1. LENGUAJE Y ESTÉTICA DE LA IMAGEN
Trabajo Práctico N° 2
-Lucía Doña
-Javier Jorquera
1.
Edad Media Renacimiento Ilustración
Fundament
o de
producción
Auctóritas: Experimentación: la
obra ya no procede de
la intervención divina
sino que reflejo de lo
divino.
Autonomía: la ilustración
se consolida a medida
que se manifiesta las
flaquezas de la
DoctrineClassique. Sus
impulsores defienden la
libertad creadora dela
artista mas allá de los
cánones tradicionales.
Artista Artesanos: Los artistas no
eran considerados artistas
sino hacedores de la
voluntad divina. Vivian en la
pobreza y no tenían prestigio
social.
Genio: el artista deja de
ser artesano, trabajador
manual y comienza a
trabajar
independientemente.
Sus trabajos dejan de
ser valorados
cuantitativamente y
pasan a ser valorados
cualitativamente, por
llevar la firma de quien
los hizo.
Libre:la libertad del
artista estaba ligada a la
idea de progreso,
síntoma inequívoco de lo
moderno. Los modernos
ponían en tela de juicio
mas que al arte clásico, al
modela clásico que
necesariamente debía
ser imitado y admirado.

2. Comitente Iglesia: tenía mucha
influencia, ya que el
pensamiento de esta época
era el teocentrista. La
mayoría de las obras estaban
destinadas para esta
institución.
Príncipe, Prelado
burgués: el artista
comienza a producir, no
para la comunidad, sino
para el cliente
individual. Los
adinerados son los que
reemplazan a la Iglesia o
al Estado
Burgués: haciende la
burguesía autosuficiente
y defensora de la libertad
privada y del Ser dueño
de si.
Fin Enseñanza: Las obras de arte
eran utilizadas como
enseñanza ya que la mayoría
de la personas no sabían leer
ni escribir. Por este medio se
les transmitía la religión.
Homenaje o recuerdo:
La temática de las obras
dependía de la voluntad
del cliente. El artista
pintaba lo que el se le
pedía.
Felicidad: hombre
estético feliz, con un
sujeto nuevo burgués
autónomo.

3. 2. La relación que hay entre percepto- ojo crítico es sumamente intensa, ya que para manifestar
ese “vibrar la sensación” hay que tener un ojo formado, una intuición, una superación de
preconceptos y oportuna puesta en foco del ojo, esto es el ojo crítico. En otras palabras, detectar
el percepto requiere de una formación sobre el contexto particular en el que se encuadra la obra
(ojo crítico). Una persona que posee un ojo común, un ojo snob o absolutista va poder sin dudas,
percibir la obra de arte e incluso sentir afecto por ella, mas siempre va a ser dogmático en algún
aspecto y por ende no podrá descubrir el percepto. En síntesis, el ojo crítico hace posible la
expresión del percepto.
Con lo leído acerca de la obra y el contexto en el que
ésta fue pintada, deducimos que no se tratan de dos
simples niños comiendo fruta. Murillo trata de reflejar en
esta pintura, la situación de pobreza que atravesaba la
sociedad y los gestos de cierta glotonería que tienen
los niños para comer se debe a que seguramente estas
fueron robadas. Lo mismo demuestra su ropa rasgada
y deteriorada.
Además, esta obra aparentemente no fue encargada, si
no que el artista decidió pintarla por sus propios
motivos, es decir que tiene todo un fin social que
trasciende lo meramente pintado.
Esta obra nos genera cierto afecto, por todo este
trasfondo que la caracteriza, y se identifica con el
presente. Si bien esta pintura data de 1650
aproximadamente, esta situación social de marginación
sigue vigente.
3.

4. Las Tres Gracias (1636) El árbol embarazador - 1964
Las obras elegidas se oponen bastante, ya que reflejan mundos distintos. En el caso de LasTres
Gracias, el mundo que se refleja es el antropocentrista (consideraba al hombre como centro del
universo) característico del Renacimiento. La mayoría de las obras de esta época estuvo marcada
por unidad en la composición de la anatomía, morbidez muscular, tendiendo a imitar la naturaleza
y la figura humana casi a la perfección. Si bien se estaba en el pleno auge de este nuevo
paradigma, la religión estaba todavía muy presente en dichas obras.
En cambio, El árbol embarazador, el mundo que se refleja es totalmente distinto, ya que los
vanguardismos buscaban romper con la rigidez de las formas y las estructuras, utilizando mayor
libertad en los diseños, que se destacan por ser muy abstractos.
Los autores de ambas obras, reflejaron situaciones concretas enmarcadas en ciertos contextos. El
arte de León Ferrari es un arte bastante comprometido, que en esta obra en particular presenta
una ironía hacia el diluvio, propio de la religión Católica, recatando la vida ante todo. Rubens, por
otro lado, quiso reflejar la belleza física, que caracterizaba a sus tres modelos.