Escultura contemporánea

• La escultura sufre en el
siglo XX
una revolución radical,
que levemente se
apuntaba ya en algunos
escultores desde
mediados del siglo
anterior.
• Su evolución, más lenta
que la pintura, quizá se
deba a su mayor
supeditación al encargo
y a los costosos
materiales necesarios,
actuando como un freno
a la experimentación.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html

Se produce la
pérdida del
humanismo,
sustituido por el afán
tecnicista y
experimental, y por
otra parte, surge un
fuerte individualismo
que se aparta de las
normas tradicionales
y de todo aquello que
suponga relación con
una escuela o modo
de hacer determinado
http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf

El lenguaje de la escultura que
fue definido en la Grecia clásica
había permanecido más o
menos invariable hasta finales
del siglo XIX.
La gran muestra de las obras de
Auguste Rodin, en la Exposición
Universal de París del año
1900, representó un punto de
inflexión que empezaba a
romper con los planteamientos
clásicos de la tradición
escultórica y suscitaba el
espíritu experimental que
llevaría a nuevos
comportamientos artísticos.
http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC
RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
Friné. James Pradier

Rodin, influenciado por las formas
idealistas a la manera de Miguel Ángel,
evolucionó desde un estilo idealista
romántico a uno crudo y más realista, que
persigue la expresión más libre e
individual.
Pionero de la escultura impresionista,
desdeñó la mímesis dominante en favor de
las imperfecciones y desproporciones
expresivas.
El principal componente en sus esculturas
es el movimiento y después la luz. En él se
funde una técnica impresionista que, con
la rugosidad de las superficies y la
multiplicación de planos causada por el
movimiento, obtiene efectos de luz
cambiante.

• Dotaba a su trabajo de
gran fuerza psicológica,
expresada a través del
modelado y la textura.
• En el arte de Rodin se
funden una técnica
impresionista, que con
la rugosidad de las
superficies y la
multiplicación de
planos obtiene efectos
de luz, la profundidad
vital y la fuerza
colosal que anima las
figuras.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-contempornea-rodin.html

• En los primeros años
del siglo XX se
manifiesta la influencia
de Rodin en
numerosos escultores,
de tendencia más bien
conservadora y clásica
(predominio de la
figuración o realismo
en las formas, uso de
técnicas y materiales
tradicionales).

• Antonio Bourdelle
(1861-1929), discípulo
de Rodin, mostró gran
interés por la escultura
arcaica griega y la
románica, su escultura
es naturalista y clásica.
Se caracteriza por el
culto a la fuerza y su
interés por representar el
volumen, de formas
geométricas y
proporcionadas.

Arístides Maillol (1861-1944), también francés, se mueve dentro de la
tradición clásica. Centra su interés en las formas puras, sin preocuparse
por los detalles y elementos accesorios. Se distingue por su concepción del
volumen: simple, redondeado y de modelado liso. Su tema central es el
desnudo femenino, robusto, de formas opulentas, compactas y pesadas.

• Seguidores de Maillol son
los españoles Josep
CLARÁ, Josep LLIMONA y
Manuel HUGUÉ.

• El arte escultórico experimenta
la revolución más radical de su
historia en el siglo XX, en
paralelo y a remolque de los
cambios experimentados por la
pintura.
• Casi toda la escultura desde la
Antigüedad expresaba la figura
humana y, en menor grado, la
animal con fines estéticos o
expresivos.
• Pues bien, en el siglo XX, al
igual que había sucedido en
pintura (son movimientos o
fenómenos paralelos), la obra
escultórica expresará algo
totalmente distinto.
http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf

• El hueco.
• La deformación.
• La incorporación del
espacio.
• La abstracción.
• El movimiento.
• La luz.
• Nuevos materiales.
• Nuevas técnicas.
Algunas de las principales innovaciones de la
escultura del siglo XX son:

El hueco: crea formas como el silencio
en la obra musical (Gargallo).
El escultor fragmenta y cuartea el
volumen de la masa escultórica para
penetrar en las formas de las figuras
mediante el hueco
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm

• Durante casi dos milenios la
escultura fue entendida como
el arte de ocupar el espacio
con un volumen de un
determinado material, ahora
se concede especial
importancia al vacío, a los
huecos, como al silencio en
la música.

• La Deformación: constituye un
recurso tradicional del artista, en el
que descubren nuevas posibilidades
(Moore, Giacometti).

• La búsqueda de las
nuevas estructuras
esenciales de las
figuras, humanas o
animales,
despersonalizándolas
para destacar la
naturaleza del material.
• La deformación del
modelo, un recurso
tradicional del artista
con el que se
descubren nuevas
posibilidades
expresivas

• La incorporación del
espacio: la escultura se funde
con su contorno mediante el
desarrollo de las superficies en
el espacio (Pevsner).
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf

• La abstracción: las formas sin
apoyo en la realidad han
renovado el léxico escultórico
(Chillida, Oteiza,
constructivistas…).

• Mediante la abstracción, el uso de formas sin apoyo en la realidad,
se produce una renovación del lenguaje escultórico que ya no será
más un “arte de imitación”.

• La escultura cobra valor en sí
misma, se independiza fuera
de un conjunto o
ambiente determinado
y tiende igual que la pintura a
la abstracción y al uso de
nuevos materiales.
• Se desentiende
progresivamente de
las apariencias realistas,
sobre todo por influencia
del cubismo, del futurismo y
del impresionismo (Lipchitz,
Duchamp-Villon).
http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html

La evolución escultórica
actual pasa por la
abstracción y, dentro de ella,
la escuela denominada
Constructivismo busca la
forma al margen de la masa,
prefiriendo un desarrollo de
las superficies en el espacio,
como si la obra creciera
sobre sí misma encerrando
espacios. Por eso, esos
artistas se prefieren formas
ahuecadas antes que los
volúmenes cerrados.
http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf

En contraste con esas formas abiertas, también se presentan,
tanto en esculturas figurativas como abstractas, formas
compactas, cerradas, resaltando el valor plástico de la materia.

• El movimiento: unión de la
energía y la forma en esculturas-
máquinas (Futuristas, Calder).

• La escultura
tradicional había
reflejado el
movimiento fijo, como
en una instantánea.
• Al principio del siglo
XX los escultores
futuristas superponen
láminas o deshacen
las superficies rugosas
para presentar
posiciones sucesivas
de una figura.

El siguiente paso es
incorporar espacio en
el interior de la
escultura, el volumen
abierto produce formas
de continuidad en el
espacio, posiciones
sucesivas en las que la
figura “conquista”
fragmentos de espacio.

El último paso lo da la escultura cinética, inspiradora de
obras que se sostienen de manera inestable sobre un
precario punto de apoyo, que giran con el viento o que se
mueven de forma continua por un sistema descompensado
de pesos.
Así surgen, por ejemplo, los Móviles de Calder.

Importancia de la luz.
Muchos artistas realizan
obras para ser situadas al
aire libre y estudian
cuidadosamente la
ubicación en su entorno;
otros buscan efectos en el
contraste de luz y sombra
producido por el juego de
vacíos y de masas
escultóricas (Gargallo);
algunos, como Chillida,
hacen que la luz penetre a
través de los huecos
dentro de la obra y formen
parte de ella.

Contrastes de
texturas. Algunos
escultores buscan
superficies
cuidadosamente
pulidas…pero muchos
otros basan su obra
en texturas non
finitas o intensamente
contrastadas, que
producen efectos
expresivos.

• La aproximación al concepto de obra de arte de
cualquier objeto tridimensional, convenientemente
sometido a la acción o a la interpretación del creador.

Experimentación del valor
expresivo de nuevos
materiales, incluso de desecho,
y realización de obras
escultóricas empleando objetos
apenas manipulados, como
hicieron los dadaístas
(Duchamp), los surrealistas
(Dalí) y otras tendencias
posteriores a la Segunda Guerra
Mundial.

Si bien se mantienen
materiales
tradicionales como el
mármol, la madera y
el bronce, toman auge
nuevos materiales,
como el hierro, el
acero, vidrio,
materiales
reciclados, nuevos
materiales sintéticos
e industriales
(hormigón, plásticos,
resinas, poliéster,
polietileno, látex…), o
incluso objetos
reciclados.

http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834

Nuevas técnicas:
Junto a las tradicionales
técnicas de modelado,
tallado o fundido, aparecen
otras propias del mundo
industrial, tales como:
• Vaciado en cemento u
hormigón
• Forja
• Soldadura
• Collage
• Ensamblaje
• Instalación

http://es.slideshare.net/mjrielo/la-escultura-6779169

Integración de formas
tridimensionales y
superficies pictóricas, en
busca de una obra de arte
integral.
Escultura y pintura pierden
su autonomía en aras de la
libertad del artista que es
quien decide lo que se
puede y lo que no se
puede hacer.
Los primeros pasos están
ligados al movimiento
Dadá, como, por ejemplo,
los relieves coloreados
de Jean Arp.

Nuevos temas:
• Se empiezan a abandonar los temas basados en la
Naturaleza y en la humanidad e incorporan otros
temas más transcendentales. Expresan los
grandes conceptos que tanto ha preocupado al
individuo.
• La obra de arte empieza a ser expresión de algo
más profundo que en otros tiempos: representa
conceptos filosóficos.
• Formas semejantes a signos con multiplicidad de
significados, de metáforas, de asociaciones, de
interpretaciones que reflejan la personalidad del
artista, su concepción del mundo, su visión interior,
su ideología, su subjetividad y sus aspiraciones.
• Son expresión del yo individual del artista.
http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm

Nuevos temas:
Ahora las nuevas
esculturas expresan:
dolor, sufrimiento,
angustia, desesperación,
terror, soledad, opresión,
los gritos de protesta, el
padecimiento de los
oprimidos y la tortura de
las guerras, la ironía, la
resignación, las
ambiciones, la fugacidad
de la vida y del tiempo, la
pasión y la muerte, la
ingenuidad, la fantasía,
las reivindicaciones
políticas o feministas o
las críticas hacia lo
tradicional...

http://www.taringa.net/post/arte/17905986/El-Arte-en-el-Siglo-XX.html

Nuevos temas:
O bien alegrías y optimismo, el ansia de libertad, los avances científicos
o los cambios democráticos, las interrogaciones y las reflexiones, las
investigaciones conceptuales, las contradicciones, las ambigüedades,
las relaciones en tensión, los conflictos, las paradojas mentales y
contrastes sexuales o políticos, los sentimiento libidinosos de los seres
y el amor físico y brutal, la perfección formal, la racionalidad mental, la
ley y el orden y el cálculo racionalista, la deformación física.

Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas:
.
http://www.arsgravis.com/?p=142

http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx

LA ESCULTURA Y LAS
VANGUARDIAS

• Las vanguardias históricas de
las primeras décadas del siglo
XX abren de par en par las
posibilidades expresivas
ampliando el lenguaje
escultórico hasta límites
insospechados.
• Los escultores vanguardistas
experimentan con todo tipo de
ideas, conceptos, técnicas y
procedimientos, y explotan las
posibilidades de los nuevos
materiales que la industria pone
a su alcance.

En este sentido, las aportaciones del cubismo, del expresionismo, del
constructivismo, del futurismo, del surrealismo, del dadaísmo, etc., han sido
fundamentales para la concepción de la escultura tal como la entendemos hoy en
día.

El Cubismo supone la
ruptura definitiva con la
tradición.
La figura humana pierde su
omnipresencia para dejar
paso a las formas
geométricas.
Pero, además de esta, la otra
gran característica de la
escultura contemporánea es
una cierta propensión al
patetismo y que convierte al
lenguaje escultórico en otro
medio de expresión de la
angustia del hombre actual.
Picasso, Tête de femme (Fernande), 1909, bronze, 41 x 24 x
26, Paris, Musée Picasso

Estas dos líneas, la geometrización, la abstracción y la inclusión de espacios por
un lado y el expresionismo y la trascendentalización de las formas por otro, son las
dos grandes líneas de la escultura, al igual que pasó en la pintura.

• Las repercusiones del
cubismo en la
escultura no fueron
menos importantes
que en la pintura.
• Desaparecen los
últimos restos realistas
y, de modo paralelo al
collage en dos
dimensiones, surge la
escultura construida, a
veces, con materiales
de desecho.

http://http://es.slideshare.net/carmentejera/tema-13a-el-siglo-xx-arquitectura-y-escultura-13184017?qid=39016560-8a06-4878-8821-172bebec446b&v=&b=&from_search=15

Como la obra no procede de un bloque homogéneo de piedra o mármol, el
resultado presenta huecos y vacíos entre las superficies, dando lugar a una nueva
estética de la ausencia de masa.
El escultor no define ya volúmenes sino espacios, y su método de trabajo tiende
idealmente a parecerse cada vez más al de los arquitectos.
Mujer desnuda con
guitarra
Autor: Jacques Lipchitz
Fecha: 1928
Museo: Tate Gallery
(Londres)

Pablo Picasso rompe con la
tradición formal e introduce la
descomposición geométrica como
un nuevo lenguaje en la escultura,
que apuntala el desarrollo de la
abstracción, e introduce
concavidades que sirven para
incorporar el vacío como elemento
escultórico.
Pablo Picasso. Cabeza.

Entre 1904 y 1914 realiza esculturas
introduciendo nuevos materiales (chapa,
alambre, cordeles), que cobra vida propia
con su manipulación: Cabeza de
Fernande, Guitarra... Más tarde hará
obras como Mujer con cochecito, La
cabra...

http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5

Otros artistas que, desde diferentes
perspectivas, aplicaron los preceptos
cubistas a la escultura fueron Alexandre
Archipenko (1887-1964), Jacques
Lipchitz (1891-1973) y Pablo
Gargallo (1881-1934).
En la obra de todos ellos se percibe la
articulación de planos y la síntesis de
formas propias del cubismo.
http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx

Alexander Archipenko es el introductor del hueco o del vacío en la masa
escultórica, al mismo tiempo que aplica los experimentos cubistas, progresando en
la concepción de la escultura como collage: Mujer andando; Mujer peinándose,
Carrusel Pierrot...

http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx

Jacques Lipchitz es uno de los pioneros del Cubismo en la Escultura . Recibió el
influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas.
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=296

Jacques Lipchitz: Mujer recostada.
Descomposición de la figura en volúmenes geométricos, presencia del
vacío en la escultura, geometrización. Formas simples, de influencia del
cubismo sintético.

Henri Laurens. Explora al máximo las posibilidades expresivas de los materiales,
resaltando las formas geométricas, las masas y los volúmenes.
Realizó numerosas “naturalezas muertas” y esculturas femeninas que parecen
surgir desde la materia bruta. Con el tiempo sus esculturas tienden a formas
curvas, más orgánicas.

Raymond Duchamp-Villon incorpora el dinamismo y el maquinismo propios del
futurismo a las formas volumétricas características del cubismo, así como va
abriendo camino hacia la abstracción, como en su famoso “Caballo”, en el que ha
estudiado fotográficamente su movimiento, lo descompone y sustituye algunas de
sus partes por elementos con aspecto de máquinas, empleando geometrizaciones
retorcidas.
Caballo Energía Máquina Movimiento ¿Guerra?

Es una escultura-atajo, una extraordinaria contracción en bronce de la esencia' del
caballo: la selección de ciertos músculos e índices característicos que una biela
arrastra a un impetuoso movimiento sin cambiar de lugar. Caballo-motor, escultura-
máquina en la que triunfa lo que.su creador llamaba el "pensamiento sintético". La
relinchante montura de Duchamp-Villon galopa entre el esquematismo de
Archipenko y el futurismo de Boccioni (1882-1916).
http://www.historiadelarte.us/arte-contemporaneo/desmantelamiento-de-la-forma-compacta.html

Futurismo: la
escultura
del futurismo italiano
aportó dinamismo y
percepción de
movimiento a los
principios cubistas de
descomposición de
perspectivas. El más
destacado escultor
futurista fue Umberto
Boccioni (1882-
1916).

• BOCCIONI (1876-1942) es el mejor
representante de la escultura futurista.
Sus obras tratan de representar el
movimiento a partir de posiciones
sucesivas, en las que la figura
"conquista" fragmentos del espacio.
• El manifiesto futurista defiende que “Un
coche de carreras es más bello que la
Victoria de Samotracia”, basa su arte en
el movimiento aerodinámico, la
velocidad y las formas variables.
• En Formas únicas de continuidad en el
espacio, los planos acentúan el
movimiento.
•
Intenta dar movimiento en la escultura,
para dar a la obra de arte dinamicidad y
agitación.
http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html

• La forma de conseguirlo es romper las
líneas cerradas en las que la escultura
tradicional envolvía su volumen, de tal
forma que sus límites queden
imprecisos e indeterminados para el
espectador.
• La escultura podría contemplarse
como una figura que avanza imparable
a gran velocidad, sensación que se
transmite abriendo el contorno de la
pieza a base de multiplicar planos y
ángulos de visión.
• Los planos de desarrollan en el
espacio como en una fotografía
estroboscópica.
http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html https://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

http://es.slideshare.net/cherepaja/artes-plsticas-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx

Constructivismo:
• Los escultores
del constructivismo ruso
adoptaron preceptos
semejantes, aunque
orientados hacia el
maquinismo y el uso de
materiales industriales.
• En esta corriente
sobresalieron Anton
Pevsner (1886-1962)
y Naum Gabo (1890-
1977).
Naum Gabo: "Cabeza de mujer" (1917-1920).
Nueva York.

El origen de la escultura
abstracta habría que buscarlo en los
experimentos de los artistas del
Constructivismo del período de
entreguerras, que persiguen la forma
al margen de la masa, prefiriendo un
desarrollo de las superficies en el
espacio.
El Constructivismo profundizaba en
la belleza objetiva y las formas puras.
El concepto de masa tradicional era
abandonado en pos de una nueva
valoración de la profundidad del
espacio y, por ende, del vacío.
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://www.faena.com/aleph/es/articles/el-manifiesto-constructivista-el-arte-como-expresion-de-
la-vida/

Los máximos representantes son los
hermanos Pevsner.
Naum Gabo aplica teoremas
matemáticos de ingeniería a sus
superficies alabeadas (Construcción
nº 2), siendo el primero en hacer la
primera escultura cinética del mundo,
consistente en una lámina que vibra
por el impulso de un motor, y que
demuestra como una superficie se
convierte virtualmente en un
volumen.
Naum Gabo. Columna desarrollada. 1923.

Anton Pevsner se distingue por
los desarrollos helicoidales de
superficies curvas formadas por
varillas de bronce (anillos
envolventes): Columna
desarrollada, La Columna de
la paz.
Anton Pevsner. Proyección en el
espacio. 1924. Museo de Baltimore.

Anton Pevsner exploró nuevos
conceptos escultóricos centrándose
sobre todo en el desarrollo de formas
en el espacio.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pevsner_anton.htm

Constantin Brancusi es una de
las grandes personalidades de la
escultura del siglo XX.
De espíritu independiente, este
rumano experimenta con inquietud
cómo penetrar más allá de la
apariencia, hasta llegar a la
esencia y alcanzar la belleza
eliminando detalles y simplificando
formas.
A pesar de llegar a una
extraordinaria estilización no
acepta el arte no-figurativo; el
punto de partida es siempre algo
real.

CONSTANTIN BRANCUSI (1876-1957).
Es uno de los más grandes de los innovadores del lenguaje
escultórico.
Rumano, se traslada a París donde busca formas puras frente
a las obras de Rodin y sus seguidores.
Se ve influido por el Cubismo y sus seguidores, sobre todo en
algunas cabezas de 1907 y 1909. Trabaja en los años
siguientes la piedra (formas pulidas) y la madera (formas
rugosas).
Además del Cubismo se siente influido por el Expresionismo,
movimientos que sintetiza en algunas de sus obras.
De esta época es su Pájaro en el espacio, hecha en 1925, que
nos transmite no la imagen de pájaro sino la de su poder para
levarse en lo alto.
Le atrae el volumen cerrado.
Trabajó el bronce, la piedra y la madera.

Evolucionó
progresivamente hacia
una mayor esencialidad
formal para crear
formas puras y
elementales.
En sus obras, Brancusi
buscaba una belleza
pura y espiritual,
expresada a través de
sus figuras favoritas (el
pájaro, el huevo, las
cabezas femeninas)
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brancusi.htm

A diferencia de la
mayoría de los maestros
del siglo XX, le atrae el
volumen cerrado,
tradicional, aunque da
vida de forma diferente a
los objetos con gran
simbolismo y
estilización.
Sus mejores obras han
ido en una línea de
depuración formal hasta
alcanzar lo absoluto en
cuanto a perfección y
despojamiento
anecdótico.
Torso mujer joven. Material: Onyx.

Experimenta con inquietud cómo
penetrar más allá de la
apariencia, hasta llegar a la
esencia y alcanzar la belleza
eliminando detalles y
simplificando formas.
Le atrae el volumen cerrado,
tradicional, aunque da vida de
forma diferente a los objetos con
gran simbolismo y estilización.
En su obra convergen los
principios escultóricos clásicos,
refundidos en clave de
vanguardia, aunque sin
vinculación a un movimiento
concreto.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
Foca I. 1930-32. Caliza y Mármol

Podría decirse que
Brancusi buscaba las
pureza de las formas, pero
que éstas no eran más
que un pretexto para
mostrarnos el espíritu, lo
inmaterial, lo permanente.
Tal vez ello explique
porqué muchas de sus
esculturas presentan esas
formas alargadas tan
características, como si
quisieran soltarse de sus
pedestales y romper a
volar, libres de toda
atadura.
http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html Columna al infinito.

http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/09/constantin-brancusi.html
Lo primordial, lo salvaje y lo
arcaico constituyen, en efecto, un
componente esencial de la
rebelión de los vanguardistas
contra el arte oficial.
Es justamente en la época en que
Brancusi llega a París, cuando los
artistas de avanzada estaban
descubriendo el arte negro, los
fetiches y las máscaras de
Oceanía, lo que influye en el
vuelco brancusiano de pasar
desde una cultura fervorosamente
guiada por las huellas de Rodin
hacia las formas de un sintetismo
plástico primitivo.
Margit Pogany - 1913-1915

http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/09/constantin-brancusi.html
El beso: la imagen del hombre y
la mujer que se abrazan uniendo
estrechamente frente con frente,
ojo con ojo, boca con boca, no
transmite a un simple episodio, ni
a un gesto, es un símbolo
concreto de la génesis.
Especialmente en esta escultura
puede notarse una característica
estilística que se irá tornando cada
vez más dominante en la
evolución de su arte: la
comprensión de la forma hacia su
interior, la concentración de la
energía plástica dentro de un
núcleo cerrado, compacto.

http://www.arteespana.com/constantinbrancusi.htm
Es la obra maestra en la que Brancusi logra por
primera vez el equilibrio perfecto entre fondo y
forma, la síntesis de los cuerpos y el bloque en el
que están esculpidos.
Son dos figuras abrazadas, que se besan. La
unión entre ambas es completa. En la cara
destacan los ojos, casi simétricos y la boca, que
es la misma para los dos. El pelo es un
movimiento de líneas paralelas onduladas, los
brazos están pegados a las figuras y el cuerpo
solamente es insinuado por la línea que los
divide y los une, la misma para ambas.
La textura es tosca, evita el pulido para
evidenciar la talla directa y los instrumentos
empleados.

http://www.arteespana.com/constantinbrancusi.htm
El rasgo que destaca en esta obra es la
unión de dos personas al besarse, que está
determinada por el bloque de piedra en el
que se representan. Se fundamenta en
componentes escultóricos, en aspectos
que pertenecen la propia naturaleza de la
escultura como son el volumen, la masa, la
textura y la sencillez compositiva.
Tiene una fuerte influencia del primitivismo
en el modo de representar los ojos, la
incisión del cuerpo, el cabello ondulado, los
brazos, etc.
En el beso se aprecia la búsqueda de la
esencia y la simplificación de la forma.

http://es.slideshare.net/manolo1952/152-vanguardias-histricas-futurismo-dadaismo-surrealismo-38817419

http://es.slideshare.net/manoloavila/escultura-9432037

Pablo Gargallo (1881-1934)
Es un gran artesano que trabaja con chapas de hierro dándoles formas
cubistas, aprovechando los espacios vacíos, dotándolos de fuerza, al igual
que las aristas.
El cubismo le suministra la metodología y él le aporta una gran visión
expresiva.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html

Formado en el Modernismo y luego influido
por la obra del escultor Maillol, mantuvo en
su obra dos opciones, una tradicional de
volúmenes plenos (Torso de gitano y
Bañista) y otra más ligada al Cubismo.
Descubre en las planchas de hierro su
configuración geométrica, pero más tarde
aprovecha los espacios vacíos para
dotarlos de fuerza, lo mismo que a las
aristas.
El Profeta es su obra más conocida, de
formas cubistas pero con un lenguaje
expresionista. Sus huecos, aristas y placas
curvadas nos sugieren músculos, rasgos
faciales, volumen.

A principios de siglo frecuentaba las
tertulias de Els Quatre Gats donde
conoció, entre otros, a Picasso, Nonell y
Manolo Hugué. En 1903 una beca le
permitió ir a París.
Después de volver a Barcelona, en 1906,
expone por primera vez individualmente
en la Sala Parés. En 1912 se establece
por dos años en París, donde
reencuentra nuevamente a Picasso,
Juan Gris y Manolo Hugué, entabla
amistad con Modigliani y descubre el arte
primitivo y el cubismo analítico de
Picasso y Braque.

Proveniente del Modernismo, pronto
lo abandona para aproximarse a la
tradición realista cuando trabaja con
materiales tradicionales, piedra o
mármol.
Pero durante su estancia en París toma
contacto con el Cubismo y en particular
con Picasso y comienza a emplear
nuevos materiales como el hierro, el
plomo o el cobre.
Sus primeras obras en metal datan de
1913. Su inclusión de la forma abierta y
el vacío, así como la introducción de la
línea en escultura le sitúan entre los
creadores europeos de un nuevo
lenguaje escultórico.

Gargallo se deja llevar también por algunas de las concepciones de las
vanguardias escultóricas que lo llevaron a sintetizar las formas y a
utilizar el espacio como un elemento constitutivo de sus obras.

El estilo de Gargallo es un estilo
personal con influencias cubistas y
expresionistas:
• Descomposición del volumen en
planos geométricos yuxtaponiendo
formas geométricas cóncavas y
convexas, con apenas unas
líneas mediante la incorporación
de varillas curvadas o planchas o
láminas de bronce o hierro que se
ensamblan con las que crea
formas simbólicas y estilizadas
• Considerar la forma escultórica no
como imitación de la realidad sino
como un nuevo volumen formado
por macizos y vacíos.
http://nolomaccesopaeg.blogspot.com.es/p/blog-page_64.html

Se basa en la búsqueda de
una síntesis formal de la
figura en planos
geométricos siempre fluidos
y en la valoración de los
huecos y los macizos.
Sustituye los materiales
convencionales como el
mármol o el bronce por las
láminas de hierro forjado.
Crea un nuevo lenguaje
escultórico introduciendo el
vacío como volumen y
dotando a sus figuras de
gran dramatismo expresivo.
http://www.arteespana.com/pablogargallo.htm

Gargallo trabajó con todo
tipo de materiales: el
mármol, la piedra, la
madera, el cartón; pero
sobre todo se expresó a
través del hierro y del
bronce, sin olvidar el
barro, en el que modeló
gran parte de sus ideas
(dadas las penurias
económicas que le
acompañaron gran parte
de su vida).
http://nolomaccesopaeg.blogspot.com.es/p/blog-page_64.html

En un momento determinado se sintió atraído
por los metales. Esta atracción lo condujo a
buscar nuevas soluciones técnicas y nuevos
planteamientos formales aunque continuó
haciendo obras figurativas con materiales
tradicionales como la terracota, la piedra o el
mármol.
Entre 1920 y 1923 incorpora la chapa de plomo
a la construcción de sus esculturas modelando
los volúmenes en negativo e incorporando el
espacio vacío a sus obras. También realiza una
especie de máscaras metálicas cóncavas, a
menudo con características caricaturescas, en
las que el espacio interior alcanza un gran
protagonismo.
Después aparecerán las figuras de pie hechas
con recortes soldados de hierro u otros metales.

https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/gargallo-pablo/a5f1c2b0-a693-483b-aba8-1b9207cb137d
Aprende de su amigo Julio
González la técnica de la
soldadura autógena y en 1929
inicia su época del hierro,
material en el que realiza
primero en chapa y después en
plancha, numerosas esculturas.

Entre sus obras más conocidas podemos citar, por ejemplo, los tres retratos de la
actriz Greta Garbo (1930-1931), en los que las chapas de hierro recortadas tan sólo
dibujan perfiles, algunos elementos aislados (un ojo, un tirabuzón del pelo, la nariz,
etc.) o contornos del rostro y donde el espacio se convierte en la materia constitutiva
de la obra.

Modelos y retrato de Greta Garbo

Otra de las piezas más famosas es
el 'Gran profeta' (1933), una obra
contradictoria que se debate entre la
figuración y la abstracción formal.
Se trata de una escultura
monumental que quiere aparentar
estar construida con fragmentos
añadidos a la manera del 'collage'
pero que responde, más bien, a los
conceptos del modelado tradicional;
una obra que pretende ser
vanguardista y experimental pero
que conserva un regusto académico
que hace que algunos críticos
perspicaces la califiquen de
manierismo vanguardista

En “El Profeta” combina la
lámina plana, el tubo
ondulado y el hueco,
creando multiplicidad de
planos en el más puro estilo
cubista pero introduciendo
espacio interno y líneas de
canto vivo, con una enorme
expresividad.

Julio González es quizá el principal
escultor del periodo en entreguerras.
Catalán, de familia de orfebres y
herreros, familiarizados con la forja y
los diseños ornamentales de joyería
modernista, reside en País desde
1900, donde realiza dibujos, pinturas,
trabajos de orfebrería y escultura en
bronce.
En 1937 presenta en la Exposición
Internacional de París su Montserrat,
de tremendo dramatismo, reflejo del
dolor de la situación de una España
desgarrada por la guerra.
Es el primero en utilizar el hierro de
forma sistemática.
Dafne

• Es junto con Gargallo el
gran innovador de la
escultura en hierro.
• Julio González parte de
planteamientos
cubistas pero llega a la
abstracción pura,
modelando poliedros
abruptos, formas
contrapuestas y líneas
y espacios
puntiagudos, como en
sus obras Mujer
sentada, Mujer ante el
espejo y Mujer
peinándose
http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf Mujer ante el espejo

Aunque nació en 1876 sólo se
dedicó a la escultura a partir de
1927, actualizando la forja como
técnica e incorporando el sistema
de la soldadura autógena.
Su producción se inicia con
chapas recortadas y soldadas de
vinculación cubista para ir
abandonando las referencias
figurativas hasta componer
figuras con delgados hierros casi
abstractos o de ecos surreales.
Sólo en alguna ocasión (Guerra
Civil) vuelve a un realismo con
chapa desgarrada, Montserrat
gritando.
Mujer sentada. Hierro y madera pintada. Forja y soldadura

Se formó en la metalistería artística
de su padre y en la escuela Llotja,
de Barcelona, y se marchó a París
el año 1899 como muchos otros
jóvenes artistas catalanes del
momento. Vivió en Francia hasta
su muerte.
En la capital francesa tuvo relación
con artistas como Brancusi,
Magnelli, Joaquim Torres i García,
Manolo Hugué o Picasso.
Con este último mantuvo amistad
toda la vida y colaboraron en la
realización de diversas esculturas,
una colaboración que fue muy
provechosa para ambos artistas.

La formación artesanal (forja, repujado,
fundición, etc.) y, sobre todo, el dominio
de la soldadura autógena, técnica que
aprendió en una fábrica francesa
durante la Primera Guerra Mundial, son
las bases sobre las cuales González
edifica su particular lenguaje escultórico
convirtiéndose en un maestro de la
escultura moderna en hierro.
Su obra es calificada a menudo de
abstracta aunque siempre se mueve
entre la figuración y la abstracción con
añadidos del cubismo y del surrealismo.
La obra de González representa una
nueva manera de entender la escultura
con la fusión expresiva entre la materia
y el espacio, con el juego entre lo vacío
y lo lleno, que él definía con la idea de
'dibujar en el espacio'.
Monsieur Cactus

• En 1927 se replantea su trabajo
artístico y se orienta hacia el
cultivo de la escultura.
• En esta época realiza sus
primeras obras en hierro.
• Son piezas de dimensiones más
bien reducidas y hechas con
planchas recortadas, forjadas,
repujadas o curvadas que giran
en torno a representaciones de la
figura femenina.
• Más adelante, además de utilizar
planchas, empieza a utilizar
también barras de hierro curvadas
y soldadas que le permitirán
construir formas abstractas que
nunca dejan de hacer referencia,
de una u otra manera, a la figura
humana

Entre sus esculturas más destacadas hay
que citar 'Mujer con espejo' (1936-1937),
que se encuentra en el Museu Nacional
d'Art de Catalunya, en Barcelona.
Se trata de una obra de estructura
vertical, de apariencia abstracta, hecha
con diversos recortes de hierro soldados,
que parte del esquema simplificado de
una mujer peinándose.
Es una obra donde la materia y el
espacio se complementan de manera
especialmente sugerente y expresiva.
Su gestualidad pone en relación, de
manera integradora, las formas orgánicas
y antropocéntricas con la abstracción.

Hay que mencionar también 'La
Montserrat' (1936-37), una obra más
figurativa y naturalista que representa
a una mujer con una criatura en brazos
y que se ha convertido en un icono del
rechazo a la guerra y a sus horrores.
La pieza se presentó en el Pabellón de
la República Española de la
Exposición Internacional de París del
año 1937, junto con las pinturas del
'Guernica' de Picasso y el 'Segador' de
Miró.
'La Montserrat' es una obra que puede
ser considerada también una
representación mítica de Cataluña, un
testimonio del padecimiento del pueblo
catalán ante la agresión fascista y un
manifiesto a favor de la libertad.

http://http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx

El escultor norteamericano David Smith (1906-1965) fue uno de los primeros
en subrayar el importante papel que representa el lenguaje personal de
González en la historia de la escultura moderna.
La escultura de González ha influido, de una manera u otra, en la obra de
escultores posteriores como David Smith, el británico Anthony Caro, los
vascos Eduardo Chillida y Jorge Oteiza o el valenciano Andreu Alfaro.

David Smith (1906-1965) realizó obras de un
estilo rígidamente abstracto, precursor
del minimal art.
Tras observar las fotografías publicadas de
las esculturas en hierro de Pablo Picasso y
Julio González, realizó su primera escultura
en metal a partir de piezas de maquinaria
agrícola y otros diferentes objetos de metal.
La pintura abstracta de las vanguardias
europeas y las aportaciones del
constructivismo ruso también fueron objeto de
su interés de Smith.
Con la técnica de la soldadura encontró una
libertad que, unida a la explosión de la
doctrina surrealista, le permitió plasmar de
forma espontánea las imágenes de su
inconsciente con resultados de una enorme
calidad estética.
http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx http://www.epdlp.com/pintor.php?id=373 http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/06/david-smith.html
http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=smith-david
"El héroe" (1951-52)

El expresionismo es, lo mismo que en pintura, una constante del
lenguaje escultórico.
Los artistas descubren pronto la intensidad expresiva de las deformaciones
y el vitalismo de los gestos crispados.
Los escultores insisten en las deformaciones y en los gestos de angustia, o
en las formas geométricas gesticulantes.

El movimiento
expresionista trata de
presentar en sus esculturas
figuras deformadas,
esquemáticas, corroídas y
arrugadas, tal y como debe ser
el alma del hombre que vive en
soledad y en total
incomunicación.
Emplean la deformación y el
propio tratamiento de los
materiales como elemento
expresivo.

Wilhelm Lehmbruck, autor de
figuras lánguidas y adelgazadas,
postradas y abatidas física y
mentalmente (Mujer
arrodillándose, Hombre
abatido).

Wilhelm Lehmbruck:
• Personajes estilizados, aislados,
reflexivos.
• Distorsión.
• Cierta melancolía.
• Agonía, miseria.
• Rostros inexpresivos o incluso
ausentes.
• Desnudos angulares, que
expresaban tanto dignidad como
desesperación

La intensificación expresiva del realismo
mediante deformaciones ofrece a
principios de siglo una tendencia dramática
en las esculturas de Ernst Barlach, el cual
consigue convertir sus mensajes en
muecas punzantes.

Ernst Barlach
• Las formas
angulosas y la
estilización
remiten a la
influencia del
expresionismo
medieval nórdico,
pleno de
misticismo.
• Realizó
numerosas tallas
en madera.
El mendigo. Catedral de Ratzeburg.

El suizo Alberto Giacometti,
buen conocedor de la
escultura africana, de Oceanía
y del cubismo, realizó varias
obras de carácter surrealista.
Posteriormente acentuará su
vena expresionista con figuras
que no parecen cuerpos sino
la mínima expresión humana,
almas que caminan, rugosas y
deformadas.
En su obra se muestran las
influencias tanto del
surrealismo como del
expresionismo.
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
7 figuras y una cabeza,

En sus obras investiga las formas:
“La mujer cuchara” y “Cabeza
plana” son dos de sus obras más
destacadas en su primera época.
Surrealistas serán sus obras a
partir de 1933: “Palacio a las
cuatro de la mañana” es todo un
mundo de sueños y fantasías.
La Segunda Guerra Mundial y sus
horrores y consecuencias propicia
una vuelta al Expresionismo cuyas
posibilidades expresivas no se
habían agotado.

“Después de 1945, me juré que no dejaría que mis estatuas menguaran
de tamaño sin parar. Pero sucedió lo siguiente: podía mantener la altura,
pero iban adelgazando, adelgazando… se volvían flacas y larguiruchas.”
Así contaba Giacometti su propia evolución hacia las figuras hiperestilizadas.
En estos años, presenta estas figuras formando conjuntos interrelacionados
sobre planchas de bronce, que interpretan lugares urbanos y espacios
naturales
http://www.hoyesarte.com/evento/2013/06/terrenos-de-juego-una-aproximacion-original-a-la-obra-de-giacometti/

La presencia inquietante de fragilidad
en sus esculturas es un recordatorio
de la vida como evolución creadora,
un pasaje que se transita y que tiene
un final.
En estas creaciones, que
representan la soledad y el
aislamiento del hombre, se ha
querido ver un trasunto de la filosofía
existencialista, y de hecho Jean-Paul
Sartre, el máximo representante de la
tendencia, reconoció en la obra de
Giacometti algunas de sus ideas y
escribió sobre ella.
http://notaalpie.org/2011/11/el-vacio-como-forma-alberto-giacometti/ http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giacometti.htm

http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
Las esculturas y
pinturas de ésta época
nos muestran figuras
frágiles y melancólicas, a
través de las cuales el
artista pretende reflejar la
debilidad de la existencia
del ser humano, como si
sus personajes estuvieran
continuamente
amenazados por el medio
que les rodea. Standing
woman (Mujer en pie,
1948) y Walking
man (Caminante, 1947)
reflejan perfectamente ese
característico estilo de
Giacometti.

Son los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial cuando Giacometti
ha consolidado su estilización característica y realiza sus plazas, en las que
las figuras se disponen relacionándose entre sí, caminantes que reanudan
la marcha después de la gran devastación, serie de bronces.

http://www.elmundo.es/cultura/2014/05/05/536746f1ca4741dc398b4573.html
Son seres descarnados, hechos
sólo de piel y huesos, paradigma
en bronce del hombre que ha
atravesado la peor de las
tormentas, que ha bajado a los
infiernos. Espectros reducidos a su
más triste condición material, casi
cadáveres, individuos solos,
anónimos. Seres "a mitad de
camino entre la nada y el ser",
según los definió el filósofo Jean
Paul Sartre.
Se han convertido en metáforas
existenciales de la terrible
experiencia que fue la II Guerra
Mundial

Su Hombre que camina—de impresionante
presencia—surge en estos momentos como
metáfora de la búsqueda y del progreso
asociados a lo humano. La interrelación entre
las figuras, sus modelos emblemáticos—el
caminante, la mujer de pie—formarán parte de
otros proyectos esenciales como el conjunto
realizado para el Chase Manhattan Bank en la
plaza donde tienen su sede neoyorquina, en un
interés por lo urbano que acompañó al artista a
partir de entonces, como campo abonado para
mostrar su visión de las relaciones humanas.
“La gente confluye y se separa, después se
aproxima para acercarse unos a otros. De
este modo, se forman y se transforman sin
cesar composiciones vivas de una
complejidad increíble. Es la totalidad de la
vida lo que me gustaría representar en todo
lo que emprendo”.
http://http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html

Giacometti representó una figura
masculina en sus formas más simples.
Aparece con las piernas abiertas como si
estuviera caminando y los brazos pegados
al cuerpos, su cuerpo se inclina hacia
adelante provocando una gran
inestabilidad; mientras su rostro y facciones
no aparecen si quiera definidos.
Sus brazos y piernas son demasiado
largos, distorsionados y se han reducido a
formas demasiado simples, al igual que el
resto de la musculatura. Pese a todo el
personaje representa como pocas
esculturas lo han hecho el dinamismo y el
movimiento; parece como si los talones
del caminante se despegaran del suelo
para avanzar en un paso casi sonámbulo
hacia el espectador.
http://arte.laguia2000.com/escultura/hombre-que-camina-giacometti#ixzz462IApgXu

Desarrolló un estilo muy personal de figuras
frágiles pero de una enorme expresividad.
Impregnadas de melancolía, sus pinturas y
esculturas reflejan un sentido débil de la
existencia, como si sus personajes sufrieran una
constante amenaza de destrucción por parte del
espacio que los rodea.
Estamos, pues, frente a una obra de gran carga
existencialista, ya que no se representa a un
hombre concreto, sino al “Hombre”. La obra está
dotada de gran expresividad y transmite
fragilidad y debilidad, como si el hombre
representado sintiese una amenaza de
destrucción por el medio que le envuelve.
Parecería como si con estas figuras el autor
quisiera mostrarnos los aspectos más trágicos y
desoladores de la existencia humana,
influenciado a fondo por los acontecimientos de
la época que le había tocado vivir.http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2009/09/revisa-tus-comentarios-de-escultura.html

La espantosa tragedia de la II Guerra
Mundial, con toda la lacra de horrores
que llevó consigo, provocó de nuevo
una vuelta al Expresionismo o
Neoexpresionismo, ahondando los
escultores en las deformaciones y en
los gestos de angustia y en formas
geométricas gesticulantes, como
nuevas obras de Lipchitz (Hagar), o en
el ruso Ossip Zadkine (ambos parten
de la estética cubista, movimiento al
que habían pertenecido anteriormente),
cuya obra El Grito es un monumento
conmemorativo a la destrucción de la
ciudad holandesa de Rotterdam, a la
vez que un testimonio de la capacidad
de destrucción del hombre.

Pablo Serrano.
Aún siendo posterior, parte de la
obra de este artista aragonés es un
ejemplo de escultura de enorme
potencial expresivo.
Aborda los temas que le preocupan
(el hombre, la muerte, la vida, Dios,
la comunicación…) y en sus retratos
emplea una técnica expresionista,
dotándoles de enorme hondura
psicológica, tratando de reflejar el
alma de la persona retratada.
Para ello emplea contrastes de
formas, texturas, aristas… tratando
de que la escultura sea un reflejo del
interior, de la personalidad interior
del retratado.
Miguel de Unamuno.
San. Fco. Javier

El Dadaísmo:
Su carácter inconformista,
irónico, radical y revolucionario
influyó poderosamente en la
escultura.
Frente al arte convencional y sus
técnicas y materiales elevan a la
categoría de arte objetos y
materiales de uso cotidiano o de
desecho.
La escultura-objeto, el ready-
made son alguna de sus
principales aportaciones y una
profunda crítica al arte
convencional y un rechazo a los
valores del arte.

Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de la escultura
al presentar como obras de arte, en la década de 1910, una serie de
objetos de la vida cotidiana. Sobresale por su espíritu transgresor su
célebre Fuente (1917).

Se inicia como pintor, pero
cambiará su trayectoria a escultor,
concretada en la realización de su
primer "objeto encontrado", la
"rueda de bicicleta" denominado
por la crítica como ready-made
(listo y hecho: el proceso de tomar
objetos cotidianos y a menudo
fabricados en serie y añadiendo la
firma de DuChamp), una
verdadera innovación escultórica.
Con ello pasa a convertir objetos
cotidianos, que no poseen ningún
valor específico y a los que él
añade una mínima transformación,
en obras de arte, sacándolas de
su contexto habitual.

• La aportación más importe al
dadaísmo son los Ready
mades.
• Son objetos de uso cotidiano,
generalmente fabricados de
forma industrializada, elevados a
la categoría de obra de arte por
voluntad del artista.
• Concepto nuevo de la voluntad
del autor.
• El dadaísmo se plantea quien es
el que marca la obra de arte y
abre paso al arte conceptual.
http://www.elarteporelarte.es/el-dadaismo-marcel-duchamp/

http://es.slideshare.net/PabloAG/el-dadaismo-52996019

http://es.slideshare.net/Havimejia/ha24-arte-conceptual

Dedica ocho años a realizar su obra
más conocida: "el Gran Vidrio", que no
podemos considerar únicamente como
pintura; es más bien una máquina
virtual disparatada y genial.
En el Gran Vidrio eso se percibe con
claridad, la complejidad, suma de los
muchos intereses que el autor tuvo a lo
largo de su vida, y llegó a publicar, en
1934, un manual, a la manera de un
libro de instrucciones de esos que
vienen con cualquier aparato, que
había que leer al mismo tiempo que se
contemplaba la obra.
En 1926, durante un traslado de la
obra el vidrio sufrió desperfectos y en
ese momento Duchamp la declaró
concluida.
Gran Vidrio: La novia puesta al desnudo por su solteros, incluso.

Todos los componentes insertos en los
cristales actúan como subconjuntos
relacionados entre sí, impulsando una
verdadera máquina erótica y conceptual
que se activa imaginariamente siguiendo
las instrucciones contenidas en las notas,
planos y estudios preliminares para El Gran
Vidrio.
La mitad superior es de dominio femenino,
donde se encuentra el personaje principal:
La Novia, también llamada Motor-Deseo.
En el plano inferior encontramos a los
solteros, también llamados, Nueve Moldes
Machos, Cementerio de Libreas.
Con su virilidad intacta de solteros, esperan
casarse con la novia en el plano inferior,
mientras se mueve espontáneamente el
Molino de chocolate.
http://www.mac.uchile.cl/content/documento/2015/septiembre/ficha_digital_la_mariee_mise_a_nu_par_ses_celibataires_meme.pdf
Gran Vidrio: La novia puesta al desnudo por su solteros, incluso.

http://arte.laguia2000.com/escultura/el-gran-vidrio-duchamp
El Gran Vidrio se nos presenta como un gran enigma visual, en la que su
significación queda abierta a la imaginación del propio espectador aun
contando con un manual de instrucciones para observarla escrito por el
propio autor.

Kurt Schwitters (1887-
1948) fue, junto a
Duchamp, el otro gran
exponente de la
escultura dadaísta.
Alcanzó su mayor
dimensión creativa
trabajando con
materiales toscos y de
desecho, a partir de los
cuales obtenía piezas
de notable belleza.
Rompe las fronteras
entre escultura, pintura
y poesía.

Realizó collages
y assemblages con
materiales de desecho,
que denomina Merz,
nombre derivado de la
mutilación fortuita de la
palabra Kommerz, que
había utilizado en uno de
sus collages.
Merz se convertiría en
sinónimo del nuevo arte
multidisciplinar que
realizará.
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/520

Utilizaba lo viejo como material
para una nueva obra de arte,
entendiendo ésta como una
experiencia que integraba y
establecía relaciones entre
cualquier tipo de materias, tanto
las tradicionalmente utilizadas por
los artistas, como las
pertenecientes al mundo
cotidiano.
La técnica del ensamblaje de
objetos varios será una de sus
aportaciones al arte
contemporáneo, si bien ya la
habían iniciado desde el collage
artistas como Picasso o Braque.
http://www.educathyssen.org/capitulo_3_kurt_schwitters

Schwitters recorría su ciudad
natal, Hannover, de la misma
manera que lo habían hecho
los primeros creadores del
collage cubista: rescatando
los objetos humildes y
desechados por la sociedad
para darles nueva vida en
otro contexto muy diferente,
el territorio del artista. Acogió
a estos retazos de la vida
real y les dio el mismo valor
que a los tradicionales
materiales del arte, el color al
óleo, el lienzo, el empaste y
la veladura

Sus creaciones de vanguardia a base
de objetos encontrados serían
calificadas por los nacionalsocialistas
como «arte degenerado» y, por tanto,
perseguidas.
En fases sucesivas fue ganando
terreno la abstracción plena.
«Mi aspiración última es la unión
del arte y el no-arte en la visión total
del mundo Merz».

Jean Arp (1887-1966)
En contacto con los dadaístas
y los surrealistas, realiza
relieves en madera pintada los
cuales, más que suponer un
trabajo puramente escultórico,
son como collages
tridimensionales a los que en
algunos casos
denomina constelaciones.
Arp no dejó de experimentar
con este tipo de formas en las
que lo que denominaba "leyes
del azar" jugaban un papel
fundamental.
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/05/la-escultura-biomorfica.html
“Constelación con cinco formas blancas y dos negras (variación
3)". 1931, Nueva York
"Lágrimas de Enak (formas terrestres)". 1917, Nueva York

A partir de la década de los
años veinte introdujo
sustanciales novedades en sus
esculturas, que ahora
adquieren formas curvadas,
muy sinuosas, en las que las
aristas brillan por su ausencia.
Es lo que el mismo llamó
"esculturas biomórficas“,
queriendo hacer alusión con
ello a la relación que, a su
juicio, se establecía entre la
pura creatividad artística y la
creación en la misma
naturaleza.
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/05/la-escultura-biomorfica.html

Jean Arp (1887-1966)
Evolucionó hacia formas de
aspecto monumental en las
que el volumen, las superficies
curvas, la belleza de la materia
y la unidad de conjunto son los
valores esenciales. Se inspira
en la morfología de elementos
naturales (cantos rodados,
conchas pulidas) que sugieren
elementos orgánicos humanos.
Anticipa el informalismo o la
pura abstracción

El surrealismo también influyó en
la escultura, si bien no de un modo tan
importante como en la pintura.
Diversos artistas surrealistas, más
conocidos como pintores, también
realizaron obras escultóricas en las
que muestran algunos de los
principios de este movimiento, como la
asociación automática, las visiones
oníricas, el mundo del inconsciente…
Los escultores en general mantuvieron
una relación más libre con el
surrealismo que los pintores, pudiendo
encontrarse algunas de sus
características en obras que
comparten otro tipo de estilos.

http://es.slideshare.net/cnavime/tcnicas-y-tendencias-escultricas

http://slideplayer.es/slide/21663/

http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-max-ernst-el-rey-jugando-con-la-reina.html
El rey jugando con la reina se puede entender
como una representación simbólica del «otro
lado» de la vida del individuo, como la imagen de
un poder superior no controlable racionalmente,
que dirige y decide sin que la conciencia
individual advierta esta manipulación radical.
Despierta asociaciones eróticas además de
románticas, dada la circunstancia de que el
monarca, que protege a la reina y la abraza
posesivamente, lleva cuernos. Evoca al
Minotauro con su violencia sensual.
Cabe interpretar El rey jugando con la reina como
una imagen del juego del poder en el gran
escenario de la historia. El año de su realización
(1944), la escultura se presentaba marcada por
enfrentamientos dramáticos y bélicos

http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-max-ernst-el-rey-jugando-con-la-reina.html
Alberto Giacometti: “La bola suspendida”
Con esta obra “móvil” Giacometti aborda los
temas del deseo y de la frustración por no
alcanzarlo, con un cierto componente sexual.
Aborda el tema del deseo insatisfecho.
Consiste en una bola suspendida sobre una
cuña que el espectador desea, pero no puede,
balancearla completamente sobre la cuña,
dado que la longitud de la cuerda no lo
permite..
Es un objeto de funcionamiento simbólico-
automático.
Introduce el movimiento en la escultura.

Alberto Giacometti: “Mano aprisionada”. 1932
Un objeto de
vinculación
surrealista que
muestra el brazo
y la mano de un
maniquí
trabados en un
artificio de
poleas.
http://luisantoniodevillena.es/web/articulos/giacometti-siempre-extrana/

http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/hans-bellmer.html
Hans Bellmer: “La Muñeca”
Inspirado en los recuerdos nostálgicos de su jardín secreto la diseña para
cumplir con su necesidad de escapar de la realidad y para despertar deseos
relacionados con los encuentros sexuales secretos de su adolescencia.

La muñeca es un simulacro femenino, de una
“mujer que no existe”. Es una escultura
construida con la ayuda de su hermano, con
palos de escoba, varillas de metal, de madera
tallada y yeso de París, que representa a
tamaño casi real (1,40 m.), una muchacha de
cabellos morenos, desnuda y con calcetines,
pero que tiene cuatro piernas y numerosas
articulaciones para un único torso de mujer
adulta.
Es un objeto con pretensiones eróticas, una
“criatura artificial con múltiples posibilidades
anatómicas”, una “criatura irreal”, mediante la
cual Bellmer intenta descubrir “la mecánica del
deseo” y desenmascarar el inconsciente
psíquico que nos gobierna.

http://www.gunsserif.com/2011/10/la-muneca-hans-bellmer.html
Después Bellmer la coloca en
bosques y jardines para
comenzar a realizar una serie de
fotografías.
La Muñeca va a adoptar poses
en situaciones eróticas,
dramáticas y sadomasoquista,
imponiéndole toda clase de
metamorfosis.
Trataba de explorar el
inconsciente humano a través de
un erotismo morboso que revela
los bajos instintos humanos.

https://vitaminagrafica.wordpress.com/2013/07/24/los-objetos-surrealistas-y-salvador-dali/
Salvador Dalí:
“El objeto surrealista es un objeto absolutamente inútil desde el punto de vista
práctico y racional, creado únicamente con el fin de materializar de un modo
fetichista, con el máximo de realidad tangible, ideas y fantasías de carácter
delirante.”
Objeto surrealista. 1936
Assemblage: Formado por caja
recortada conteniendo
pisapapeles, figura cónica,
figura erótica y figura de gallina,
guantes de chocolate, zapato,
caja de cerillas, molde de pie y
piedra calcárea con inscripción
(originalmente incluyó un pan y
más objetos).
Caja de cartón, piedra, barro
policromado, cristal, alpaca,
cuero, chocolate, papel de
aluminio, caja de cerillas y
escayola

http://www.artehistoria.com/v2/obras/9553.htm
Salvador Dalí: Zapato y vaso de leche, Objeto
surrealista de funcionamiento simbólico
A Dalí se le ocurre la creación de objetos
surrealistas, dando lugar a una de las etapas
más fructíferas del movimiento.
"Un zapato de mujer en cuyo interior se ha
colocado un vaso de leche, en el centro de una
pasta dúctil del color de los excrementos. El
mecanismo consiste en dejar caer un terrón de
azúcar en el que se ha pintado un zapato con
objeto de ver primero el terrón y luego el zapato
deshacerse en la leche. Diversos accesorios
(un mechón de vello púbico pegado a otro
terrón, una pequeña fotografía erótica)
completan el objeto, que incluye también una
caja de terrones de azúcar de repuesto y una
cuchara especial que sirve para remover los
perdigones que hay dentro del zapato”

https://www.salvador-dali.org/serveis/premsa/noticias/295/exposicion-sobre-escultura-en-pubol
Salvador Dalí: Busto de mujer retrospectivo
La pieza está formada por un busto de bronce
que incorpora a distintos elementos mediante
la técnica del ensamblaje: una barra de pan,
dos panochas de maíz, plumas, un zoótropo o
tira de papel pintado, un tintero con figuras del
Ángelus con dos plumas y arena.
De forma provocativa contribuye al surrealismo
con objetos que apelan al deseo, al sexo y a la
perturbación.
El mismo Dalí define objeto surrealista en Vida
Secreta con las siguientes palabras:
"desconcertantes a primera vista, pero gracias
a los cuales la gente ya no debía limitarse a
hablar de sus fobias, manías, sentimientos y
deseos, sino que podía tocarlos, manipularlos
y hacerlos funcionar con sus propias manos".

Joan Miró:
El interés de Miró por la escultura
deriva de una voluntad de
superar los límites estrictos de la
pintura.
La primera pieza realizada por él
en 1931, a base de objetos
ensamblados, en el más puro
espíritu provocador del
surrealismo, resulta ya muy
significativa, pues proclama con
rotundidad el papel fundamental
que le atribuye al objeto como
generador de sentidos.
Personaje con paraguas -1931- madera, hojas secas y paraguas
https://alegrejardin.wordpress.com/2012/06/17/las-esculturas-y-ceramicas-de-joan-miro/

http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
En su obra como escultor, Joan Miró muestra las constantes de su mundo
personal.
• Inspiración en el arte primitivo.
• Presencia de formas orgánicas semiabstractas.
• Objetos oníricos y fantásticos.
• Presencia de los seres habituales en el universo mironiano (estrellas, lunas,
pájaros, mujeres, formas curvilíneas, infantiles).
• Personajes y objetos como pertenecientes a una galaxia mágico-religiosa
• Incorporación del color

La luna y el sol, el principio femenino y el
principio masculino, la noche y el día,
fuerzas a la vez opuestas y
complementarias, son referencias
constantes en la obra de Miró.
Pájaro (lunar) presenta, al igual
que Pájaro (solar), un modelado austero y
una superficie pulida y el aspecto general
evoca ciertas figuras arcaicas o votivas.
Pájaro (solar) guarda más la apariencia
de un pájaro, mientas que Pájaro
(lunar) parece más próximo a los
personajes mironianos ligados al mundo
terrestre.
El primero es más horizontal, más estático;
el segundo, más vertical y dinámico.

Entrado el año 1967, Miró
introduce el color en la
escultura.
En las esculturas de bronce
pintadas, el metal queda
disimulado bajo una capa de
color intenso.
A pesar del volumen, las obras
tridimensionales de Miró dejan
entrever la mirada del pintor: el
color marca una diferencia
entre cada componente y el
punto de vista frontal se
impone a los otros.
La caricia de un pájaro

Alberto Sánchez, hombre de
pueblo formado a sí mismo
en contacto con las formas
naturales.
Abandona los ecos realistas
para hacer figuras erguidas y
misteriosas con curvas
sinuosas e incisiones
enigmáticas.
Su organicismo abstracto
posee una fuerza casi
geológica.

Henry Moore desarrolló sobre
premisas muy personales una
obra encuadrada dentro del
organicismo, en la que adquiría
especial importancia la figura
humana deformada a través de
huecos, líneas curvas y
grandes volúmenes.
Abundan los perfiles curcos, las
formas ondulantes, los
espacios vacíos, las
composiciones cerradas…
Es un artista original,
difícilmente encajable, aislado
de cualquier escuela.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf

Realizó numerosas obras de
gran tamaño para ser
expuestas en espacios
públicos, con una concepción
monumental de la escultura.
http://arelarte.blogspot.com.es/2012/11/henry-moore-materia-volumen-vacio.html

De origen británico, en él influye
el románico inglés, Juan Pisano,
Massacio, Miguel Ángel, el
Surrealismo, Brancusi,
Picasso... así como las
referencias al arte precolombino
o etrusco, a la escultura de a
islas Cícladas o de Oceanía.
Sus figuras adquieren un
carácter monumental.
Se destacó por la aplicación del
hueco a la escultura y el empleo
de formas orgánicas
deformadas.

http://arelarte.blogspot.com.es/2012/11/henry-moore-materia-volumen-vacio.html

http://es.slideshare.net/marujin/escultura-ciclada-4041277

http://es.slideshare.net/Educamus/museo-britanico

Obras de
Henry Moore
Tótems de diferentes culturas

Para él es más importante la
fuerza que la belleza
convencional.
La figura es tratada como si
fuera arquitectura, adquiere
un aire monumental, incluso
cuando es de pequeño
tamaño.
Su profundización en los
secretos de la forma-
expresión se mueve entre la
abstracción, la figuración y la
semifiguración.

Algunas de sus características:
• Gran concepción de la masa y el
volumen.
• La exageración de las formas.
• El empleo del hueco como medio
fundamental de expresión.
• El claro predominio de la línea
curva
• Monumentalidad.
• Fuerza vital, como en los tótems
primitivos.
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2010/02/henry-moore.html

Disfruta trabajando el material y descubriendo el camino que este le indica, antes
que alterar deliberadamente la forma natural de una pieza de piedra, bella por sí
misma.
Representa, por tanto, una línea más amable y más clásica, con tendencia a las
formas orgánicas y humanísticas.
En sus maternidades, la línea curva, sinuosa, las composiciones cerrada trasmiten
una sensación de protección.

Uno de sus temas preferidos es la
figura femenina reclinada,
consiguiendo crear una sugerente
mujer, muy vital y madre.
Otro tema común es la mujer asociada
a la fertilidad, de inspiración
prehistórica.
Disfruta trabajando el material y
descubriendo el camino que este le
indica, antes que alterar
deliberadamente la forma natural de
una pieza de piedra, bella por sí
misma.
Figura recostada y Madre reclinada e
hijo.

Influido por todas las vanguardias, su obra alcanza madurez a partir de 1935. Su
humanismo se concreta en una serie de temas recurrentes: grupo familiar, la
maternidad, el guerrero herido, personas echadas.
Es un artista original, difícilmente encajable, aislado de cualquier escuela. Una de las
obras más conocidas de Moore, junto con La familia, es esta la Figura Reclinada,
donde se observa una evolución hacia formas cada vez más abstractas.
Las deformaciones de los miembros y la potencia sugestiva de los espacios vacíos
que separan las figuras anticipa los huecos o espacios internos de la escultura
posterior.

Alexander Calder.
Es una figura singular, inventor
de la escultura móvil, para la
cual estaba muy preparado
gracias a sus estudios de
ingeniería.
Sus "objetos libres", apoyados
o colgantes, hechos con
alambres y láminas de metal,
se mueven casi siempre con
las mínimas corrientes de aire.
Fue el creador de los
singulares móviles, conjuntos
de piezas de hierro, pintadas y
articuladas, que constituyeron
el primer antecedente de la
escultura cinética.

En plena ebullición de las
vanguardias, reinventó las
posibilidades de la
escultura, al forjar retratos
en alambre de colegas
como Joan Miró o Fernand
Léger, de figuras del
espectáculo como la
cantante y bailarina
Josephine Baker, de
acróbatas y otros
personajes del circo, del
teatro y la danza.
.

https://mgarquitectura.wordpress.com/2013/09/25/alexander-calder/

De origen americano, fue el más
importante escultor cinético.
Aplicó sus conocimientos de
ingeniería a los objetos y así consiguió
una escultura que se moviese.
Al moverse se consigue el volumen,
sus obras están en equilibrio y, a
veces, disponen de un pequeño motor
que es lo que hace que se muevan.
Su obra está en conexión con la
vanguardia abstracta.
En su obra destacamos los mobiles,
es decir lo móvil, lo ligero; y los
estabiles, lo pesado.

La obra ya no es una masa sólida y
expuesta sobre un pedestal, sino que
cuelga del techo conformando delicadas
líneas en el espacio.
El reto de combinar la abstracción con el
movimiento se convirtió en una obsesión.
La creación de formas abstractas,
tridimensionales y cinéticas, Calder fue el
escultor del movimiento, el pionero del
arte cinético e inventor de los móviles, un
término acuñado por su amigo Marcel
Duchamp para describir sus primeras
piezas mecánicas propulsadas por un
motor se mueven y transforman
constantemente gracias al impulso de un
motor, de una ligerísima corriente de aire
o incluso por los efectos cambiantes que
les imprime la luz.

Sus "objetos libres" o "móviles", apoyados o colgantes, hechos con
láminas de metal, se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de
aire.
Los más originales son los móviles aéreos, hechos de materiales ligeros y
unidos por varillas de alambre, suspendidos del techo, que giran, se
mueven, suben y bajan y emiten sonidos metálicos.

La década de los sesenta fue un
periodo de renovación de los
planteamientos estéticos de la
escultura.
La era del pop art abrió paso a la
exaltación visual de lo doméstico,
expuesto de la manera más
descarnada.
En este movimiento destacaron
Claes Oldenburg (n. en 1919),
y George Segal (n. en 1924)
y Duane Hanson (n. en 1925), que
centraron su creación en los
vaciados en diversos materiales de
modelos humanos propios de la
era de la publicidad.

Robert Rauschenberg:
En 1955 hizo sus primeras Asociaciones,
ensamblajes tridimensionales en los que
las pinturas se combinaron con imágenes
encontradas, como fotografías y objetos
de la cultura popular tales como señales
de tráfico, focos, bombillas, botellas de
Coca-Cola o aparatos de radio, que
creaban unos efectos irónicos o ridículos.
El más conocido de ellos, Monograma
(1955-1959, Museo Moderno de
Estocolmo), presenta una cabra disecada
con un neumático a modo de imposible
flotador. Estos trabajos híbridos,
enfatizando los objetos fabricados en
serie, tuvieron una fuerte influencia en el
arte pop
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=344

http://es.slideshare.net/Havimejia/ha24-arte-conceptual http://html.rincondelvago.com/escultura_2.html
Rauschenberg introdujo lo que él llamaba
“pinturas combinadas”, cuyos últimos ejemplos
presentan la tridimensionalidad de la escultura,
incorporando chatarra y objetos encontrados a
la superficie del lienzo.

Claes OLDENBURG (1919),
estadounidense de origen
sueco, es conocido sobre
todo por sus instalaciones de
arte público que representan
réplicas a gran escala de
objetos cotidianos. Otro tema
frecuente en su obra son las
versiones en escultura blanda
de objetos normalmente
duros.

http://es.slideshare.net/manolo1952/162-arte-de-la-segunda-mitad-del-s-xx-vuelta-a-la-figuracin

http://es.slideshare.net/Havimejia/ha27-escultura-e-instalacion?qid=aafacfb3-f53a-44f2-b804-86efaf5982bd&v=&b=&from_search=2

George Segal hace vaciados en yeso del
natural y es lo que expone, de modo que el
espectador no puede percibir los rasgos
naturales
George Segal. Bus Riders. 1964.
Hirshhorn Museum.
Street Crossing (1992) Montclair State University

Jasper Johns, discípulo de Duchamp, hizo una escultura en bronce a
base de latas de cerveza, Bronce pintado (1960, colección privada), en la
que planteaba el problema estético de la utilización de objetos cotidianos
como forma artística.

http://html.rincondelvago.com/escultura_2.html
Las composiciones de
Kienholz en técnica mixta,
tales como El hospital
estatal (1964-1966, Museo
Moderno, Estocolmo) que
representa a los pacientes
postrados en camas, llaman
la atención de modo gráfico
sobre los aspectos más
terribles de la sociedad
contemporánea.

Duane HANSON (1925-
1996) destaca por sus
esculturas hiperrealistas de
personajes a escala natural,
hechas de resina de
poliéster, con ropa y objetos
reales, que producen
sorpresa y cierta
incomodidad en el
espectador. Concebía sus
esculturas para denunciar las
injusticias sociales, pero
también para exponer con
ironía el arquetipo de la clase
media norteamericana.

John De Andrea trabajó especialmente las figuras humanas
desnudas en resina de color carne, con cabello y vello reales,
dotándolas de un potente erotismo y morbosidad

Ron Mueck. Esculturas hiperrealistas, con silicona y otros
materiales, a veces de dimensiones colosales.

El arte Conceptual es un vasto
movimiento que tiene como denominador
común la supremacía de la idea, del concepto
sobre el objeto. Aquí el artista solo elabora
propuestas y es el espectador el que tiene que
materializar o intervenir sobre ellas, por tanto
responde a una preocupación por los
problemas de comunicación.
La materia sobe la que trabaja el artista es la
realidad misma (construye con ella, agrega,
rebaja, excava...), considerándose
potencialmente estético todas las
intervenciones operativas que sobre la
realidad se efectúen (enriquecimiento de
nuestros actos cotidianos);
Precisamente lo que pretende el arte
conceptual es romper las barreras entre el
arte y la vida (nuevo dadaísmo o
Neodadaísmo).

Son obras que ponen énfasis no en los aspectos formales sino en los
componentes mentales del arte y de su recepción: lo material queda en
segundo plano al pasar al primero la teoría y la actividad reflexiva
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html?pfstyle=wp
Cildo Meireles
Insertions into Ideological Circuits: Coca-Cola
Project 1970

El arte conceptual es una contestación al sistema de la sociedad de
consumo, por la vía de evadir los circuitos del mercado estético, las
galerías y los marchantes, que convierten a la obra de arte en una
mercancía: el arte no es mercancía, sólo creatividad y ésta es necesaria
para nuestra vida.

Joseph Kosuth presenta en 1965 su obra Una y tres sillas, donde hay
una silla en la realidad, su fotografía y un texto del diccionario donde se define
la palabra silla. Juntos configuran el concepto de silla, lo que es mucho más
completa que la representación de la imagen de la silla.

La escultura de las últimas décadas del siglo XX experimentó una serie de
transformaciones que dieron lugar a escuelas específicas como:
• La corriente arte povera italiana utilizó materiales de desecho sin
ninguna tradición escultórica, como trapos, muebles viejos o residuos
de todo tipo.
• El minimal art redujo a su expresión más exigua la expresividad de los
objetos, con frecuente recurso a juegos de iluminación e instalaciones
provisionales.
• El land art propuso la intervención del escultor en la naturaleza para
emplearla como medio de expresión.
• La tendencia a prescindir de la perspectiva humana se rompería con el
llamado body art, en el que el propio cuerpo humano hace las veces de
soporte de la obra escultórica.

El Arte Povera (arte pobre) nació en
Italia a finales de los sesenta, y
buscaba un lenguaje emotivo, íntimo,
alejado del enfoque comercial del arte,
siendo efímero, antiformal y trivial,
dando todo el protagonismo a los
materiales y a sus cualidades físicas y
a su mutabilidad o transformación.

Sencillez de los medios y materiales
utilizados, materiales orgánicos, pobres
en un mundo tecnológicamente rico.
(plantas e hierbas, sacos, cuerdas,
trapos viejos, grasas, tierras, leña,
minerales...) siendo una crítica a la
sociedad consumista del momento

De este grupo destacan
autores como Michelangelo
Pistoletto (Venus de los
trapos), Mario Merz (autor de
varios iglus) o Jannis
Kuonellis (quién colocó en
1969 doce caballos vivos en la
galeria L´Attico de Roma).
M. Pistoletto. Venus de los trapos.Richard Serra. Fulcrum. Londres.
Mario Merz. Iglú de piedra
Untitled', Jannis Kounellis

En escultura, el Minimal Art se concretó en formas geométricas simples que
no representaban ninguna imagen. Los escultores minimalistas encargaban
sus obras a industriales y trataban de no participar en el proceso para que en
la pieza no hubiera «ningún rastro de humanidad».
La obra de los minimalistas podía captarse en su totalidad de una sola vez y
de forma inmediata. Su propia presencia era todo lo que había que ver en los
objetos. Cualquiera podría entenderlos a primera vista.
Los minimalistas Robert Morris, Sol LeWitt, Donald Judd y Dan Flavin
destacan por la sencillez geométrica y la repetición modular a gran escala, y
Richard Serra por sus enormes instalaciones con planchas de metal.
http://nosgustalosimple.blogspot.com.es/2009/12/el-minimalismo-de-durex.html

http://www.slideshare.net/RFA2009/arte-siglo-xx-pintura-y-escultura?ref=http://historiarteymas.blogspot.com.es/p/clase-extra-de-los-lunes-siglo-xx.html

Características:
• Obras tridimensionales
• Con partes idénticas y repetidas
• Superficies monócromas y neutras, otras veces coloridas.
• Materiales industriales (hormigón, aluminio, PVC, nuevos materiales…)
• El espacio real es tan importante como el espacio representado (la obra en
sí).
• Las obras y el entorno interactúan generando así un todo artístico y real
donde el espectador se envuelve y forma parte de él, cambiando así el
concepto de obra contemplativa y rompiendo al mismo tiempo con el
sentido de interpretación tradicional.

Donal Judd (3/06/1928 –
12/02/1994)
Su obra se caracteriza por el
empleo de figuras
sólidas simétricas, normalmente
cubos o figuras cuadrangulares.
La repetición de elementos
idénticos tiene como resultado la
ausencia de jerarquía visual
Utilizaba las paredes o el suelo y
jugaba con el espacio creado por
los diferentes elementos de sus
obras. Uso de nuevos
materiales, como metales
industriales o plexiglás

Carl Andre (16/09/1935)
Su estilo se caracteriza por la
utilización de ladrillos
cuadrados ordenados a modo
de cuadrícula
Utilizaba principalmente el
suelo como soporte (algunas
obras incluso pueden pisarse)
También escribió poemas que
consistían en diseños
formados con palabras, que no
respondían a un orden
gramatical sino a un orden
visual.

Sol LeWitt
(09/09/1928-
08/04/2007)
Se caracteriza por
mezclar sus pasiones
artísticas creando
estructuras
escultóricas hechas
con la fotografías o
que incluían la pintura
Normalmente utiliza
estructuras abiertas y
modulares el cubo

Dan Flavin (01/04/1933)
Se caracteriza por la creación de
estructuras mediante tubos de neón
El uso de la luz crea diferentes
ambientes y propicia los cambios en
la percepción visual

Anthony Caro y Richard
Serra (también participa del arte
Póvera), hacen grandes obras de hierro
y otros metales, en espacios públicos,
pero también de manera ordenada y
racionalizada, donde el material sigue
siendo el protagonista.
Anthony Caro. Promenade

http://html.rincondelvago.com/escultura_2.html
LAND ART
Durante los últimos años
de la década de 1960
varios escultores se
dedicaron a la creación
de espacios naturales.
Entre estos artistas
estaban Robert Morris,
Michael Heizer y Robert
Smithson, quienes
abandonando sus
talleres se volcaron en la
investigación de temas
geológicos y minerales.

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