1. UN DOMINGO DE VERANO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE (1886), George Seurat
Cristina Azuara
Este cuadro se titula Un domingo de
verano en la isla de la Grande Jatte,
pertenece al neoimpresionismo
puntillista, una técnica cultivada por su
autor Georges Seurat, y actualmente se
encuentra en el Instituto de Arte en
Chicago (Estados Unidos).
Georges-Pierre Seurat fue un pintor
francés, alumno de la Escuela de Bellas
Artes de París que se dedicó
especialmente al dibujo. Al mismo
tiempo se interesó por la pintura,
acercándose primero al naturalismo y al
paisajismo de la escuela de Barbizon, y
más tarde al impresionismo. Interesado por los estudios ópticos sobre el color, se propuso
reformar el movimiento impresionista, y en 1884 expuso en el primer Salón de los
Independientes su obra Baño en Asnières (1883-1884, Nacional Gallery, Londres). Junto a Paul
Signac perfeccionó el puntillismo, situándose de esta forma entre los creadores del divisionismo
o neoimpresionismo, cuyo primer resultado importante fue el cuadro que a continuación
analizaremos en mayor profundidad: Un domingo de verano en la isla de la Grande Jatte. Obras
posteriores, como La Parade (1888, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), revelan un
acercamiento del artista al simbolismo y sus efectos psicológicos.
Para entender este cuadro tenemos que retroceder en el tiempo y ubicarnos en la Segunda
Revolución Industrial (1870) en la que se dieron una serie de innovaciones tecnológicas que sin
duda, dejaron huella en los pintores del momento (fascinados por este nuevo mundo en el que la
velocidad de los nuevos medios de transporte los cautivó). Paralelamente, esta nueva sociedad
europea, burguesa, liberal y capitalista se vio inmersa en el incipiente desarrollo científico que se
dio en todos los ámbitos. Por ello, una serie de pintores cansados de ser excluidos de los
salones oficiales y del rechazo de sus obras, constituyeron un grupo exponiendo sus obras en la
antigua vivienda del fotógrafo Nadar en junio de 1874, a quienes se les denominó
‘impresionistas’ (raíz del título de un cuadro realizado por Monet: Impresión. Sol naciente). Este
nuevo grupo proponía la investigación de la naturaleza desde un enfoque perceptivo basado en
la experiencia visual, que rompía con todos los esquemas propuestos hasta el momento. Las
teorías sobre el contraste simultáneo del color de Chevreul empezaron a aplicarse en este
momento; así, científicos y artistas descubrieron que los colores no son realidades inmutables,
sino que dependen de la percepción individual y forman parte del universo de la luz.
Pero el neoimpresionismo quiso llegar mas allá del impresionismo y dar fundamento científico al
proceso visual y operativo de la pintura, es decir, no solo dar una referencia científica a las leyes
ópticas sino, a base de ellas, instituir una ciencia de la pintura. Para ello instauraron el
puntillismo, que consiste en la división del tono en sus componentes, es decir, en pequeñas
manchas de colores puros que por su proximidad reproducen en el ojo del espectador la unidad
1

2. del tono sin las impurezas del empaste. Esta técnica dio también a este movimiento pictórico el
nombre de divisionismo.
Como podemos comprobar a simple vista, este cuadro se trata de una representación
paisajística con múltiples personajes. El procedimiento pictórico empleado es el puntillismo, en el
cual no existe la línea sino la superposición de pequeñas manchas de color formando una
unidad. En las partes bañadas por el sol predominan los puntos de pigmentos amarillos y
naranjas, en contradicción con las sombras en las que predominan los azules y púrpuras. La
perspectiva utilizada no es la tradicional frontal, sino que el cuadro está hecho para ser visto
desde un ángulo de 45º (de ahí la desproporción de la pareja en la parte derecha). La
composición está elaborada sobre líneas horizontales y verticales en las que no hay sensaciones
ni gestos captados instantáneamente, por lo que los cuerpos y las sombras forman ángulos
rectos. La luz no es natural sino compuesta por una fórmula científica, por eso las figuras
representadas parecen estar completamente rígidas. El espacio es una masa de luz que tiende a
expandirse y por eso los cuerpos son formas geométricas.
En cuanto a los personajes representados, se cree que el autor hizo una crítica a esta sociedad
burguesa ‘elitista’. Se ha dado a entender que las mujeres (en la parte izquierda) pescando en el
río Sena eran prostitutas, que utilizan la caña como tapadera de su verdadera actividad. En la
parte inferior se observan tres personajes, entre los que destaca el hombre tumbado fumando
una pipa que parece estar más vinculado a las clases bajas. El centro del cuadro está ocupado
por una señora con una sombrilla (instrumento propio de esta época utilizado por las mujeres de
clase alta para discernirse de las bajas, las cuales poseían un moreno característico de las horas
de trabajo) y una niña, que casi son una evocación a las korais por su rigidez. En las figuras de
la derecha (desproporcionadas por la visión del ángulo de 45º) podemos observar a un caballero
con sombrero de copa junto a una mujer (según se cree, también prostituta) que sostiene en la
mano una correa a un mono capuchino, moda entre la burguesía (y que simboliza la lujuria).
En este cuadro se puede apreciar la influencia en el tema de los impresionistas (como Monet,
Manet, Rendir, etc.) y la de Piero de la Francesca (Quattrocento) en la estaticidad de las figuras.
Y la pervivencia, de manera casi decisiva, en los artistas fauces y cubistas.
Seurat tardó dos años en realizar este espectacular cuadro, de aproximadamente 2 x 3 metros, y
aunque en vida no logró venderlo, hoy en día sea, como otras tantas, una obra de precio
incalculable.
Fuente de información de la fotografía:
http://3.bp.blogspot.com/-
ZeKyoJzaXA8/TcFtWqTZ43I/AAAAAAAABYE/SfciSI7olAg/s1600/Seurat%2B-%2BTarde%2Bde
%2Bdomingo%2Ben%2Bla%2Bisla%2Bde%2Bla%2BGrand%2BJatte%2B
%25281884-1886%2529.jpg
Fuentes de información comentario:
http://es.wikipedia.org/wiki/Tarde_de_domingo_en_la_isla_de_la_Grande_Jatte
http://www.artelista.com/1106-georges-seurat.html
Libro de texto Historia del Arte, 2º Bachillerato, SM.
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3. “Les demoiselles d’Avignon”, Pablo Ruiz Picasso
Sara Gómez Provencio
Introducción:
“Las señoritas de Avignon” de Pablo Picasso (aunque se
conoce que el título inicial fue “El burdel filosófico”), comenzada
en 1906 y finalizada en 1907, tras una serie de estudios previos
(16), es la obra que marca el inicio del movimiento cubista.
Tiene unas dimensiones de 2,44 m·2,33 m, siendo una de las
obras más grandes con las que el autor se había enfrentado
hasta entonces. A pesar de la fecha de realización del cuadro,
no se expuso al público hasta 1916 en el Salón Antin de París,
apareció de nuevo en la Exposición Internacional de 1937, y
fue adquirida por el MOMA en 1939. Pero fue conocida en el taller de Picasso por su círculo de
amigos, a los que impresionó desde el primer momento, y en opinión de Derain o Matisse
significaba la muerte de la pintura. En cuanto al título de la obra, este no se refiere a la ciudad de
Avignon, sino a una calle de Barcelona, en el Barrio Gótico; y la escena hace referencia a las
"señoritas" del burdel.
Picasso renuncia en esta obra a los tres pilares básicos en los que se había fundamentado la
pintura desde el Renacimiento, esto es: la luz, de la que no hay una fuente evidente; la
anatomía, que no responde a los modelos del arte greco-romano; y la representación euclidiana
del espacio.
Análisis formal:
Se trata de un retrato de cinco desnudos femeninos, cuatro de pie y una sentada, con un
bodegón de frutas en la parte central inferior, pintado en óleo sobre lienzo.
Las figuras han sido reducidas a formas geométricas (sobre todo a los triángulos, que Picasso
llamaba cariñosamente cuartos de Brie) delimitadas por líneas de diferentes colores (negro, azul,
blanco) y grosor (casi imperceptibles o gruesas, que parece que tengan sombra). Predomina la
línea sobre el color. Los colores empleados son fríos en el “fondo” (azules) y cálidos en los
cuerpos y la franja vertical izquierda (gama de los tierra), y sin gradación tonal apenas.
La luz es igual por toda la superficie, y artificial, pues no se ve ningún foco de luz representado.
En cuanto a la perspectiva, este es el elemento central del movimiento cubista inicial, que se
caracteriza por plasmar en una superficie todas las perspectivas, rompiendo a su vez con
cualquier parámetro establecido (perspectiva lineal, aérea). Mezcla lo frontal con lo de perfil o de
espaldas.
Las dos figuras centrales están de frente; la de la izquierda y la de arriba a la derecha, de perfil; y
la de la esquina inferior derecha, de espaldas, pero con el rostro frontal.
No hay un reflejo del volumen en absoluto, sino que todo es plano, geométrico y lineal; y, en
relación a la composición, esta es completamente inestable.
No es nada realista. Sólo en las dos mujeres frontales puede verse algo de parecido con la
realidad. La figura de la izquierda aparece hierática y de perfil, casi como en el arte del antiguo
egipcio, y su rostro ya es mucho más geométrico. La mujer de la esquina superior derecha ya
refleja más la influencia del arte africano en su rostro, que se asemeja a una de esas máscaras
de madera. Y, finalmente, la de la esquina inferior derecha es completamente antinatural, con el
rostro sintetizado en una máscara africana y una posición del cuerpo imposible.
Todas las figuras están desnudas, aunque parece que tienen algunas sábanas o paños blancos
con los que se cubren un poco, también sintetizados y geometrizados.
La anatomía queda reducida a formas geométricas antinaturales (muchos triángulos, cuartos de
Brie).
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4. Y, en cuanto al bodegón, también está formado por líneas geométricas y colores ajenos a
cualquier naturalismo.
La representación nada realista es una característica principal de las vanguardias artísticas, en
las que es muy difícil apreciar elementos naturales, ya que lo que se representa no es la
realidad, sino la interpretación del pintor de un modelo o referencia real o conceptual.
Análisis temático:
Esta obra se ha interpretado de muy diversas formas.
Se habla de que puede ser la Arcadia satirizada, al representarse dentro de un prostíbulo, en
torno a una mesa con frutas. Esta interpretación se deduce de sus bocetos, en los que aparecían
otros elementos, como figuras masculinas o una calavera al estilo barroco.
También se relaciona esta obra con “Las Bañistas”, de Cézanne, así como con “Las tentaciones
de San Antonio”, del mismo autor. Y de igual manera se observa la influencia de la miniatura
mozárabe de Adán y Eva (976), en la que se muestra a la mujer como objeto erótico.
Otra teoría sería la que se fundamenta en que en los primeros bocetos de la obra aparecen siete
figuras, dos de ellas masculinas (uno de los dos hombres tenía la cabeza muy similar a la de
Picasso), pero que al final no aparecen en el cuadro definitivo. Esta omisión de las figuras
masculinas podría responder a un intento de “aligerarlo” de pecado, dejando a las mujeres solas
en el burdel.
También hay quien piensa que es casi la interpretación subjetiva de Picasso de “El Juicio de
Paris”, de Rubens. Así, la manzana que lleva Paris en la mano se ha transformado en un frutero
con pera, manzana, uva y melón; la figura de la izquierda del todo se corresponde con Afrodita;
la del centro con los brazos levantados y unidos detrás de la cabeza se corresponde con Palas
Atenea; la figura del medio que levanta un brazo flexionado y con la otra mano trata de cubrirse
un poquito es la misma Venus de Rubens de la versión que hay en el Museo del Prado (pues
hay dos versiones del mismo cuadro).
El frutero, que parte de la manzana que porta Paris, es una referencia a la juventud y símbolo de
renovación, aunque, según Diel, es el símbolo de la tierra y de los deseos terrenales. El hecho
de que presente este símbolo en el primer término se corresponde con la interpretación platónica
del “Juicio de Paris” como alegoría cósmica (el alma que vive de la percepción de los sentidos ve
sólo la belleza y no el resto de poderes del cosmos; por eso Paris otorga finalmente la manzana
a Afrodita).
El tema del Juicio de Paris también pone de manifiesto la libertad humana al conceder al hombre
la libertad de transformarse según su elección.
A través de sus bocetos podemos aventurarnos a decir que el cuadro representa una idea de
relación entre Belleza o Amor y Muerte, ya que en algunos de ellos aparecían dos figuras
masculinas, una con un ramo de flores (representando el vicio, rodeado de comida y mujeres), y
la otra con una calavera (representando la virtud, hombre con el cráneo).
Clasificación y contexto histórico-social:
Este cuadro, que marcó el inicio del cubismo, se pintó en 1907 en París, donde residía el pintor.
Pertenece, pues, a las vanguardias artísticas del siglo XX. Actualmente se encuentra en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Autor: Pablo Ruiz Picasso (1881-1973).
Nació en Málaga y, tras pasar unos años en La Coruña, comenzó su verdadera formación en
Barcelona (1895-1900), en la Escuela de la Lonja, donde estuvo en contacto con la bohemia
catalana y con la incipiente vanguardia. Entonces realizó un viaje a París, en el que conoció a los
grandes pintores de la época, como Degas y Toulouse-Lautrec, y decidió residir allí.
A pesar de esto, Picasso amaba su patria, y por eso realizó viajes constantes a España hasta
1934, pues la sublevación del general Franco el 18 de julio de 1936 y la guerra civil española
(1936-1939) no propiciaron sus viajes. Aun así, fue nombrado Director honorario del Museo del
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5. Prado y en 1937 pintó las dos planchas de aguafuerte “Sueño y mentiras de Franco”, en las que
dejaba clara su postura política republicana.
En cuanto a su evolución artística, desde que llegó a París hasta que pintó “Las señoritas de
Avignon” en 1907 atravesó dos cortas etapas: la azul, que se caracterizó por los colores fríos y
temas patéticos como “El viejo guitarrista”, y en la que el autor vivió en la penuria; y la rosa
(desde 1904), que fue la consecuente dulcificación de su pintura, con tonos pastel, al mejorar
sus condiciones de vida, y utilizó entonces modelos del Circo Medrano, como en “La familia de
Saltimbanquis”.
Pero la verdadera revolución en su pintura llegó con su obra “Les demoiselles d’Avignon”, que
marcó el inicio del cubismo. A partir de entonces, Picasso desarrolló el cubismo analítico
(1909-1911) y el sintético (1912-1914). Aquí intenta volver a la ingenuidad del arte primitivo, libre
de prejuicios, vehículo de expresión de la subjetividad del artista, y el cuadro pasa a ser una
superficie pictórica plana y autónoma con vida propia.
A partir de 1912 incluye elementos tomados de la realidad, el “collage” (desarrollado por Braque).
Después, tras la I Guerra Mundial desarrolla un periodo ingresco o neoclásico, recuperando las
figuras y objetos; a finales de la década de 1920 se volcó en el expresionismo surreal, “Mujer
sentada al borde del mar”; a finales de los años 30, comprometido con la república española,
pintó el “Guernica” para la EXPO de París de 1937; después de la II Guerra Mundial se afilió al
Partido Comunista francés, para el que pintó “La matanza de Corea”; y, a partir de los años 50,
fue realizando series en homenaje a los grandes maestros de la pintura, como “Las Meninas”, de
Velázquez, así como también hizo grabados y cerámica.
Como se puede observar, su vida artística siempre estuvo en continua experimentación, lo que
explica la magnífica evolución de este genio, prototipo de artista del siglo XX. Un artista
independiente, cuyas obras revolucionarias marcaron un antes y un después, pero sólo han sido
valoradas y revalorizadas con posterioridad.
Contexto:
Esta obra fue pintada en 1907, cuando las condiciones de vida de Picasso habían mejorado lo
suficiente como para no pasar penurias, pero cuando él todavía pertenecía a la bohemia
parisina. Este momento histórico es el que vio nacer las vanguardias artísticas. Partiendo de los
postimpresionistas, se fueron desarrollando una serie de movimientos rompedores con lo
referente en el arte desde el Renacimiento. Estas corrientes fueron: fauvismo, cubismo,
expresionismo, futurismo, pintura metafísica, abstracción, dadaísmo y surrealismo, entre otras.
Relaciones:
“Las señoritas de Avignon” recibió influencias del hieratismo del arte del Antiguo Egipto; del
“Juicio de Paris”, de Rubens; de “El baño turco”, de Ingres (la figura que tiene los brazos
levantados por detrás de la cabeza); de “Bonheur de vivre”, de Matisse. También tiene
influencias del Salón de otoño de París en 1906, donde expuso Cézanne, el cual le impresionó
por su capacidad de reducir lo real a unas figuras geométricas elementales; de la exposición de
arte primitivo africano hecha en Londres en 1906, donde quedó fascinado por la plasticidad y
geometría de las máscaras; y de la exposición de escultura ibérica en el Louvre en 1903.
Bibliografía:
http://carbularte.blogspot.com/2007/05/las-seoritas-de-avignon-cien-aos-despus.html
http://lineaserpentinata.blogspot.com/2009/01/algunas-crticas-las-primeras.html
Comentario la mirada singular
Comentario página 416 del libro de texto.
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6. LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA, Salvador Dalí- Carlos Villanueva
Identificación
La obra presenta un cuadro de estilo
surrealista realizado con la técnica del óleo
sobre lienzo donde aparece representado la
bahía de Port Lligat al amanecer con unos
relojes situados en la orilla de la playa,
elementos que ya habían aparecido en una
obra que había realizado el año anterior,
“Osificacion prematura de una estación”.
Cronología
El cuadro fue realizado por Dalí en 1931 con
unas medidas de 24 x 33. Llegó al MOMA
(museo de arte moderno) de Nueva York en 1934 a través de una donación anónima.
Ubicación
Este cuadro fue expuesto en la primera exposición individual de Dalí en la “galerie Pierre Colle
de Paris en junio de 1931 y en 1932 en una exposición en Nueva York. Actualmente se
encuentra en el MOMA (museo de arte moderno) de Nueva York donde llegó en 1934.
Descripción
En el cuadro aparecen un conjunto de rocas a la derecha con el mar como fondo. Llama la
atención cuatro relojes, uno de bolsillo y tres deformados y con la sensación de estar realizados
con elementos blancos y frágiles.
Esta idea según el propio autor dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los
relojes al cuadro, de ahí esa sensación de tiernos.
El único que conserva su consistencia normal está pintado en rojo y esta siendo devorado por
hormigas; estas hormigas están colocadas por el autor debido a que el reloj de bolsillo se lleva
cerca de los genitales.
Este reloj rojo hace referencia a la muerte la cual acecha en todos sitios, al igual que el
esqueleto de árbol situado en la izquierda del cuadro.
En el centro del cuadro, otro reloj se acopla a modo de montura sobre una cara inspirada en una
roca del cabo de Creus, la cual tiene largas pestañas.
Esta cara aparece en otros cuadros de Dalí como son “el gran masturbador” y “el enigma del
deseo”. El tema principal de este cuadro es el tiempo, el tiempo fugitivo, el tiempo que al igual
que la memoria se reblandece con el paso del tiempo.
Esto tiene su expresión simbólica en el caracol en disolución, siento el autorretrato del pintor.
Simbolismo
Aparte de la materialidad de lo representado, su color y su congruencia Existen varios objetos
cargados de simbolismo, como es el caracol que simboliza el paso del tiempo al igual que los
relojes. El esqueleto de árbol hace referencia de una manera simbólica a la muerte al igual que
la cabeza sin vida tendida en el suelo del caracol, con el que el autor se identificaba.
En las obras de este autor es difícil distinguir los simbolismo que tienen las figuras, incluso en
alguna ocasión el propio autor reconocía que ni el mismo llegaba a descubrir el sentido
enigmático de sus obras.
Bibliografía
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7. http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-salvador-dali-persistencia-del-
deseo-relojes-blandos.html
http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria
http://www.taringa.net/posts/info/969548/Salvador-Dali-_Descripcion-de-obras_.html
El grito, Edvard Munch, Cristina Villanueva
1- clasificación y contexto histórica-social
La obra analizada es El grito del pintor noruego Edvard Munch
(1863-1944). El grito es el nombre que reciben varios cuadros
de Munch, entre los que cabe destacar su versión más famosa,
que es la que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo, de
1893, otras dos versiones en el Museo Munch (en Oslo) y una
cuarta que pertenece a una colección particular. También
realizó una litografía con el mismo título.
Munch fue un pintor de origen noruego que vivió en los últimos
años del siglo XIX y principios del XX (1863-1944).
Se le considera el precursor del movimiento expresionista que
alcanzará su máximo desarrollo en Alemania en el último tercio
del siglo XIX.
El expresionismo fue una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las
emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. La pintura es utilizada
por el autor como medio para desahogarse.
El color no debe significar sino expresar. Dentro del expresionismo encontramos dos grupos más
representativos: “DIE BRÜCKE” (El Puente) (1905-1913) en el que rechazan la tradición artística
y reciben influencias de Van Gogh, de los grabados de Munch y del uso del color de los
fauvistas. En este grupo encontramos autores como Kirchner. También encontramos el grupo
“DER BLAUE REITER” (El Jinete Azul) con autores como Kandinsky o Marc, este grupo se
caracteriza por el abandona del dramatismo y la amargura de los otros expresionistas para
llegar, de este modo, a la abstracción.
En este cuadro, Munch nos expresa su angustia, su incomprensión y su crítica hacia la nueva
forma de organización social, política y económica derivados de la Revolución Industrial.
La obra fue expuesta por primera vez en 1893 y formaba parte de la colección de varias pinturas
cuyo título era “El Amor”, donde Munch quería mostrar las diferentes etapas de un romance. El
grito era el último cuadro de la exposición que simbolizaba el final del romance.
El arte de Munch no gustó al público del momento, que lo calificaron como un arte demente, e
incluso un crítico aconsejó que su obra, y en especial El grito, no fueran a verla mujeres
embarazadas. Posteriormente, el régimen nazi prohibió el arte de Munch al que consideraba un
autor degenerado.
En los últimos años, dos de las versiones de esta obra han sido robadas. La primera ocurrió en
1994 en la Galería Nacional de Oslo, donde los ladrones, que tan solo tardaron 50 segundos en
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8. robar el cuadro, dejaron una nota que ponía: “Gracias por la falta de seguridad”. Este cuadro fue
recuperado por la policía cuatro semanas después de su robo.
El siguiente robo se produjo en el 2004 donde también se llevaron el cuadro de la Madonna del
mismo autor. Este segundo robo se realizó a plena luz del día y los cuadros fueron recuperados
dos años más tarde por la policía, aunque El grito resultó dañado.
El grito adquirió el estatus de icono cultural tras la Segunda Guerra Mundial. En 1961 la revista
Time utilizó El grito en la portada de su edición dedicada a los complejos de la culpa y la
ansiedad.
Entre 1983 y 1984, el artista pop Andy Warhol realizó una serie de estampaciones en seda sobre
las obras de Munch, en las que podemos encontrar El grito.
También se ha realizado la reproducción de esta obra en todo tipo de productos, desde
camisetas, póster, tazas de cerámica, llaveros… y se ha utilizado en dibujos animados, en
publicidad, en televisión…
El grito recibe influencias de autores como Goya, en el expresionismo de la pintura medieval y
por los impresionistas como Gauguin, Touluse-Lautrec y sobretodo por Van Gogh.
2-Análisis de la obra.
Se trata de una obra realizada en óleo sobre tabla de 83’5 x 66cm.
En el cuadro destacan las figuras de formas sinuosas y onduladas que se repiten también en el
paisaje.
La figura situada en el primer plano, que se encuentra en un puente, está con la boca abierta y
con las manos en los oídos para no escuchar su incontrolado grito y nos muestra un sentimiento
de angustia, de miedo, de que algo horrible ha ocurrido. Esta figura, con los ojos desorbitados y
las mejillas hundidas, nos recuerda a una calavera y es la encarnación del hombre, o de la
mujer, ante una situación sin salida.
El historiador del arte R. Rosemblum la identificó con una momia peruana del Musée de L
´Homme de París.
La composición se centra en la figura del primer plano ya que todas las líneas convergen hacia
ella.
El centro del cuadro está marcado por la boca en forma de “O” que grita.
La barandilla del puente corta el cuadro y en el fondo del puente podemos ver a dos hombres de
espaldas difuminados con sombreros de copa.
El grito lo expresa el pintor por medio de las ondas que se expanden por la escena, como las
que forman el agua del mar cuando se mueve.
La imagen debe impresionar a la vista, causar impacto, y en ella se funden realismo y
simbolismo.
En este cuadro el autor nos plasma su personalidad, profundamente angustiada y abandona la
técnica realista a favor de elementos expresivos como el color, la línea y la distorsión de la
figura.
Bibliografía:
Libro de Historia del Arte 2 Bachillerato, SM, 2009
Apuntes de arte, comentarios.
Páginas Web:
http://es.wikipedia.org/wiki/El_grit
http://www.ucm.es/info/echi1/imagen/pint/gritomunch.htm
http://www.erroreshistoricos.com/curiosidades-historicas/arte/912-origen-y-curiosidades-sobre-
qel-gritoq-de-munch.html
http://www.rivashoy.es/viewtopic.php?f=42&t=1943
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9. VILLA SABOYA, LE CORBUSIER, Francisco José Felipe
Esta casa es una villa realizada en el periodo de entreguerras (entre los años 1929-1931) Se
encuentra a las afueras de París y es obra del arquitecto suizo Le Corbusier, que domina la
arquitectura de los años veinte en Francia. La construcción tiene apariencia horizontal, sostenida
por estrechos pilares y cumple los Cinco puntos para una nueva arquitectura planteados por Le
Corbusier. Este arquitecto se basa en la utilización de los nuevos materiales industriales, en la
tecnología de las máquinas y en los recursos de la ingeniería, además de tener en cuenta las
nuevas corrientes del diseño industrial, proporcionando soluciones cómodas y alcanzables a los
problemas ocasionados por el crecimiento de las ciudades europeas a lo largo del siglo XX.
En su arquitectura se aprecian el uso de volúmenes nítidos, simples, que lo identifican con el
cubismo.
En la villa Saboya lo que se tiene en cuenta es la funcionalidad, siguiendo los cinco principios
básicos citados anteriormente y que han sido aplicados al edificio:
-Pilares: sobre ellos se erige la vivienda quedando esta aislada del suelo y así evitado espacios
oscuros y humedades. Esto se puede comprobar en la villa Saboya, pues se levanta sobre
pilotes y hace que el muro no sea un elemento de carga
-Techos-jardín: Le Corbusier concibió al techo como espacio de expansión formado por terraza
con plantas, que aíslan al edificio. Este principio se observa en la parte superior del edificio
.Planta libre: distribuida según las necesidades. La planta es libre y esa libertad la da la
utilización del hormigón armado.
-Fachada libre: Dispuesta en virtud de las necesidades de cada piso.
-Ventanas horizontales: dispuestas a lo largo de toda la fachada y de forma longitudinal, gracias
a los nuevos elementos constructivos. Estas ventanas permiten una gran iluminación.
Los materiales utilizados son el hormigón armado, el hierro y el vidrio. Su concepción del edificio
es la de un juego de volúmenes nítidos unidos por la luz, debido a lo cual se observa una
preferencia por las formas cúbicas, recibiendo influencia de las vanguardias plásticas. Los muros
están completamente abiertos por una ventana longitudinal. El edificio, aún teniendo forma
cúbica, en la parte superior se emplea la lea curva.
En cuanto a distribución, la planta baja sirve de garaje y zona de servicio, en la primera planta
está ubicada la vivienda y contiene el comedor, los dormitorios e incluso una terraza que da al
exterior. Gracias a esta terraza y a una ventana corrida entra luz a la casa. En la parte superior,
una gran azotea sirve de terraza y de solario. También en el interior hay una rampa que
comunica todas las plantas de la casa
Bibliografía:
-http://rothko.espacioblog.com/post/2006/04/30/villa-saboya-corbusier
http://arte.laguia2000.com/arquitectura/villa-saboya-de-le-corbusier
-Libro de Historia del Arte, 2ºBachillerato
Unidad habitacional:
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10. Construido tras la Segunda Guerra Mundial con la intención de paliar los problemas de vivienda
de la época de la posguerra y crear una verdadera ciudad autosuficiente, se trata de una enorme
construcción de 140 metros de largo, 24 de ancho y 56 metros de altura. Esta construcción fue la
primera oportunidad para que Le Corbusier pusiera en prácticas las teorías de proporción a
escala que darían origen al Modulor, cuyo sistema se basa en las medidas del ser humano. La
unidad habitacional constituye una importante innovación en el diseño arquitectónico de
viviendas residenciales. Se pretende integrar en el mismo edificio todos los servicios necesarios
para la vida y Le Corbusier trata de aplicar sus principios de arquitectura en una nueva forma de
la ciudad, que consiste en la creación de un 'pueblo o población vertical'. Se consolidaron los
conceptos que venía desarrollando en torno a la idea moderna de habitar, cuyos principios
procedían de una idea de arquitectura producto de la racionalidad con el fin de ordenar el ámbito
urbano.
Cada piso contiene 58 apartamentos en dúplex accesibles desde un gran corredor interno cada
tres plantas, de manera que algunos apartamentos ocupan la planta del corredor y la inferior y
otros la del corredor y la superior. Además de viviendas, también incluye oficinas y diversos
servicios comerciales. La azotea se convierte en el centro de funciones, siendo así uno de los
espacios de mayor vitalidad y en donde se ubican los servicios públicos.
El edificio está asentado sobre pilotes de hormigón armado, se eleva del suelo y permite
liberarlo. Esta estructura de hormigón de grandes pilares permite la planta y la fachada libre.
También se observan numerosas ventanas, todas ellas apaisadas y corridas. Y, como he
mencionado anteriormente, la parte superior (terraza-jardín) se convierte en una terraza plana
que incluye muchos servicios (piscina, gimnasio...), eliminando los tejados clásicos. Todo ello
muestra los cinco puntos de Le Corbusier aplicados a la Unidad Habitacional.
La sección transversal muestra como dos apartamentos con galerías están entrelazados de tal
forma que hay un pasillo central de acceso cada tres niveles. Bajo el edificio se sitúan
únicamente los accesos a las comunicaciones verticales.
Los materiales utilizados en su construcción son el hormigón armado y vidrio, sin decoración
tanto en exteriores como en interiores.
Bibliografía:
http://sdelbiombo.blogia.com/2010/012601-le-corbusier.-la-unidad-de-habitacion-en-marsella.php
http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Unite_d%C2%B4habitation_de_Marsella
http://sdelbiombo.blogia.com/2010/012601-le-corbusier.-la-unidad-de-habitacion-en-marsella.php
PLANOS DE LAS CIUDADES DE BARCELONA Y PARÍS, Francisco Llerda
Barcelona.-
Para comenzar Barcelona es un núcleo costero del litoral mediterráneo. Localizado al pie de la
montaña de Montjuich, surcada por el río Besós y con algunos desniveles topográficos: montaña
del Tibidabo, que condicionan su plano y desarrollo urbano; es un punto clave de desarrollo
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11. comercial y de consolidación de las comunicaciones a lo largo de todo el litoral mediterráneo y
balear interior.
Por eso fue la ciudad española de mayor crecimiento industrial en el siglo XIX en la que empieza
su expansión urbana que se manifiesta en la construcción de un nuevo espacio urbano que
sigue la planificación creada por Ildefonso Cerdá en 1859, se trata del ensanche y también,
necesitaba planificar su crecimiento: instalación industrial y asentamiento de la población obrera
procedente del éxodo rural de otras zonas más deprimidas peninsulares, anexiones de
pequeños municipios,…Todo esto con la intención de crear una ciudad ideal y ejemplar , buen
sistema de salubridad e higiene y buena conexión interna.
Para llevar a cabo esto Cerdá se baso en el ya mencionado ensanche que fue su pilar
fundamental para reformar Barcelona: con un plano ortogonal, unas amplias manzanas
achaflanadas manzanas de viviendas para las clases medias por medio de un sistema reticular
de 22 manzanas, sus anchas calles que facilitan un tráfico fluido y sus dimensiones que son
superiores a las del casco antiguo, esto da lugar a esa ciudad mucho más saludable que la
anterior.
El plano ortogonal se rompe con la apertura de dos calles diagonales (la Diagonal y la Meridiana)
que facilitan los desplazamientos a uno u otro lado reduciendo la concentración de tráfico rodado
y permitiendo junto con las esquinas achaflanadas una mayor visibilidad. Todo el ensanche se
localiza, fundamentalmente al oeste y norte de la ciudad Cerda diseño el ensanche con una
trama abierta con grandes espacios verdes en el interior de la manzana que provienen de su
afán higienista. Esto, con el posterior crecimiento se ha modificado elevándose las alturas
cerrando las manzanas y desapareciendo los espacios verdes. Esto fue debido a que en un
principió la densidad de población de esta zona era inferior a la del casco histórico pero luego la
concentración de población exigió q se modificase.
Cerdá también se preocupó por planificar el extrarradio barcelonés que afectará a numerosos
municipios colindantes como Sarriá, Sants, Les Corts, etc. En este caso hablamos de barrios
obreros, aunque Cerdá aplicó la misma ordenación en manzanas. Genera un plano en
cuadrícula multifuncional donde se distribuyen los equipamientos: mercado, hospitales, parques,
etc.
Paris.-
Las transformaciones realizadas en Paris comienzan durante el segundo Imperio y son una serie
de modernizaciones que fueron llevadas a cabo por Napoleón III y el baron de Haussman, que
durarían desde 1852 a 1870. Fue el primero basado principalmente en la instalación de grandes
vías de comunicación del centro con la periferia (idea de Haussman) lo cual fue potenciado por el
emperador Napoleón III para convertir su capital en una ciudad moderna, saludable y de tráfico
fluido.
Esto se llevó a cabo en toda la ciudad tanto en el corazón de Paris como en los barrios
periféricos: calles bulevares, restauración de fachadas , remodelación de los espacios verdes ,
mobiliario urbano , creación de un alcantarillado …
La necesidad de esta renovación venía ya desde la revolución e 1789 debido a la aglomeración
de ciudadanos en el centro y red viaria estrecha medieval e insalubre.
Ya Napoleon I llevo a acabo unas actuaciones q ue no fueron muy importante acondicionando
una calle monumental a lo largo del jardín de la Tullerías. Coloca también un instrumento
jurídico: el ordenamiento de urbanismo por el cual los propietarios pueden renovar o reconstruir
los edificios sólo retirando su fachada detrás de una línea fijada por la administración
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12. Esta reforma urbanística fue violentamente criticada por algunos de los contemporáneos de
Napoleón III, aunque acondicionó el uso diario de las calles por parte de los ciudadanos. Esta
obra puso el fundamento de la representación popular de la capital francesa al mundo,
sobreponiéndose a los estrechos callejones del viejo París y creando anchos bulevares y
grandes plazas
Es pues Napoleón III quien tuvo la voluntad para modernizar Paris siguiendo el modelo de
Rambuteau en Londres. Entonces este le encargó a Jorge Eugenio Haussman unhombre
riguroso, organizado de acción encargado de llevar acabo esta modernizacionUna obra tan
considerable necesito de la intervención de numerosos colaboradores: Jean-Charles Alphand se
ocupa de parques y plantaciones con el jardinero Jean Pierre Barillet Deschamps. Haussmann
subraya el papel fundamental del servicio del Plano de París, dirigido por el arquitecto
Deschamps, que traza las nuevas vías y controla el respeto de las reglas de construcción: en
este dominio, la geometría y el dibujo gráfico desempeñan un papel más importante que lo
estructura propiamente dicha.Siguiendo el plano radioconcéntrico -- superponiendo una red
viaria ancha y rectilínea al antiguo trazado de plano más o menos caótico. Las bases fueron la
creación de grandes bulevares y de plazas radiales; los tres anillos de bulevares del plan
Haussmann, con su gran anchura y con una calzada arbolada para el paseo público, hicieron
que se pudiera `prescindir de pasar por el casco viejo de la ciudad fuertemente congestionado, y
la plaza radial, supone una comunicación rápida con las zonas periféricas y el establecimiento
de enormes perspectivas para la época. Uno de los mejores ejemplos es el que se desarrollo en
la plaza de la Estrella donde se aúna la idea de monumentalidad y centralización radial a través
de las doce calles que parten de ella comunicándose con el resto de la ciudad.
Para conseguir llevar a cabo todo esto Haussman se valió de la expropiación destruyó los
edificios y construyo nuevos ejes con todos sus equipos (agua, gas, desagües).
Todo ello con una finalidad no solo estética sino funcional: un trafico fluido que permitiese un
desplazamiento de obreros y clases populares.
El saneamiento de las viviendas implico una mejor circulación del aire pero también un mejor
abastecimiento de agua y una mejor evacuación de los desechos, un sistema de iluminación por
gas, cementerios etc. también son importantes los grandes parques
En conclusión, Haussmann preocupado por la búsqueda de la grandeza de París y por la
restauración del orden, proyectó un París diáfano, monumental, saludable y fácilmente
controlable por las fuerzas de orden público que fuera imagen representativa de este segundo
Imperio de Napoleón III, y a su vez, símbolo de poder de estado centralizado. Todas estas
reformas permitieron hacer de París el ejemplo de capital a imitar, véanse las reformas y
ampliaciones que se hicieron en las ciudades de Bruselas, Viena,…
EL PLANO DE BRASILIA (Tamara Mor Borque)
La ciudad de Basilia es un ejemplo claro de urbanismo tardío ya que su formación es
relativamente reciente (1957) como podemos observar se encuentra en una posición latitudinal
de un clima tropical a 15º L-S L-O. El objetivo de su fundación fue claramente el de cumplir un
papel administrativo y de servicios , y se fundo principalmente para acabar con el desequilibrio
demográfico, lo que permite ser un punto neurálgico ; ya que es un importante vínculo entre
Brasil meridional y la remota cuenca del Amazonas, situada al norte. Desde el S.XVI se intento
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13. hacer el proyecto finalmente en 1956 con la subida al poder de Juscelino Kubitscheck que quiso
que su período en la presidencia se caracterizara por alguna obra pública inolvidable nació así
Brasilia.
Se creo en una zona plana inhóspita por la latitud y el clima de tipo tropical lluvioso junto a un
lago artificial, por Oscar Niemeyer (arquitecto) que le dio un aspecto de un aeroplano o pájaro
obra de Lucio Costa.
El proyecto se desarrollo con la idea básica de que el modernismo si se da un desarrollo
imprevisto conduce a un caos, mientras que el planteamiento totalmente centralizado de la
ciudad podría construir una ciudad ideal.
Morfológicamente se trata de un plano totalmente ordenado y estructurado con aspecto global de
aeroplano o pájaro (dos ejes que se cruzan en ángulo recto formando el símbolo de la ciudad)
entorno al lago artificial.
Aparece un eje principal entorno al que se vertebra la ciudad, cruzándola de N a S, a partir del
cual se distribuye a ambos lados de forma lineal y curva, paralelas entre sí con disposición E-O
las avenidas principales.
En su trama predominan los espacios abiertos tanto en la disposición de las calles hacia el lago
artificial como entre los distintos bloques de edificios (bloques aislados sustentados sobre
pivotes) dejando en medio espacios libres. Se trata de una integración total con la naturaleza
donde predominan los espacios verdes.
Según el urbanismo y su arquitectura es una ciudad moderna y nueva. Fue diseñada por Oscar
Neimeyer y Lucio Costa, bajo planteamientos racionalistas de la escuela de Bauhaus (la cuidad
debe ser funcional, adaptándose al momento y las necesidades) y en las teorías organicistas de
Le Corbusier siguiendo la Carta de Atenas en 1943 integrándose con la naturaleza y los cubos,
gran predominio de los espacios verdes muy amplios. Todo esto integrado bajo el urbanismo de
Haussman. Se trata de una ciudad grandiosa y con unos buenos ejes de comunicación, a pesar
de integrar al ser humano en la naturaleza es una ciudad muy fría.
COMPOSICIÓN, MONDRIÁN, Rodrigo Villarroya
Esta serie de cuadros pertenecen a Mondrian un pintor vanguardista que se inició en el cubismo
para terminar siendo uno de los pintores más famosos del siglo XX con la vanguardia abstracta
del neoplasticismo holandés. Creó con Theo van Doesburg la revista De Stijl.
Estos cuadros tienen todos la característica de estar pintados con una serie de figuras
cuadrangulares contenidas por bordes negros horizontales y verticales que se cortan en ángulo
recto, incluso llegó a expulsar a un miembro del grupo por pintarlo de forma diagonal formando
rombos. Dentro de estas figuras se pueden observar los tres colores elementales (amarillo, rojo y
azul) y los llamados por este autor no colores (negro, blanco y gris). La disposición de los colores
no es regular sino asimétrica.
Con estas obras buscaba mucho más que decorar, quería alcanzar expresiones universales,
desprovistas de subjetividad reduciendo los elementos de su pintura. Para ello hubo de realizar
un largo proceso en el que partió de un acercamiento a la realidad para observarla y depurarla
(El árbol gris. 1912); posteriormente pasó a esquemas geométricos (Planos de color en oval.
1914), para finalizar analizándola con esa técnica exacta basada en un sistema geométrico de
líneas horizontales y verticales y colores puros.
El objetivo de esta pintura era la búsqueda de un mundo mejor tras la primera guerra mundial,
debiendo eliminar de la pintura cualquier voluntad individual, renunciando a toda imitación de la
realidad quedándose con los elementos básicos: color, forma, superficie y líneas.
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14. El Neoplasticismo de Mondrian no fue un fenómeno aislado, sino que se incluye dentro de un
movimiento más amplio en el que destaca el Constructivismo de Tatlin o el Suprematismo de
Malevich. Asimismo la influencia de De Stijl traspasó al mundo de la arquitectura ejerciendo un
influjo considerable en la Bauhaus y hasta en el mismo Le Corbusier.
MADAME MATISSE, HENRY MATISSE, Jorge Soler
Introducción
Henri Matisse fue un pintor referente en cuanto al color en el
S.XX. Va más allá del impresionismo y postimpresionismo, siendo
uno de los precursores de las Vanguardias del S.XX. El inicio del
siglo supone una ruptura de movimientos y tendencias que se
superponen las propuestas de uno y otros, combinando así,
varios estilos, impensable en la época antigua. Todas estas
tendencias tiene en común la transformación del lenguaje
artístico, teniendo muy en cuenta la independencia de cada
artista.
El fauvismo fue la primera novedad, en lo que se refiere a
corrientes, del S.XX, movimiento liderado por Matisse, Derain o
Vlamick. Exalta el protagonismo y el color. Sus cuadros tienen
composiciones simples y claras.
Análisis
El cuadro es un pequeño retrato de su mujer. Se trata de óleo sobre lienzo, con unas
dimensiones de 40 x 32cm. El soporte del cuadro es real, un rostro. Es un tema habitual,
desarrollado por el autor a lo largo de su obra, junto con interiores, ventanas y desnudos. La
mujer se presenta de forma seria y en posición de posar para el retrato, desvía ligeramente su
mirada del frontal del cuadro, ofreciendo así, un aspecto de tranquilidad y al mismo tiempo de
tensión. La figura no es lo importante, lo que destaca es el color, con mucha pasta y de gran
fuerza y violencia, buscando la armonía cromática.
La estructura se representa mediante el contraste de la figura y el fondo, pero más por los planos
de color que por la línea que perfila la figura, pues sólo existe en algunas partes de ella. No hay
ni modelado ni profundidad, ya que son aspectos que al autor no le importan. La composición
está en función de los planos del color.
Matisse busca en este cuadro, través del color y su forma, darle calor y cuerpo al rostro de su
mujer, colocando la línea verde que resalta los tonos amarillos y rosados de más mejillas.
También destacan ese rojo, lila y verde que le da una gran fuerza al cuadro.
Significado
“Estoy convencida de que el brazo de esta mujer (refiriéndose a una figura femenina de una de
sus obras) es demasiado largo”. Matisse contesta: “Madame, estáis equivocada, Esto no es una
mujer, es un cuadro”.
Este fragmento describe la pintura de Matisse. Este cuadro se expuso en el Salón d´Automme en
1905, donde Matisse compartió exposición con los otros miembros del grupo Derain, Dufy y
Vlamink.
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15. El fauvismo basa su planteamiento estético en la liberación de color utilizándolo para expresar
emociones y sentimientos. El color es expresión. Pero no es un solo color, sino la relación entre
los demás colores. Matisse llega a decir: “No es una cuestión de cantidad sino de elección. El
color alcanza su plena potencialidad expresiva sólo cuando está organizado”.
Pero esta relación de color no responde a teorías científicas, sino que es según la sensibilidad
del artista. El tono es lo que hace ver cuál es el contexto y cuál es la situación a representar.
Clasificación y contexto social
Tras el paso del impresionismo y postimpresionismo, a comienzos del S.XX comienzan una serie
de movimientos que buscan la ruptura con lo anterior.
En estos momentos nos encontramos, según el contexto social, en un momento de tensión. La
situación política internacional es crítica, ya que hay amenaza de un conflicto armado con
consecuencias para toda Europa. A esta amenaza de conflicto, le tenemos que añadir el proceso
de industrialización, con la acumulación de masas humanas en las grandes ciudades que
buscan una casa, pero que no la encuentran.
El fauvismo nace con la exposición en el Salón D´Automme en 1905 en Paris. El nombre de
fauvismo viene de fauve, fiera en español, que vino dado por el crítico Louis Vauxcelles.
Relaciones
El fauvismo duró tan solo dos años. Antiguamente, las tendencias las mediamos en siglos, pero
en estos momentos, va a ser común, la duración escasa de las vanguardias.
Los precursores del fauvismo partieron principalmente de: Cézzane, imitaron su forma al
descomponer las imágenes en planos de color relativamente uniformes y del neoimpresionismo,
tomándolo gusto a las colores puros y a las yuxtaposiciones como que un árbol podía ser rojo y
un rostro humano tener manchas verdes.
Bibliografía
http://www.artecreha.com/Miradas_CREHA/h-matisse-madame-matisse-retrato-de-la-raya-
verde.html
Apuntes historia del arte de 2º bachillerato
Libro de texto “historia del arte 2”
EL OBSERVATORIO ASTRONÓMICO DE MADRID, Alejandro Español
El origen del Observatorio se deben a la iniciativa del Carlos III el cual siguiendo las
sugerencias de científicos como Jorge Juan, entre otros muchos, puso en marcha la edificación
del edificio en el año de 1785, bajo la dirección de Juan de Villanueva, de formación clasicista,
levantado sobre el cerro de San Blas.
El edificio presenta un diseño clásico, con planta cruciforme y un salón central que
sobresale hacia el exterior, donde se emplea el orden corintio para las columnas del pórtico. Un
templete circular se eleva sobre él, haciendo las veces de cúpula y de columnas jónicas.
Es sin duda la obra más clasicista del siglo XVIII madrileño y de haberse finalizado, en
su totalidad y como fue diseñada, sería la más importante de la arquitectura de su época.
Como ya hemos mencionado anteriormente, el arquitecto fue Juan de Villanueva. Su
estilo se caracteriza por una gran severidad y sentido de las proporciones; además, se considera
como una síntesis entre el estilo herreriano y el neoclasicismo (puesto que se piensa que sus
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16. máximas influencias son Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, artífices del Monasterio de
El Escorial).
No solo es el autor del Observatorio Astronómico de Madrid sino que en 1771 construye
la Casa de Infantes en el Real Sitio de Aranjuez; en 1772, la Casita del Príncipe en El Pardo; en
1773, la Casita de Arriba, para su uso por el infante don Gabriel, y la Casita de Abajo (ambas en
el Real Sitio de El Escorial).
Fue nombrado arquitecto de la comunidad de monjes jerónimos del Monasterio de El
Escorial, donde completó el cierre de la Lonja,
Su primera gran obra de envergadura, la Casa de los Infantes y de la Reina (situada
junto a la fachada septentrional del monasterio), la acometió en 1769.
En 1785, diseñó la Tercera Casa de Oficios, en la que mantuvo la línea austera de Juan
de Herrera, autor de la Primera y Segunda Casa de Oficios (1587)
Sin embargo, su obra maestra es el edificio del Gabinete de Historia Natural, hoy Museo
del Prado (con proyectos en 1785 y 1787), fue convertido en Museo de Arte en 1814, es uno de
los edificios más representativos del neoclásico español.
Un año antes de su muerte, fue excavada la Gruta del Campo del Moro, uno de sus
últimos diseños. Se trata de un pasadizo subterráneo, que se conserva parcialmente, mediante
el cual se comunicaba la fachada occidental del Palacio Real de Madrid con los jardines de la
Casa de Campo.
En definitiva, Villanueva tuvo una intensa actividad arquitectónica en la ciudad de
Madrid, a la que contribuyó a dar el nuevo aspecto de urbe moderna y monumental que deseaba
Carlos III para su capital.
Fue el arquitecto que, con su estilo personal no exento de influencias locales, mejor supo
trasladar a España los postulados teóricos del neoclasicismo europeo.
EDIFICIO ROCKEFELER CENTER, Sergio Alcón
El tipo de construcción es un rascacielos, anteriormente se había construido para albergar todo
tipo de radios que se habían desarrollado en esa época, ahora actualmente su función es de
centro comercial en el cual se encuentran tiendas, recreativos restaurantes, supermercados de
todo tipo, ect…. Pero también sirve como lugar de trabajo ya que tiene oficinas.
Elementos arquitectónicos:
-Tiene una planta cuadrangular y sobre ella se van estrechando el área de la base y montándose
una sobre otra hasta construir un edificio muy alto a base de rectángulos superpuestos.
-Los muros tienen una función sustentante porque ellos son los que aguantan el edificio con un
esqueleto arquitectónico.
-Los materiales utilizados en este edificio son principalmente el hormigón armado y el hierro. La
técnica de construcción empleado es la empleada en la actualidad se hace un esqueleto de
hormigón y hierro las columnas de hormigón se hacen poniendo unas torres huecas de hierro
donde se hecha el hormigón hasta que esta seco y luego se quita.
Las plantas se hacen con unas vigas en forma de H las cuales soportan mucho peso, y después
de hacer esto se hacen las fachadas.
-Los pilares son cuadrangulares y tienen una función sustentante ya que no es decorativa.
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17. -Las cubiertas en este edificio son planas ya que el techo de cada planta es el suelo de la
superior, para hacerlo como ya explicado antes se cruzan unas vigas en forma de H de un
extremo al otro de la pared y luego se recubre con hormigón.
-Los vanos que hay en este edificio son muchos ya que la mayoría de la fachada son ventanas,
la función que tienen estas ventanas es la de dar luz al edificio para así gastar menos luz
artificial y pagar menos, porque pagar la factura de luz de una edificación de este tipo es muy
cara.
-Las fachadas ya que este edificio pertenece al artedeco utiliza una gran geometrización.
Elementos decorativos: no hay aunque si hay algunas esculturas y fuentes en el jardín que hay
delante del edificio pero, el edificio no muestra ningún elemento decorativo observable. Cuando
fue construido, el exterior era una obra de arte. Los detalles verticales de la austera fachada de
estilo Art Deco están integrados dentro de unas formas esbeltas y funcionalmente expresivas.
Actualmente, el exterior se reconoce por las grandes letras GE situadas en lo más alto y su
famosa marquesina en la entrada del edificio a menudo mostrada en diversas series televisivas,
tal como Seinfeld. A diferencia de la mayor parte de otros altos edificios de estilo Art Déco
construidos en los años 30, el edificio GE no tiene ninguna aguja en su tejado.
Dimensiones y proporciones: Con 259 metros y 70 plantas es el séptimo edificio más alto de la
ciudad de Nueva York y el trigésimo más alto en los Estados Unidos.
Relación con el entorno: La entrada principal al complejo desde la Quinta Avenida da lugar a un
agradable paseo ajardinado conocido como Channel Gardens. Este nombre viene a recordar el
Canal de la Mancha, pues el paseo está flanqueado por dos edificios: el inglés British Empire
Building y el francés La Maison Française. Los jardines están decorados con fuentes y esculturas
de peces hechas en bronce por el escultor Rene Chambellan. Channel Gardens desemboca en
la Lower Plaza presidida por la escultura dorada Prometeo de Paul Manship. Esta plaza, antigua
entrada a las tiendas de lujo que años atrás poblaban el complejo, se utiliza como terraza de
restaurante en verano y como pista de hielo para patinaje en invierno.
EL PÁJARO, de Brancusi, Daniel Ros
1. Introducción.
Brancusi, el autor de origen rumano que elaboró esta obra, confesó que desde su infancia
siempre había estado interesado por el mundo del vuelo de las aves, y centro buena parte de su
carrera en intentar representar ese vuelo a través de sus esculturas. Entre 1912 y 1940 realizó
entre 22 o 29 esculturas sobre pájaros durante el vuelo. Para su representación, no se centró en
lo que es el ave en sí, sino en la naturalidad del movimiento; para ello sustituyó la imagen "real"
del pájaro por una interpretación artística del concepto de vuelo. Esto lo consiguió eliminando las
partes físicas del ave, patas, alas, etc., y consiguió simular el movimiento alargando la parte que
se corresponde con el cuerpo, el pico y la cabeza.
Su intención era romper con la realidad objetivo de un pájaro en vuelo para plasmar la
impresión visual y emocional que le producía el movimiento de las aves en el espacio.
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18. 2. Análisis formal.
Se trata de una obra de bulto redondo de pequeñas dimensiones, que combina la presencia
de dos materiales principales: el mármol y el bronce, con los cuales perfectamente pulidos
elaboró sus obras, que después colocaría sobre burdos pedestales de madera, piedra o mármol;
como ocurre en su obra El Pájaro.
Con esta combinación de materiales consigue representar simultáneamente sensaciones y
percepciones contrastantes, suavidad y rugosidad, superficies etéreas luminosidad y masas
sólidas. En las obras de Brancusi el bronce pulido se convierte en un espejo que refleja el
espacio que lo rodea, con lo cual se logra una interacción entre la obra y su espacio, además de
conseguir la representación del movimiento mediante el alargamiento que da la sensación de la
rapidez del vuelo mediante la deformación del pico y los ojos con la forma ondulante que toma la
figura.
3. Análisis temático.
La función de esta obra es representar el vuelo de un ave mediante una escultura de una
manera original, con ella pretendía romper con la realidad objetiva de un pájaro en vuelo para
plasmar la impresión visual y emocional que le producía el movimiento de las aves en el espacio.
Para Brancusi el vuelo representaba la felicidad, la ascensión, la transcendencia, la
superación de la condición humana llegando a simbolizar casi un mundo irreal al plasmar algo
inalcanzable para el ser humano como es volar por su propia fisonomía. Con las imágenes del
ave, las alas y el vuelo se relacionan numerosos símbolos alusivos a la vida espiritual y sobre
todo a las experiencias emocionantes y a los poderes de la inteligencia. El simbolismo del vuelo
traduce una ruptura llevada a cabo en el universo de la experiencia cotidiana, que da lugar al
tratamiento simultáneo de la transcendencia y la libertad que proporciona el vuelo.
4. Clasificación y contexto histórico.
Brancusi hizo de la escultura un recuerdo visible de un deseo de la antiguedad. Lo mismo
que en el hombre arcaico, en Brancusi, escultor moderno y vanguardista, destaca el deseo por el
vuelo, la avidez por una proyección hacia la altura celeste, o la glorificación de la poderosa y
misteriosa presencia de los objetos. El Pájaro de Brancusin, una de sus obras más conocidas,
fue creada entre los años 1912 y 1940; al ser una de las piezas de la serie que este escultor
dedicó a los pájaros, durante el periodo de entreguerras.
Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva Cork (MOMA), y su alto
valor simbólico junto con la exquisita depuración táctil; hacen que se pueda enlazar esta obra
con la escultura del surrealismo.
5. Relaciones.
Sus primeras obras exponen la influencia de Rodin y de los impresionistas, aunque desde el
año 1908 se aprecia una evolución hacia un estilo más personal. Recibió inspiración de la
escultura prehistórica y de la africana.
Las primeras obras de este autor muestran influencias de Rodin y de los impresionistas,
aunque desde el año 1908 su escultura evoluciona hacia un estilo más personal. Recibió
inspiración de la escultura prehistórica y de la africana, además del surrealismo al que se vincula
esta obra. Algunos autores recibieron cierta influencia de Brancusi, como en el caso del escultor
español Alberto Sánchez en su obra El pueblo español tiene un camino que conduce a una
estrella, que recuerda a La columna sin fin de Brancusi.
6. Bibliogafía.
www.sepiensa.com
www.barzaj-jan.blogspot.com
www.temakel.com
Libro de texto de Historia del Arte.
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