1. TEORIA
ULTIMAS TENDENCIAS

2. EL PENSAMIENTO DE LA
ÉPOCA
En la posmodernidad se observa un nuevo pensamiento en el que todo vale,
donde la cultura light y el consumismo se volvieron sus principales ideales,
produciéndose así un cambio de valores y se habla de pluralidad. La sociedad solo
quiere vivir el presente y todo se vuelve efímero, con respecto a las creencias el hombre
basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que el
subjetivismo impregna la mirada de la realidad, también hay pérdidas de fe en la razón y
la ciencia, pero en contrapartida se rinde culto a la tecnología.

3. El Decontructivismo es una tendencia que se produce en la posmodernidad, la
cual influye en el diseño y el todo aspecto de la vida. Se basa en la filosofía de Jacques
Derrridá centrada en el lenguaje, la cual consiste en demostrar cómo se ha construido un
concepto cualquiera, a partir de procesos históricos y acumulaciones metafóricas,
mostrando que lo claro y evidente dista de serlo, que lo verdadero en sí es relativo, lo
que significa que todo texto tiene más de un significado.

4. LOS HECHOS MAS
REELEVANTES
El siglo XX se ha caracterizado por los avances de la tecnología, medicina y ciencia en
general, pero también por atrocidades humanas tales como las guerras, el genocidio y sin que se

5. hayan resuelto las diferencias económicas entre países. En los últimos años del siglo ha
comenzado un fenómeno llamado globalización.
Con respecto al marco histórico se encuentran dominantes el conflicto árabe-israelí y la
etapa final de la guerra de Vietnam, que fue un conflicto bélico entre 1964 y 1975 donde se
enfrentó a la República de Vietnam, o Vietnam del Sur, apoyada principalmente por los Estados
Unidos, contra la República Democrática de Vietnam, o Vietnam del Norte, apoyada por el
bloque comunista, dentro del contexto general de la Guerra Fría. La cobertura de este conflicto
fue realizada por los medios de comunicación que permitió la denuncia de las frecuentes
violaciones y abusos de los derechos humanos cometidos por los dos bandos, y esta guerra se
destaca por transcurrir sin la formación de las tradicionales líneas de frente, y la utilización de
armas químicas y aéreas.
También en 1989 se produce históricamente la caída de URSS y del bloque soviético,
que en general se encuentran más debilitados que nunca. En noviembre el muro de Berlín que
encarnaba la división de dicha ciudad desde el fin de la segunda guerra mundial, fue demolido
por los propios berlineses, dando con ello el fin a la era soviética. Tras este hecho se da el
nacimiento de nuevos estados independientes y así se permitió la reforma política en las
naciones que habían permanecido bajo la influencia de la URSS.
Entre 1991 y 1992, el Oriente medio aumentó su división interna y los países árabes
dejaron de representar un peligro para la existencia del estado de Israel. La Guerra del Golfo fue
el evento que mas dividió a los árabes y algunos de ellos llegaron a aliarse con EEUU y otros
países occidentales para atacar a Irak.
En cuanto a tecnológico en 1980 aparecen los videojuegos se hacen cada vez más
populares. Comienza a extenderse, de este modo, una industria que en la actualidad genera
beneficios superiores a los del cine o la literatura. Así nace una nueva cultura, una nueva forma
de interactuar, pensar, entretenerse. También la aparición de Internet como una herramienta al
alcance de la población, marca una revolución cultural que ha cambiado la manera en que las
personas se comunican.
En cuanto a lo científico, las transformaciones más importantes son el descubrimiento
de antibióticos y anticonceptivos, el trasplante de órganos y la clonación, entre otros. Además se
desarrolla la mecánica cuántica y de la física de partículas, y se produce eñ Enunciación de la
Teoría de la relatividad y del modelo cosmológico del Big Bang (como creación del universo).
En cuanto al marco cultural de esta época el Rock and Roll surge como estilo musical y
alcanza un gran desarrollo desde mediados de siglo, es un género musical de ritmo marcado,
derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense, su cantante
más influyente fue Elvis Presley.

6. LA ARQUITECTURA Y EL
DISEÑO DE INTERIORES

7. Nuevos materiales utilizados en el mobiliario: todos los derivados de los plásticos,
acrílicos, poliuretanos, sobre todo, después hay diseñadores como Ron Arad, que experimenta
con nuevos materiales, o recicla (también Ghery recicla)
Charles Willard Moore (1925-1993) era un
arquitecto americano, educador, escritor
nacido en Michigan. Una de sus obras más
importantes es “Piazza d'Italia” en New
Orleans.
Javier Mariscal es un reconocido
diseñador multidisciplinar español nacido
en 1950.
Sillón “Alessandra” de la colección
"Muebles Amorosos”. Esta realizado en
acero y poliuretano. Sus dimensiones son
99 x 112 x 99 centímetros.
Udine (Italia).Data de 1995.
Continuidad Moderna
Richard Meier es un arquitecto
estadounidense nacido en 1934 Ha dejado
de lado las tendencias pasajeras y las
modas, y se ha mantenido fiel a sus ideas.
“Casa Douglas” Harbor Springs,
Michigan 1973 El interior de esta casa se
relaciona con el exterior.
Tardomoderno
Renzo Piano y Richard Rogers son
arquitectos Italianos que diseñaron el
“Centro Pompidou” El edificio es de un
estilo que fue muy innovador en los años
70, cuadrado, de estructura industrialista,
y con los elementos funcionales,
conductos, escaleras, etc., visibles desde el
exterior.
Herman Miller se dedica a diseñar
muebles para ámbitos de trabajo.
Comenzaron a resolver problemas
laborales y de oficina.
Deconstrucción

8. Daniel Libeskind es un arquitecto
estadounidense nacido en Polonia en
1946. Fue el diseñador del Museo Judío en
Berlín.
En el interior crea espacios de angustia,
opresión, oscuridad, con algunos detalles
que dan la idea de esperanza. Vigas
punzantes, chapas de rostros en el suelo
dan la impresión de estar pisando huesos.
Zaha Hadid es una prominente arquitecta
procedente de la corriente del
deconstructivismo. Diseño un sillón en el
cual utiliza curvas y contra-curvas.
Minimalismo
Tadao Andō es un arquitecto japonés.
Nació en Osaka y adquirió conocimientos
de arquitectura de forma autodidacta,
leyendo y viajando por Europa, África y
los Estados Unidos.
Utiliza hormigón a la vista, geometría
elemental, materiales auténticos. Protesta
contra el consumo, filosofía oriental, Zen.
Maximalismo
Frank Gehry es un arquitecto asentado en
Estados Unidos, ganador del Premio
Pritzker, reconocido por las innovadores y
peculiares formas de los edificios que
diseña.
DZ Bank, Berlín. Exceso, exuberancia,
elementos escultóricos. Sensaciones
múltiples.
Las corrientes de la arquitectura y del diseño mas importantes de la posmodernidad son:
TARDOMODERNISMO: es una tendencia contemporánea con el posmodernismo,
(década del ’60) el término tardomodernismo nace en 1977. El Tardomoderno tiene un

9. código simple y toma sus ideas y formas del Movimiento Moderno hasta el extremo de
exagerar la estructura y la imagen tecnológica del edificio en su afán de ofrecer un placer
estético.
Dentro de esta Tendencia encontramos dos vertientes la High Tech , o alta tecnología
donde la estructura sale al exterior presentándose como una máquina es decir con la idea de
exoesqueleto como lo demuestra el Centro Pompidou de París realizado por Richard Rogers y
Renzo Piano expresando la idea de exoesqueleto innovada en el Estilo Gótico.
Centro Pompidou en Paris ( exterior e interior)
La otra vertiende es Slick Tech , o tecnología limpia y está caracterizada por los edificios de
grandes superficies vidriadas, espejadas, en donde se ve reflejado el paisaje natural y cultural,
dando una sensación etérea, esta expresión la vemos en el Edificio del Lloys Bank en Buenos
Aires realizado por el arquitecto argentino Cesar Pelli.(foto)
La imagen Tecno no solo la encontramos en la arquitectura sino que la
misma influencia a los otros diseños. La observamos en el diseño industrial con la silla Ergon de
Herman Miller y la diseñadora Ayse Birsel quienes vieron los cambios radicales en las
personas, el trabajo, la eficiencia y la tecnología como una gran oportunidad para plantearse el
diseño del entorno de trabajo (foto), también está presente en el diseño de modas, como bien
lo expresa el este vestido realizado integralmente con láminas metálicas, (foto) dando
una sensación futurista.
Silla high tech
CONTINUIDAD MODERNA: Movimiento que no rechaza al racionalismo de la
década de 20 en realidad lo retoma y lo reinterpreta, se basa en los interiores blancos de Le

10. Corbusier y en el Neoplasticismo con sus juegos espaciales abstractos dados por pantallas,
líneas y planos.
La tendencia de la arquitectura blanca surge en 1969 a partir de una Conferencia de Arquitectos
para el estudio del medio ambiente donde se destacan 5 arquitectos, que no se conocían ni
trabajaban juntos pero sus obras tenían una imagen común: la utilización del color blanco, los
críticos los llamaron los “five architects”, eran Hejduk, Michael Graves, Gwathmey, Peter
Eisseman y Richard Meier. De los cuales Meier es el que mas construye y permanece.
Meier uno de los arquitectos que le dio origen sigue fiel a sus principios proyectando con la
misma intencionalidad, como así lo demuestra el proyecto que presentó para el concurso de las
torres gemelas en Manhattan New York, además es una corriente seguida por una gran cantidad
de arquitectos actuales, como son a nivel regional el arquitecto cordobés que encuentran en
“Los Blancos” la pureza y el descanso que merece el mundo controvertido y globalizado de
hoy. Estas ideas no solo se materializan en la arquitectura sino que también las encontramos en
los otros diseños como la indumentariay en el diseño gráfico ,en los cuales se evidencia esta
continuidad moderna, tomando como base al neoplasticismo, base blanca, abstracción,
líneas y planos.
Silla Poltrona Paul por Federico Churca.
DESCONTRUCTIVISMO: El deconstructivismo es una tendencia
arquitectónica de finales de la década de los ‘70 del siglo XX, hasta nuestros días.
Inspirados en las reflexiones de la teoría literaria y filosófica de la
deconstrucción, algunos arquitectos comenzaron a desmontar los procesos de
diseño y comenzaron a realizar proyectos aparentemente irrealizables
contradiciendo las convenciones del diseño y de la industria.
La deconstrucción en arquitectura tiene la paradójica finalidad de no tener
finalidad, liberando al diseño de la funcionalidad, de la utilidad habitacional, de la
estética, de valores religiosos o motivos políticos. Derrida describe una de sus
características: "…el «scaling» -un romper la escala-, intentando liberar a la arquitectura
de la escala humana, así como de la referencia antropocéntrica, de cierto humanismo,
variando ese «scaling».
Los mejores ejemplos son las composiciones irregulares de Frank Gehry, las formas
simbólicas de Daniel Libeskind, las yuxtaposiciones inusuales de Bernard
Tschumi, la reagrupación de las partes, las estructuras de Peter Eisenman y las
formas angulosas de Zaha Hadid.
El arquitecto canadiense Frank Gehry, ganador del premio Pritzker en 1989, es
ampliamente conocido por sus composiciones dinámicas y fluidas como la
plasmada en el Museo Guggenheim en Bilbao.

11. Frank Gehry - Museo Guggenheim, Bilbao, 1991-1997
Si hacemos referencia al diseño industrial, sus sillas y mesas curvilíneas (Easy Edge)
realizadas con capas de cartón corrugado son una síntesis paradojal de que con una idea simple
se pueden desarrollar estructuras complejas y que en la unidad de elementos débiles y
perecederos como el cartón se puede crear un producto fuerte y duradero.
Frank Gehry - Easy Edge Chair
Es la presencia de esta nueva vanguardia lo que empieza a proliferar. Tanto que la
ciudad de Kentucky, en Estados Unidos, se ha propuesto no quedarse atrás y hacer su propia
torre de la posmodernidad para estar a tono con las "nuevas tendencias", en especial siguiendo
los dictados del deconstructivismo y rozando el maximalismo (tendencia que trataremos más
adelante). Se trata del Museum Plaza, torre que además de espacios de exhibición de arte
contemporáneo albergará comercios, viviendas, oficinas, y que dará estilo a la ciudad con sus
postulados posmodernos.
Museum Plaza
MINIMALISMO: También con la obra de Robert Morris , Sol LeWitt y Dan Flavin
(foto). A pesar de no haberse concebido como un grupo o movimiento organizado, el
minimalismo fue una de las muchas etiquetas (incluidas las de etiquetas primarias, objetos

12. unitarios, arte ABC y arte frío) utilizadas por los críticos para describir las
estructuras geométricas aparentemente simples que producían estos artistas entre otros.
El problema del minimalismo convertido en movimiento en la década del ’60 fue
presentado desde la arquitectura, en la década del ‘50, en la obra Brutalista y en los
pensamientos “mínimos “del maestro arquitecto Mies van der Rohe que con su frase “menos es
más “redujo y simplificó los elementos superfluos de la arquitectura a un lenguaje purista, de
repetición extrema y despojado, como se expresa en su obra paradigmática el Seagram
Building de New York.(foto)
Ya en la década del ´70 y ´80 aparece el arquitecto autodidacta japonés Tadao Ando
que en sus diseños rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en
muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales
característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y
proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros
recursos, mediante las formas, la luz o el agua. Para ello se basa generalmente en tramas
geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios. Ando crea espacios
interiores cerrados, y no abiertos. Utiliza paredes para definir los límites de estos
espacios, y lo hace basándose en criterios humanos, de forma que las personas
perciban esos espacios como apropiados y cómodos, “mínimos”. Con las paredes rompe
también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales. Finalmente,
las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está
diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás.
Iglesia de luz de Tadao Ando Iglesia de agua de Tadao Ando
CARACTERISTICAS DE:

13. Posmodernismo: critica al movimiento moderno. Quiere comunicar y recuperar la
historia clásica.
• Recupera la historia griega y romana con color, iluminada con
luces de Neon, tiene columnas de hierro no de piedra.
CHARLES MOORE “Plaza Italia”
• Se inspira en los palacios franceses. En el interior hay un ambiente
RICARDO BOFFIL
ecléctico.
• Challs Jenks en su casa tenía la intensión de mezclar los elementos de
distintos procedentes como: jarrones chinos, cortinados, etc.
• Asimetrico, tapizado de collage de distintos colores y tiene
líneas curvas.
JAVIER MARISCAL “ sillón Alesandra”
• Se inspiró en la posición de Marylin Monroe cuando se
recostaba en su sillón con plumas.
HANS HOLLEIN “Sillon Marylin”
Tardomoderno: tecnologia como símbolo de poder. Altatecnologia HIGH TECH.
Futurísmo- Constructivismo. La corona de la ciudad son los elementos mas importantes.

14. HERMAN MILLER “Silla Etgon”
• Herman Miller y la diseñadora Ayse Birsel vieron los caminos
radicales en las personas, el trabajo y la tecnología como una
gran oportunidad para plantearse el diseño del entorno de
trabajo.
EMILIO AMBASAZ
• Interiores con tecnología en las estructuras; parecen grandes invernaderos. Muebles apilables,
compactables, etc.
MARIO BOTA “silla Libiana”
• Es metálica y tiene un pequeño movimiento en el asiento y respaldo.
Continuidad Moderna: respeta el movimiento moderno. Grandes
inspiradores como Le Corbusier con interiores blancos y Mies Van der Rohe con el
neoplasticismo.
RICHARD MEIER “Casa Dupla”
• Tiene blancos despojados, el exterior entra al interior. Los pocos
elementos que tiene terminan de armar el espacio por estar bien
ubicados.
RON ARAD

15. • Muebles con líneas curvas y suaves.
Minimalismo: Protesta contra el consumo. Toma la filosofía oriental ósea ZEN.
Materiales auténticos y geometría elemental.
TADAO ANDO “La capilla del agua” y “La capilla de la Luz”
• Utiliza colores neutros, las entradas de luz son tamizadas, se
ve el material utilizado, los ventanales dan a los patios
interiores. Es muy introvertido. Espacios de meditación y
simples.
LUIS BARRAGAN “Iglesia de las Capuchinas”
• Trabaja con varios colores. Su color
característico es el rojo naranja.
Maximalismo

16. Mas nunca es demasiado.
El maximalismo es una corriente artística que surge a finales del siglo XX y principios del siglo
XXI, a diferencia del minimalismo donde menos es más, en el maximalismo mas es más,
siempre que exista una intención tanto del emisor como del receptor. Es un arte abarcativo
donde se puede decidir en poner mucho o poco, lo importante es que cualquier objeto es
material de la creación por esto también incluye al minimalismo dentro de su estructura.
Los movimientos artísticos que han ido sucediéndose a lo largo de la historia han alterado
exuberancia y sobriedad de manera periódica. Esta tendencia a invertir sofisticación y sencillez
se observa ya en la comparación de dos corrientes tan tempranas como el arte románico y el
gótico: el primero generó unas formas simples y depuradas forzado por una técnica casi
inexistente, mientras que el segundo creó geometrías más complicadas gracias a avances en los
sistemas constructivos.
Esta tendencias vuelve a repetirse en sucesivas corrientes artísticas, por ejemplo en la
transformación de las líneas simples del clasicismo en la profusión del ornamento en el barroco,
que llenó las edificaciones de volutas, ménsulas, zócalos y cornisas. Asimismo, y ya entrando el
siglo XX, el movimiento moderno, que pretendía economizar formas y materiales, precede al
posmodernismo, donde desaparece el ángulo recto y la geometría se complica para ofrecer una
gran variedad de resultados. Esta corriente se desarrolla en los años ochenta teniendo como
Biblia el libro del arquitecto Robert Venturi “Complejidad y Contradicción en la Arquitectura”,
que aboga por un mundo rico en materiales, formas y colores donde la percepción de los
edificios sea un festival para los sentidos.
Vuelve a alternarse el ciclo y a principios de los años noventa nace el minimalismo, una
tendencia que pretende ofrecer un descanso después de la opulencia del posmodernismo y del
deconstructivismo. Pese a ser interpretado de múltiples maneras – como herencia de la
arquitectura cisterciense, como evolución de líneas artísticas de los años sesenta o como una
lectura de la austeridad japonesa -, siempre se ha materializado según un mismo esquema:
mediante la reducción del arte a conceptos básicos de espacio, luz y masa. Esta inclinación a
perseguir la simplicidad se convirtió en una moda, y el color blanco, los ángulos rectos y la
silueta como estrategia de diseño se explotaron hasta la saciedad, saturando a creadores y
clientes.
Como respuesta a esta saturación, ha aparecido un nuevo sistema de creación artística que
refleja la necesidad de fraguar un arte más complejo. Clientes y diseñadores pretenden
reproducir en los proyectos sus necesidades, sus apetencias e incluso sus caprichos. Después de
más de diez años de supremacía de la austeridad se vive con ilusión un cambio estético que
celebra la variedad y la pluralidad.
Esta nueva sensibilidad, el maximalismo, agrupa las intenciones de los diseñadores que están
construyendo una nueva modernidad compleja y ecléctica.
Como ocurre con toda corriente estética que nace con fuerza, el maximalismo ha sacudido todas
las disciplinas e incluso ha servido para que éstas se hayan combinado y hayan dado lugar a
nuevas materias multidisciplinarias. El diseño de moda, tan precursor como siempre, fue uno de
los primeros campos donde el maximalismo empezó a olfatearse. La ropa calvinista ha
desaparecido de las pasarelas para dejar paso a prendas que combinan distintos materiales:
cuero, charol, gasa y tachuelas impregnan la ropa de firmas como Dloce & Gabbana, Versace o

17. Vivienne Westwood. Hasta la serenidad de Giorgio Armani se ha visto alterada con la
incorporación de tejidos opulentos y vistosos.
El diseño industrial también está viviendo una transformación: la comodidad de los muebles ya
no es suficiente; además, se busca la originalidad mediante formas y colores singulares.
Estanterías en forma de olas, sofás peludos, mesas con patas curvas, abrelatas en forma de
animales, y un sinfín de objetos que sorprenden porque mezclan funcionalidad e imaginación.
El maximalismo también ha transformado disciplinas con la joyería, el cine, la literatura o el
diseño gráfico, que se rigen por instrumentos conceptuales y técnicos que buscan
ambigüedades, las tensiones y los órdenes transgredidos.
La arquitectura es, sin embargo, la disciplina donde estos cambios son más perceptibles y en
algunos casos más exagerados. Los diseñadores han dejado el hasta omnipresente hormigón
pintado de blanco y han empezado a levantar sus edificios con fusión de nuevos materiales
como las planchas metálicas corrugadas o los cristales capaces de cambiar su translucidez en
cuestión de segundos. El ornamento ya no es delito; las telas, los acabados sofisticados, la
mezcla de muebles antiguos y futuristas conforman ambientes ricos en sensaciones donde la
única pero suficiente utilidad es la belleza.
Este volumen muestra una primera hornada de proyectos maximalistas en los que la
superposición de elementos lleva a una mayor riqueza y perfección. La cuidada selección de
edificios públicos, espacios comerciales y viviendas contradice humildemente la máxima de
Mies “menos es más” y establece que nunca es demasiado.
DZ Bank – Berlín. Frank Gehry
Complejo mixto que alberga usos
comerciales y residenciales.
Constituye una combinación magistral de
arquitectura, escultura y pintura.
La fachada de las viviendas. Que da a una calle
tranquila, adquiere un carácter singular debido a la
ondulación del cerramiento. Además, todos los
balcones forman ángulos diferentes con el plan,
generando así una compleja composición. Las
plantas superiores se retrasan para crear pequeñas
terrazas.

18. TENDENCIAS DE LA PINTURA

19. Las corrientes artísticas más destacadas de este periodo son el minimal art, land art,
body art, process art y happening.
Minimal Art
El Minimal Art es un arte conceptual que influye en el minimalismo. Trabaja con
elementos primarios de materiales tecnológicos, los mínimos elementos hacen el todo.
El Arte minimalista emplea formas elementales como cubos, pirámides o esferas que se
repiten con ligeras variaciones y sin ninguna clase de adorno o interferencia exterior. El objeto
sólo establece relación con el espacio que lo rodea y con la luz que incide sobre él. Se trata
siempre de obras muy frescas, sencillas y de escaso contenido conceptual, que se caracterizan
por el empleo de colores puros sobre superficies planas. El artista pinta a menudo con distintos
tonos del mismo color, con sólo unos pocos puntos y líneas, prácticamente imperceptibles.
También la escultura y el Arte seriado, particularmente el aguafuerte, son técnicas muy
utilizadas por los autores minimalistas para conseguir el deseado efecto de orden y simplicidad.
Podemos encontrar autores como Dan Flevin, quien sale a tres dimensiones, trabaja con
tubos fluorescentes y con tecnologías, con pocos elementos genera una pared lumínica. Richard
Serra que hace una búsqueda de texturas perfectas y trabaja con láminas de cobre.
Y por ultimo al argentino Victor Grippo quien considera que la materia es importante y define
con definición lingüística.
Land Art
El Land Art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los
materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas,fuego, agua etc.).
El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje,
para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación
entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor,
debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del
humano-artista con el medio ambiente.
Critica la contaminación ambiental, es sensacionalista, es un grupo de gente quien
trabaja, y realiza escolleras en el mar, embalados de acantilados y edificios, y como eso se va a
ir rompiendo se deriva al deconstructivismo.
Autores: Robert Smithson, y H Christo.

20. Body Art
Es el arte del cuerpo, es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en
los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre,
se retuerce, se pone al sol, fuego, el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele
realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica
posterior.
Lo podemos comparar con Dadá, ya que saca elementos de la realidad.
Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Vito Bongiorno y Youri Messen Jaschin
tuvieron su fase en este movimiento.
Process Art
El arte procesual o arte en proceso es un movimiento artístico así como un sentimiento
creativo y un punto de vista sobre el mundo donde el producto final del arte y la artesanía, el
objeto de arte, no es el centro de atención principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere
al proceso de la formación de arte: la búsqueda, clasificación, recopilación, asociación y
estampado. El arte procesual está preocupado con el hacer real; el arte como un rito, ritual y
performance. El arte procesual a menudo acarrea una motivación inherente, racional e
intencional. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje creativo o proceso, más que como el
producto acabado.
El arte procesual ha sido considerado un movimiento creativo en los EE.UU. y Europa a
mediados de los sesenta. Tiene sus raíces en las pinturas de goteo (dripping) de Jackson Pollock
y su empleo de la serendipia tiene una macada correspondencia con el dadaísmo. El cambio y la
fugacidad son temas marcados en el movimiento de arte procesual. El Museo Guggenheim
afirma que Robert Morris en 1968 tuvo una exposición innovadora y un ensayo definiendo el
movimiento y la página web del Museo afirma:
Los artistas procesuales se vieron implicados en temas referentes al cuerpo, ocurrencias al azar,
improvisación y la liberación de cualidades de materiales no tradicionales como la cera, el
fieltro y el látex. Usando estos elementos, crearon formas excéntricas en disposiciones erráticas
o irregulares producidas por acciones como cortar, colgar y gotear, o procesos orgánicos como
el crecimiento, la condensación, el congelamiento o la descomposición.1
A menudo se subrayó la naturaleza efímera y la insustancialidad de los materiales.
El movimiento de arte procesual y el movimiento de arte ambiental están directamente
relacionados:
Los artistas procesuales se implican en la primacía de los sistemas orgánicos, usando materiales
perecederos, insustanciales y transitorios como conejos muertos, vapor, grasa, hielo, cereales,
serrín y hierba. A menudo los materiales se dejan expuestos a las fuerzas naturales: la gravedad,
el tiempo, el clima, la temperatura, etc.2
En el arte procesual, como en el movimiento de arte povera, la propia naturaleza es
celebrada como arte; se rechaza a menudo la simbolización y la representación de la naturaleza.
El movimiento de arte procesual tiene precedentes en ritos indígenas, chamánicos y
rituales religiosos, formas culturales como la pintura con arena, la danza del Sol y la ceremonia
del té son actividades fundamentalmente relacionadas.
Aspectos del proceso de la construcción de un mándala con arena budista Vajrayāna (un
subconjunto propio de la pintura de arena) de la Buda de la Medicina por monjes del monasterio
de Namgyal en Ithaca, Nueva York que comenzó el 26 febrero de 2001 y concluyño el 21 de
marzo del mismo año ha sido captado y expuesto en la red3 por la Galería Ackland's Yager de
Arte Asiático. La disolución del mandala ocurrió el 8 de junio de 2001.
Artistas: Lynda Benglis, Chris Drury, Eva Hesse, Bruce Nauman, Christopher Le
Tyrell,Robert Morris, Alan Scarritt,Tim Semple,Richard Serra, Keith Sonnier, Franz Erhard
Walther.
Happening

21. Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso).
Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por
la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado
performance Art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.
La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte
que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los
"espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una
liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común
confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la
improvisación.
El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no
permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo
los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o
irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer
Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.
Dura un momento y luego solo queda la foto y el video. Hay movimiento, puesta en
escena, interacción, expresión corporal, música.