAS COSAS CON
CLARIDAD
Texto Ana Domínguez Siemens
20 LUXURY
UN JUEGO BRILLANTE
Texto María Rosa
NOMBRES PROPIOS
22 FEDERICO ANTELO
FORMAS, COLORES, TELAS
Texto Juan Luis Gallego
Fotografía Jacobo Medrano
24 ANA TENORIO
ARTESANÍA AUTÉNTICA
Texto Paula Polizzotto
Fotografía Alfonso Duran
26 CARMEN WERNER
BAILAR, COMUNICAR, EXISTIR
Fotografía Jacobo Medrano
ANIVERSARIO PICASSO
28 LA MARCA PICASSO
Texto Mario Canal
Ilustración Jacobo Pérez-Enciso
30 LAS MUJERES DEL GENIO
Texto Mario Canal
37 UNA DIFÍCIL HERENCIA
Texto Mario Canal
CON FIRMA
38 ISLA DEL REY
LA SIMBIOSIS PERFECTA
Texto Fernando Schwartz
Fotografía Daniel Schäfer
PORTADA
48 ALEX KATZ
UN ESTILO INNEGOCIABLE
Fotografía Alec Soth
LIBROS
54 ESCRITORES REINCIDENTES
Texto Domingo Castillo
Ilustración Jacobo Pérez-Enciso
PERFIL
58 FRANK SINATRA
UNA VOZ EN CLAROSCURO
Texto Rubín de Celis
ESTILO
62 MODA
COMO PEZ EN EL AGUA
Estilismo Stefano Spinetta
Fotografía Paolo Barbi

12
CONTENIDOS 05.2023
58
98
86 107
70 TOTAL LOOK
MOMENTO RELAX
Estilismo Berta Fernández-Abascal
Fotografía Juan Carlos de Marcos
74 ENTREVISTA: CASTORI
POESÍA CON FORMA DE ZAPATO
Texto Ricardo Balbontín
Fotografía Massimiliano Polles
78 COSMÉTICA
TODO SOBRE LA BARBA
Texto Lucía Heredero
Fotografía Massimiliano Polles
82 GRANDES FIRMAS: ROBERTO
VERINO
CON PERSONALIDAD PROPIA
Texto Paula Polizzotto
PORFOLIO
86 LA ¿NUEVA? MOVILIDAD
Texto Juan Parra
MOTOR
94 CUPRA TAVASCAN
SEGUIR LOS IMPULSOS
Texto Amelia Solana
GASTRONOMÍA
98 PLACERES A CIELO ABIERTO
Texto Federico Oldenburg
RELOJES
Texto Ricardo Balbontín
103 CARTIER
EL TANK SE VISTE DE GALA
107 OMEGA MANDA LA PRECISIÓN
109 TUDOR
LA INNOVACIÓN
LES DISTINGUE
Texto Beatriz Núñez
112 ZENITH
JUEGO DE SOMBRAS
113 PHILIPP PLEIN
UN EJERCICIO DE ESTILO Y
PERSONALIDAD
VACHERON CONSTANTIN
PATRIMONIO VACHERON
114 LONGINES
LA HISTORIA ACTUALIZADA
115 ORIS COSECHA PROPIA
SECCIONES
116 AGENDA NACIONAL E
INTERNACIONAL
Texto Luis Ini / Natalia Erice
121 NOTAS
122 ICONOS ENRICO CARUSO
Texto Luis Ini

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Stefano Spinetta y Amelia Solana.
| ILUSTRACIÓN |
Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente.
| FOTOGRAFÍA |
Paolo Barbi, Alfonso Duran, Juan Carlos de Marcos, Jacobo Medrano, Massimiliano Polles, Daniel Schäfer, Alec Soth y Julie Turcas.
| AGENCIAS |
Associated Press, Contacto, Corbis, Cordon Press, Getty Images, IFA, The Interview People y Magnum Photos.
EDITA: LUXURY MEDIA SL. DEPÓSITO LEGAL M-39147-2003 / ISSN 1696-7186
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Controlada por OJD.
Fotografía de portada: Alec Soth / Magnum Photos / Contacto
14

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“desde”
por
persona
y
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en
cabina
doble
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Salida 10 diciembre 2023
El Pireo (Atenas) - Estambul - Kusadasi (Éfeso) - Rodas - Pafos (Chipre)
- Ashdod (Jerusalén) - Alejandría (Egipto) - El Pireo
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Salida 19 julio 2024
Fusina (Venecia) - Opatija (Croacia) - Split (Croacia) - Havar (Croacia) - Dubrovnik
- Zadar (Croacia) - Trieste (Italia) - Fusina (Venecia)
Islandia e Islas Feroe
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Salida 14 julio 2023
Reikiavik - Patreksfjordur - Siglufjordur - Akureyri (Islandia) - Husavik - Seydisfjordur (Islandia)
- Djupivogur (Islandia) - Torshavn (Islas Feroe) - Heimaey (Islandia) - Reikiavik
Copenhague - Alesund - Narvik - Leknes - Troms - Alta (Noruega) - Sortland - Flam
- Bergen (Noruega) - Copenhague
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Salida 3 octubre 2024
PAGO EN
3 MESES
2
ASISTENTES DE
VIAJES EL CORTE INGLÉS
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TASAS Y PROPINAS
INCLUIDAS
ñ
DE DESCUENTO
F
HASTA
TODO INCLUIDO
A BORDO
*
Lujo en su máxima
expresión
91 330 72 63

16
G-MANÍA
ARQUITECTURA + MODA + ARTE + GADGETS
+ EXPERIENCIAS + VIAJES + ESTILO + MÚSICA
DISEÑO | SECCIÓN ANA DOMÍNGUEZ SIEMENS / MARÍA ROSA
1. Lámpara de techo de la colección Nastro, un
diseño de Studiopepe para TOOY.
2. Artefacto luminoso Ray de Draga & Aurel
para RoCOLLECTIBLE de Rossana Orlandi.
3. Luminaria de la Serie 118 hecha de vidrio
opalino de Omar Arbel para BOCCI.
4. Lámpara de mesa diseñada por Charlotte
Perriand y editada ahora por CASSINA.
5. Lámpara portátil recargable África diseñada
por Francisco Gómez Paz para VIBIA.
6. Instalación luminosa de techo que admite
múltiples configuraciones. Serie Sine Light,
diseño de David Derksen para ARRAY.
VEAMOS
LAS COSAS
CON CLARIDAD
Lámparas portátiles con batería, instalaciones artísticas
y piezas reciclables. El reciente Salón del Mueble de
Milán dicta las nuevas tendencias en iluminación.
ES EN EUROLUC, LA SECCIÓN ESPECIALIZADA
en iluminación del Salón del Mueble de Milán –ce-
lebrado en abril–, donde se cuecen las novedades
que serán tendencia en los nuevos tiempos. Algu-
nas se consolidan, como las lamparillas portátiles,
provistas de batería y que se pueden transportar
sin cables. Otras nunca cambian, como el uso de
las bolas de cristal opalino con decoraciones en
relieve o los cristales de color, un recurso siempre
a mano para crear un ambiente especial. Cobran
fuerza las luminarias con vocación artística, luces
escultóricas que son el foco central de un interior
y que son posibles gracias a nuevas tecnologías
LED que permiten configurar las piezas a la carta.
Pero entre las novedades más interesantes figura
una que no tiene tanto que ver con la estética: el
interés de las empresas de iluminación por la vida
futura de las piezas, construyéndolas sin ningún
tipo de pegamento para que, cuando llegue el mo-
mento, sus piezas puedan reciclarse por separado
y sin ningún problema. Una contribución necesa-
ria para un nuevo tipo de consumo.
2
1

18
G-DISEÑO
1. Lámpara de pie Cuts. Diseño de Timo Ripatti
para AXOLIGHT.
2. Chandelier Pipeline, diseñado por Caine
Heintzman para la firma A-N-D.
3. Lámparas de sobremesa de porcelana y
cristal Lumen, diseñadas por Tobias Grau para la
marca DIBBERN.
4. Lámparas Calypso so, un diseño de
Servomuto para la compañía CONTARDI.
2
4
1
3

8 BIS RUE DIEU, PARIS
WHERE IT ALL STARTED.

20
DURANTE LOS ÚLTIMOS 30 AÑOS, LA FIRMA SALANITRO se ha
dedicado al engarce de piedras preciosas en piezas de alta relojería
hasta convertirse en un referente en el sector por su excelente
trabajo, que combina sensibilidad, precisión, creatividad y la mejor
artesanía. Creada en Génova (Suiza) por Pierre Salanitro, la firma ha
decidido ahora, casi a modo de divertido reto, abrir una nueva línea
de negocio con la creación de S by Salanitro, dedicada a utilizar la
maestría en el tratamiento de los relojes para crear objetos con una
característica en común: precisamente, que no sean relojes.
El reto ha sido trasladado a alumnos de la Escuela de Arte y
Diseño de Lausana, que fueron invitados a imaginar los objetos que
UN JUEGO BRILLANTE
Especializada en engastes de piedras preciosas en la alta joyería, la firma suiza Salanitro
crea ahora una serie de objetos únicos y artesanos, como este juego de backgammon.
G-LUXURY
La firma S by
Salanitro planea
crear diez
nuevos juegos
de backgammon
cada año y admite,
también, pedidos
personalizados.
integrarían la colección inaugural de S by Salanitro. Y uno de ellos
es el juego de backgammon que ilustra esta página, una auténtica
pieza de arte convertida en objeto de deseo. El tablero de juego está
fabricado en piel y madera, ambos tratados para ofrecer una mejor
experiencia de juego. Hecho a mano por los mejores artesanos
de Suiza, cada detalle demuestra la filosofía con la que nace S by
Salanitro: las fichas, en azul vibrante y antracita, están engastadas
con diamantes negros o zafiros azules en su periferia, al igual que las
24 cuñas del tablero. El cubo, acabado en piel, incluye el logo de la
marca rodeado de diamantes; y el llamado dado de doblar también
lleva engastados 137 diamantes negros. sbysalanitro.com

¿Horizontes turbulentos?
La tranquilidad tiene una tarjeta de visita.
Y es la misma en todo el mundo.
Cobertura de impagos · Respaldo para el crecimiento rentable · Asesoramiento en internacionalización · Garantías para contratos públicos
Cuando operar a salvo no parece sencillo, la solución tiene que serlo. El
seguro de crédito es la forma de tranquilidad mercantil más empleada en
todo el mundo. Donde la incertidumbre aﬂora, y donde no se la ve llegar. Es
el antídoto a un impago y un mapa para encontrar clientes ﬁables. Por eso si
sus números se ven amenazados, recuerde que el nuestro está siempre ahí.

22
NOMBRES PROPIOS
Formas, colores y tela
FEDERICO ANTELO
ARTISTA Y DISEÑADOR TEXTIL
TEXTO JUAN LUIS GALLEGO
FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO
Moviéndose siempre en la delgada línea que separa el arte del diseño, el argentino afincado en
Madrid ha convertido la estampación textil en su rico, cromático y personal lenguaje.
TODAS Y CADA UNA DE LAS PIE-
ZASquesalendeltallerdeFedericoAntelo
son únicas; ya sean eminentemente artísti-
cas, como cuadros y tapices, o funcionales,
como pañuelos, tapizados para butacas o
lienzos para entelar una pared. No hay dos
iguales. No hay repetición posible primero
porque Antelo no quiere y, segundo, porque
ha desarrollado un complejo proceso de
estampación a través de serigrafía en el que
juega con colores y formas geométricas
combinándolos como el proceso de elabo-
ración le dicta en cada momento. Ni siquie-
ra es siempre fiel a una idea original, todo lo
contrario: como si de una norma se tratara,
el “diseño y la planificación” conviven en su
trabajo casi en igualdad de condiciones con
la “experimentación y el acontecimiento”,
según sus propias palabras.
Se mueve Federico Antelo con un pie a
cada lado de esta línea “borrosa”, dice él, que
separa el arte y el diseño. Se define como
artista, sin duda, pero también hace “arte
aplicado que, al fin y al cabo, es la definición
de diseño”. Así que, para manejarse entre
tanta etiqueta, suele decir que lo que mejor
define lo que hace es su trabajo. Y ese traba-
jo tiene mucho que ver con una trayectoria
que le llevó primero a exponer sus cuadros
en galerías y salones y a dedicarse al diseño
textil para moda después. “Hasta que me
di cuenta de que podía juntar ambas co-
sas –cuenta– y empecé este proyecto de
estampación textil que en realidad tiene un
enfoque más pictórico que industrial”.
Federico Antelo nació en Buenos Aires
hace 47 años. Pero, de abuelos españoles,
lleva casi media vida en Madrid gracias a
esta tendencia que tienen los americanos de,
ya que viajan a Europa, aprovechar para ver
cuanto más mejor: en su caso, una invitación
para participar en una exposición en Milán
le permitió por fin cumplir con la siempre
visita pendiente a España; le surgió la posi-
bilidad de quedarse para trabajar y lo hizo. Y
ahora despliega una variada actividad crea-
tiva que incluye, también, colaboraciones
con interioristas, decoradores, arquitectos
y diseñadores de distintas áreas. Eso sí, sin
traicionarse a sí mismo. “Cuando empecé
este proyecto tenía claro que no haría nada
que no quisiera hacer”. Así que, para mante-
ner ese “espacio sagrado”, también hace otras
cosas que le proporcionan la estabilidad
suficiente para decir que no. Por ejemplo,
dirige proyectos y da clases, y le encanta
hacerlo, en el prestigioso IED (Instituto Eu-
rope de Diseño) de Madrid, en disciplinas
como dibujo y diseño de moda o historia de
la indumentaria.
Y a propósito, hablando de la ensañanza:
“Puedes tener talento, o cierta facilidad o
disposición o sensibilidad para crear, pero
las herramientas técnicas que te da la forma-
ción son las que hacen que eso que tú tienes
naturalmente lo puedas expresar con más
eficacia, que el mensaje que tú quieras dar
como artista llegue mejor”, explica.
FedericoAntelotambiénhaparticipado,
y participa, en colaboraciones con otras
firmas o instituciones. Ha creado estampa-
dos, por ejemplo, para la tienda del Museo
Thyssen-Bornemisza, en este caso inspirado
en la obraLosbañistas(1912), de Max Pechs-
tein, que se plasmó en una colección de
bolsos, carteras o almohadones; o para Sese-
ña, una histórica tienda de Madrid especiali-
zada en capas; o para camisas de Beat Lo-
vers; o para sus propios pañuelos, que co-
mercializa con marca propia. Siempre, con
elmismoleitmotiv: geometría y color,
mucho color.
En la página siguiente, Federico
Antelo en su estudio de Madrid junto
a algunas de sus obras, entre ellas
una butaca tapizada con estampados
de su creación. El color y las formas
geométricas son comunes a todas ellas.

24
NOMBRES PROPIOS
Artesanía auténtica
ANA TENORIO
CERAMISTA Y FUNDADORA DE WITCHNEEDS
TEXTO PAULA POLIZZOTTO
FOTOGRAFÍA ALFONSO DURAN
En su casa-taller ubicada en Vigo, la artista gallega realiza a mano sus colecciones de cerámica de
autor. Su último proyecto es una colaboración con el restaurante Aponiente, del chef Ángel León.
LA CERÁMICA ES UNA ALQUI-
MIA EN LA QUE intervienen los cuatro
elementos de la naturaleza: el agua y la tierra
crean las piezas, el aire las seca y el fuego
las cuece. Combinarlos de forma que el
resultado sea algo tan bello como funcional
es el objetivo de artistas como Ana Tenorio,
quien entiende el proceso de creación como
una necesidad de encontrarse a sí misma y
de ofrecer al mundo objetos que transmitan
la magia de ese proceso. “La cerámica es una
sorpresa para aquellos que observan desde
fuera cómo la tierra o la arcilla se convierte
en una pieza sólida una vez salida del horno”,
explica. Bajo su firma Witchneeds la gallega
reúne desde 2016 una exquisita producción
artística que comprende vajilla y objetos de
decoración de formas suaves e irregulares,
que utilizan la sencillez como punto de
partida y recuperan técnicas de producción
primitivas. “Cada pieza es única, no solo en
sus cualidades formales, visibles al ojo, si no
también por los procesos, herramientas y
materiales utilizados durante el bocetado,
moldeadoycocción–explica–.Porejemplo,
los barros que utilizo son locales y algunos
de ellos los produzco en mi casa porque
emocionalmente me dicen algo ”.
Sin embargo, la gallega discurre por el
mundo del arte sin encasillarse en ninguna
disciplina. Además de la cerámica, tam-
bién pinta, fotografía y realiza escultura,
nutriéndose de estas actividades como un
todo indivisible. “Me cuesta diferenciar el
límite entre las distintas disciplinas del arte
–confiesa–. Durante el proceso de creación
encuentro cosas que no sabía que quería.
En cada colección existe una búsqueda, en
torno a mí misma, o algo que me llamó la
atención en otro sitio y deseo recuperar”.
La naturaleza es uno de sus principales
estímulos desde que comenzó con su firma
propia, tras mudarse a Zamáns (Vigo), a
una casa en medio de las montañas donde
encontró más espacio y libertad. “En la natu-
raleza, en el campo, siempre me siento bien.
Es donde va mi mirada y mi atención. Paseo
por el bosque, veo cómo evolucionan los
árboles, observo la rigidez y la flexibilidad
de las formas en el paisaje... La naturaleza me
inspira y me obliga a tomar decisiones”.
Algunos de los restaurantes más impor-
tantes de la gastronomía española ya utilizan
las piezas de la gallega para satisfacer una
creciente tendencia de vajilla funcional,
elaborada con materiales procedentes del
entorno cercano y que integre un diseño
donde no exista la repetición. Entre ellos se
encuentran Casa Solla, del chef Pepe Solla,
situado en Pontevedra, o el restaurante Ei-
rado da Leña, del chef Iñaki Bretal, también
ubicado en la ciudad gallega. Su última co-
laboración ha sido junto al chef Ángel León
en su restaurante Aponiente, en el Puerto de
Santa María, en Cádiz. “Trabajamos juntos
por primera vez en 2021, cuando adquirió
piezas ya creadas. Desde entonces, el pro-
ceso lo realizamos entre ambos desde cero.
Se trata de encontrar lo que el chef busca a
partir de unas necesidades y unas referencias
visuales. Al final, yo soy el soporte de su
trabajo; es como un baile en el que has de
encontrar la pareja correcta.”
El concepto de artesanía multidisciplinar
se revela en su obra como platos y fuentes
que imitan la textura de la roca, vasos realiza-
dos en diferentes pastas de arcilla refractaria
de fabricación propia e incluso en lavama-
nos pintados con óxido. “El arte no puede
ser exclusivamente utilitario. Para funcionar,
tiene que estar en comunión con la belleza
estética. Tienen que jugar la una con la otra.
De otra forma, no sería arte”.
En la página siguiente, Ana Tenorio
posa para GENTLEMAN en su taller,
donde realiza cada pieza sin tornos
ni moldes, inspirada por el paisaje
circundante poblado de avellanos, tejos,
abedules y hortensias trepadoras.

26
NOMBRES PROPIOS
Bailar, comunicar, existir
CARMEN WERNER
COREÓGRAFA Y BAILARINA
FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO
Vive por y para la danza, con una inusitada capacidad creativa que le permite estrenar al menos
una obra al año con su propia compañía. La próxima, 1953, en el Festival Madrid en Danza.
CUANDO DABA CLASES DE EDU-
CACIÓN FÍSICA,reunió a un grupo de
13 alumnos de bachillerato para montar su
primera compañía de danza. Corrían los
años 70. Cinco de ellos son ahora reconoci-
dos coreógrafos e intérpretes. Ella, la impul-
sora de aquel proyecto, es Carmen Werner
(Madrid, 1953), una de las más prominentes
figuras de la danza en nuestro país, Medalla
de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2020)
y Premio Nacional de Danza (2007), entre
otros muchos reconocimientos.
El próximo 23 de mayo, en el marco del
Festival Madrid en Danza, estrena1953, una
obra en la que, por llevar como título su año
de nacimiento, se adivina algo de vista atrás.
Pero no lo sabemos, entre otras razones,
porque cuando esta entrevista se realizó, a
un mes del estreno, la obra seguía aún evo-
lucionando. Así es como funciona Werner
al crear una obra de danza: “Primero tengo
que encontrar mi punto de partida, qué es
lo que quiero contar –relata–. Cuando lo
tengo, empieza el desarrollo: tengo reunio-
nes con los intérpretes y con mi ayudante
de dirección en las que surgen propuestas;
hago fragmentos de banda sonora; y enton-
ces doy pautas de trabajo y empezamos con
las improvisaciones. Y yo, que lo grabo todo,
voy diciendo ‘por aquí no’ o ‘esto me intere-
sa’. Y puede ocurrir que lo que empezó con
un punto de partida x se vaya luego a un x.2”.
Carmen Werner crea al menos una obra
por año, a veces más, para su compañía Pro-
visional Danza –“no sabíamos qué nombre
ponerle y buscamos uno ‘provisional’”– que,
aunque dio sus primeros pasos algo antes,
cumple ahora ‘oficialmente’ 36 años. “No
me gusta recuperar obras pasadas; solo lo
hago cuando nos lo piden –explica sobre
esta hiperproducción–. Me aburro, necesito
cambio: esto está hecho, lo he bailado sufi-
ciente, vamos a por otra. Me flipa crear”.
Lo tenía claro desde muy joven: quería
ser bailarina. Pero, ante la oposición de los
padres, que querían dirigirla hacia Filosofía
y Letras, acabó en Educación Física y como
profesora en ese centro en el que utilizó las
extraescolares para dar, por fin, los primeros
pasos en la danza. Luego, se formó todo lo
que pudo, estudiando Danza Clásica y Con-
temporánea en Madrid, Barcelona y Lon-
dres. Un apunte para los neófitos: esa forma-
ción clásica es fundamental para bailar, por
muy personal y poco académico que uno se
pretenda. “Si vas a escribir un libro –ejem-
plifica Werner–, tienes que saber gramática,
tener vocabulario, dominar la puntuación...
Cuanto más conocimiento tengas, mejor,
para obviarlo o coger lo que te interesa”.
Carmen Werner tiene a la coreógrafa y
bailarina alemana Pina Bausch (1940-2009)
entre sus ídolos. Lo ha visto todo de ella,
pero la primera vez, con la obraCafé Müller,
algo hizo clic en su cabeza y descubrió otra
forma de entender la danza. “Estaba acos-
tumbrada a una danza hipertécnica, acadé-
mica, a ballets y compañías con ese estilo, y
de repente vi una obra que era bailada pero
también narrada, y que contaba una historia”.
Y, desde entonces, Werner empezó a desa-
rrollar otro tipo de trabajo en el que incluye
“texto, interpretación, mucho cuerpo y un
montón de cosas, todo lo que sé e incluso
hasta lo que no sé”, bromea.
Ella, que ha dado clases en diferentes
etapas y formatos, cree que el estado de la
danza en España “es una pasada, brutal, con
una gran diversidad de estilos y mogollón de
coreógrafos y bailarines flipantes”. Y confie-
sa: “Nunca he pretendido triunfar, ni lo
pretendo, ni lo pretenderé. Me gusta pasarlo
bien. Esta es mi vida, es mihobby”.
En la página siguiente, Carmen Werner
posa para GENTLEMAN en el local de
ensayo de su compañía, Provisional
Danza. La obra 1953 se representa los
días 23 y 24 de mayo en la Sala Cuarta
Pared, dentro de la programación del
Festival Madrid en Danza.

28
ARTE
Autorretrato con paleta, París (1906).
LA MARCA PICASSO
TEXTO MARIO CANAL
Resulta difícil atribuir la dimensión histórica y universal del pintor malagueño solo a su incomparable talento.
El dominio de la imagen y una innegable capacidad para los negocios pusieron su parte.

29
LA TRAYECTORIA DE PABLO
RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 – Mou-
gins, Francia, 1973, hace ahora 50 años)
es la de un avezado hombre de negocios,
además de un genio del arte. Creó un aura
mítica alrededor de su obra que consiguió
confundir con su persona, convirtiéndose
en una marca. Y convenció al común de los
mortales de que esa energía podía pasar a
quien poseyese sus cuadros.
Su nombre es sinónimo de vanguardia
e innovación. Y no solo en lo que se refiere
a la creación artística. La relación que man-
tuvo con el arte fue igual de pasional que la
que mantuvo con las mujeres, y también con
el dinero. De gran originalidad para alguien
que se reclamaba comunista. Triunfó no
solo porque cambió el paradigma del arte
y evidenció la percepción subjetiva de la
realidad, sino porque su obra fue tan exitosa
en el mercado como en los círculos críticos
de su tiempo. Y la figura del artista genio,
el minotauro del poder y del deseo, tuvo su
correlación en el emprendedor ambicioso
que, al ser preguntado qué representaba uno
de sus cuadros, respondería: “Representa
doscientos mil dólares”.
Conoció el bienestar desde su infancia
porque, a pesar de que su padre era un
simple profesor de pintura, su familia por
parte materna tenía bastante dinero. Esto
le permitió dedicarse al arte, incluso pudo
viajar a Madrid antes de buscar fortuna en
París, en 1900, con 19 años. La paupérrima
bohemia que frecuentó en Montmartre –y a
cuyamarginalidadsacóungranrendimiento
en términos de imagen– fue superada rápi-
damente. En cuanto tuvo algo de dinero, en
torno a 1909, alquiló un piso junto a la Place
Pigalle con su entonces pareja, Fernande
Olivier, una mujer que entendía el poder
de la imagen y la moda. Lo siguiente que
hicieronfuecontrataraunaasistentaalaque
vestirían con cofia y uniforme.
A dos kilómetros de aquella dirección, la
Rue La Boétie era una calle burguesa situada
junto a los Campos Elíseos. En ella vivía Paul
Rosenberg, que representaba a Matisse o
Léger. Picasso se mudó al portal contiguo
del prestigioso marchanden torno a 1913 y
vivió allí 20 años. La localización era estra-
tégica. Todo coleccionista de importancia
pasaba antes o después por la casa de Rosen-
berg y también, ya que quedaba al lado, por
el estudio del pintor. En aquella dirección
se dejaría fotografiar por Brässai y Cecil
Beaton, construyendo el aura de un artista
que comenzaba a ser muy conocido por sus
provocadoras pinturas cubistas.
Productividad y control de la imagen
Picasso entendió perfectamente el poder de
los medios de comunicación. Y que debía
ser él mismo quien contara su historia. Esa
sería la mejor forma de controlar su marca
y vender más cuadros. La Guerra Mundial
le alcanzaría en París. Aún sorprende que
los nazis dejarán tranquilo a un icono
antibelicista y antifascista como él –pilar
fundamental de lo que consideraban ‘arte
degenerado’–, con la simple prohibición de
no exponer sus cuadros. Durante la ocupa-
ción, Picasso se dedicaría a pintar.
Creó miles de obras, mientras el Guerni-
ca hacía una tournée en EE. UU. rompiendo
récords de visitas allí donde recalaba, agran-
dando su mito. Su productividad era conse-
cuencia de su brutal capacidad creativa, pero
también de su ingenio para los negocios.
La ley de la oferta y la demanda del lujo, y el
arte forma parte de ese ámbito, exige que
haya una limitación en el suministro para
mantener la exclusividad. Pero Picasso fue
capaz de mantener toda su vida una pro-
ducción ingente –óleos, esculturas, dibujos,
cerámicas, obra gráfica– y al mismo tiempo
incrementar los precios de todas ellas de
forma exponencial.
Cuando falleció, Picasso era dueño de
numerosos bienes inmuebles en Francia,
principalmente en la región de Alpes Ma-
rítimos y París, además de una colección
de obras de arte de primera categoría. Y su
tesoro más valioso: unas 45.000 obras por
él mismo. También poseía 4,5 millones de
dólares en efectivo, 1,5 millones en lingotes
de oro y acciones e inversiones en empresas.
A fecha de su muerte, sus posesiones se
valoraron en 250 millones de dólares, pero
ya entonces se adivinaba que alcanzarían los
miles de millones, debido al potencial incre-
mento de precio que su obra obtendría con
él pintor ascendido a categoría histórica.
No dejó herencia, por lo que la lucha
entre sus herederos fue brutal. Todos sabían
que su legado era infinito, porque se basaba
en un mito. Cuando alcanzaron un acuerdo,
el principal activo del malagueño no serían
solo sus bienes, sino también su imagen. En
1999, la empresa que gestiona los derechos
de imagen del artista cedió su uso comercial
a un fabricante de coches por 20 millones de
dólares. Todo lo que tocaba Picasso con sus
manos, cada pincelada, cada servilleta gara-
bateada, se convertía en oro. E incluso algo
intangible como su nombre acabó dando
beneficios.

30
ARTE
FERNANDE OLIVIER
(1881-1966)
Fue la primera amante de Picasso en París,
durante los años de vacas flacas, entre
1904 y 1912. Se la conocía en el ambiente
vanguardista como la Belle Fernande y su
relación con el malagueño tuvo a los celos
como principal protagonista. De hecho,
Picasso le prohibió posar para otros artistas.
En 1964 publicó Picasso y sus amigos,
crónica de sus años de convivencia en la
que retrata con dureza al pintor.
Nu sur fond rouge (1905-1906). Collection Jean Walter et
Paul Guillaume.
Busto de mujer con ramo
de flores (1909).
Retrato de Fernande Olivier
(1906).
MARIO CANAL
LAS MUJERES DEL GENIO
Cualquier acercamiento a Pablo Picasso resulta imposible sin tener en cuenta a
las muchas mujeres con las que compartió su vida; relaciones entre la pasión y la
obsesión de las que brotaron algunas de sus obras maestras.
Fernande Olivier, con
Picasso en el medio y
el arquitecto Ramón
Reventós, en una fotografía
tomada en 1906.

31
OLGA
KOKLOVA
(1891-1955)
Bailarina rusa de origen burgués,
resultó la compañera perfecta para
que Picasso asaltara los círculos
sociales de París. Se conocen
en 1917 y su relación dura hasta
1927, aunque la sombra de esta
mujer sobrevoló la vida de Picasso
durante muchos más años en su
afán de reclamar su estatus de
esposa legal. Incapaz de aceptar el
final de su relación con el artista,
tuvo al final de su vida serios
problemas mentales.
Sobre estas líneas, Olga Kolkova, retratada
por Picasso en su taller de París, en los años 20.
Mujer de blanco (1923). Olga pensive (1923). Portrait d’Olga dans un fauteuil (1917).
DESDE QUE SE PRODUJO EL TSU-
NAMI DEL #METOO EN 2017 –que
denunciaba los abusos de poder de algunos
hombres en la industria del cine–, muchas
figuras masculinas del mundo de las artes
han sido revisadas. Normalmente a la baja.
Pablo Picasso es una de ellas, quizás por esa
razón los fastos que se dedican a la celebra-
ción del cincuentenario de su fallecimiento
no han sido lo suficientemente promocio-
nados desde el ámbito político. La relación
del pintor con el sexo opuesto fue pasional y
tormentosa. Picasso era una campo magné-
tico al que no pudieron abstraerse una serie
de mujeres, todas diferentes entre sí, que son
el origen y el reflejo de la luz que impulsaba
al artista. Compañeras que fueron sucedién-
dose en periodos vitales y artísticos cerrados
en sí mismos. Y que soportaron el fulgor del
artistacondiferentefortuna.
El periodo Fernande Olivier
Su encuentro se produjo en el verano de
1904. Ella era alta, coqueta, espontánea y de
una belleza sencilla. Y ejerció de compañera
fiel en una época especialmente dura, eco-
nómicamente hablando, para Picasso. Las
privaciones les impedían llevar una vida más
allá de los límites del precario estudio, aun-
que no eran solo las carencias materiales o
el carácter posesivo del artista las que impe-
dían a Fernande su emancipación. Ella era
feliz organizando la humilde vida del joven
pintor. Y soñaba con una existencia tranqui-
la y aburguesada en la que pudiese regalarse
lo que –según Gertrude Stein, amiga de

32
ARTE
MARIE-THÉRÈSE WALTER
(1909-1977)
Ella era aún menor de edad cuando un
maduro Picasso se enamoró de su belleza
y candidez. La relación –que duró entre los
años 1927 y 1936– fue totalmente secreta
incluso para los amigos del artista, hasta
que poco después de concebir una hija en
común, Maya, se separaron. Cuatro años
después de la muerte de Picasso, Marie-
Thérèse acabó también con su vida.
En la fotografía de
la izquierda, Marie-
Thérèse Walter, a la
edad de 22 años, en la
playa de Dinard.
Retrato de Marie-Thérèse (1937).
Retrato de Marie-Thérèse (1937).
Femme couchée lisant (1939).
la pareja– le interesaba por encima de todo:
el maquillaje y los sombreros.
Los medios económicos trajeron tam-
bién el distanciamiento de Pablo y Fernan-
de. En 1911 se separaron cuando las aventu-
ras de ambos con otras personas acabaron
con la estable relación de siete años. La
libertad creadora y emocional que Fernande
proporcionaba a Picasso, la presencia ino-
cua, permitió al pintor avanzar en el camino
del cubismo y revolucionar el arte moderno.
Probablemente, Picasso jamás hubiese roto
con Fernande de no haber existido otra mu-
jer en su vida, Marcelle Humbert, conocida
por el sobrenombre de Eva Gouel. Su rela-
ción con la que muchos consideran el gran
amor de su vida duró solo tres años, ya que la
prematura muerte de Eva por un cáncer de
garganta dejó a Picasso abatido.
El periodo Olga Khokhlova
Decidido a abandonar París durante unos
meses para alejarse de los malos recuerdos
y de la primera gran guerra que caía sobre
París, Picasso viaja a Roma en 1917 para tra-
bajar en el ballet Parade. Allí conoce a una
de las bailarinas de la compañía, Olga, joven
rusa de buena familia que reta con su virgi-
nidad –y su intención de mantenerla hasta
pasar por el altar– las dotes seductoras de
Picasso. A ojos de Picasso ella representaba
la posibilidad de formar una familia. Sentar
la cabeza. E introducirse en la alta sociedad
parisiense, abandonar la bohemia.
El neoclasicismo entra de lleno en la
pintura del artista y los retratos que realiza

33
de su amada son elegantes y comedidos. La
antítesis de la radicalidad cubista. Pablo y
Olga se casan por el rito ortodoxo el 12 de
julio de 1918 y, tres años después, en 1921,
la familia se completa con el nacimiento de
un hijo varón, Paulo, el primero del pintor.
La felicidad de la familia dura hasta el 8 de
enero de 1927. Caminando sin rumbo por
París, Picasso se encuentra con una bella
adolescente de cabello rubio, ojos azules y
curvas vertiginosas. Dando un giro total a su
vida y a su trabajo.
El periodo Marie-Thérèse Walter
Su relación es eminentemente sexual. Y con
ella nace el mito de Picasso como Mino-
tauro. El erotismo ocupa todos los cuadros
que realiza, con esculturas de volúmenes
erógenos y desinhibidos que retratan a una
Marie-Thérèse a la que, sin embargo, debía
mantener oculta, diosa de un paraíso priva-
do, debido a la desquiciada actitud de Olga,
que se negaba a darle el divorcio y dejar de
ser Madame Picasso. No fue hasta 1934
–cuando la amante del artista queda emba-
razada de Maya– que la relación ve la luz pú-
blica y los rasgos de Marie-Thérèse se hacen
reconocibles en unos lienzos imponentes en
su pasión. Al mismo tiempo, Picasso retrata
a Olga de manera cruel y grotesca.
El periodo Dora Maar
Agotado de aquella doble vida de extrema
intensidad, Picasso se refugia en la pintura
espoleado por el comienzo de la Guerra
Civil española. El nacimiento del Guernica
es documentado por una fotógrafa
Retrato de Dora Maar (1937). Dora Maar lisant (1938).
DORA MAAR (1907-1997)
Fotógrafa de origen yugoslavo –integrada en
el movimiento surrealista–, se convirtió en la
compañera vital, pero sobre todo intelectual,
de Pablo Picasso entre los años 1936 y 1944.
Compartía con éste intereses políticos y
también su atracción por las enseñanzas
del Marqués de Sade. De carácter radical e
impredecible, el final de su relación con Picasso
se produce cuando aparecen en ella ciertos
problemas psiquiátricos.
A la izquierda, Picasso enseñando
sus retratos de Dora Maar en su taller
de Grands-Augustins, en Paris. Bajo
estas líneas, un retrato de Dora Maar
de 1946 realizado por Bidermanas
Israel.

35
Retrato de Françoise (1946).
Claude dessinant, Françoise et Paloma (1954).
Femme dans un fauteuil (1947).
En la página anterior, Pablo Picasso con Françoise Gilot (al fondo, Javier
Vilato, sobrino del pintor) en agosto de 1948, en Golfe Juan, Francia.
Sobre estas líneas, Pablo Picasso y su entonces esposa,
Françoise Gilot, con amigos en la Provenza, en agosto de 1948.
del ambiente surrealista, Dora Maar. Una
intelectual de gran carácter, moderna e
independiente. Picasso combina su relación
con Marie-Thérèse y Dora, cuya sumisión
carnal, por un lado, y rebeldía intelectual,
por otro, se complementan en la vida del
artista de forma perfecta. Elstatuquo se
mantiene durante años. Picasso enlaza pie-
zas tiernas de maternidad y retratos de Maya
con obras furiosas y oscuras, asediado por el
conflicto español primero y por la Segunda
Guerra Mundial, después. E inspirado por
Dora Maar, que en 1944 entra en una espiral
depresiva, provocando el distanciamiento
de Picasso mientras que el vínculo pasional
con Marie-Thérèse se transforma en una
cordial relación. Se abre así un resquicio en
el corazón del maestro, que no tardaría en
ser ocupado por una nueva mujer.
El periodo Françocise Gilot
Françoise entra en escena en la primavera de
1943, pero su vida en común no se oficializa
hasta dos años después, cuando el pintor la
retrata como mujer flor. El final de la guerra
coincide, pues, con la llegada de esta joven y
entusiasta estudiante de arte, vital y llena de
energía,muyatractivaeinteligente,quellena
de color el trabajo de Picasso. La diferencia
de edad de ambos permite que Françoise
mantenga una cierta independencia, aunque
Picasso intenta por todos los medios que
ella sea del todo suya. Dos hijos, Claude y
Paloma, dan fe de esta cruzada.
Tras 10 años de simbiótica unión, la
convivencia se degrada en gran parte
FRANÇOISE GILOT (1921)
Se la conoce como “la única mujer que
abandonó a Picasso”. Lo hizo en 1953, tras
diez años de relación, incapaz de soportar al
carácter posesivo del autor así como el peso
de ser la mujer del genio –según explicó en
el libro Vida con Picasso, publicado en 1963–.
Cuando se conocieron, ella tenía 22 años y
una personalidad inquieta que Picasso intentó
limitar al papel de mujer florero. Juntos tuvieron
dos hijos, Claude (1947) y Paloma (1949).

36
ARTE
A la izquierda, el pintor
junto a Jacqueline
Roque (su esposa desde
1961) en 1957, en la finca
La Californie, en Cannes.
Jacqueline aux mains croisées (1954).
Femme nue allongée (1955).
por la posesividad de Picasso, que asfixia el
carácter independiente de Françoise. Y, por
primera vez en la vida de Picasso, una mujer
le abandona. El pintor, por su parte, repudia-
ría a esta mujer y a sus dos hijos en común
tras la publicación en 1963 del libro de me-
morias que ella escribió con gran escándalo:
Vida con Picasso.
Periodo Jacqueline Roque
Jacqueline tuvo bastante que ver en el hecho
de que Picasso y Françoise rompieran. De
hecho, a ella se la culpa de que el propio
Picasso rompiera con el mundo los últimos
20 años de su vida. Enclaustrado, absorberá
la belleza clásica de esta mujer, 45 años más
joven que él, y al mismo tiempo se sumer-
girá en los clásicos de la pintura: Delacroix,
Velázquez, Manet o David, en un diálogo
constante con los maestros.
Con Jacqueline se casa en secreto en
1961. La forma en que Picasso la trata es
absolutamente diferente a sus anteriores
relaciones, expresando su cariño en público
de manera afectuosa. Evidentemente, el oc-
togenario artista ya no busca dar salida a su
fogosidad sexual, así que toda su energía se
vuelca en la pintura. Tras fallecer Picasso el 8
de abril de 1973, Jacqueline solo permitió a
Paulo –único hijo reconocido legalmente–
asistir al entierro del artista, labrándose una
imagen terrible. Sobrevivió a su marido 13
años. Hasta que, alcoholizada y deprimida,
se disparó un tiro en la sien, incapaz de so-
brellevar el peso de un genio sobre sus hom-
bros, incapaz de sobrevivir a Picasso.
JACQUELINE ROQUE (1926-1986)
Fue la segunda esposa legal de Picasso, con la que pudo
casarse al haber muerto ya Olga Koklova. Y también su
relación más duradera. Dura 20 años –entre 1953 y 1973–,
y ninguna otra mujer ha ocupado tanto espacio en la
obra pictórica de Picasso como ella. Se dice que fue la
persona que le alejo del mundo. De hecho, impidió la
presencia de Claude y Paloma en el funeral de su padre.
Acabó con su vida de un disparo en la cabeza en 1986.
Jacqueline dans l’atelier (1957).

37
Enfant jouant avec un camión (1953).
Paul en arlequín (1924).
Portrait de Paloma (1952).
Maya a la poupée (1938).
PALOMA (1949)
Inspiradora de perfumes y maquillaje
para L’Oreal, musa del creador Yves
Saint Laurent, diseñadora de joyas para
Tiffany&Co. –y sobre todo jet-setter–, es la
hija de Picasso que más partido ha sacado
a su apellido.
PAULO (1921 - 1975)
Primogénito, hijo de Olga Koklova y por
tanto único vástago legítimo de Picasso.
Según la versión de Marina, su hija, este
siempre humilló a Paulo, que ejerció
de chófer ocasional del pintor. Murió
alcoholizado.
MAYA (1935)
Hija de Marie-Thérèse Walter, lleva el
nombre de la fallecida hermana de
Picasso, María de la Concepción. Es la
única que verdaderamente disfrutó de una
infancia junto al artista y que tiene buenos
recuerdos de él.
CLAUDE (1947)
Hermano de Paloma -y por tanto, hijo de
Françoise- su parecido físico con el pintor
es más que razonable. Su labor principal
es la de defender el legado de los Picasso
y luchar contra las falsificaciones.
UNA DIFÍCIL HERENCIA
La pasión por la pintura de Picasso estableció una distancia
insalvable para sus hijos, más presentes en sus obras que en su vida.
HEREDAR UN APELLIDO COMO EL DE PICASSO, precursor
de una dinastía nueva –la del genio/artista de reconocimiento
histórico y universal–, además de hombre extremadamente
acaudalado y adorado por todos, debe ser tan difícil como
nacer sucesor a un trono imposible. Convivir con un genio
que tiene como única pasión la obsesión creadora, que
solo retrata a sus hijos en determinados periodos de su
infancia y después les olvida, puede causar traumas de difícil
superación. Sin embargo, a pesar de la trágica muerte de
Paulo y del hijo de éste, Pablito –quién se suicidó ingiriendo
lejía–, el resto de los Picasso han conseguido llevar una vida
tranquila y no solo mantienen el legado del artista de una
pieza, sino que también consiguen que este siga creciendo de
forma imparable.

CON FIRMA
38
LA SIMBIOSIS PERFECTA
TEXTO FERNANDO SCHWARTZ
FOTOGRAFÍA DANIEL SCHÄFER
Una visita a la menorquina Isla del Rey, convertida en un idílico enclave cultural por los
galeristas Hauser & Wirth, de la mano del escritor Fernando Schwartz.

39
El acceso a la isla del Rey se realiza
en un ferry que sale del puerto de
Mahón y que realiza el trayecto en
apenas 15 minutos. La llegada ofrece
una imagen de rica vegetación, con
las dependencias del centro de arte
Hauser & Wirth al frente.

40
CON FIRMA
ESTAS LÍNEAS SON EL RESULTA-
DO INEVITABLE de una seducción que
me viene durando décadas y cuyo objeto es
una isla mínima escondida en un rincón del
puerto más bello y más seguro del Medite-
rráneo, la gran rada de Mahón, un canal que
parte Menorca en dos hasta detenerse cinco
kilómetros tierra adentro, sorprendido por
una colina que le cierra el paso.
La isla mínima, una menudencia de ape-
nas cuatro hectáreas, lleva el nombre de Isla
del Rey porque como siempre, en tiempos
de Maricastaña algún monarca (Alfonso
III en 1287 en realidad) había puesto un pie
allí para conquistar el resto del lugar. Se me
antoja el ejemplo perfecto de la simbiosis
de decenas de culturas, todas amalgamadas
en este apacible lugar. Hace tantos años
que regreso a él una vez y otra, que, como
cualquiera que se deje llevar por el aroma de
este rincón del mar, bien puedo llamar parte
principal de mis raíces a esta poderosa alea-
ción de civilizaciones y de mis reflexiones.
Menorca tiene mudamente grabada su
historia en cada piedra, en cada puertecillo,
en cada construcción noble, en cada palacio
y callejuela. Todo le cabe dentro, hasta algu-
na invención que otra: en la colina frente a
la ciudad, en la orilla norte al otro lado del
canal, se alza la Quinta de Oro, el elegante
palacete en el que se dice vivió el almirante
Horacio Nelson durante su larga estancia en
la Menorca británica; allí cristalizó la apasio-
nada historia de amor entre él y Lady Emma
Hamilton. Solo que, en realidad, Nelson
estuvo en la isla exactamente seis días de
diciembre de 1799 y traía la historia de amor
prendada desde Nápoles y compartida con
el marido de Emma, un ménage à trois que
duró mientras vivieron. Para compensar
el embuste histórico, en cambio, la salsa
mahonesa, amarilla y espesa, sí se inventó
allí y la copiaron los franceses, que dieron en
llamarla mahonnaise.
La entrada a la rada está flanqueada por
construcciones militares, señal de que Ma-
hón era pieza apetecida para cualquier flota
que aspirara a controlar el Mediterráneo.
Solo un rey de lógica pacifista aplastante,
como Carlos III, pudo imaginar que, en
vista de que el inglés quería Menorca a
cualquier precio por su prestancia militar, la
dejarían de lado los posibles conquistadores
al comprobar que ya no quedaba en pie
fortificación alguna: el Rey mandó derruir
el Castillo de San Felipe en la parte sur de la
bocana para que ya no tentara a nadie. Poco
tiempo después, los británicos tomaron el
lugar (y la isla) sin oposición ni escaramuza.
Enfrente, en el lado norte de la embocadura,
se alza la formidable fortaleza de La Mola,
una posterior construcción inexpugnable
en forma de hornabeque, que fueron levan-
©
Zabalaga
Leku

41
tando sucesivamente franceses, ingleses y
españoles hasta su puesta en marcha como
defensa a mediados del XIX.
A sus pies, dos islotes completan la es-
tructura militar del puerto de Mahón: la isla
del Rey y la del Lazareto, cinturón éste sani-
tario merced al que se imponían, en tiempos
de las pestes, cuarentenas a los barcos sospe-
chosos de llevar contagio a bordo. En la Isla
del Rey, en cambio, se construyó un hospital
de 1.200 camas para cuidado de la soldades-
ca británica, fundamentalmente durante el
siglo XVIII, el siglo de dominación inglesa.
Un edificio muy serio, muy sencillo, muy
bello, de piedra blanca y planta rectangular
debido al diseño de Christopher Wren, el
famoso arquitecto londinense, autor, entre
otras muchas obras, de la catedral de San Pa-
blo, el Observatorio de Greenwich y las 52
iglesias que se reconstruyeron en el Londres
posterior al gran incendio de 1666.
Simbiosis, pues: un hospital y una galería
de arte apenas contenidos en un pequeño
redondel en forma de coma, con un embar-
cadero y, aquí y allá, silenciosos lugares de
descanso y meditación al borde del agua y
en diminutos jardines de plantas autóctonas.
Así es la Isla del Rey, toda ella un proyecto
sensible y delicado en el que nada desen-
tona porque se ha primado la sencillez de
los discretos edificios que la ocupan entre
plantas y flores. No hay nada que desafine en
el conjunto, todo está perfectamente inte-
grado en la natura, en su entorno sostenible
(una palabreja que me desasosiega y que hoy
se utiliza para todo).
Para dar forma al proyecto, era preciso
partir de dos ruinas que lo ocupaban todo
en la isla: el antiguo hospital de planta en U y
dos alturas y, enfrente de él, un segundo edi-
ficio alargado, prácticamente caído al suelo.
El hospital había funcionado hasta bien
Hauser & Wirth incluye
obras de arte al aire libre,
como Elogio del vacío
VI (2000), de Eduardo
Chillida (en la página
anterior) o Spider (1994),
de Louise Bourgeois
(sobre estas líneas).
©
The
Easton
Foundation
/
DACS.

43
entrado el siglo XX, con sus monjas de
amplias tocas, médicos militares y la habitual
colección de guripas enfermos, pero, eso sí,
fumando picadura en los mismos lechos del
dolor. Lo dejaron languidecer durante 40
años sin arreglarle siquiera una grieta. Una
instalación, verdadera joya del diseño arqui-
tectónico barroco, que se fue disolviendo
como un azucarillo hasta que, en 2004, una
fundación de nuevo cuño (del Hospital
Isla del Rey), integrada por generosos y
apasionados menorquines y presidida por el
general Luis Alejandre, se puso a recuperar
el edificio. Y lo han hecho, vaya si lo han
hecho: las salas, unas con hileras de camas
(pegaditas unas a otras en una disposición
que pondría los pelos de punta a una autori-
dad sanitaria del siglo XXI), y otras, salas de
curas, quirófanos, gabinetes de odontología,
rayos X y una extraordinaria farmacia –bo-
tica, la llaman aún– con sus anaqueles y sus
recipientes de porcelana decorada, sus libros
y diarios de reseñas y fórmulas magistrales;
todo ha sido recuperado o reemplazado. La
capilla, testeros con bastones y muletas y una
curiosa colección de instrumental de todo
uso. Piensa uno en los sacamuelas de siem-
pre y es para echarse a temblar.
El gran proyecto de Hauser & Wirth
En este idílico paisaje aparecieron un buen
día dos galeristas suizos, Iwan y Manuela
Wirth, cuya primera accionista fue Ursula
Hauser, madre de Manuela, y ahora Marc
Payot. Traían el propósito de establecer y
dar secuencia a un revolucionario concepto
de la exhibición y comercio del arte que
ya los había convertido en líderes en ese
mundo enrarecido: una nueva filosofía no
reñida con exponer obras de arte y venderlas
sino, sobre todo, empeñada en crear pasión
en quienes contemplan y a veces poseen,
empujando a los artistas a buscar nuevas
maneras de expresión, nuevas amalgamas,
nuevas visiones cromáticas, nuevas formas
de esculpir, nuevos modos de utilizar y
apropiarse del espacio. Distintos modos de
aprendizaje. Y, al mismo tiempo, hacer con
ellos una familia.
Estorequeríaunespacio diferente,ligero
y luminoso en el que dar rienda suelta a la
fantasía creadora. Iwan y Manuela llevaban
años –no muchos puesto que son muy
jóvenes– refinando el concepto y buscando
el lugar idóneo con el que complementar lo
que ya funcionaba en sus otros espacios en
Zúrich, Londres, Nueva York, Hong
En la página anterior: El paseo tranquilo,
la meditación o la simple lectura pueden
disfrutarse en todos los espacios de la isla,
entre higueras o frente al mar.
Sobre estas líneas, dos imágenes del
espectacular edificio del hospital, situado
a pocos metros de las galerías de arte:
un detalle de la botica, con recipientes de
porcelana decorada; y un aspecto de su
arquitectura barroca.

44
CON FIRMA
Imagen de la exposición Después del
Mediterráneo, que alberga el centro hasta
el próximo 29 de octubre. La muestra
reúne a siete artistas cuyos trabajos
abordan los restos sociales y ecológicos
que afectan a la reunión.

47
Kong, Mónaco… incluso en el Chillida-
Leku, que han reabierto en Guipúzcoa, y en
su multitud de publicaciones. En otras pala-
bras, siendo mecenas del arte nuevo integra-
do fuera de los museos más formales, con-
centrándose en los artistas más ignorados:
las mujeres, los afroamericanos y los legados,
obra de artistas fallecidos. Iwan Wirth ex-
plica que en el mundo hay mucho dinero y
poca obra de arte que valga la pena. Ese es el
secreto probable de su inmenso éxito.
La Isla del Rey fue la respuesta. Llevaba
tiempo enamorándolos y decidieron am-
pliar hasta allí su aventura.
El arquitecto argentino Luis Laplace se
encargó de levantar ocho galerías llenas de
luz y de invención. En un patio rectangular
desprovisto de decoración, dejó un gran
cuadrado abierto para que el espacio queda-
ra invadido por la estampa de una higuera
que se levanta detrás. A la derecha, una
gigantesca araña de cuerpo negro y espigado
(¿se dirá espigado? Probablemente no: Mar
Rescalvo, directora de H&W Menorca, la
define como de “firmes patas plagadas de
nudos”), obra de Louise Bourgeois. Y de-
trás, las exposiciones que se suceden, Mark
Bradford, Rashid Johnson, Paul McCarthy y,
este verano, Christina Quarles, la norteame-
ricana que apasionó en la Bienal de Venecia
de 2022. Y, en invierno, el trabajo de los
artistas que pasan un tiempo en talleres de la
isla; en verano, las tutorías de dibujo y pintu-
ra para los que quieren aprender y expresar.
El verdadero reposo, la meditación,
el paseo lento o la simple lectura pueden
hacerse en todos los espacios de la isla, entre
higueras, al borde del mar o a la sombra de
las esculturas de Chillida (Elogio del vacío),
de Miró (Lepère Ubu)o de Martin Creed
(un fluorescente de grandes letras, WATER,
que se ve desde el agua, claro). Ese entorno
tan amable fue sembrado de plantas y flores
autóctonas y medicinales por el paisajista
Piet Oudolf, asistido por Álvaro de la Rosa.
A la isla del Rey se va a pasear, pero tam-
bién a comer bien en la Cantina, un restau-
rante umbroso y tranquilo que aprovecha
una casa de dos plantas al costado del viejo
hospital para poner sus cocinas.
La Isla del Rey bien vale la visita. Y para
quien carezca de yate, de velero, de llaüt,
cosa que ocurre con frecuencia, es fácil
acceder a ella tomando un pequeño ferry
amarillo que hace de puente desde el muelle
mahonés de los de grandes cruceros hasta el
embarcadero de la isla.
En la página anterior y junto
a estas líneas: Imagen del
bar y restaurante Cantina y
un detalle de la decoración
exterior.
Hauser & Wirth
Isla del Rey, Mahón (Menorca)
Tfno.: +34 871 010 020
menorca.hauserwirth.com

48
PORTADA
EL PINTOR ALEX KATZ vive en Nue-
va York, en un loft del barrio del Soho en el
que lleva más de medio siglo. Es también
donde trabaja, salvo los periodos, tres, cua-
tro, cinco meses al año, que pasa en Maine,
en la costa norte del país, donde también
conserva la misma casa desde hace décadas.
Katz tiene 95 años –nació en el distrito
neoyorquino de Brooklyn en 1927–, es uno
de los artistas vivos más prestigiosos y sus
obras se cotizan desde el medio millón de
euros para llegar a los tres o los cuatro, según
los casos. Y sigue pintando cada día. Ya no
corre –lo hacía periódicamente hasta hace
muy poco–, pero camina largos paseos y
realiza ejercicios cotidianos para mantener-
se en forma. Y, sobre todo, mantiene viva
una inquietud intelectual que le empuja a
conocer a nuevos autores y a adquirir obras
que dona al museo del Colby College, la
universidad de Maine dedicada a las Artes
de la que es doctor honorario y que en 1996
abrió una nueva ala dedicada a su obra. La
pintura es y ha sido siempre el motor de
Alex Katz.
Exposición en Madrid
El CAC (Centro de Arte Contemporáneo)
López de la Serna, un espacio luminoso
rodeado de vegetación diseñado por el estu-
dio Vicens + Ramos y situado en una lujosa
urbanización de las afueras de Madrid –que
hace décadas acogió la embajada de Japón
en España– exhibe en estos momentos una
representativa selección de sus obras, cua-
dros de gran formato datados entre los años
70 y la actualidad con los motivos recurren-
tes de Alex Katz: la figura humana y
En la página siguiente, Alex
Katz,fotografiado en su
vivienda-estudio del barrio del
Soho, en Nueva York. El pintor
cumplirá 96 años el próximo 24
de julio.
UN ESTILO
INNEGOCIABLE
FOTOGRAFÍA ALEC SOTH
Sus grandes lienzos con retratos y paisajes de trazos planos cercanos al realismo nada tenían que ver con
lo que se estilaba. Pero Alex Katz se mantuvo fiel a sí mismo hasta convertirse, al fin, en un pintor universal.
Fotografía:
Magnum
Photos
/
Contacto

51
el paisaje. Y clarificadores también sobre
el proceso evolutivo del artista desde “una
pintura más académica y detallada a un
trazo más maduro, pleno y fresco”.
Los entrecomillados pertenecen a Jime-
na López de la Serna, directora del centro,
una auténtica experta en Katz, además de
amiga e, incluso, en alguna ocasión modelo
para uno de sus retratos. Katz, como otros
autores contemporáneos, forma parte de
la vida de esta joven desde que sus padres,
Javier López Granados y Gaella de la Serna,
montaron una galería de arte en Londres
(1995), que trasladaron luego a Madrid
(1996) para afianzarse como un referente en
el sector y que llegó a contar (entre 2006 y
2013) con un espacio expositivo en Nueva
York. Con formación en Economía e His-
toria del Arte, Jimena López de la Serna es
ahora la que lleva las riendas del centro de
arte contemporáneo, que se estrenó como
tal –superada su antigua condición de ga-
lería– con una exposición de Peter Halley
antes de dar paso a la de Katz. Así que es
ella la que, como testigo privilegiada de su
carrera profesional, pero también de su evo-
lución personal, nos guía en esta radiografía
del pintor estadounidense.
No es fácil etiquetar a Alex Katz, aun-
que la de pionero del arte pop es una
Fotografía:
Magnum
Photos
/
Contacto
En la página anterior,
algunas de las obras de
Katz en su estudio de
Nueva York, con retratos
divididos y pinturas de
flores. Sobre estas líneas,
un rincón del espacio.

52
PORTADA
Sea lo que sea, lo que hacía Alex Katz
no era nada común cuando empezó, en
unos años dominados por el expresionismo
abstracto que encarnaba Jackson Pollock.
Tratar de abrirse paso pintando retratos
planos de colores primarios no parecía la
mejor opción. Pero fue lo que decidió:
“Hacer retratos fue una forma de escapar
de todo lo relativo a la pintura de mi épo-
ca. Comencé a hacerlos para alejarme de
Pollock principalmente”, comentaba hace
tres años en una entrevista. Y añadía: “Yo no
quiero contar historias con mis cuadros, por
ese motivo pinto la apariencia. Básicamente,
pinto lo que veo ante mí. El realismo es lo
que siempre he querido hacer; busco que
mi obra luzca como nueva”.
Así que no fue el suyo, ni mucho me-
nos, un éxito fulgurante. Pero Katz, que ha
confesado en alguna ocasión su empeño
en pasar a la posteridad como “un maestro”,
exhibió en el ejercicio de la pintura la misma
disciplina que durante casi toda su vida ha
acompañado su rutina de ejercicios físicos.
Nada de lo que arrepentirse por tanto:
“Todo lo que soy se lo debo a esos años
de búsqueda de identidad. Gracias a ese
tiempo de marginación e incomprensión,
conseguí encontrar el estilo que más me
encajaba”, comentaba en una conversación
con GENTLEMAN en 2016.
Y era el suyo “un estilo muy nuevo, muy
diferente”, apostilla López de la Serna, quien
cree que, poco a poco reconocido por la
crítica, la consagración definitiva de Katz
llegó cuando su influencia empezó a ser
palpable en otros artistas, como los también
norteamericanos Elizabeth Peyton, casi 40
años menos que él y retratista convulsa, y
David Salle, con una variada obra entre la
abstracción y el grafiti en la que los retratos
recuerdan inconfundiblemente los trazos
de Katz. Fue, en cualquier caso, una consa-
gración tardía, cuando Katz rondaba los 70,
pero universal: su obra forma parte de las
colecciones de los grandes museos como el
Metropolitan o el MoMA de Nueva York,
la Tate Modern de Londres, el Albertina
de Viena, el Centre Pompidou de París o el
Reina Sofía de Madrid. Y el Thyssen-Bor-
nemisza, también en Madrid, le dedicó una
de las descripciones que le acompañan
asiduamente. Quizás sea uno de sus prin-
cipales valores, la dificultad de incluirle en
una categoría. “Hay en él algo de arte pop”,
explica López de la Serna, como el uso de
los colores planos y brillantes, la preferencia
por las escenas cotidianas, la transformación
de la imagen a través de su repetición y frag-
mentación o la influencia de los medios de
comunicación de masas, cuyo surgimiento
y boom acompañó los inicios de Katz en las
décadas de los 50-60 del siglo pasado. “Pero
hay también algo de abstracción, sobre todo
en los paisajes –continúa–, y de pintura figu-
rativa en los retratos, a los que, además, dota
de cierto aire renacentista, especialmente en
la forma de posar”.
Sobre estas líneas,
otra imagen del pintor
estadounidense.
Fotografía:
Magnum
Photos
/
Contacto

53
amplia retrospectiva el verano pasado con la
colaboración del López de Serna CAC.
Precisamente, el Museo Albertina vie-
nés programa estos días, hasta el 4 de junio,
la exposición Cool Painting, dedicada al que
califica como uno de los “exponentes más
importantes del arte contemporáneo esta-
dounidense”. También el museo Voorlinden,
de la localidad de Wassenaar, en Países
Bajos, le ha programado para este verano
(desde el 10 de junio hasta el 1 de octubre);
así como la galería Gladstone, en Seúl,
Corea (del 20 de agosto al 21 de octubre).
Una atención que, quizás, sirva para poner
en cuestión una de sus afirmaciones en esta
misma revista: “No le gusto a mucha gente,
pero es normal, mi estilo es muy agresivo”,
dice entre la confesión y la ironía.
La belleza de su entorno
Fruto quizás de esa apuesta decidida por
pintar lo que ve, el estadounidense ha con-
vertido su entorno en la principal fuente
de inspiración. A él pertenecen la mayoría
de los modelos para sus retratos. Con una
destacada presencia femenina, su mujer,
Ada, a la que pintó por primera vez a finales
de los años 50, es una constante, una musa
presente en centenares de sus obras. Y ese
entorno, principalmente el rural de las afue-
ras de Maine, inspira también gran parte de
sus paisajes. “Su búsqueda de la belleza en lo
que le rodea –explica el CAC López de la
Serna en la presentación de la exposición–
le ha llevado a centrarse en su entorno más
inmediato: familiares y amigos de su círculo
más cercano a los que capta tanto en el
ambiente urbano del Soho neoyorquino
como en la zona costera de Maine, tratando
de representar el momento presente, aquí
y ahora”. Con una “obsesión”, en palabras de
la directora del centro: el tratamiento de la
luz, su incidencia sobre las superficies, con
especial atención a los reflejos en el agua en
el caso de los paisajes rurales.
Despliega Alex Katz un minucioso
proceso en la creación de cada una de sus
obras, según nos cuenta Jimena López de
la Serna: elabora primero una tabla en óleo
que le sirve principalmente para centrar
la escena y anotar aspectos cromáticos y
luminosos; traslada luego esa creación a un
dibujo a carboncillo en una superficie de las
dimensiones que tendrá la obra final y que le
sirve para definir los contornos; y entonces
sí acaba plasmando los colores y formas de
la obra definitiva en el lienzo.
De espíritu aún “muy joven”, explica la
directora del López de la Serna, “carismáti-
co, inteligente, ordenado y pasional en su
trabajo”, la absoluta “prioridad” de Alex Katz
sigue siendo la pintura, y la que determina
sus intereses: sigue a nuevos artistas y en-
cuentra en el arte el motor de sus conversa-
ciones, de sus encuentros con quienes com-
parten inquietudes similares. Y, además,
despliega un ingenioso sentido del humor; y
eso, al fin y al cabo, también es un arte.
Sobre estas líneas,
imagen del López de la
Serna CAC, en Madrid,
con dos de las obras del
pintor norteamericano
que se exponen en la
actualidad: Tracy (2006),
a la izquierda, y Red Door
(2005).

55
DE SHERLOCK HOLMES A POIROT,
de Dupin a Miss Marple, del Padre J.
Brown a Maigret, Montalbano o Philip
Marlowe… los detectives y comisarios
pueblan desde hace mucho las páginas
de los libros más leídos de este país. No
faltan tampoco algunos españoles: Pepe
Carvalho, Félix Chacaltana, Falcó… Todos
estos protagonistas han alcanzado ya
el Olimpo del género, y muchos otros
están en proceso de beatificación, como
Eladio Monroy, cuyo autor, Alexis Ravelo,
recibió recientemente el premio Café
Gijón; Adamsberg, creación de la fran-
cesa Fred Vargas, ganadora del Premio
Princesa de Asturias en 2018, o Mario
Conde, protagonista de una serie de
libros del inigualable Leonardo Padura.
Pese a la dificultad que ha encon-
trado históricamente para ganarse el
cariño y el respeto de la crítica, lo cierto
es que la novela policiaca goza de muy
buena salud: los referentes de siempre
reciben mayor reconocimiento, muchos
otros presentan su candidatura a golpe
de galardones y lectores y, además,
abundan nuevas voces que se hacen
un hueco en la escena del crimen con
distintos estilos y talento a raudales.
Una nueva hornada de escritores
toma el testigo y reaviva la llama para
dirigirse a lectores muy variados: tanto
ESCRITORES REINCIDENTES
Desde Manuel Vázquez Montalbán a Lorenzo Silva, la novela negra en España ha contado
con ilustres representantes. Y la saga continúa. Las aquí seleccionadas son obras de una
nueva generación de autores que se mueven como pez en el agua en la escena del crimen.
TEXTO DOMINGO CASTILLO
ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ-ENCISO
LÍNEAS DE FUGA
Mario Canal + Libros de la caverna + 334 páginas +
15,00€
Ambientada en el Madrid de los 90, Líneas de fuga
es la historia acontecida en cuatro días en los que
los distintos personajes intentan sobrevivir a las
pulsiones de autodestrucción que, por uno u otro
motivo, sienten. Se desata el caos y no será fácil salir
de él en un medio urbano en el que todos acaban
chocando con todos.
BUENOS TIEMPOS
Victoria González Torralba + Siruela + 364 páginas
21,95€
Comenzamos con Buenos Tiempos, una apuesta
de Siruela publicada en febrero. Años 70, costa
mediterránea: Laura vive el despertar turístico como
una trabajadora del sector: limpia apartamentos
y trabaja como camarera para Juan Sil, oscuro
propietario de una cantina. Un día que salen a navegar,
pescan la pierna de un cadáver y Laura se verá
envuelta en la resolución del crimen.
a quien quiere pasar un buen rato como
al que busca una literatura más exigente
e intelectualizada: la naturaleza del libro,
por lo general, la revela el sello edito-
rial que apuesta por él. En los últimos
meses han llegado a las librerías novelas
ambientadas en épocas pasadas, en
lugares singulares de nuestra geografía,
tanto urbanos como rurales, que beben
de influencias no solo anglosajonas
o francesas, sino también gallegas o
vascas. En definitiva, nuevas plumas
capaces en muchos casos de traspasar
nuestras fronteras y que logran seguir
dignificando un género que se lee mu-
cho y se respeta cada vez más.

56
LIBROS
LOS QUE NO REGRESAN
Fernando J. Alburquerque
+ Altamarea + 200 páginas +
18,90€
Cambiamos de década y
ciudad: años 80, el Madrid de
El Crack, la famosa película de
José Luis Garci. Una misteriosa
mujer contrata al desastrado
e inteligente detective Fred
Vargas para investigar la
misteriosa desaparición de su
marido. Alburquerque recurre
a todos los estereotipos del
género con ironía y humor. El
resultado es delicioso.
TIERRAS MUERTAS
Núria Bendicho Giró + Sajalín
Editores + 174 páginas + 18€
A Joan lo disparan por la
espalda cuando volvía a casa
tras tres años de ausencia.
¿Quién apretó el gatillo? ¿Su
padre? ¿Su madre? ¿Alguno
de sus hermanos? Una novela
oscura y a la vez brillante que
publica Sajalín, una editorial
independiente que, a través
de títulos como este, eleva la
novela policiaca a literatura de
calidad, vibrante y bien escrita.
LOS DOS LADOS
Teresa Cardona + Siruela + 424
páginas + 21,95€
A los cuarteles del madrileño
municipio de San Lorenzo del
Escorial llega la noticia del
asesinato de una monja. La
teniente Karen Blecker se verá
envuelta en la investigación
junto al brigada Cano; los
dos recorrerán las zonas más
acomodadas y los barrios
periféricos del Madrid de los
años 80 para descubrir quién
fue el homicida.
LODO
Julen Azcona + Dos Bigotes +
384 páginas + 19,95€
Igual que Sajalín o Altamarea,
la editorial Dos Bigotes apuesta
por la calidad y la juventud
con este magnífico libro de
Julen Azcona. Del fondo del
lago extraen el cadáver de
la periodista Laura Íñigo. La
periodista Endika se embarca
en una investigación que
irá involucrando a personas
importantes del pueblo. Los
que lean Lodo no se querrán
perder las próximas novelas que
escriba.
LA SEÑORA MARCH
Virginia Feito + Lumen + 328 +
18,90€
Thriller psicológico
protagonizado por la mujer
de un escritor de éxito, quien
encuentra en los libros de su
marido pistas sobre cosas que
desconocía sobre él… y sobre
ella misma. La actriz Elisabeth
Moss interpretará pronto en
la gran pantalla a este gran
personaje que la joven Virginia
Feito ha creado con tanto
acierto que muchos son los
lectores que se impacientan
por leer su próxima novela.
COLEMAN
Adolfo Gilaberte + Mármara
Ediciones + 260 páginas + 17€
Coleman es, según Lorenzo
Silva, “un viaje sin promesas ni
concesiones por los dominios
de la derrota”, y no podíamos
estar más de acuerdo. Una
novela negra no canónica en
la que se explora la relación
entre una madre y un hijo
en los últimos días de esta,
y los primeros de un afecto
que hasta entonces no había
existido. Coleman será al
mismo tiempo cazador y presa,
e hijo de nuevo.
LOS MUERTOS
TAMBIÉN GRITAN
David Lema + Espasa + 336
páginas + 19,90€
Nos desplazamos a la gallega
Costa do Morte, donde la fariña
fluye ante los ojos de la Guardia
Civil. El sargento Santiago Insua
dirige la Operación Arnela,
una investigación contra el
narcotráfico y sus dos cabecillas
locales, cuando aparece el
cadáver de un yonqui en una
noche de invierno. Pasan
las semanas, se suceden las
muertes; el mar, que raras
veces está en calma, amenaza
tempestad en esta tierra de
pescadores.
AXEL
Luis García Rey + Espasa + 576
páginas + 18,90€
Sorprendente debut de
Miguel Ángel Rey, ya veterano
periodista deportivo en radio
y televisión. Una novela
adictiva, homenaje a la
película Seven, con una banda
sonora noventera y un ritmo
trepidante desde el mismo
momento de la aparición del
cadáver: un locutor radiofónico
nocturno torturado y
asesinado a cuchilladas en un
hotelucho de citas. Casi nada.

57
CON EL AUDI E-TRON, LA FIRMA PREMIUM DE AUTOMÓVILES entró, en 2018, en la era
de la electromovilidad. La historia de éxito de aquel vehículo pionero inspira el nuevo Audi
Q8 e-tron, buque insignia de la gama de SUV eléctricos de Audi con tres características
fundamentales: el confort de la clase de lujo, una excelente versatilidad para el uso diario y
un rendimiento de conducción deportivo. Y, además, con la posibilidad de elegir entre dos
carrocerías: SUV clásico o Sportback, con la misma habitabilidad pero con silueta coupé. El
Q8 e-tron impresiona con una conducción optimizada y una mayor potencia de carga en una
batería con más capacidad, lo que permite garantizar una autonomía de 576 km (595 en la
versión Sportback). Alcanzar el equilibrio ideal entre confort y deportividad ha sido uno de
los objetivos fundamentales de sus diseñadores, lo que se traduce en mejoras técnicas como
suspensión neumática con amortiguadores controlados electrónicamente; una respuesta de
la dirección ágil y eficaz y una aerodinámica optimizada. Entre sus cerca de 40 sistemas de
asistencia al conductor, destaca el asistente de aparcamiento remoto. De su interior basta
decir que es el característico de los modelos de la clase de lujo de la marca, con la opción de
techo panorámico de cristal dividido. audi.es Juan Parra
LAS MÁS ALTAS COTAS
El Audi Q8 e-tron, con carrocería SUV o Sportback, se convierte en buque insignia de
los modelos electrificados de la firma premium: confort, versatilidad y rendimiento.
FICHA TÉCNICA
Aud Q8 e-tron y Audi
Q8 Sportback e-tron
Motorización: 100%
eléctrica, con dos
o tres motores (en
la versión tope de
gama) Potencia:
250 kW / 300 kW
y 370 kW, según
modelo + Velocidad
máxima: 200 y 210
km/h + Autonomía:
desde 487 a 595 km
+ Capacidad del
maletero: 569 el SUV /
529 el Sportback.
El nuevo Audi Q8
e-tron con carrocería
Sportback, que combina la
habitabilidad del SUV con
una silueta coupé.

58
PERFIL
UNA VOZ
EN CLAROSCURO
TEXTO RUBÍN DE CELIS
Como todo mito, el de Frank Sinatra tiene –en lo personal y en lo profesional– tantas luces
como sombras. En el 25 aniversario de su muerte, rendimos homenaje a su figura.
FRANK SINATRA, CON UN VASO
DE SCOTCH EN LA MANO –el bour-
bon era bien difícil de conseguir por aquel
entonces en nuestro país– y un pitillo en la
otra, cruza despacio la penumbra del amplio
salón del Gran Hotel Felipe II de El Escorial
en dirección a su solitario piano. Las parejas,
que hace apenas unos minutos bailaban y
bebían en él, han ganado, ávidas, sus habi-
taciones in the pursuit of love, y el pianista,
aliviado, ha salido a la terraza a refrescarse.
Los centenarios pinos que rodean el hotel no
han advertido aún la ausencia del maestro y
continúan moviéndose al ritmo que marca la
brisa primaveral. Sinatra está melancólico. Y
cansado. Harto de la película que está rodan-
do, en la que da vida a Miguel, un imposible
guerrillero español que no solo lucha contra
la Grand Armée napoleónica, sino también
con Cary Grant por el amor de Sophia Lo-
ren. Él no debería estar allí, sino Brando, que
a última hora rechazó el papel. “¡Bien por
él!”, piensa Frank en un brindis imaginario
mientras levanta su vaso antes de sentarse
al teclado: “Cuando tu solitario corazón ha
aprendido su lección –canta para sí–/ Serías
suyo con solo una llamada/ En las primeras
horas de la madrugada/ Ese es el momento
en que más la echas de menos”.
De repente, se pone en pie, y se dirige a la
barra para pedirle el teléfono al sorprendido
barman. Bien, si ella no llama, lo hará él. “Son
las tres de la mañana, Mr. Sinatra”. Marca,
apura el último trago y habla. La conversa-
ción, susurrada en medio de tanto silencio, se
alarga. Aunque el camarero apenas ha enten-
dido un nombre –Ava–, lo ha comprendido
todo. Sinatra cuelga el auricular, pide otro
whisky y vuelve al piano. Las rondas, los
cigarrillos y las melodías, todas tristes,

59
Una imagen icónica de Frank
Sinatra(1915-1998), de quien
GrouchoMarxaseguró: “Con la
excepción de la ropa, los salones
de belleza y de él, existen pocas
otras cosas sobre las que todas
las mujeres estén de acuerdo”.
La fotografía pertenece a la
promoción de la película Pal Joey,
estrenada en 1957.

61
SU FRASE “SOLO SE VIVE UNA VEZ, Y DE LA MANERA QUE VIVO, CON UNA BASTA”
RESUME EN POCAS PALABRAS UNA VIDA LLENA DE TANTOS ÉXITOS COMO EXCESOS
tualmente para actuar en sus locales, que
incluían los célebres 500 Club de Miami e
icónicos casinos de Las Vegas. Y así, merced
a esa relación ‘profesional’, se establecería
una cadena de favores cruzados prolongada
a lo largo de su vida que le llevaría a com-
parecer ante una comisión gubernamental
contra el crimen organizado en 1972. Ante
la reiterada pregunta de “¿conoce usted a
alguien que pertenezca a la Mafia?”, Sinatra
responderá lacónicamente un “no” tras otro,
y al no estar bajo juramento ni tratarse de un
proceso judicial, el perjurio no era ningún
problema.
cantar. Casi al mismo tiempo formó su pro-
pio grupo musical, llamado The Hoboken
Four, poco menos que una deshonra para el
padre. “Bedda Matri!” (nuestro “¡Madre de
dios!”), protestó: “Cantar es para afemina-
dos”. Pero su hijo no solo había heredado el
carácter de él, también la rebeldía.
En la segunda mitad de los años 30
había entrado con fuerza en el circuito de
las radios y los nightclubs–como vocalista
en las bandas de Harry Arden y Tommy
Dorsey– y su nombre empezaba a sonar,
pero no sería hasta después de la II Guerra
Mundial cuando, ya por libre, le llegara el
éxito: “Aquel fue un tiempo –rememoraba
su colega Tony Bennett– en el que uno lle-
vaba una flor a su novia, se sentaba a su lado
y juntos escuchaban una canción de Sinatra”.
Entonces grababa un promedio de 24 te-
mas al año, más que ningún otro cantante
popular, y ganaba ya un millón de dólares.
Negocios de familia
La relación de Sinatra con la Mafia fue,
como se ha dicho ya, una cuestión de amis-
tades peligrosas. Del matón de poca monta
Joe Fischetti, amigo de la infancia en un
Hoboken que no es por nada localización
recurrente de Broadwark Empire, a Lucky
Luciano, considerado el padre del crimen
organizado en los Estados Unidos, a quien
conoció en una visita a La Habana en 1947.
Ya desde los años de la guerra, Sinatra
se beneficiaba de la ‘protección’ de amigos
como Willie Moretti o Sam Momo –dimi-
nutivo de More Money– Giancana. Se dice
que fue Moretti quien –pistola en mano– le
‘liberó’ personalmente de su contrato con
Tommy Dorsey para que pudiera cumplir
su sueño de competir con su ídolo, Bing
Crosby, por el número 1 de la Billboard; y
durante las décadas de los 40 y 50 Giancana
y sus muchachos le contrataban habi-
Ahora, 25 años después de su muerte
todavía adornan su biografía historias más
o menos legendarias como el encargo
del presidente Kennedy de organizar la
eliminación de Fidel Castro, su presunta
implicación en el asesinato del propio JFK,
la brutal paliza que le dio personalmente
a Lee Mortimer, periodista del New York
Daily Mirror en el club Ciro’s o la oferta a su
exmujer Mia Farrow, tras descubrir esta que
Woody Allen, entonces su esposo, le era
infiel, de buscarle “un par de tipos” para que
le rompieran las piernas. No es extraño que,
ante semejante historial, el FBI acumulase
en sus archivos 1.275 páginas de expedien-
tes relativos a Sinatra.
¿Deberíamos conocer –y aprobar– la
vida privada de un artista para juzgar más
acertadamente su obra? Estamos, sin duda,
ante un debate tan actual que no ha hecho
todavía sino abrirse, y la cuestión es tan
compleja que no hay una única respuesta
válida. Eso sí, no perdamos de vista que el
moralismo, el oportunismo y la hipocresía
se combinan en un cóctel verdaderamente
temible. Démosle a Sinatra el único prota-
gonista de estas líneas, la palabra por última
vez: “No escondas tus cicatrices: te han
hecho quien eres”.

62
MODA
En esta página:
Sahariana de algodón
con pespuntes a la
vista, de CANALI.
Jersey de canalé,
de PIACENZA
CASHMERE.
En la página siguiente:
Chaqueta, jersey de
cachemira y vaqueros
de algodón, todo de
LORO PIANA. Bolso
de fin de semana, de
ORCIANI. Mocasines
de piel, de DOUCAL’S.
COMO PEZ EN EL AGUA
ESTILISMO STEFANO SPINETTA
FOTOGRAFÍA PAOLO BARBI
Relajado, pero esencial para conseguir un fondo de armario versátil y elegante. La suavidad y el desenfado
del azul en sus distintos matices ponen rumbo a un verano marcado por el minimalismo cromático.

65
Sobre estas líneas:
Chaqueta vaquera de algodón,
de PRADA.
En la página anterior:
Gabardina de lana,
de KITON. Jersey de
algodón, de PLOMO
en OVS. Pantalón
vaquero de cinco
bolsillos, de ROY
ROGER. Bolso Keepall
50 con logotipos en
relieve, de LOUIS
VUITTON. Mocasines
de piel, de DOUCAL’S.

66
MODA
Cazadora de piel de cocodrilo con
bolsillos, de BRIONI. Jersey de algodón,
de CORNELIANI CIRCLE. Vaqueros de
algodón, de CORNELIANI. Bolso de tela y
piel, de HERMÈS.

67
Chaqueta de lino, de TAGLIATORE.
Jersey de cuello redondo de cachemira
y lana, de CAINS MOORE. Vaqueros de
cinco bolsillos, de JACOB COHËN.

68
MODA
Chaqueta vaquera de cinco bolsillos y
vaqueros de algodón, todo de DIOR MEN.
Jersey de cachemira, de CAINS MOORE.

69
Sahariana de algodón, de CORNELIANI CIRCLE.
Jersey de cachemira, de POLO RALPH LAUREN.

70
TOTAL LOOK
ESTILISMO BERTA FERNÁNDEZ-ABASCAL
FOTOGRAFÍA JUAN CARLOS DE MARCOS
MOMENTO RELAX Una relajada combinación de piezas, seleccionadas entre las marcas de
El Corte Inglés, para afrontar un tiempo que se antoja más relajado y disfrutón.

71
En la página anterior: Jersey de algodón de ochos y camisa
de rayas, de LLOYD´S. Pantalones tipo chino con pinza, de
EMIDIO TUCCI. Bandana estampada, de GREEN COAST.
Sobre estas líneas: Sobrecamisa con bolsillos, de DUSTIN.
Camisa estampada y camiseta azul con cuello caja, ambas de
GREEN COAST. Vaqueros, de LLOYD´S.

72
TOTAL LOOK
Americana sin forro, camisa de lino y cinturón trenzado, todo de EMIDIO TUCCI.
Pantalones, de LLOYD´S.

73
Camisa de lino, de GREEN COAST.
Pantalones cargo y cazadora sin forrar (sobre el brazo), ambos de LLOYD´S.

74
COMPLEMENTOS
CUANDO LA PASIÓN ES EL MO-
TOR DE UNA IDEA, en este caso zapa-
tos, el resultado solo puede ser un producto
con personalidad y singularidad. Y eso es lo
que todo el mundo reconoce en Castori,
una mezcla de tradición e innovación que
marca la pasión de Vito Viscido, su propie-
tario. En realidad, Castori actúa a modo de
laboratorio de ideas y también de traslación
de lainfancia de su creador y su vínculo emo-
cional con el zapato. Presente en España de
la mano de Exerez 1910, el mejor resumen
de lo que significa Castori está en cómo lo
definen los amigos de Viscido: poesía.
¿Existealgúnnegociosinpasión?¿Ycuál
eslapasióndeCastori?
La mayoría de los negocios se planifican por
defecto, carecen de una verdadera pasión.
No es el caso de Castori. Mi pasión ha cre-
cido conmigo desde que era niño; es una
‘cultura por la belleza’ que ha formado parte
de mi familia y de mi educación. Somos
conscientes del valor interior de un pro-
ducto, más que del precio. Mi abuelo Carlo
me transmitió la pasión por el calzado. De
niño, solía observarle, totalmente extasiado,
fascinado por cómo sacaba con cariño sus
zapatos del armario: los limpiaba, los lus-
traba, les hacía la suela. Todos eran zapatos
hechos a medida, y no dejaba que nadie los
tocara. “¡Los zapatos están vivos, al pulirlos
les das un alma!”, decía, e incluso solía evitar
andar por los caminos de tierra prefiriendo
los asfaltados, ya que los zapatos se habrían
estropeado. Solía repetirme: “¡Vito! Vivir la
vida o llevar zapatos se parecen: ¡pocas cosas
pero buenas!”. Aquellas obras maestras del
abuelo se guardaban en un zapatero, cerradas
con llave. El mango de esa llave es hoy el
logotipo de la marca Castori: un símbolo de
conocimiento, conservación y curiosidad.
Elestilodevidasonexperiencias.¿Cuáles
laexperienciaqueofreceCastori?
Guiada por una inclinación natural hacia la
belleza, Castori dedica pasión y habilidades
a la producción de calzado y accesorios
exclusivos, convirtiéndose en líder del gusto
por lo sartorial. Castori pone en práctica la
excelente tradición artesanal italiana,
En la página siguiente, VitoViscidoposa
para GENTLEMAN junto a algunas de las
creaciones Castori que pueden encontrarse
en Exerez 1910, en Claudio Coello, en Madrid.
El color, pero sobre todo
el tratamiento de la piel
distinguen a Castori.
Primero sobre la piel al
natural; después se da
una primera capa de
tinte y posteriormente la
segunda y definitiva que
aportará el que será color
definitivo. Pero lo más
importante es cuando ese
color se pule, se abrillanta.
POESÍA CON FORMA
DE ZAPATO
TEXTO RICARDO BALBONTÍN
FOTOGRAFÍA MASSIMILIANO POLLES
La suela de color rojo Pompeya descubre ya su procedencia, pero el resto de su singularidad no se
descubre hasta que se calza. Porque en Castori la apuesta es hacer un zapato original y de calidad.

76
deseando compartir su propio mundo con
los amantes de la belleza, así como comuni-
car emoción a través de la calidad y la singu-
laridad. Calidad y tradición van de la mano,
pero sin perder de vista la innovación.
¿PodríadescribirCastorienunapalabra?
ELEGANCIA.
Herenciafamiliar,deunaciudad,Nápo-
les,pero¿quédefinealestiloCastoriylo
diferenciadelresto?
Nápoles es tierra de historia, arte, artesanos,
fabricantes de guantes, sastres, camiseros…,
maravillas y clasicismo. Aquí no se puede
crecer sin desarrollar un talento natural
para la belleza. En Nápoles se encuentran
las raíces de la marca Castori. En Nápoles,
la cultura de la elegancia proviene de una
historia hecha de belleza, vitalidad y fantasía.
Un patrimonio intangible que Castori, a
través del gusto por la sastrería, declina en lo
que yo defino ‘la pieza que faltaba’: el calza-
do napolitano. El concepto Castori se basa
en los principios de la sastrería napolitana:
ligereza y sensualidad.
Nohayeleganciasinunbuenpardezapa-
tos.Yenesto,elcalzadoitalianotieneun
valorindudable...
Castoriofrecesindudaunaexperiencialujo-
sa, innovadora y elegante. Cada detalle está
estudiado con gran atención para reflejar los
deseos del cliente final, un cliente exigente
con una gran pasión por los detalles.
¿Yquésignificaparaustedlaelegancia?
Omejordicho,¿cómopuededefiniraun
hombreelegante?
El hombre elegante destaca a partir de su
calzado; incluso puede llevar un atuendo in-
formal (unos vaqueros y una americana), los
zapatos añadirán valor a todo el conjunto.
Otroelementoquedistingueaunpro-
ductoexcelenteeslacalidad.¿Cuálesson
lasnormasdecalidadquesesiguenen
Castori?
Materiales y mano de obra italianos ex-
clusivos. Artesanía, atención a los detalles,
excelencia en el trabajo manual, neoclasicis-
mo en el planteamiento y como horizonte
estético. Lo primero que se percibe en un
zapato Castori es la pátina. La paleta de co-
lores es amplia. Es evidente desde las suelas,
todas personalizadas con el rojo Pompeya,
símbolo de la sangre y la pasión napolitana
de la que todo procede, hasta la zona su-
perior, que, además de los colores clásicos,
pueden pintarse de azul, como el mar, o de
verde, como los bosques. A continuación,
el pulido se realiza a mano en varios tipos
de piel, incluidos los preciados caimanes,
materias primas de excelencia absoluta. A lo
largo del proceso de fabricación, tradición y
modernidad dialogan entre sí. El resultado
es un zapato clásico pero cómodo y elástico,
gracias a la artesanía goodyear y blake, y a los
forros, que también se pueden encontrar en
cachemir o piel de doble faz. Cada modelo
Castori es capaz, entre otras cosas, de ofre-
cer las prestaciones para las que fue diseñado
y la sensación por la que fue comprado. Y el
precio de un par de zapatos se ve plenamen-
te compensado por estas características.
Yentérminosdebelleza,¿cuáleselcanon
quesiguesumarca?
COMPLEMENTOS
Simplicidad, líneas limpias, puro estilo ita-
liano.
¿Sonlosclientescadavezmásexigentes?
Sí, los clientes son exigentes, pero un cliente
de Castori no podría serlo más, ya que está
culturalmente muy preparado, no sigue las
marcas de masas y es totalmente conocedor
a la hora de comprar un producto. La nues-
tra es una marca de nicho, de sastrería. Un
cliente Castori es un hombre que normal-
mente compra trajes a medida, camisas, etc.
¿Ycómoplaneaelfuturodelamarca?
Nuestro objetivo para los próximos años es
intentar educar a la gente en la sastrería,
buscando productos de cierto nivel. No nos
consideramos una marca pero nos gustaría
ser seleccionados por el PRODUCTO.
Intentar difundir la cultura y la tradición que
hay dentro del mismo. El ADN de nuestro
producto es lo que más nos importa y lo que
debe permanecer en el tiempo.

77
PRUNO ES UN VINO DE LA BODEGA FINCA VILLACRECES reconocido como el de mejor
relación calidad-precio por el crítico Robert Parker. En honor a esa etiqueta, la bodega ha
creado el Día Pruno, Premio Verema a la mejor iniciativa enoturística y un auténtico wine
festival que aúna vino, gastronomía, música y naturaleza. Este año celebra su sexta edición
el próximo 24 de junio, coincidiendo con la festividad de San Juan y los primeros días del
verano. El Día Pruno abre sus puertas a las 10.45 de la mañana y desde ese momento se
pone en marcha una variada oferta de actividades que incluye cata sorpresa, visitas guia-
das a la bodega, el juego del vino o un paseo en el tren Pruno Express, además de, por pri-
mera vez este año, la actividad Cata y Dispara, la incorporación a la oferta gastronómica de
productos kilómetros 0 o una master class sobre la propia bodega y la forma en que se cul-
tivan y elaboran sus vinos. Todo ello en un emplazamiento único, un privilegiado entorno
natural rodeado de un bosque de pino bicentenario y con el telón de fondo de los viñedos
ecológicos de Finca Villacreces, conocida como la joya escondida de Ribera del Duero. El
broche final del evento lo pondrá el grupo Bloody Mary, con un concierto de versiones de
música rock. Bienvenido al primer wine festival del verano. diapruno.com Juan Parra
LA GRAN FIESTA DEL VINO
Bodegas Finca Villacreces celebra el próximo 24 de junio el Día Pruno, el primer wine
festival del verano, con gastronomía, música y naturaleza en plena Ribera del Duero.
Las entradas para
asistir al Día Pruno
pueden adquirirse
en diapruno.com.
La entrada de 65 €
incluye almuerzo en
los food trucks allí
instalados, actividades
y degustaciones. La
entrada premium de
85 € incluye además
reserva de mesa. La
bodega ha dispuesto
autobuses desde
Valladolid, Peñafiel y
Madrid.
Detalle de los barriles en los
que maduran los vinos de
Finca Villacreces y varias
imágenes de anteriores
ediciones del Día Pruno.

78
1. Series 9000 de PHILLIPS. Afeitadora inteligente, con sensor
de presión, sensor de grosor de la barba y nuevas cuchillas de
precisión (299,99 €). 2. Shave Cream de RITUALS HOMME.
Espuma de afeitado con ginseng para hidratar y suavizar el
mismo tiempo (19,90 €). 3. Gel integral LH de CAPUCCINI.
Limpia el cabello, barba y cuerpo hidratando y refrescando
la dermis de manera integral (10 €). 4. Aquapower Advanced
Gel de BIOTHERM HOMME. Repara la barrera cutánea, lucha
contra la sequedad, signos de fatiga y agresiones urbanas (32,99
€). 5. Gel de afeitado de KING C. GILLETTE. Gel transparente
formulado con té blanco. Apto para todo tipo de pieles (9,99 €).
6. My Clarins Gel Matité Imperfections de CLARINS. Gel para
aplicar después del afeitado en pieles grasas y con imperfeccio-
nes (21 €). 7. Anti Aging Golden Serum de CARMEN NAVARRO.
Apto para cualquier tipo de piel, previene las arrugas. Para utilizar
después del afeitado (150 €). 8. Skin Caviar Liquid Lift de LA
PRAIRIE. Concentrado de caviar reafirmante en forma de sérum.
Aporta volumen y luminosidad (569 €).
COSMÉTICA
VANGUARDISTAS
Afeitarse o recortar la barba con maquinilla eléctrica es la opción de los que no
tienen tiempo que perder. También lo es una cosmética de última generación.
EL AFEITADO ES EL CABALLO DE
BATALLA de los hombres. Cada día la
piel es sometida a agresiones constantes
que, en muchos casos, puede generar
sensibilidad, cortes o poros enquistados.
Es por ello que muchos varones dejan
crecer su barba; ¿moda o comodidad?
Ambas cosas quizás. No cabe duda de que
la tendencia de las barbas arregladas y
perfectamente recortadas ha llegado para
quedarse, pero también la tez sin rastro
de vello es tendencia. La buena noticia es
que existe una amplia gama de cosméticos
adaptados a cada necesidad, con fórmulas
que tratan e hidratan la piel, y afeitadoras
que no dejan huella.
La evolución tecnológica en la
cosmética del afeitado presenta productos
como after shaves con propiedades
antiedad, espumas ligeras, evanescentes
y casi transparentes, lociones refrescantes
con antioxidantes que luchan contra los
efectos nocivos de la polución ambiental
y maquinillas que disponen de un tipo de
cuchilla inteligente adaptada al grosor de
cada barba evitando cortes innecesarios.
Además, el ácido hialurónico convive con
la vitamina C, el retinol y otros ingredientes
esenciales presentes en estas páginas.
El afeitado ya no es un puro trámite, si
no un aliado a la hora de cuidar el rostro
y evitar el envejecimiento prematuro.
TEXTO LUCÍA HEREDERO
FOTOGRAFÍA MASSIMILIANO POLLES
TODO SOBRE LA BARBA
Recortadas, largas o con afeitado de precisión. El mundo de la barbería
ha evolucionado con nuevas fórmulas y lo último en aparatología.
Incluso las brochas de toda la vida llegan ahora mejoradas.

UNA IMPORTANTE RUTINA
Cuando los cuidados masculinos son más que una tendencia y la barba gana
terreno, ClarinsMen vuelca su experiencia en la creación de una gama de
afeitado para la que ha contado con el asesoramiento de los mejores.
1. GEL MOUSSANT
RASAGE IDÉAL
Gel espuma ultrauntuoso,
envuelve y suaviza la barba
para permitir el deslizamiento
de la maquinilla de afeitar.
Protege la piel contra la
irrigación para dejarla
confortable, suave y fresca.
2. HUILE RASAGE +
BARBE
Tratamiento 2 en 1 a base de
extractos de plantas con textura
de aceite ligero y un perfume
discreto. Tanto para lograr un
afeitado preciso y cómodo
como para el cuidado diario de
la barba.
3. GEL APAISANT
APRÈS-RASAGE
Para después del afeitado.
Tratamiento 2 en 1: para la piel,
atenúa las irritaciones y rojeces
de la piel tras el afeitado; para la
barba, la fortalece y suaviza.
4. LOTION APAISANTE
APRÈS-RASAGE
De textura fresca y no grasa,
es una loción que ayuda a
calmar de forma duradera las
sensaciones de acaloramiento
tras el afeitado y reducir el
aspecto de los poros.
JUSTIN CARR ES UNO DE LOS BARBEROS preferidos por los futbolistas ingleses; Lord Jack
Knife, de prestigio internacional, cuenta con dos salones en Oslo (Noruega); y Samy Zerouali
es el creador del parisino Original Barbershop. Con la ayuda de su maestría y experiencia,
ClarinsMen ha desarrollado una nueva gama de tratamientos para el afeitado y la barba.
Partiendo, además, de una realidad: el cuidado masculino es más que una tendencia y la
barba gana terreno en los looks de los hombres. Con un profundo conocimiento de las
plantas, dominio de la ciencia de la formulación y capacidad de innovación, los laboratorios
Clarins están en la vanguardia de los tratamientos para la piel desde hace más de 60 años.
Puestos a trabajar al servicio de los hombres, el resultado es una nueva gama de cuatro
productos a base de extractos de plantas y con texturas imperceptibles que convierten el
afeitado en un momento importante. clarins.es María Rosa
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