Diapositivas PAEG Arte Renacimiento

HISTORIA DEL ARTE 1
DIAPOSITIVAS PAEG ARTE RENACIMIENTO

1. CÚPULA DE SANTA Mª DE LAS FLORES (BRUNELLESCHI, 1418-1420)
Se trata de un edificio gótico que hay que terminar
cubriendo un crucero de 42 metros de diámetro, lo que
suponía un reto ya que no podían utilizarse cimbras de ese
tamaño. En 1418, se falló el concurso a favor de Brunelleschi
que construye una gran cúpula que supone una revolución
técnica.
La cúpula se construye por medio de dos casquetes,
separados por un espacio hueco, con anillos concéntricos que
se autosostienen al levantar la construcción, y utilizando
materiales ligeros como el ladrillo.
El resultado al exterior es una gran cúpula sostenida sobre
un tambor octogonal, con óculo y decorado con mármol de
color. La cúpula dividida por ocho paños separados por
nervios, y cubiertos con teja roja, que complementa el valor
cromático del edificio (rojo, verde y blanco).
Como remate, en 1436, Brunelleschi construye la linterna por medio de otro concurso, con forma
circular, en consonancia cromática y que permite la iluminación al interior. Una coronación a una obra
grandiosa que pretendía “dar sombra a toda la Toscana”,
BRUNELLESCHI: Nació y murió en Florencia (1377-1446). Arquitecto y orfebre es uno de los más
importantes artistas del quattrocento. Sus amplios conocimientos de matemáticas le permitieron
realizar grandes avances en la perspectiva y construir grandes obras como la Cúpula de la Catedral de
Florencia, Iglesia de San Lorenzo, del Santo Espíritu o la capilla Pazzi.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Quattrocento italiano),
Título/Obra (Cúpula de Santa María de las Flores de Florencia), Autor (Filippo Brunelleschi), Situación
(Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar
(con los anteriores cimborrios medievales, con las posteriores y el modelo de Miguel Ángel para San
Pedro del Vaticano), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el
Arte).

2. IGLESIA DE SAN LORENZO (BRUNELLESCHI, 1440-1445)
Iglesia encargada por 8 familias florentinas que deseaban una capilla
para cada una de ellas. Una de estas familias eran los Médicis, que
por medio de Cosme y una cantidad importante de dinero, consiguen
que la iglesia quede sólo para su familia.
Es un edificio de planta de cruz latina con un efecto visual de
centralización por la luz que entra de la cúpula. Además de un juego
geométrico de proporciones por cuadrículas de las naves, el crucero y
las capillas.
Interior: Se recuperan todos los elementos clásicos: naves
separadas por columnas y arcos de medio punto, uso de plinto, basa,
capitel corintio y entablamento sobre el arco. La cubierta es plana en
la nave central con casetones y vaídas en las laterales. La luz contribuye a la unidad y el bicromatismo
al armonioso y elegante resultado.

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Título/Obra (Interior de la iglesia San Lorenzo de Florencia), Autor (Filippo Brunelleschi), Situación
(con los anteriores iglesias medievales y con las basílicas paleocristianas derivadas de las basílicas
civiles romanas), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
Arte).

3. PALACIO RUCELLAI (ALBERTI, 1446-1451)
Primer encargo arquitectónico que recibió Alberti. Es un palacio encargado por Giovanni Rucellai,
comerciante, que se inserta totalmente en el urbanismo. Proyecta un edificio de tres pisos, en la
fachada usa un almohadillado muy plano que aun así remarca luces y sombras geométricas. Para
diferenciar los pisos, usa una superposición de órdenes como en el Coliseo, en el inferior pilastras
adosadas de orden toscano, en el segundo orden jónico y el tercero corintio (muy modificados).
Separados por un entablamento clásico y rematado por cornisa. Las
ventanas son las típicas albertinas, divididas en dos, rematadas con arco
de medio punto con óculo, y englobadas en otro mayor.
Concebido como un rectángulo de proporciones clásicas, posteriormente su
dueño lo amplió intentando igualarlo al de los Médicis y rompiendo la
concepción original.
ALBERTI: Nació en Génova y murió en Roma (1404-1472). Gran humanista
fue dramaturgo, atleta, organista y pintor, destacando sobre todo en
arquitectura de la que fue en un gran estudioso escribiendo un tratado De
Re Aedificatoria, y llevándolo a la práctica en el palacio Rucellai o Santa
Mº Novella.
Título/Obra (Palacio Rucellai), Autor (Leon Battista Alberti), Situación (Florencia, Italia), Cronología
(siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con los palacios góticos
italianos y con otros renacentistas, como el Pitti de Brunelleschi y el Médici-Ricardi de Michelozzo),
Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

4. SAN PIETRO IN MONTORIO (BRAMANTE, 1502-1510)
Pequeña obra encargada por los Reyes Católicos a Bramante, para
señalar y conmemorar el lugar donde según la tradición fue
crucificado San Pedro. El templete se sitúa en el interior del claustro
de un monasterio franciscano en la colina del Gianicolo de Roma y
actualmente acoge la Real Academia de España en Roma.
Su planta es centralizada y su forma circular. Todos los espacios se
disponen en círculos concéntricos (escalinata, pórtico, muro, cúpula…).
En el proyecto original estaba rodeado por un claustro circular que no
llegó a construirse. El edificio es períptero, con pórtico de columnas
dóricas y coronado por una balaustrada. Coronado por una cúpula
sobre tambor y linterna.
El edificio fue muy admirado en su época, mostrando Bramante una
gran madurez en el uso del lenguaje arquitectónico renacentista, y que
le sirvió de prueba para su posterior proyecto para San Pedro. La obra
no es funcional, simplemente es conmemorativo con una importante
riqueza simbólica: el círculo símbolo de la perfección.

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BRAMANTE: Nacido en Urbino (1444) y muerto en Roma (1514), comenzó trabajando en el norte de
Italia, en Milán al servicio de los Sforza. Se trasladó a Roma en 1499 entrando en contacto directo con
las ruinas romanas y realizando sus últimas obras.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Cinquecento italiano),
Título/Obra (Templete de San Pietro in Montorio), Autor (Donato Bramante), Situación (Roma, Italia),
Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la
arquitectura clásica grecorromana), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura
grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad
Moderna en el Arte).

5. CÚPULA DE SAN PEDRO DEL VATICANO (MIGUEL ÁNGEL, 1546)
La necesidad de renovar la cristiandad fue entendida por el papado
como una renovación arquitectónica que afectaba a San Pedro. El papa
Julio II encarga el proyecto a Bramante que diseña una planta de cruz
griega.
Tras su muerte en 1514, asume las obras Rafael y posteriormente
Sangallo el joven, pero sus inesperadas muertes no les permitieron
llevar a cabo sus proyectos. El papa Paulo III pone a Miguel Ángel al
frente de las obras, que retoma el proyecto inicial de Bramante.
Sobre una planta de cruz griega, eleva una cúpula de 131 metros de
altura sobre un diámetro de 42 metros. La cúpula se sostiene sobre 4
pilares, entre los que se encuentra 4 ábsides y 4 cúpulas adyacentes.
Sobre un tambor circular, con columnas de orden gigante pareadas y
ventanas, se levanta la cúpula, rematada con linterna.
En la cúpula, Miguel Ángel expresa toda su fuerza, gracias al juego de
masas, rupturas y alternancia de elementos, convirtiéndola en un símbolo universal,
que corona la tumba de San Pedro y en cuyo cinto interior con grandes letras se puede
leer la inscripción: “Tú eres Pedro, y sobre esta Piedra edificaré mi Iglesia, y te daré
las llaves del Reino de los Cielos”.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Cinquecento italiano),
Título/Obra (Cúpula de San Pedro del Vaticano), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación (Ciudad del
Vaticano, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con los anteriores cimborrios medievales, con la anterior renacentista de
Brunelleschi y mencionar que será el modelo de todas las posteriores), Influencia obra-época (la
influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva
sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

6. FACHADA DE UNIVERSIDAD DE SALAMANCA (Primer tercio s. XVI)
La universidad más antigua de España se presenta con esta fachada, principal símbolo del plateresco, y
última construcción del edificio, que se comienza en tiempos de los RR.CC. y finaliza con Carlos V.
Es construida en perspectiva para ser vista desde la calle. Formada por tres pisos separados por frisos
y rematado por una crestería. Toda la fachada está llena de personajes, objetos o animales quiméricos
junto a elementos vegetales, lo que se conoce como grutescos, propio del plateresco. Esta decoración
profusa aumenta en dirección ascendente, hasta el piso superior mucho más recargado.
Destaca en la calle central del piso inferior, el medallón de los RR.CC. con la inscripción “La Universidad
a los Reyes, y éstos a la Universidad”, mostrando a la monarquía protectora de la Universidad. En el
segundo piso, el escudo de Carlos V acompañado de escudos con el águila bicéfala imperial y el de San
Juan. El piso superior destaca por su mayor decoración.

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De entre todas las figuras, destacar la rana sobre una calavera,
tal vez firma del cantero o símbolo de la lujuria que conduce a la
muerte, y que se ha convertido en una atracción turística por sí
misma.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa
(Arquitectura del Plateresco en España), Título/Obra (Fachada
de la Universidad de Salamanca), Autor (anónimo), Situación
(Salamanca, España), Cronología (siglo XVI), Época
histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la
arquitectura renacentista italiana y la del gótico isabelino del
siglo XV y la del purismo del siglo XVI, entre las que se
encuentra), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento
de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el
Arte, haciendo especial hincapié a las peculiaridades españolas en relación con todo lo anterior).

7. FACAHADA PALACIO DE CARLOS V EN GRANADA (PEDRO MACHUCA, 1527)
Carlos V mandó construir en La Alhambra de Granada un palacio que
sería símbolo de su imperio como centro del poder universal. Su diseño
supone una gran novedad en la arquitectura palaciega española,
destacando su equilibrio y sobriedad. En planta es cuadrado con un patio
circular en el interior, espacio porticado de 30 metros, dividido en dos
niveles, toscano y jónico, separados por un entablamento de triglifos y
metopas.
La fachada repite la ordenación interior. Es cuadrada, dividida en dos
pisos, con orden toscano y dórico, y separadas por un entablamento. A
los lados, en el piso inferior aparece un tosco almohadillado que imprime
al edificio pesadez, y en el centro, escudos y motivos alegóricos en
torno al rey que es comparado con Hércules.
Desde 1958, el edificio acoge el Museo de Bellas Artes de Granada.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura del Purismo en España),
Título/Obra (Palacio de Carlos V en Granada), Autor (Pedro Machuca), Situación (Granada, España),
Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la
arquitectura renacentista italiana y la del plateresco y herreriano en la España del siglo XVI, entre las
que se encuentra), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
Arte, haciendo especial hincapié a las peculiaridades españolas en relación con todo lo anterior).

8. SAN LORENZO DEL ESCORIAL (TOLEDO Y HERRERA, 1563-1584)
Es el proyecto artístico más importante de Felipe II, conmemorando la victoria en San Quintín (10-8-
1557), día de San Lorenzo. La idea es de un edificio que sirva como Iglesia, monasterio, palacio del
monarca, además de panteón real y una biblioteca donde se reunieran todos los saberes de su tiempo.
La construcción y decoración del edificio siempre estuvo supervisada por el rey, y en él trabajaron gran
número de personas por lo que el estilo se difundirá por toda España.
El proyecto lo inicia Juan Bautista de Toledo, que había trabajado en Roma con Miguel Ángel, pero
muere repentinamente en 1567, pasando a dirigir las obras su discípulo Juan de Herrera que simplificó
el edificio y definió el estilo herreriano o escurialense.

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La planta es rectangular sobresaliendo un fondo, quedando forma de parrilla, símbolo del martirio de
San Lorenzo. En el interior se abren patios. En el centro se sitúa la iglesia, de cruz griega y gran cúpula,
bajo ella está el panteón real.
Al exterior es una obra austera y sobria, sin ornamento, destacando el muro de granito, solo roto por
sencillas ventanas adinteladas. Su elegancia radica en las seis torres, los tejados de pizarra a dos aguas
con buhardillas, y los remates piramidales con bolas. Sólo la fachada principal rompe la austeridad con
un pórtico de dos cuerpos y la figura de San Lorenzo cobijada en un nicho.
Al construirse el Escorial, España es la primera potencia del mundo y Felipe II el mayor defensor de la
Contrarreforma, por ello el carácter monumental del edificio.

No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Arquitectura Herreriana en España),
Título/Obra (Monasterio de San Lorenzo de El Escorial), Autor (Juan de Herrera), Situación (San
Lorenzo de El Escorial, Madrid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la arquitectura renacentista italiana y la del estilo purista del
siglo XVI y primer barroco en la España del siglo XVII, entre las que se encuentra), Influencia obra-
época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la
nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo especial hincapié a las
peculiaridades de la España de Felipe II en relación con todo lo anterior).

9. PUERTAS DEL PARAISO (GHIBERTI, 1425-1452)
El baptisterio de San Juan de Florencia cuenta con 3 puertas. Las
primeras fueron realizadas en 1330 por Andrea Pisano. En 1401, se
decide cambiar las viejas de madera y se convoca un concurso para el
cual los artistas debían realizar una representación en relieve del
sacrificio de Isaac. El concurso lo ganó Ghiberti.
Las segundas puertas fueron realizadas en bronce entre 1401 y 1424,
constando de 20 paneles lobulados que representan escenas de la vida
de Jesús, evangelistas y profetas.
Su buen trabajo le sirvió para que le fuesen encomendadas las
terceras puertas que realizó entre 1425 y 1452, formadas por 8
escenas cuadradas sobre el Antiguo Testamento. Usando una técnica
casi pictórica para los relieves conocida como schiacciato, que con
suavidad trata la perspectiva, desde las figuras más cercanas de casi
bulto redondo hasta marcas casi imperceptibles de las más alejadas.
Con ello consigue una sensación de realidad y espacio, y un perfecto

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juego de luces de claroscuro. Se tratan de relieves que retoman la técnica clásica y presentan una
perfección técnica que las llevó a ser bautizadas por Miguel Ángel como Las Puertas del Paraíso.
GHIBERTI: Nació y murió en Florencia (1455). Formado como orfebre, dedicó gran parte de su vida la
realización de las puertas del baptisterio de Florencia, lo que le dio también su gloria. Además escribió
Los Comentarios, una autobiografía con referencias a otros artistas italianos y que supone el primer
libro de Historia del Arte.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Quattrocento italiano),
Título/Obra (Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia), Autor (Lorenzo Ghiberti), Situación
(con la escultura gótica anterior y, sobre todo, con los relieves clásicos, principalmente los históricos
del Estilo Pictórico romano), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura

10. SAN JORGE (DONATELLO, 1415-1417)
Escultura de juventud de Donatello, encargada para la iglesia de Or San
Michelle en Florencia donde ensaya sus primeras grandes esculturas.
Representa al santo en mármol, después de haber matado al dragón, sereno,
con la mirada altiva del vencedor, recordando esculturas de la antigüedad.
Busca la individualidad de la figura extrayendo caracteres personales como si
de un auténtico retrato se tratase. Subido en un pedestal, bajo sus pies hay en
relieve una representación de San Jorge sobre el caballo dando muerte al
dragón.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del
Quattrocento italiano), Título/Obra (San Jorge), Autor (Donatello), Situación
(Museo Nacional de Bargello en Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época
histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura gótica
anterior y con la escultura clásica grecorromana, cuyas características recupera, situando además a
Donatello cronológica y estilísticamente en el Quattrocento comparándolo también con la obra de
Miguel Ángel ya del Cinquecento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura

11. DAVID (DONATELLO, 1435-1445)
Segunda versión que sobre David realiza Donatello. Esta vez en bronce y destinada
en principio para el patio del Palacio de los Médicis, fue trasladada en 1495 a la
Plaza de la Signoria. Se trata de uno de los primeros desnudos de gran tamaño de la
época y destinada para un lugar público.
La escultura se inspira directamente en la antigüedad. El joven se eleva sobre la
cabeza cortada de su enemigo Goliat. Su postura describe una ligera curva y se
apoya sobre una gran espada, en reposo, sereno tras la victoria.
El joven es un adolescente desnudo, de pelo largo, algo afeminado y tocado con un
sombrero de flores como el de los campesinos de la Toscana. El brillo del bronce
destaca más las formas casi blandas de su cuerpo.
Según el relato bíblico, el gigante filisteo Goliat desafió a los israelitas a que
enviaran a uno de los suyos a luchar contra él. El derrotado convertiría a su país en
esclavo del otro. David, un joven pastor de Belén, se ofreció para luchar. Lo mató
lanzándole una piedra con su honda y cortándole después la cabeza. El tema de
David se interpreta como el joven que dirige a su pueblo a la victoria sobre el enemigo.

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DONATELLO: Nació y murió en Florencia (1466). Comenzó su formación en el taller de Ghiberti con el
que colaboró en las Puertas del Paraíso. Viajó a Roma donde estudió las obras de la Antigüedad y sus
esculturas fueron las más influyentes del s. XV italiano.
Título/Obra (David), Autor (Donatello), Situación (Museo Nacional de Bargello en Florencia, Italia),
Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura
gótica anterior y con la escultura clásica grecorromana, cuyas características recupera, situando
además a Donatello cronológica y estilísticamente en el Quattrocento comparándolo también con la obra
de Miguel Ángel ya del Cinquecento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura

12. CONDOTTIERE GATTAMELATA (DONATELLO, 1447-1453)
Estatua en bronce para la plaza del Santo en Padova. Inspirada
en el ecuestre de Marco Aurelio, es una de las primeras
representaciones de este tipo del Renacimiento.
Erigida en honor de Erasmo de Narni, dictador en la ciudad de
Pádova y mercenario al servicio de distintas repúblicas
italianas, representa al guerrero del mundo moderno, que
sereno avanza triunfante sobre su caballo. Es un auténtico
retrato que glorifica al personaje triunfador, portando el
bastón de mando, dejando traslucir con el rostro descubierto
su propia psicología del hombre que vence no solo por su
fuerza sino también por su inteligencia.
La obra, sobre un gran pedestal está diseñada para integrase perfectamente en el urbanismo.
Título/Obra (Condottiere Gattamelata, Erasmo de Narni), Autor (Donatello), Situación (Piazza del
Santo en Padua, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la escultura gótica anterior y con la escultura clásica grecorromana,
relacionándolo directamente con el de Marco Aurelio y situando a Donatello en el Quattrocento,
comparándolo también con el Condottiero Colleone de Verrochio), Influencia obra-época (la influencia
del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida
tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

13. LA PIEDAD DEL VATICANO (MIGUEL ANGEL, 1499)
La Piedad representa a la Virgen con su hijo muerto en brazos.
Esta obra es realizada por M.A. con tan sólo 23 años y su
belleza y perfección, aunando los valores clásicos y
renacentistas, lo consagran como uno de los artistas más
grandes de la Historia.
Encargada por un cardenal, el contrato especificaba, “ una
Virgen María cubierta de ropaje y con el cuerpo de Cristo
muerto en sus brazos”. Las figuras forman una pirámide. La
madre, con la mirada baja sostiene en su regazo al hijo que se
desploma muerto en sus brazos. La desnudez de Cristo
contrasta con lo profundos pliegues del ropaje de María.
Contra la tradición, M.A. representa a una María casi niña
“eternamente virgen” que con dulzura mira a su hijo, más
mayor que ella.

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Al finalizarla, M.A. se sintió orgulloso del resultado y firmó la obra –única vez que lo haría- cincelando
las letras “Michael Angelus Bonarotus florentin faciebat” en la cinta que cruza el pecho de la virgen. La
escultura se instaló en la Iglesia de Santa Petronella, lugar de enterramiento del cardenal que la
encargó, trasladada posteriormente al Vaticano.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Cinquecento italiano),
Título/Obra (Piedad), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (El Vaticano, Roma, Italia), Cronología
(siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del
Quattrocento y la del Barroco, entre las que se encuentra, situando esta obra en el lugar exacto de su
propia evolución estilística como escultor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la
cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la
Edad Moderna en el Arte).

14. DAVID (MIGUEL ANGEL, 1504)
Recibido el encargo de tallar un gigantesco bloque de mármol defectuoso abandonado
hacía 40 años y demasiado plano, M.A. acomete todo un reto.
La estatua colosal de más de 4 metros de altura, representa al David bíblico, como un
joven atleta, con la mirada fija esperando divisar al gigante Goliat, y con su arma –la
honda- sobre el hombro. A la perfección clásica, M.A. une detalles que imprimen
vitalidad y tensión: las grandes dimensiones de la cabeza y manos, las marcas de
huesos y venas, el vigor de los músculos y las extremidades, demasiado pegadas al
cuerpo por su adaptación al bloque, suscitan esa terribilitá de las obras de M.A.
Originalmente iría colocada en la fachada de la Catedral de Florencia, pero su éxito
fue tan clamoroso que sería colocada en el centro de la Plaza de la Signoría, donde se
convirtió en el símbolo político de la ciudad de Florencia.
Título/Obra (David), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (Galería de la Academia en Florencia,
Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la
escultura del Quattrocento y la del Barroco, entre las que se encuentra, comparándolo con el David de
Donatello y el de Bernini y situando esta obra en el lugar exacto de su propia evolución estilística como
escultor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo,
el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

15. MOISÉS (MIGUEL ÁNGEL, 1513-1516)
Se trata de una de las pocas figuras que talló para el proyecto del
mausoleo de Julio II, el encargo que M.A. recibió con más entusiasmo y
nunca vio concluir.
Representa el momento en el que Moisés, viendo como su pueblo ha
traicionado a Dios, enfurece y se dispone a romper las tablas que porta
en sus brazos. Es una escultura sedente de más de dos metros, con una
tremenda anatomía de grandes piernas y brazos. La postura girada
proporciona mayor realismo y emoción. Su fuerza interior se plasma en el
rostro enfurecido, su mirada y su barba que definen mejor que ninguno
de sus trabajos, esa terribilitá.
Representado con los dos cuernos, símbolo de Moisés, se encuentra en la
iglesia de San Pedro in Vincoli de Roma, donde M.A. ideó un pequeño
mausoleo adosado a la pared para Julio II, mucho menos ambicioso que el
inicial del Vaticano.
Título/Obra (Moisés), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (Iglesia de San Pietro in Vincoli en

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Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con
la escultura del Quattrocento y la del Barroco, entre las que se encuentra, situando esta obra en el
lugar exacto de su propia evolución estilística como escultor), Influencia obra-época (la influencia del
renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras
los cambios de la Edad Moderna en el Arte y en este caso relacionar a Miguel Ángel con los encargos
escultóricos y pictóricos para el papa Julio II).

16. SEPULCRO DE LOS MÉDICIS (MIGUEL ANGEL, 1521-1534)
El proyecto alberga las tumbas de Lorenzo y Giuliano de Médicis en la
Sacristía Nueva de San Lorenzo (Florencia), encargado por el papa León X
de la misma familia.
Los dos sepulcros se adosan a la pared y se integran con la arquitectura.
Las esculturas superiores representan a los dos hermanos, dentro de un
nicho, vestidos de modo clásico y sedentes, novedad para una escultura
funeraria. Los cuerpos son atléticos, trabajando a la perfección la
musculatura.
Los nichos presentan novedades, Lorenzo (con casco) acompañado de las
alegorías de la aurora y el crepúsculo, Giuliano flanqueado por las de la
noche y el día. Las cuatro alegorías, simbolizando el tiempo infinito,
destacan por sus cuerpos rotundos y la torsión que llevan a cabo.
Las figuras de los dos difuntos miran hacia una tercera pared donde se
sitúa la Madonna de los Médicis, estableciendo así un contacto visual de todo el conjunto.
La tumba será toda una novedad en escultura funeraria y muy admirada por los artistas de la época.
MIGUEL ANGEL BUONARROTI (1475-1564) Es uno de los más grandes artistas de todos los tiempos,
destacando en todas las facetas del arte. Aprendió en el taller de Ghirlandaio y pronto protegido por
los Médicis, trabajando sobre todo para esta familia y para el Vaticano. Destaca su trabajo escultórico,
elegía personalmente los bloques y los acometía con una fuerza fiera para extraer de ellos la figura que
estaba dentro y que él mismo definiría como “el arte de sacar y no de añadir”.
Título/Obra (Sepulcro de los Médicis), Autor (Miguel Ángel Buonarroti), Situación (Sacristía Nueva de
la Iglesia de San Lorenzo en Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento y la del Barroco, entre las que
se encuentra, situando esta obra en el lugar exacto de su propia evolución estilística como escultor),
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

17. SAN SEBASTIÁN (A. BERRUGUETE, 1527)
La escultura forma parte del retablo de San Benito el Real (Valladolid), que
actualmente está desmontado e instalado en el Museo de Escultura de la ciudad
tras la desamortización. Se trataba de una obra gigantesca con escenas de la
infancia de Cristo, la vida de San Benito además de mártires y profetas.
San Sebastián pertenecía al ejército romano en tiempos de Diocleciano, al ser
descubierto como cristiano, fue condenado a morir aseteado. La escultura de
Berruguete realizada en madera policromada, se apoya en un árbol, y con la
inestable posición del cuerpo, provoca la angustia del posterior martirio, la
ejecución a flechazos.
Sus viajes a Italia donde estudió a Donatello y Miguel Ángel se reflejan en la
tendencia manierista de la figura y su canon alargado.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del

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Renacimiento en España), Título/Obra (San Sebastián), Autor (Alonso de Berruguete), Situación
(Museo Nacional de Escultura en Valladolid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural
(Renacimiento), Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y Manierista en
Italia, situando esta obra y autor en el lugar exacto de la evolución de la escultura renacentista
española), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo,
el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque
haciendo mención a las peculiaridades del arte renacentista español por su fuerte religiosidad).

18. EL SACRIFICIO DE ISAAC (A. BERRUGUETE, 1527)
Perteneciente al retablo de San Benito (Valladolid), esta obra refleja aún más
la tendencia manierista del autor. La composición rompe todo orden, la cabeza
de Abraham elevada al cielo, la pierna separada sin apoyo, la figura retorcida y
asustada de Isaac. El autor busca la inestabilidad que se acentúa con las
expresiones descompuestas de dolor.
La policromía (por medio de las técnicas de estofado para vestidos y
encarnado para la piel) resalta el realismo.
La imagen recoge el instante justo en el que Abraham se dispone a cumplir el
mandato de Dios degollando a su único hijo, Isaac, justo en el momento que un
ángel detiene la muerte. La obra influenciada por el arte italiano y sobre todo
Donatello, suponen una innovación en la escultura española.
ALONSO BERRUGUETE (1490-1561). Hijo del pintor Pedro, es uno de los más
destacado miembros de la escuela de Valladolid del s. XVI. Con 20 años viajó a
Italia para estudiar. A su regreso recibió el encargo de San Benito (1526) y se
instala en Valladolid, donde la clientela es más abundante y su prestigio crecerá considerablemente.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Renacimiento en España),
Título/Obra (Sacrificio de Isaac), Autor (Alonso de Berruguete), Situación (Museo Nacional de
Escultura en Valladolid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y Manierista en Italia, situando
esta obra y autor en el lugar exacto de la evolución de la escultura renacentista española), Influencia
obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de
la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque haciendo mención a
las peculiaridades del arte renacentista español por su fuerte religiosidad).

19. EL ENTIERRO DE CRISTO (JUAN DE JUNI, 1541-1545)
Es un grupo escultórico en
madera policromada, encargado
por Fray Guevara, obispo de
Mondoñedo (Lugo), para
colocarlo en su capilla funeraria
en el desaparecido convento de
San Francisco en Valladolid.
Actualmente se conserva en el
Museo de Escultura de
Valladolid.
El tema iconográfico es muy
común en Italia y la Borgoña
natal de Juni, acometiendo la
obra como una gran escena
teatral que se muestra al


espectador Son 6 figuras de tamaño natural en torno a Cristo muerto. A la derecha, Nicodemo parece
dialogar con María Magdalena, que limpia el cuerpo del difunto. En el centro, María se inclina sobre su
hijo muerto, siendo consolada por Juan. Después Salomé sostiene un paño y la corona de espinas que
acaba de retirar, y por último, José de Arimatea, que muestra al espectador una espina que se clavaba
en la cabeza de Cristo, realizando una relación entre el grupo y el espectador.
JUAN DE JUNI (15076-1577): Nación en Francia, se formó en Italia y trabajó en España, formando
parte de la Escuela de Valladolid. Su estilo, con influencias de Miguel Ángel, expresa dramatismo propio
de la religiosidad castellana. Treinta años después de realizar esta obra, la reelaboró para la Catedral
de Segovia.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Escultura del Renacimiento en España),
Título/Obra (Entierro de Cristo), Autor (Juan de Juni), Situación (Museo Nacional de Escultura en
Valladolid, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la escultura del Quattrocento, Cinquecento y Manierista en Italia, situando
esta obra y autor en el lugar exacto de la evolución de la escultura renacentista española), Influencia
obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de
la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, aunque haciendo mención a
las peculiaridades del arte renacentista español por su fuerte religiosidad).

20. LA ANUNCIACIÓN (FRA ANGÉLICO, 1430-1432)
Es la tabla central de un retablo. Las dos figuras se
disponen bajo una arquitectura propiamente renacentista,
con un rayo de luz, que parte de la mano de Dios y la
paloma del espíritu santo dirigiéndose a María. A la
izquierda aparece un jardín donde están Adán y Eva, al ser
expulsados del paraíso. La trinidad se completa con el
busto de Jesús, representado en el medallón central.
El tema es de fuerte arraigo en Florencia. Muestra
novedades del renacimiento como la perspectiva que da
profundidad en el jardín y la habitación abierta de María.
En la predela aparecen escenas de la vida de la Virgen.
Se trata de una obra que utiliza nuevos recursos de la
pintura del renacimiento como la perspectiva, con otros del
pasado gótico como los dorados o el tratamiento del tema
de la anunciación.
El cuadro fue pintado para la Iglesia de Santo Domingo (Florencia). Llegó a España como regalo al Duque
de Lerma, valido de Felipe III, y actualmente se expone en el Museo del Prado.
Giovanni da Fiesole (1387-1455) se caracteriza por sus pinturas de suave luz, de ahí su sobrenombre de
FRA ANGÉLICO. Entendía el arte como medio de comunicación con Dios y fue beatificado por Juan
Pablo II. Trabajó principalmente como decorador del convento de San Marco en el que residió y en el
Vaticano.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Quattrocento italiano),
Título/Obra (La Anunciación), Autor (Fra Angélico), Situación (Museo del Prado, España), Cronología
(siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior,
situando a Fra Angélico cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del
Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
Arte).


21. LA TRINIDAD (MASACCIO, 1427)
Fresco en Santa Mª Novella (Florencia) siendo una de las primeras veces
que se hace uso de la perspectiva lineal. La composición se flanquea con
dos pilastras y arco con enjutas. En el centro, Dios-padre ofreciendo a
su hijo. Jesús crucificado, y entre ellos, la paloma del espíritu santo
(completándose la Trinidad). A los lados, San Juan y la Virgen que miran
hacia fuera de la escena. Fuera del espacio arquitectónico, dos figuras
(donantes) arrodillados, y en la zona baja, un altar con un sarcófago y un
esqueleto, símbolo de la muerte inevitable, y la leyenda: FUI LO QUE
TÚ ERES Y LO QUE YO SOY TÚ SERÁS.
La obra se caracteriza por sus grandes contrastes cromáticos, la unidad
de toda la composición y el perfecto uso de la perspectiva lineal.
Tommaso di Ser Giovanni, llamado MASACCIO (1401-1429) fue en su
corta vida uno de los primeros revolucionarios de la pintura del
Renacimiento. Muy admirado por sus coetáneos, desarrolló con sus
estudios de matemáticas, el uso de la perspectiva.
Título/Obra (La Trinidad), Autor (Masaccio), Situación (Iglesia de Santa María Novella en Florencia,
Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la
pintura gótica anterior, sobre todo con el precedente de Giotto, situando a Masaccio cronológica y
estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época
(la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva

22. CRISTO YACENTE (MANTEGNA, 1480)
En esta obra, el pintor de Pádova demuestra un claro
ejemplo de las características de sus obras inspirado
en Donatello, sus figuras son escultóricas, pétreas.
Mantegna sorprendió y escandalizó con este alarde de
dominio de la perspectiva y la proyección geométrica.
Aplicando leyes matemáticas, Mantegna dibujó un
cuerpo según el canon renacentista, perfectamente
proporcionado, y lo proyectó hacia un punto de fuga
central que nos muestra un violento escorzo del
cadáver de Cristo. La muerte se abalanza sobre el
espectador, que pueden contemplar simultáneamente
las llagas de los pies, los pliegues del sudario, el vientre
hundido, las llagas de las manos y la patética faz de
Jesús, con los labios entreabiertos y la piel amoratada.
A los lados, la virgen María, San Juan y un tercer rostro anónimo lloran la muerte. Al fondo una vasija
de aceites que manifiesta el cercano entierro.
Considerada la obra maestra de Mategna se expone en la Pinacoteca de Brera (Milán).
ADREA MANTEGNA (1431-1506). Demostró siempre interés por la perspectiva. Trabajó
principalmente en Pádova y Mantua. Esta obra significa uno de los hitos más importantes de la pintura
universal.
Título/Obra (Cristo yacente), Autor (Mantegna), Situación (Pinacoteca de Brera en Milán, Italia),
Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura
gótica anterior, situando a Mantegna cronológica y estilísticamente comparándolo con la obra de otros


pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura

23. EL NACIMIENTO DE VENUS (BOTTICELLI, 1485)
El cuadro trata sobre la llegada de Venus, diosa del amor y la belleza, a la isla de Citerea donde llegó
tras nacer de la espuma del mar, según La Metamorfosis de Ovidio. En la orilla, la primavera, una de las
estaciones, la espera para arroparla con un manto. A la izquierda, Céfiro, el viento del Oeste, abrazado
a su esposa Flora, diosa de las flores perpetuas soplan el viento que arranca las rosas.
La belleza es un don divino, el mito se convierte en expresión del neoplatonismo, según el cual el ser
humano debe buscar la unidad de la belleza, el amor y la verdad que en el cuadro se identifican con los
tres elementos (tierra, mar y aire) y la unidad en la figura de Venus que metafóricamente llega a
Florencia.
Pero no es solo una exaltación pagana de la
belleza femenina; entre sus significados
implícitos se encuentra también el de la
correspondencia entre el mito del nacimiento
de Venus desde el agua del mar y la idea
cristiana del nacimiento del alma desde el
agua del bautismo. La belleza que el pintor
quiere exaltar es, antes que nada, una belleza
espiritual y no física.
La obra destaca por sus colores suaves, la luz
uniforme y los contornos nítidos. Las 4
figuras se interrelacionan. El viento sopla sobre Venus, que se desplaza hacia el abrazo de la Primavera.
El paisaje es un marco idealizado con la belleza de la diosa.
La obra supuestamente encargada por los Médicis, decoró la Villa de Castelo en Florencia. Actualmente
se expone en la Galería de los Uffizi.
SANDRO BOTTICELLI (1444-1510), se inició como orfebre hasta entrar en el taller de Lippi. Recibió
encargos de los Médicis y del Vaticano, donde pintó alguna pared de la capilla sextina. Su obra se
interesa más por la belleza y la idealización, técnicamente es muy importante el dibujo y rescata los
temas mitológicos para la pintura.
Título/Obra (Nacimiento de Venus), Autor (Sandro Botticelli), Situación (Galería de los Ufizzi en
Florencia, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar
(con la pintura gótica anterior, situando a Botticelli cronológica y estilísticamente comparándolo con la
obra de otros pintores del Quattrocento), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la

24. ENTREGA DE LAS LLAVES A SAN PEDRO (PERUGINO, 1480-1481)
Su gran fama lo llevó a ser llamado por el Vaticano para decorar con frescos los muros laterales de la
capilla Sixtina, donde actuaron otros autores como Botticelli o Ghirlandaio, con temas sobre la vida de
Moisés y la de Cristo.
Perugino realiza este pasaje del evangelio de Mateo en el que Pedro, arrodillado frente a Cristo, recibe
las llaves del reino de los cielos, símbolo de la soberanía y del primer vicario de Dios en la tierra. En el
fondo para dar profundidad, el templo de Jerusalén con formas renacentistas y dos arcos del triunfo
que imitan al de Constantino. En segundo plano se hallan descritos otros dos episodios evangélicos: el


pago del tributo y la tentativa de
lapidación de Cristo. En el personaje con
la gorra negra y melena oscura se ha
querido ver un autorretrato del autor.
Pietro di Cistóforo, il PERUGINO (1448-
1523) se formó en Florencia en el taller
de Verrochio, influenciado por Piero
Della Francesca en cuanto a los fondos
arquitectónicos y paisajes. Maestro de
Rafael, sus obras más importantes las
hizo en las paredes de la Capilla Sixtina.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del
Renacimiento), Etapa (Pintura del
Quattrocento italiano), Título/Obra (Entrega de las llaves a San Pedro), Autor (Il Perugino), Situación
(Capilla Sixtina en El Vaticano, Italia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento),
Relacionar/comparar (con la pintura gótica anterior, situando a Perugino cronológica y estilísticamente
comparándolo con la obra de otros pintores del Quattrocento y con la obra de Rafael, ya del
Cinquecento, principalmente los Desposorios de la Virgen), Influencia obra-época (la influencia del
renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras
los cambios de la Edad Moderna en el Arte).

25. LA VIRGEN DE LAS ROCAS (LEONARDO, 1483-1486)
Se trata de la primera versión que sobre el tema hace Leonardo
(posteriormente en 1492, realizará una nueva versión que se conserva en la
National Gallery de Londres) destinada para la Iglesia de San Francisco el
Grande de Milán y que hoy se conserva en el Louvre (París).
Es un perfecto ejemplo de armonía renacentista, englobando las figuras en
una composición triangular (considerada la más perfecta de la época), cuyo
vértice es la Virgen, a sus lados Jesús y San Juan niños, y al lado el ángel
Uriel que señala quién es el Mesías.
En esta obra se desarrolla ya perfectamente el sfumato, lo que se une a la
luz tenebrosa de la cueva, creando ese ambiente característico de luces
difusas y contornos que se difuminan que dan una mayor y más realista
profundidad. Al uso de la perspectiva aérea, añadir la depurada y virtuosa
técnica del autor, como el trabajo magistral para la mano de María.
Además es interesante por la relación psicológica y gestual de todos los
personajes y que redondea ese realismo que se buscaba.
LEONARDO DA VINCI (1452-1519) Destacó ampliamente en todos los campos del saber. Inició su
formación en el taller de Verrochio, y su actividad científica hizo que su producción artística no fuera
muy extensa. Destaca su faceta de pintor por la aportación del nuevo sistema de perspectiva, la aérea,
conseguida por la técnica del sfumato, de ahí el aire misterioso de sus cuadros.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano),
Título/Obra (La Virgen de las Rocas), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Museo del Louvre en París,
Francia), Cronología (siglo XV), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la
pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Rafael y
Miguel Ángel), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
Arte).


26. LA GIOCONDA (LEONARDO, 1503-1505)
Tal vez el retrato más famoso del mundo, representa a la esposa de
Francesco del Giocondo, llamada Lisa y más conocida como Mona Lisa,
aunque no está clara su verdadera identidad.
Es un típico retrato renacentista de busto que se prolonga hasta los
brazos, con una composición triangular, tocada con un velo (símbolo de
castidad propia de las esposas) pero algunos elementos lo hace muy
distintos.
Primero el uso del sfumato que envuelve a la figura en un halo de misterio.
El paisaje que lo enmarca es inquietante, parece independiente del
retrato ya que la línea de horizonte no coincide a ambos lados creando
dos planos de visión. Además la expresión ha dado al cuadro su fama
mundial, el claroscuro en los ojos y la comisura de los labios le imprimen
una ambigüedad como si el tiempo se hubiera detenido en su misteriosa
sonrisa.
El retrato fue encargado en 1503, pero no es seguro que Leonardo llegara a entregarlo, ya que siguió
retocándolo durante años. Adquirida por el rey Francisco I de Francia, actualmente se conserva en el
Museo del Louvre.
Título/Obra (Gioconda o Monna Lisa), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Museo del Louvre en París,
Francia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la
Arte).

27. LA ÚLTIMA CENA (LEONARDO, 1494-1497)
Fresco para decorar el refectorio de la iglesia de Santa Mª delle Grazie (Milán) encargado por Ludovico
el Moro. Desgraciadamente, Leonardo experimentó con óleo sobre yeso y de ahí su gran deterioro.


Representa una escena horizontal de gran teatralidad. En el centro Jesús, y sus lados, seis y seis
apóstoles, agrupados de tres en tres. Destaca el primer grupo a la derecha de Jesús, formado por
Pedro que se inclina sobre San Juan, y Judas Iscariote que termina de formar el grupo. La composición,
que puede parecer casual, está muy estudiada, destacando Jesús en el centro con composición
triangular y con espacio entre los apóstoles que lo hacen una figura aislada y destacada.
El momento es dramático, justo después de anunciar Jesús que va a ser traicionado por uno de ellos.
Usa una arquitectura y ventanas por las que se aprecia el paisaje para dar profundidad, pero la escena
está iluminada por una luz artificial y uniforme en la que usa el sfumato.
Título/Obra (La Última Cena), Autor (Leonardo da Vinci), Situación (Santa Mª delle Grazie en Milán,
Arte).

28. MADONNA DEL GRAN DUQUE (RAFAEL, 1504)
Al poco tiempo de llegar a Florencia, Rafael pinta una serie de vírgenes con niño
entre las que destaca ésta, encargada por los Médicis. En el cuadro, aparece la
Virgen con vestido rojo y manto azul, de pie, sosteniendo al niño, sobre un fondo
totalmente negro. Se trata de una de las obras más sencillas del autor, donde
sólo los cuerpos en una ligera rotación se contraponen.
En Florencia, Rafael había aprendido el sfumato de Leonardo y lo aplica en el
cuadro, que junto a su maestría en el modelado, dan a sus personajes verdadera
apariencia divina.
La obra fue adquirida en 1799 por Fernando III, Gran Duque de la Toscana, que
jamás se separaría de él en vida y pasó a formar parte de la colección del
Palacio Pitti, donde se expone en la actualidad.
Título/Obra (Madonna del Gran Duque), Autor (Rafael Sanzio), Situación (Palacio Pitti en Florencia,
pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y
Arte).

29. LA ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL, 1510-1511)
Forma parte de los frescos que Julio II encarga para decorar las estancias del Vaticano, en concreto la
Signatura, biblioteca privada del Papa. En ella, pinta La Disputa del sacramento y la Escuela de Atenas.
La obra representa la filosofía, justo en la pared donde se situaban los libros de esta materia. El
espíritu del Renacimiento en búsqueda de la verdad, representando a los sabios de la Antigüedad e
identificándolos con los artistas del Renacimiento, dignificando su labor.
La escena se desarrolla en un marco arquitectónico inspirado en los proyectos de Bramante para San
Pedro, con una perfecta perspectiva. En el centro las figuras de Platón (retrato de Leonardo)
sosteniendo el Timeo y Aristóteles con la Ética. Alrededor, grupos de personajes entre los que
destacan Miguel Ángel como Heráclito, pensativo sobre un bloque de piedra.
Pitágoras (matemática y música) que escribe sobre una tabla, Diógenes que había renunciado a todos los
bienes, se despereza sobre la escalera. Sócrates explica sus teorías a su discípulo, Alejandro Magno.


Ptolomeo, de espalda sosteniendo el globo terráqueo, y junto a él, mirando al espectador, el propio
Rafael, junto a su maestro Perugino, de blanco.
Con esta obra, Rafael cambia su estilo, su luz es diáfana, colores suaves y sus composiciones son más
dinámicas, con grupos de personajes que se mueven y adoptan incluso posiciones forzadas que caminan
hacia el manierismo.
RAFAEL SANZIO, de Urbino (1483-1520).
Hijo de pintor se forma entre otros talleres
en el de Perugino. Primero trabaja en
Florencia y aprende de Miguel Ángel (los
cuerpos) y Leonardo (esfumado).
En 1508, se traslada a Roma trabajando para
el Vaticano como pintor (decorador y
retratista) y arquitecto. Murió
repentinamente con 37 años, pero dejando un
legado suficiente para ser apodado el Divino.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del
Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento
italiano), Título/Obra (La Escuela de Atenas),
Autor (Rafael Sanzio), Situación (Estancias Vaticanas, Roma, Italia), Cronología (siglo XVI), Época
histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura anterior del Quattrocento y con
la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Miguel Ángel), Influencia obra-época (la
influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el racionalismo y de la nueva

30. LA CREACIÓN DE ADÁN (CAPILLA SIXTINA, MIGUEL ÁNGEL, 1508-1512)
Encargo de Julio II para la capilla levantada por Sixto IV, que ya estaba decorada en los muros
laterales con dos ciclos: La historia desde Moisés hasta Cristo y la historia a partir de Cristo.
Para la bóveda Miguel Ángel concibe la historia desde la Creación hasta Moisés para completar el
ciclo narrativo.
Divide la bóveda de cañón con arcos fajones simulados en 9 tramos con escenas del Antiguo
Testamento, además dos falsas cornisas que dan resultado de recuadros con temas secundarios
(profetas y sibilas).


La escena más famosa es la Creación de Adán, representa el momento justo anterior, Dios desde el
cielo, envuelto en una nube de ángeles, se acerca Adán, que desde la tierra, levanta su mano débil, para
recibir la vida. Es una escena conmovedora que ha pasado a la Historia como la imagen universal de Dios.
A pesar de no recibir el encargo con agrado, M.A. dedicó en exclusiva 4 años de su vida. Realizó
numerosos bocetos para imprimir a sus figuras la terribilitá de su escultura, figuras forzadas,
desequilibrantes, y volviendo triunfante al desnudo de la Antigüedad. Utilizó colores manieristas,
fuertes y luminosos, con pinceladas libres y enérgicas.
Miguel Ángel logró una obra descomunal, cumbre de la pintura de todos los tiempos.
Título/Obra (La Creación de Adán), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación (Capilla Sixtina, Roma,
pintura anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y
Rafael, y con la pintura Manierista), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura

31. EL JUICIO FINAL (CAPILLA SIXTINA MIGUEL ÁNGEL, 1535-1541)
Gracias al maravilloso resultado de la obra de Miguel
Ángel en la bóveda de la capilla, años más tarde los
papas Clemente VII y Pablo III le encargan pintar el
testero de la capilla con el tema del Juicio Final.
Inspirándose en obras como el Apocalipsis de San
Juan y la Divina Comedia de Dante, el autor inicia la
obra.
La composición son dos planos superpuestos: arriba el
cielo, abajo la Tierra. Toda la escena está en
movimiento en torno a la figura central de Dios, como
un dios clásico. La profundidad desaparece y todo se
desarrolla en un cielo azulado con figuras en primer
plano que destacan por sus desnudos volumétricos y
expresivos (como las esculturas de su autor).
En el centro Cristo Juez, junto a María, dictamina el
destino de los hombres. Rodeado de Apóstoles y
Santos, algunos identificables por sus atributos, y
bajo ellos, los ángeles. En el plano terrestre, a la
derecha de Dios, los bienaventurados ascienden al cielo (algunos resucitan), mientras a la izquierda, los
condenados son arrojados a las tinieblas, trasladados en la barca de Caronte, y entre ellos el rey Minos,
juez infernal y rey despiadado.
Toda la composición es un torbellino que se aleja del orden y serenidad renacentistas, el repertorio de
formas es la principal fuente de inspiración del manierismo y el color destaca por su oposición a
cualquier armonía, vivos y contrastando luces y sombras.
Antes de ser acabada la obra fue criticada por los prelados del Papa, ya que sus desnudos no eran
dignos del lugar. Miguel Ángel no respondió, sólo pintó, y representó al más vehemente de sus críticos,
Blas de Cesena, en el rostro del rey Minos, y él se autorretrató en la piel desollada de San Bartolomé.
En 1541, se mostró el resultado final y sólo cinco años después se censuraron los desnudos,
encargándose a Daniel de Volterra tapar las vergüenzas de las figuras, lo que le valió el apodo de Il
Braghetone.
Título/Obra (El Juicio Final), Autor (Miguel Ángel Buenarroti), Situación (Capilla Sixtina, Roma, Italia),


Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la pintura
anterior del Quattrocento y con la obra de los otros dos genios del Cinquecento, Leonardo y Rafael, y
con la pintura Manierista), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura

32. CARLOS V A CABALLO EN MÜHLBERG (TIZIANO, 1548)
Es un retrato ecuestre donde se muestra al emperador como un
soldado de Cristo en lucha contra el protestantismo. Tras la
victoria en 1548, encarga este cuadro a Tiziano. Siguiendo una
composición clásica que rememora antiguos retratos romanos, el
autor hace un estudio profundamente psicológico del personaje
que se muestra sereno e impasible. Con rigor histórico pinta con
todo detalle la valiosa armadura de Carlos V tallada en oro y
plata. Tras él, se abre un bosque de luz rojiza frente al río Elba
donde se desarrolló la batalla.
Tiziano protegido por Carlos V y su hijo Felipe II, fue el
retratista oficial de la Casa Real Española. Maestro del color y
captación de la psicología del retratado, sus obras están llenas de
solemnidad. También para la monarquía española pintó cuadros
mitológicos y religiosos, por ello, que muchas de sus obras como
ésta se expongan en el Museo del Prado.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano, Escuela
Veneciana), Título/Obra (Carlos V en Mülberg), Autor (Tiziano Vecellio), Situación (Museo del Prado,
España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (con la
pintura del Quattrocento y Cinquecento en Italia, situando además a Tiziano cronológica y
estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores de la Escuela Veneciana y haciendo mención
a su influencia posterior en el Barroco), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la

33. VENUS DE URBINO (TIZIANO, 1538)
Encargada a Tiziano en 1538, destaca un juego de
planos original que acentúa la profundidad. Con un
cortinaje, divide la escena en dos. En primer plano,
desnuda y acostada la Venus se muestra en plenitud
erótica, de texturas cálidas y color pastoso que
resalta sobre el cortinaje oscuro y aterciopelado. A su
lado, un pequeño perro, símbolo de la fidelidad,
aparece dormido. En una segunda escena, dos mujeres
permanecen ajenas en sus quehaceres y con ellas se
abre un callejón perspectivo que aumenta con la
ventana abierta en la pared.
Inspirada en la Venus del Giorgione, ahora la diosa se muestra orgullosa de su belleza y desnudez y mira
directamente al espectador. La obra que será inspiración de muchos artistas posteriores como Manet,
se expone en la Galería de los Ufizzi.
TIZIANO (1490-1576): Su vida fue larga así como su producción. Principal pintor de la Venecia del s.
XVI, cultivó diversos géneros pero destacó en el retrato. Influenciado tras conocer las pinturas de


Miguel Ángel, su sello de identidad lo da el color que usa con libertad plena, espléndido y expresionista
de gran influencia posterior.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Cinquecento italiano, Escuela
Veneciana), Título/Obra (Venus de Urbino), Autor (Tiziano Vecellio), Situación (Galería de los Ufizzi en
Florencia, Italia), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar
(con la pintura del Quattrocento y Cinquecento en Italia, situando además a Tiziano cronológica y
estilísticamente comparándolo con la obra de otros pintores de la Escuela Veneciana, especialmente
Giorgione), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el
Arte).

34. EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ (EL GRECO, 1586-1588)
Se trata de una obra de gran formato encargada por la
parroquia de Santo Tomé de Toledo, donde se expone
aún hoy. Conmemoran la muerte de Gonzalo Ruiz, Conde
de Orgaz, benefactor del templo y muerto 250 años
antes de pintarse la obra, en cuyo entierro aconteció el
milagro de la aparición de San Esteban (diácono) y San
Agustín (obispo) que desde el cielo descendieron para
darle sepultura.
La escena se divide en dos partes, recurso muy usado
por el Greco.
La superior o celestial, forma un arco donde Cristo y la
Virgen presiden el entierro, acompañados de santos y
bienaventurados entre los que se ha identificado a
Felipe II. En la parte inferior terrenal, los santos
vestidos con ropas litúrgicas sostienen el cadáver del
conde, rodeados de los asistentes al funeral donde el
autor hace una galería de retratos del Toledo de la
época, entre los que están el de su hijo y él mismo,
mirando al espectador. Todos dispuestos como un friso
a la misma altura que marca una línea de separación con el cielo, con el que se une solamente con la
figura de un ángel que porta el alma del difunto.
Técnicamente, también hay diferencias entre la parte inferior más realista, y la superior propiamente
manierista con pinceladas sueltas, figuras ingrávidas y luces fantasmales, expresando a la perfección el
contraste entre la tierra y el cielo.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Bajo Renacimiento en España),
Título/Obra (Entierro del Señor de Orgaz), Autor (El Greco), Situación (Iglesia de Santo Tomé en
Toledo, España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar
(situar la obra de El Greco cronológica y estilísticamente mencionando las distintas influencias tras su
paso por Creta, Venecia, Roma y España y las características debidas exclusivamente a la genialidad del
pintor), Influencia obra-época (la influencia del renacimiento de la cultura grecolatina, el humanismo, el
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo
mención a las peculiaridades renacentistas españolas por la fuerte religiosidad).

35. EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO (EL GRECO, 1577-1579)
Se trata de uno de los retratos más conocidos que El Greco hizo de la sociedad toledana de su época. La
identidad del caballero ha suscitado numerosas hipótesis, lo más seguro es que se trate de Juan de
Silva, marqués de Montemayor, notable mayor de Toledo y caballero de la Orden de Santiago, ya que


tras ser restaurado el cuadro se aprecia una deformidad en el
hombro izquierdo, ya que Silva fue herido por un disparo.
Su pose es hierática. La luz sólo ilumina el rostro y la mano
que a modo de juramento se posa sobre el pecho. Contrasta
con el fondo y ropaje oscuro, aunque permite apreciar la
riqueza de su ropa, el medallón de oro que le cuelga y la
espada dorada toledana, resultando la representación clásica
del hombre del Siglo de Oro español.
EL GRECO: Doménico Theotocopoulos (Creta, 1541-Toledo,
1614) Aprendió en su tierra las formas bizantinas. En Venecia
aprendió los colores de su escuela. Después en Roma estudió
las formas manieristas de las figuras de Miguel Ángel. Llegó a
España para participar en la decoración de El Escorial, pero
fue rechazado por Felipe II, tal vez por su muy revolucionaria
pintura. Instalado en Toledo hasta su muerte, alcanzará el
éxito, convirtiéndose en el mejor ejemplo de pintura
manierista del arte español.
No olvides hablar de: Estilo (Arte del Renacimiento), Etapa (Pintura del Bajo Renacimiento en España),
Título/Obra (El Caballero de la mano en el pecho), Autor (El Greco), Situación (Museo del Prado,
España), Cronología (siglo XVI), Época histórica/cultural (Renacimiento), Relacionar/comparar (situar la
obra de El Greco cronológica y estilísticamente mencionando las distintas influencias tras su paso por
Creta, Venecia, Roma y España y las características debidas exclusivamente a la genialidad del pintor),
racionalismo y de la nueva sociedad surgida tras los cambios de la Edad Moderna en el Arte, haciendo
mención a las peculiaridades renacentistas españolas).

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