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SAN SEBASTIÁN DE ALONSO BERRUGUETE, Sara Gómez
 Provencio


ANÁLISIS DE LA OBRA:
         Es una escultura originalmente a...
Médici en Florencia de Miguel Ángel, así como la postura evoca al Esclavo del mismo que se
conserva en el Museo de Louvre....
decepcionado Maximiliano, lo condenó a morir asaetado. Los soldados del emperador lo llevaron
al estadio, lo desnudaron, l...
EL PALACIO DE LA LONJA EN ZARAGOZA, Daniel Ros


1. Identificación, localización y cronología
        Esta obra arquitectó...
Sobre este salón se encuentra una planta correspondiente al mirador a la cual se accedía por
una escalera de caracol situa...
iglesia: una simple nave central, sin naves laterales, de manera que la congregación de fieles
esté junta y concentrada en...
diferencia de anchura entre los dos cuerpos la solucionó mediante un aletón a modo de voluta en
los ángulos.


 FACHADA DE...
calles verticales flanqueadas por pilastras decoradas con motivos platerescos adaptándose a la
proporcionalidad áurea. Se ...
EL EXPOLIO DE EL GRECO, Cristina Villanueva



Introducción
La obra comentada es el Expolio realizada por el Greco entre 1...
También nos encontramos influencias de Miguel Ángel en la anatomía del cuerpo de Cristo que
nos presenta un cuerpo de gran...
accede por amplias escalinatas con columnas hexástilas de orden jónico con un amplio frontón,
por ello el edificio tiene f...
La escultura era su predilecta, y en la que más trabajo. Sus principales obras fueron: la
Piedad del Vaticano (con forma t...
lado que formaban las fachadas. Sus ideas influyeron a los otros arquitectos que vinieron a
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tensión muscular, se muestra desnudo como las esculturas del mundo clásico y representa el
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Comentarios de arte 2ª ii

  1. 1. SAN SEBASTIÁN DE ALONSO BERRUGUETE, Sara Gómez Provencio ANÁLISIS DE LA OBRA: Es una escultura originalmente adosada a un retablo, pero hoy conservada exenta o separada de él. De bulto redondo; formada por una figura humana frontal de cuerpo entero recostada en un tronco de madera inestable. Tiene alrededor de 1 metro de altura. Es una talla de madera, con la técnica del estofado (varias capas de yeso sobre la madera para simular la piel humana, encarnado), policromada y dorada. La textura es lisa y sumamente pulida, y es una escultura ligera por su material. Originalmente era una de las esculturas del Retablo de San Benito de Valladolid, pero hoy se conserva desmontado en el Museo Nacional de Escultura de la capital castellana. Por concebirse como escultura adosada a un retablo, su posición es frontal y debería tener, por tanto, un solo punto de vista. Pero, debido a su forma, con la línea serpentinata tan característica del manierismo, a su movimiento y a su torsión, tiene varios puntos de vista posibles. Ya que iba a estar dentro de un retablo de una iglesia, la luz sería escasa e indirecta, pero Berruguete, que tenía la costumbre de utilizar el dorado en todas sus figuras, tanto en el cuerpo, como en el paño que lo cubre, en el pelo o en el tronco, en el caso de San Sebastián, consiguió múltiples reflejos cuando la escasa luz incidía en la talla. Aunque también se refleja la luz por el tratamiento de la superficie, que quedó muy lisa y suave: muy bien pulida. El uso del dorado le dio, además, un aspecto irreal e inmaterial a la figura. El joven San Sebastián está recostado sobre el tronco, que es tan inestable que parece que se vaya a resbalar, donde se aprecia la influencia de los desnudos de las tumbas de los 1
  2. 2. Médici en Florencia de Miguel Ángel, así como la postura evoca al Esclavo del mismo que se conserva en el Museo de Louvre. De Leonardo da Vinci toma la musculatura muy levemente marcada, ya que este decía: “a las personas jóvenes no hay que señalarles músculos fuertes, sino una encarnadura dulce con flexiones simples y miembros torneados”; la gran expresividad del rostro, que también plasmaba éste para reflejar el alma; y puede incluso que la obra esté inspirada en un dibujo que hizo el mismo Leonardo para un San Sebastián que se conserva en Hamburgo. La influencia del manierismo italiano se observa en el canon alargado y estilizado de diez cabezas de la figura; en la línea serpentinata, acentuada en la pierna que se dobla y que tiene su paralelo en la parte superior del cuerpo, en el brazo derecho. La preocupación por el desnudo de Berruguete tiene sus raíces en el Donatello maduro, a pesar de que el estudio anatómico de esta talla no fue nada bien recibido, llegándose a decir que Berruguete tallaba a zarpazos, convirtiendo cualquier escena en un drama que excluye toda trivialidad a favor de un patetismo prácticamente expresionista. Y, como era característico del estilo de Alonso, la masa escultórica se convierte en una llama agitada, frenética, ingrávida y estilizada, debido al escaso valor que daba él mismo a la perfección técnica, que sacrificaba a favor del dramatismo, el nerviosismo, la pasión y el movimiento desatados. Después de todo, la composición es, por tanto, centrífuga (hacia fuera) por la línea serpentinata que forma, la torsión y el retorcimiento de sus miembros, lo que también representa el movimiento exagerado. En cuanto al tema y significado, la escultura representa el martirio de San Sebastián (256-288). Éste fue soldado del ejército romano y del emperador Diocleciano, quien, sin saber que era cristiano, llegó a nombrarlo jefe de la primera corte de la guardia pretoriana imperial. San Sebastián, como buen cristiano, ejercitaba el apostolado entre sus compañeros, visitaba y alentaba a los cristianos encarcelados a causa de su religión. Pero un día fue denunciado al emperador Maximiliano, quien le obligó a elegir entre ser soldado o seguir a Jesucristo. Entonces, a sabiendas de que moriría, S. Sebastián eligió la cristiandad. Así que, 2
  3. 3. decepcionado Maximiliano, lo condenó a morir asaetado. Los soldados del emperador lo llevaron al estadio, lo desnudaron, lo ataron a un poste y lanzaron sobre él una lluvia de saetas (este es el momento elegido por Berruguete para su escultura: justo cuando iban a asaetarlo). Después, los soldados lo dieron por muerto. Entonces sus amigos cristianos se acercaron y, al verlo con vida, se lo llevaron a casa de una romana para que se recuperara. Una vez estuvo bien, en vez de irse de Roma como le habían aconsejado sus amigos, se presentó ante el emperador. Éste esta vez mandó que lo azotaran hasta morir. Fue enterrado en la catacumba de San Sebastián en la Vía Apia. Clasificación y contexto histórico-social: Esta obra pertenece a la escultura española del Renacimiento, del segundo tercio del siglo XVI, aunque data concretamente de 1527. El artista es Alonso Berruguete (1489-1561). Éste era hijo del pintor Pedro Berruguete, con el que se formó inicialmente, como pintor. Después completó su formación artística con su larga permanencia en Italia, donde pudo entrar en contacto con los modelos de la Antigüedad clásica; estudiar la obra de Ghiberti, Donatello, Leonardo y Miguel Ángel, que influyeron sobre todo en su escultura; y asimilar los recursos formales del manierismo florentino. Todas estas influencias italianas, junto con su formación inicial en el expresionismo tradicional de la escuela castellana conformaron su propio estilo: nuevo, subjetivo y original, con el que algunos historiadores del arte consideran que comenzó el denominado Manierismo Expresivo o Emocionalista. Berruguete contribuyó o incluso fue el precursor de la imaginería barroca española gracias a su obra escultórica. Y, en relación al contexto, forma parte, aunque con fecha muy temprana por lo que tardaría su difusión, del manierismo, que surgió en Italia a raíz de la crisis del ideal humanista, producida por la Reforma luterana y el Sacco di Roma. Estas tensiones vitales en los humanistas hicieron que los artistas ya no buscaran conjugar cristianismo y mundo clásico, sino la exaltación de la iconografía religiosa, como consecuencia directa del sentimiento de la Contrarreforma, que tuvo especial importancia tanto en Italia y sobre todo en Roma, capital de la cristiandad, como en España, paladín de este movimiento. Así, el manierismo se caracterizó por el empleo de modelos clásicos con un lenguaje anteclásico, como se observa perfectamente en esta talla de San Sebastián. 3
  4. 4. EL PALACIO DE LA LONJA EN ZARAGOZA, Daniel Ros 1. Identificación, localización y cronología Esta obra arquitectónica fue construida por el consistorio de Zaragoza, debe su nombre a la función por la que fue construido: servir como Lonja para los mercaderes, según el proyecto del maestro Juan de Sariñena. Al ser el primer palacio plenamente renacentista de la ciudad y el mayor exponente de la construcción civil renacentista de la comunidad aragonesa, se puede identificar como el Palacio de la Lonja en Zaragoza; construido entre los años 1541-1551. Actualmente es un palacio de exposiciones situado entre el Ayuntamiento y el Palacio Arzobispal, muy cerca del Pilar y La Seo. 2. Características. -En el exterior: La fachada de este edificio renacentista del siglo XVI, muestra una brillante interpretación de modelos de arquitectura italianos adaptados al ladrillo, principal material utilizado en este edificio, además del yeso. Esta fachada se articula en tres pisos, los dos pisos superiores se encuentran divididos o separados del primero, por un gran entablamento con un friso de escasa decoración. En todos los pisos se han abierto vanos pero los únicos que permiten el paso de la luz, son los del segundo piso, ya que era necesaria la luz para poder desarrollar las actividades mercantiles. En estos destaca el uso del cristal emplomado. La decoración exterior se centra en la parte superior con el mirador de arcos dobles de medio punto, decorados con bustos de personajes en yeso policromado. El edificio es de planta rectangular y la cubierta cae en cuatro vertientes. -En el interior: La división exterior en pisos no se corresponde con la interior la cual está dotada de un gran salón dividido en naves por columnas anilladas y cubierto por bóvedas de crucería estrelladas. Las columnas que sostienen la bóveda se deben al maestro cantero Juan de Segura, vecino de Barbastro, quien las elaboró a partir de las piedras de los muros romanos que circundaban el recinto antiguo de la ciudad; estas se caracterizan por un anillo en el fuste a un tercio de su altura respecto al suelo. 4
  5. 5. Sobre este salón se encuentra una planta correspondiente al mirador a la cual se accedía por una escalera de caracol situada en una torrecilla exterior, la cual en la actualidad no está presente; en esta planta se guardaban lar armas de la ciudad. La decoración interior fue diseñada por el escultor Gil Morlanes, respecto a esta se puede decir que la ornamentación sigue el estilo propio renacentista, visible sobre todo en las ventanas y en el friso que recorre toda la sala. El motivo más repetido es el escudo de la ciudad, portado por ángeles sobre los capiteles de las columnas y tallado en las claves de las bóvedas. Además también aparece el escudo del emperador Carlos V el cual esta sostenido por leones y enmarcado en el Toisón de Oro. 3. Finalidad y simbolismo. Tanto la lonja de Zaragoza como otras como la de Palma, en la que está inspirada, o la de Valencia; son símbolo del poder de la ciudad para atraer a los comerciantes. La Lonja de Zaragoza fue construida con la finalidad de proporcionar a los mercaderes un lugar adecuado para sus actividades de compra y venta, ya que se realizaban en "La Seo y otras iglesias". EL GESÚ DE ROMA, DE VIGNOLA Y DE DELLA PORTA, Alejandro Español La Iglesia del Gesù, situada en la plaza del Gesù en Roma, es la iglesia madre de la Compañía de Jesús (conocida como los jesuitas). Su fachada es reconocida como la primera lícitamente barroca y fue el modelo de innumerables iglesias jesuitas en todo el mundo, especialmente en América. Miguel Ángel se ofreció a diseñar la iglesia gratuitamente pero, finalmente, los arquitectos implicados en la construcción fueron Vignola y della Porta. La construcción de la iglesia empezó en 1568 según diseño de Vignola, estableciendo un modelo para las iglesias jesuitas que perduró hasta el siglo XX. La iglesia madre jesuita se construyó acorde a las nuevas exigencias formuladas durante el Concilio de Trento: no existe el nártex, típico de las iglesias paleocristianas, sino que se accede, directamente, al cuerpo de la 5
  6. 6. iglesia: una simple nave central, sin naves laterales, de manera que la congregación de fieles esté junta y concentrada en el altar mayor (sobreelevado para que pudiera ser visto por todos los fieles) Las naves laterales son sustituidas por una serie de capillas interconectadas (en las que podemos admirar múltiples frescos, lienzos, urnas, relicarios y otros elementos decorativos) en forma de arco (unas veces de medio punto y otras adintelados), quedando semioscuras y cuya entrada está controlada por balaustradas decorativas con rejas. Los transeptos quedan reducidos a esbozos que enfatizan los altares en los muros del fondo y se abre una bóveda de cañón con arcos fajones o perpiaños y lunetos para las ventanas más altas que la cubren e iluminan. En su interior, también llama la atención su rica decoración, basada en mármoles, bronces, dorados y frescos que nos muestran la clara suntuosidad del gusto jesuita. Su gran bóveda esta repleta de frescos, entre los que destaca el triunfo del nombre de Jesús. La cúpula del crucero apoya en pechinas que parten de pilares no achaflanados y un alto tambor, cilíndrico al interior, ochavado externamente, con cuatro luminosas ventanas. El ábside, como en San Andrés de Mantua, es de planta semicircular. Al ser un ejemplo de arquitectura del Cinquecento, se caracteriza por la continuidad de las ideas del Quattrocento pero buscando una mayor monumentalidad y austeridad decorativa en los edificios, y se prestó especial atención a las plantas centralizadas cubiertas por una cúpula. También, además de plantas centralizadas, se realizaban plantas de cruz latina cuyo crucero se cubría con una cúpula. Como ya se ha mencionado anteriormente, los dos arquitectos encargados de realizar esta iglesia modelo jesuita fueron Vignola y Della Porta. Vignola (1507-1573) estuvo influido e inmerso en la estética manierista que se dio en la segunda mitad del S. XV. En el Gesú se buscaba el sentido práctico y la adaptación a las ideas de Concilio de Trento. Basándose en la iglesia de San Andrés de Mantua de Alberti, estableció una planta de cruz latina, de una sola nave con una bóveda de cañón y capillas laterales. Sin embargo Vignola no pudo terminar la fachada, que fue encargada posteriormente a Giacomo della Porta. Della Porta dispuso un cuerpo inferior como si fuera un arco de triunfo con pilastras y columnas adosadas y otro superior, más estrecho, rematado por un frontón triangular. La 6
  7. 7. diferencia de anchura entre los dos cuerpos la solucionó mediante un aletón a modo de voluta en los ángulos. FACHADA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA, Vicky Barrado CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO La fachada de la Universidad de Salamanca corresponde al Renacimiento en España, data del primer tercio del siglo XVI, aunque no sabemos con certeza la fecha exacta. El autor de esta espectacular obra arquitectónica nos es desconocido. En esta época se superponen los elementos decorativos procedentes de Italia y los medallones, grutescos, etc., así como temas especialmente clasicistas aparecen en la mayoría de las fachadas y portadas. El estilo al que pertenecen la mayoría de las obras arquitectónicas realizadas en esta época recibe el nombre de Plateresco, por lo minucioso y preciosista de la decoración. Hay que destacar que el primer tercio del siglo XVI es un periodo fundamental en la historia de la cultura española; los años iniciales del reinado de Carlos V, superada la crisis de las Comunidades, traen a Castilla una renovación completa, el humanismo y las corrientes erasmistas aún tienen presencia en círculos intelectuales, y se inician importantes proyectos como la Biblia Políglota Complutense. La Universidad de Salamanca intentará renovarse por completo, con el objetivo de recuperar el apoyo monárquico y ser de nuevo el centro formativo para la élite del Reino. Una parte importante del proyecto fue el programa de renovación y de construcción de los edificios sede de La Universidad. ANÁLISIS DE LA OBRA Esta obra se trata de la fachada de la Universidad de Salamanca y fue construida con la intención de renovar los edificios sede de la Universidad, así como para recuperar el apoyo monárquico y volver a ser el centro formativo por excelencia del Reino. El repertorio decorativo de la fachada se adapta completamente a los modelos italianizantes, se trata de una fachada tapiz dividida en tres pisos separados por frisos y cinco 7
  8. 8. calles verticales flanqueadas por pilastras decoradas con motivos platerescos adaptándose a la proporcionalidad áurea. Se asemeja a un retablo por su composición y distribución. El primer nivel inferior está protagonizado por el medallón de los Reyes Católicos en el que aparecen los dos sosteniendo el cetro, rodeados por la frase en griego “Los reyes a la Universidad y ésta a los Reyes” indicando las relaciones de mutua dependencia que debía hacer entre ambos. En las calles restantes de ese nivel aparece una decoración vegetal animal y humana, en la pilastra de la derecha, podemos observar tres calaveras y en una de ellas encontraremos una rana cuyo significado es la lujuria y la muerte ya que ambas están conectadas según el pensamiento de la época. En el segundo nivel la vinculación con la monarquía se mantiene con la inclusión del blasón con las armas de Carlos I en la parte central, a su izquierda el águila imperial bicéfala y a la derecha el águila de San Juan; flanqueado en los medallones de las calles laterales con personajes de perfil, que se han interpretado como retratos de Carlos V y su esposa Isabel de Portugal. Además aparecen personajes míticos que tienen que ver con los orígenes de la monarquía (Hércules). Las figuras que aparecen en conchas (veneras) que coronan cada uno de los medallones presentan controversias a la hora de hacer una interpretación. En el último piso encontramos un sumo pontífice sentado en su cátedra, rodeado de cardenales y otros personajes que ha sido interpretado como Martín V o Benedicto XIII; las figuras de la izquierda y de la derecha son todavía más problemáticas ya que hay diversidad de interpretaciones, unos dicen que se trata de Eva rodeada de Caín, Abel y un ángel y otros que son representaciones de Venus, Marte, Baco y Príapo coronados por un relieve de amorcillos y delfines (izquierda). A la derecha unos dicen que aparece Hércules acompañado por Juno y Júpiter o Teseo y Fedra y otros que piensan que se trata de Adán acompañado por sus dos hijas. La iconografía de la fachada responde a los intereses de un claustro que pretendía recuperar el apoyo de la corona, destacando la vinculación que a lo largo del tiempo había mantenido con ella, sobre todo con los Reyes Católicos, y a la vez pretendía mantener su autonomía. Además de eso nos encontramos con que la entrada está dividida en dos puertas, la puerta de la derecha es la de la virtud y la de la izquierda la del vicio; ya que la universidad es considerada como el templo del estudio que nos enseñará a controlarnos ante los vicios. 8
  9. 9. EL EXPOLIO DE EL GRECO, Cristina Villanueva Introducción La obra comentada es el Expolio realizada por el Greco entre 1877 a 1879 y que fue encargada por el Cabildo de la catedral de Toledo para ser colocada en el altar mayor de la catedral. Esta obra no les gustó a los sacerdotes porque contenía una serie de errores. Hoy en día se encuentra en la catedral de Toledo. El Greco es un pintor manierista que forjó un estilo muy personal debido a las influencias que recibió de los distintos lugares en los que residió. Comenzó en Creta donde recibió influencias de la tradición bizantina (pintura de iconos con gran simbolismo y espiritualidad) y de la pintura veneciana. En Venecia estudió con Tiziano y recibió influencias de Tintoretto, fundamentalmente en el uso del color y de la luz, y adquirió una técnica de pincelada suelta. Después se fue a Roma, donde recibió influencias de Miguel Ángel y de la pintura manierista (alargamiento, contorsiones y deformaciones de las figuras (forma serpentinata) y una gran fuerza muscular en sus desnudos.) Finalmente se trasladó a España y después de un breve paso por la ciudad de Madrid se reubicó en Toledo donde vivió hasta su muerte (1614). Todas estas influencias se encuentran en este cuadro que realmente se titula “El despojo de las vestiduras de Cristo sobre el Calvario” aunque es más conocido como el Expolio. Análisis de la obra Este cuadro es un óleo realizado sobre lienzo que está pintado directamente con el color de influencias venecianas El tema de este cuadro es un tema religioso, concretamente se trata de El Expolio, momento en el que Cristo va a ser despojado de sus vestimentas en el momento de la crucifixión. Los tonos predominantes en este cuadro son los oscuros, con grises y marrones, sobre los que destaca la intensa mancha roja de la túnica (influencias venecianas) y que nos atrae la vista sobre él. El rojo significa el sacrificio y el martirio de Cristo. Este color rojo se refleja en la armadura del caballero que está al lado de Cristo. 9
  10. 10. También nos encontramos influencias de Miguel Ángel en la anatomía del cuerpo de Cristo que nos presenta un cuerpo de gran volumen en comparación con la cabeza tan pequeña que tiene (influencias bizantinas), todo esto sirve para darle una mayor expresión, junto con el gesto triste y contenido y la mirada al cielo con los ojos llorosos que nos muestra el sufrimiento que está soportando. En el lado inferior derecho nos encontramos a un hombre en escorzo que está preparando la cruz en la que va a ser crucificado Cristo. Toda la obra se estructura alrededor de la figura de Cristo, que es la única que aparece completa, y que se sitúa en el eje central. La luz incide directamente sobre la figura de Cristo resaltándola. La parte superior del cuadro aparece con un montón de figuras apelotonadas alrededor de Cristo formando una especie de corona para enmarcar la importancia de la figura, mientras que la parte inferior está mucho más despejada. Todo el cuadro está visto desde abajo, excepto las figuras de las tres Marías, que están vistas desde arriba y dan un poco de profundidad al cuadro. Los “errores” existentes en este cuadro son: la aparición de las tres Marías cerca de Cristo, contradiciendo de este modo al evangelio que dice que los que amaban a Jesús se mantenían a lo lejos, la colocación de figuras por encima de Cristo y la aparición de un caballero con armadura, del siglo XVI ( anacronismo). VILLA CAPRA O ROTONDA DE PALLADIO, Tamara Mor La villa Capra o Rotonda se trata de una villa de recreo que sirvió como vivienda y recreo. Encontramos como precedente las antiguas villas del mundo romano, aunque su función era también la de servir como explotación agraria, función que esta villa no comparte. Creada en el Cinquecento por Andrea Palladio. Podemos observar que se trata de una villa clásica con planta centralizada. El cuerpo del edificio es un cuadrado o cubo que se inscribe dentro de una sala circular o rotonda de ahí la denominación que también se le da y simboliza lo terrenal, alrededor del mismo se sitúan varias estancias cuadrangulares. En cada una de las caras del cubo sobresale un pórtico a las que se 10
  11. 11. accede por amplias escalinatas con columnas hexástilas de orden jónico con un amplio frontón, por ello el edificio tiene forma de cruz griega. En el interior el edifico se centraliza en un gran salón con una cúpula de media naranja que simboliza lo espiritual. Se utilizan las formas geométricas como el cilindro, el cubo y la esfera sin decoración para resaltar su volumen y forma. Utiliza los elementos del templo clásico podio, pórtico, frontón y cúpula la rotonda central está iluminada mediante un óculo. La disposición de la planta y la parte exterior son simétricas y perfectas, las cuatro fachadas son iguales, tienen las mismas proporciones está colocada sobre un montículo para dar majestuosidad y elegancia consiguiéndose así la armonía entre el edifico y el paisaje buscándose la máxima inspiración del Cinquecento veneciano. Es una de las construcciones de la historia con más influencia posterior. Palladio es considerado hoy en día sinónimo de perfección arquitectónica, su nombre real era Andrea di Pietro della Gondola. Nació en Padua en 1508 y de muy joven se trasladó a Vicenza, ciudad del norte de Italia. Murió en 1580 en Vicenza. La arquitectura del Cinquecento se puede caracterizar por la eliminación de elementos decorativos y por la búsqueda de la monumentalidad basada en la armonía y lo simple basándose en la antigua Roma como vimos en el Coliseo por ejemplo, también se basa en la teoría arquitectónica de Alberti del siglo XV. MIGUEL ÁNGEL, ARQUITECTO, Jorge Soler INTRODUCCIÓN En la época del Renacimiento, en concreto en el Cinquecento, Roma es el centro espiritual de Occidente. Los Papas, al igual que los burgueses adinerados empiezan a encargar obras a los artistas del momento con el objetivo de hacerse ver su prestigio. El papa Julio II fue el principal impulsor de todas estas nuevas obras para hacer ver al mundo, que el centro del arte está en Italia. Miguel Ángel (1475-1564, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista del Cinquecento. Su labor artística se dio, sobretodo, entre Florencia y Roma, lugar donde residían los grandes mecenas (la familia Médicis) y los papas romanos. 11
  12. 12. La escultura era su predilecta, y en la que más trabajo. Sus principales obras fueron: la Piedad del Vaticano (con forma triangular), el David (con gran expresionismo en su figura y un gran estudio de la anatomía) y por último con el Moisés (influencia directa del Laoconte descubierto recientemente). También tuvo un gran desarrollo de la pintura, casi por imposición del papa Julio II en la bóveda de la Capilla Sixtina. Su obra arquitectónica fue más escasa con sus dos obras fundamentales como la Biblioteca Laurenciana (con la gran escalera) y la cúpula de San Pedro del Vaticano. La Biblioteca Laurenciana. En 1524 el papa Clemente VII encarga a Miguel Ángel la construcción de la biblioteca Laurenciana para la conservación de los preciosos códices de la colección medicea. Miguel Ángel siguió en la línea arquitectónica de sus predecesores, pero con ligeros cambios en los típicos órdenes clásicos, haciéndolo de una manera más personal y expresiva. El vestíbulo se puede apreciar las ventanas ciegas de estípites colgantes y peraltados unidas a las vigas del techo. Destaca, la triple escalinata, claro ejemplo de Manierismo. Esta escalera colosal, estaba situada en un espacio muy reducido y de gran altura, cuyos escalones alternaban líneas curvas y rectas. En la sala de lecturas podemos observar la reiteración en la contraposición de vanos ciegos rectangulares y cuadrados. Bajo el actual suelo de madera, existe un enlosado de 15 paneles blancos y rojos de terracota que se descubrieron por casualidad en 1774 cuando se rompió la madera del suelo. La cúpula de San Pedro del Vaticano En 1505, Julio II convocó un concurso para poner en marcha San Pedro del Vaticano. El papa concedió la obra a Bramante, un arquitecto llegado de Milán, que llevaba poco tiempo trabajando en Roma y que era ajena a los artistas de aquella época que rodeaban a Julio II. Bramante comenzó el diseño de la iglesia de San Pedro del Vaticano. Diseñó una planta de cruz griega y cinco cúpulas. Las naves terminaban en cuatro ábsides y con un pórtico a cada 12
  13. 13. lado que formaban las fachadas. Sus ideas influyeron a los otros arquitectos que vinieron a continuación como el caso de Rafael. Estuvo ayudado por Sangallo pero las obras avanzaron poco durante su dirección. Cuando los dos artistas desparecieron, Miguel Ángel se hizo cargo. Buonarroti volvió a recoger de Bramante su idea de generatriz del templo centrado, con una sola entrada a cada extremo de la cruz griega, que queda insertada en cuatro naves con cuatro cúpulas menores, equilibrando el peso de la gran cúpula que contaba con una altura de 131 metros y 42 de diámetro, compitiendo así con la del panteón. En los ábsides, Miguel Ángel, emplea parejas de pilastras de orden gigante, que encierra ventanales en dos y tres pisos. La cúpula estaba levantada sobre un tambor circular, con columnas pareadas y ventanas con frontones rectos y curvilíneos rematados por cartelas decoradas con guirnaldas, todos ellos elementos del más puro clasicismo. En ella se han inspirado la práctica totalidad de los arquitectos de épocas posteriores. BIBLIOGRAFÍA http://es.wikipedia.org/wiki/Biblioteca_Laurenciana MILICIA, José, HISTORIA UNIVERSAL DEL ARTE (Renacimiento (II) y el manierismo). Primera edición. Barcelona: Editorial Planeta, 1988. Apuntes de Historia del Arte MIGUEL ÁNGEL, ESCULTOR, Rodrigo Villarroya DAVID Escultura de entre 1501 y 1505 del renacimiento esculpida sobre un bloque de mármol de 4 metros de altura. Es una escultura exenta y predomina el punto de vista frontal, aunque puede ser vista desde detrás porque está igualmente tallada. Es de bulto redondo y de cuerpo entero. La técnica empleada es la sustractiva de talla con cincel dentado y trepano. Es una escultura sin policromar. Fue colocado en la plaza de la Signoria mirando hacia Roma. En él se observa tensión muscular y gran concentración, en su mirada se refleja la terribilità miguelangelesca, en él se muestra un estudio anatómico perfecto y unas manos especialmente grandes. Gran realismo expresivo y de detalles (tendones, venas…). Tiene una posición equilibrada con contraposto. Tiene un defecto en el omóplato derecho. Representa el momento justo antes de que David lance la piedra a Goliat esta es la razón de esa concentración y esa 13
  14. 14. tensión muscular, se muestra desnudo como las esculturas del mundo clásico y representa el antropocentrismo y humanismo. Las influencias de Miguel Ángel para la creación del David fueron las obras de la antigüedad clásica que se conocían y autores como Donatello. PIEDAD DEL VATICANO Escultura de entre 1495 y 1501 realizada en Roma en el renacimiento, esculpida en mármol. Es exenta y de bulto redondo aunque predomina el punto de vista frontal. La técnica empleada es la sustractiva de talla con cincel dentado, no está policromada. Se encuentra desde su creación en San Pedro del Vaticano. Muestra a la Virgen y a Jesucristo tras su muerte, las figuras se enmarcan en una forma rectangular con numerosos pliegues en las ropas de María, sedente, el brazo de cristo cae inerte mientras el brazo derecho de María coge a Cristo por el costado y mira desolada hacia su hijo en vez de hacia el cielo como era lo normal hasta entonces. Es de un gran realismo en todos los aspectos excepto en la juventud de María que como explicó Miguel Ángel simboliza su pureza. Representa el dolor de María tras la muerte de su único hijo. Recibe influencias de la antigüedad clásica y de las piedades cristianas. PIEDAD RONDANINI Escultura de 1564 realizada en Roma en el renacimiento, esculpida en mármol. Es exenta y de bulto redondo realizada en los últimos años de vida de Miguel Ángel y no pudo ser terminada porque murió. En ella se observa a la Virgen y a Jesucristo después de que lo bajaran de la cruz ya muerto, se encuentran de pie con la Virgen sujetando a Jesús, en esta escultura se ve perfectamente la forma serpentinata por las posiciones retorcidas en forma helicoidal, para ayudar a la estabilidad del grupo escultórico se ha colocado un trozo de mármol a la derecha de Cristo. En esta escultura se ve la evolución del artista que recibe la influencia del Laoconte y por medio del alargamiento de las figuras típico del manierismo, también por el empleo de la forma serpentinata. 14
  • LuciaAlguacil

    May. 12, 2016
  • Susana90

    Mar. 3, 2015
  • chechenike

    Feb. 9, 2015
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    Dec. 26, 2013

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