1.
Curso de Jazz 1
El jazz no debe ser propiedad de una
pequeña élite de personas que posean un
vasto conocimiento de su historia, sus
intérpretes y sus peculiaridades. Sin
embargo, ya que el jazz es una forma
artística sumamente evolucionada y tiene
una historia tan amplia, es importante
conocer las bases de la tradición
jazzística para valorar y comprender en
su totalidad lo que escuchamos en un CD
o en un escenario. De manera similar a
cuando se aprende una nueva habilidad, el
proceso de adquirir estos conocimientos
puede atemorizarnos inicialmente. Pero
una vez que se adquieren los
conocimientos básicos sobre el jazz, las
recompensas que ofrece son ilimitadas.
Curso de Historia del Jazz
Una Guía a la Música
El siglo XX ha sido acertadamente denominado el Siglo del jazz, y en el
transcurso de estos cien años han surgido diversas corrientes o estilos musicales.
El propósito de esta guía es ayudarte a entender dónde y cómo se originaron sus
movimientos más importantes, las particularidades de cada uno y sus diferencias, y
los músicos claves de cada corriente. Nuestro propósito final es servir de enlace
entre tú y los artistas, lo que facilitará futuras exploraciones de la música.
Algo que debes recordar es que esta guía es un mapa
inicial. El jazz se caracteriza por ser una música
democrática y no estancarse en un estilo, y con cada
generación ingresan nuevos sonidos y sentimientos a
la música. Y mientras más profundices en la tradición
jazzística, mayor será tu capacidad de entenderla y
disfrutarla. Una vez que se inicia la afición al jazz, ya
no hay vuelta atrás. ¡Disfruta tus exploraciones!
Louis Armstrong
Billie Holiday
“Sólo se aprende a conocer lo que se ama”.
Goethe
“Hay que amar para poder tocar”. Louis
Armstrong

2.
Curso de Jazz 2
Los Inicios del Jazz
Buddy Bolden y su banda, 1905
Los orígenes del jazz, un estilo
musical urbano, provienen tanto
de los campos del Sur de los
Estados Unidos, como de sus
ciudades. Surgió a principios del
siglo XX de la unión de dos
tradiciones musicales diferentes:
la Africana Occidental y la
Europea. La música africana
proporcionó al jazz un incesante
impulso rítmico, la necesidad de
agitarse y enardecerse, y una
Los cantos de los esclavos que trabajaban en los
campos de algodón sureños se combinaron con
los sonidos urbanos y modernos de los músicos
callejeros de Nueva Orleáns para crear un ritmo
nuevo: el blues. La música gospel, con sus bellos
spirituals (salmos o canciones religiosas), al
integrarse con el blues, proporcionó un modelo de
vocalización que fue imitado ampliamente por los
instrumentistas.
urgencia emocional característica de su música. La música europea
proporcionó los instrumentos y cualidades clásicas como armonía y melodía.
La mezcla de estas dos tradiciones produjo una música que jugaba con el
ritmo e inventaba combinaciones de notas musicales, creando notas azules
que expresaban tanto tristeza como felicidad.
Las bandas de marcha militar, generalmente integradas por blancos,
introdujeron instrumentos que de otra manera hubieran permanecido como
meros recuerdos de la tradición musical europea. Los tambores y los
instrumentos de cuerda se combinaron con metales como trompetas,
trombones, tubas y, posteriormente, saxofones. Esta mezcla de música
occidental y la música de los esclavos negros se adicionó con una infusión de
elementos rítmicos latinos y caribeños, lo que añadió aún más texturas a una
música que el mundo nunca había escuchado antes. Eventualmente, el ragtime
se volvió popular a finales del siglo XIX, y el resto es, como dicen, historia.
Bessie Smith

3.
Curso de Jazz 3
Ragtime y Jazz de Nueva Orleáns
El ragtime es un estilo único que no conlleva
improvisación de los intérpretes ni el sentimiento del
blues. Pero fue una influencia básica para el jazz, y se
originó durante los últimos años del siglo XIX. Era
una música alegre y rítmica para piano, escrita
totalmente en partituras, e interpretada por solistas o
por orquestas. El ragtime tenía elementos de música
europea y de las bandas de marcha militar, junto con
un elemento de ritmos sincopados. El mayor ejemplo
de esta música lo constituyen las composiciones del
pianista Scott Joplin, a finales del siglo XIX.
Poco después del ragtime, el jazz de Nueva Orleáns
se popularizó durante las dos primeras décadas del
siglo XX. Fue considerado el primer estilo de jazz, y su
etapa histórica duró desde 1895, cuando Buddy Bolden
y luego Kid Ory, Fats Waller y Jelly Roll Morton
tocaban en el distrito de Storyville, en Nueva Orleáns,
hasta aproximadamente 1917. El jazz de Nueva
Orleáns tomó su sonido básico de la sección de metales
de las bandas de marcha militar. La música giraba
alrededor de las melodías interpretadas por los líderes
de las bandas, generalmente trompetistas o cornetistas
como Joe “King” Oliver y Louis Armstrong.
Scott Joplin
Los músicos interpretaban temas a modo de ensamble, con los trompetistas
tocando las melodías básicas y con armonías o melodías que serpenteaban sobre
ellas, interpretadas por el trombonista y el clarinetista. La sección rítmica se
componía generalmente de banjo o guitarra, batería, tuba o contrabajo, y piano.
Las bandas de jazz de Nueva Orleáns ponían más énfasis en la improvisación
colectiva que en el desempeño de solistas que improvisaban individualmente.
Pero a partir de las contribuciones de Louis Armstrong, las bandas empezaron a
improvisar colectivamente durante el inicio de las canciones, y los músicos
tocaban solos (improvisaciones individuales basadas en la melodía) sobre las
melodías interpretadas por los metales, que eran seguidos por un ensamble
colectivo final, en el que el baterista tocaba individualmente ritmos de cuatro
tiempos, que eran contestados con melodías interpretadas por toda la banda.

4.
Curso de Jazz 4
Primeras Grabaciones
Aunque la canción “Livery stable blues” de la Original Dixieland Jass Band
(ODJB), integrada por músicos blancos, es considerada la primera grabación de la
historia del jazz, es claro que los músicos negros de Nueva Orleans llevaban años
interpretando un jazz más auténtico y original que en su mayoría permaneció sin
documentar, debido a que no había equipos de grabación en dicha ciudad. El
cornetista Buddy Bolden, uno de los más brillantes músicos de Nueva Orleáns,
nunca pudo grabar su música. Otros músicos inclusive rechazaron grabar por
temor de que su estilo fuese imitado.
El primer jazzista negro en grabar fue el
trombonista Kid Ory (1922), quien viajó a
California para poder difundir su música.
Posteriormente realizaron grabaciones el
cornetista King Oliver, el saxofonista
soprano y clarinetista Sidney Bechet, el
pianista Jelly Roll Morton, y la cantante
Bessie Smith. Como casi todos los
músicos famosos de Nueva Orleans, King
Oliver partió hacia Chicago para contar
con mayores facilidades de grabación.
Louis Armstrong, el primer gran solista de
jazz, grabó con las bandas de King Oliver
y Fletcher Henderson antes de debutar
como líder en Chicago a fines de 1925.
Además de ser el primer
gran cantante de jazz,
Armstrong otorgó un
lugar definitivo dentro
de la estructura del jazz
a las improvisaciones de
los solistas, y con esto
ejerció una influencia
definitiva en todas las
posteriores generaciones
de músicos, desde Bix
Beiderbecke hasta John
Coltrane.
Sidney Bechet
Louis Armstrong y los Hot Fives, 1925

5.
Curso de Jazz 5
Chicago y Nueva York
La historia del jazz comenzó en Nueva
Orleáns a inicios del siglo XX, pero la
música alcanzó popularidad general hasta la
década de los 20’s, cuando el trompetista
Louis Armstrong salió de Nueva Orleáns
para forjar una revolución musical en
Chicago. De la misma manera, el posterior
éxodo de artistas hacia Nueva York
anunció la migración constante de los
músicos del Sur hacia el Norte del país.
Chicago asumió la música de Nueva
Orleáns y la hizo propia, logrando que
surgieran bandas legendarias como los Hot
Fives y los Hot Sevens de Armstrong, así
como las bandas del llamado estilo
“Dixieland”, que ayudaron al resurgimiento
del jazz de Nueva Orleáns.
Otros líderes fueron el pianista y arreglista Fletcher Henderson, el saxofonista
Frankie Trumbauer, quien tenía en su conjunto al inigualable trompetista Bix
Beiderbecke, el pianista Earl ‘Fatha’ Hines y el clarinetista Benny Goodman.
Armstrong y Goodman emigraron hacia Nueva
York a fines de los 20’s, ayudando a convertir a
esa ciudad en la capital mundial del jazz.
Aunque Chicago era un lugar importante de
grabaciones, Nueva York se convertiría en el
centro fundamental de grabaciones así como de
conciertos de jazz, que se realizaban tanto en
bares legendarios como Cotton Club, Minton’s
Playhouse, Birdland y el Village Vanguard, y
grandes salas como Carnegie Hall. El jazz
alcanzó una popularidad nacional en 1924, con
las grabaciones iniciales de la Orquesta de Paul
Whiteman y debido al gran apoyo en materia de
difusión que prestó la radio.
Benny Goodman

6.
Curso de Jazz 6
Primeras Bandas de Swing
Las bandas iniciales de la Era del Swing
empezaron a tocar a principios de los 20’s, y
se considera que el principal creador del
formato de las grandes bandas fue el líder y
arreglista Fletcher Henderson, quien aumentó
el número de integrantes de su combo
(pequeño conjunto) para formar una orquesta
en 1923. Al establecer secciones de
trompetas, trombones, saxofones y una
sección rítmica, Henderson y otros arreglistas
fueron capaces de producir orquestaciones
que poseían una gran diversidad de color,
rango, textura y fuerza.
Fletcher Henderson
Casi al mismo tiempo, Duke Ellington aumentó el número de músicos de sus
conjuntos, y con esto la música de las grandes bandas obtuvo a su más grande
compositor y arreglista. Las primeras grabaciones de las orquestas de Ellington y
Henderson datan de 1926. Muchos de estos conjuntos iniciales empezaron
tocando en bares o pequeños salones de baile, y se volvieron famosos gracias a
grabaciones y difusiones radiofónicas. Conforme transcurría la década de los
30’s, las grandes bandas de líderes como Teddy Wilson, Benny Carter y,
especialmente, William “Count” Basie, ampliaron la gama de sonidos que ofrecía
el formato de orquesta de jazz. Otras grandes bandas lograron gran popularidad
en los salones de baile, como las de los hermanos Dorsey y Glenn Miller.
El swing se
convirtió en la
música más popu-
lar de su época, y
tuvo su clímax a
mediados de los
30’s. Fue el motor
de la histeria por
los salones de baile
y por el swing que
hubo en los E.U.
Duke Ellington y su
orquesta, en el Cotton
Club, 1937.

7.
Curso de Jazz 7
El Swing de las Grandes Bandas
El jazz tomó la forma de las grandes bandas,
basada en los arreglos de los compositores, desde
inicios de los 20’s hasta finales de los 40’s. Los
músicos de las big bands, la mayoría adolescentes
y gente joven, interpretaban secciones específicas
que memorizaban en los ensayos o leían de
partituras impresas. La orquestación meticulosa,
interpretada por las secciones de vientos y
metales, dio lugar al uso de ricas armonías y creó
el llamado “estilo de las grandes bandas”. Count Basie
Líderes notables como Duke Ellington, Count
Basie, Teddy Wilson, Cab Calloway, Benny
Goodman, y posteriormente Stan Kenton y
Woody Herman, escribieron y grabaron
infinidad de éxitos que eran interpretados en
programas de radio y salones de baile de todo
el país.
Muchas grandes bandas incluían a solistas
como Bix Beiderbecke, Frankie
Trumbauer, Lester Young, Coleman
Hawkins, Ben Webster, Eddie Davis, Roy
Eldridge, Bunny Berigan, Lionel
Hampton, Don Byas y otros que, a través
de sus improvisaciones individuales,
llevaban a los auditorios hasta la histeria
en las famosas “batallas de las bandas”. A
pesar de que las grandes bandas
declinaron después de la II Guerra
mundial, por obvias razones económicas,
las orquestas de Basie, Ellington, Woody
Herman, Stan Kenton y muchas otras
realizaron giras y grabaciones en las
siguientes décadas. Su música se
modernizó y sirvió de inspiración a las
nuevas orquestas de los 50’s y 60’s. Lester Young, “the Prez”

8.
Curso de Jazz 8
El surgimiento del Bebop
El lenguaje jazzístico cambió
drásticamente con el surgimiento del
Bebop a inicios de los 40’s en Nueva
York. Un grupo de músicos jóvenes e
innovadores, entre los que figuraban
Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Max
Roach, Kenny Clarke, Bud Powell y
Thelonious Monk, concibieron el
bebop como un intento provocador de
hacer música nueva y desafiante.
El bebop era una música avanzada que requería
virtuosismo técnico y un sofisticado conocimiento de la
armonía, y los jazzistas jóvenes asumieron y popularizaron
rápidamente el nuevo lenguaje. Los compositores escribían
melodías rápidas y zigzagueantes con complejos cambios
de acordes. Los solistas incorporaron tonos y escalas
disonantes en sus improvisaciones, lo que creó sonidos
exóticos y lúcidos, rebosantes de ritmos sincopados y
acentos rítmicos sin precedente.
El bebop se caracterizó por tener un formato de
conjunto pequeño; los cuartetos y los quintetos
resultaron ser ideales por razones económicas y
artísticas. La música floreció en los bares de las
ciudades, donde las audiencias iban a escuchar
atentamente a solistas innovadores en lugar de ir a
bailar sus éxitos preferidos. Los músicos de bebop
elevaron el jazz a la categoría de una forma
artística que satisfacía no sólo a los sentidos sino
también al intelecto. Nuevas estrellas surgieron en
esta época, entre ellos los trompetistas Fats
Navarro y Miles Davis, los saxofonistas Dexter
Gordon, Lucky Thompson, Sonny Stitt y Sonny
Rollins, y trombonistas como J.J. Johnson y
Jimmy Cleveland.
Charlie “Bird” Parker
T
T
Thelonious Monk
al piano
Miles Davis y Dizzy Gillespie

9.
Curso de Jazz 9
Cool Jazz
El ardor y la urgencia del bebop
empezaron a ser sustituidos por un
sentimiento de relajación mediante el auge
del cool jazz. A finales de los 40’s e inicios
de los 50’s, los músicos comenzaron a
desarrollar un estilo de improvisación más
suave y menos frenético que el bebop,
tomando como modelo el sonido ligero y
limpio del saxofonista Lester Young, uno
de los grandes maestros del swing. El
resultado fue un sonido relajado e incluso
suave, con desprendimiento emocional y
una cierta “frialdad”. Bill Evans
El trompetista Miles Davis, el primer jazzista que empezó a tocar “fríamente”,
emergió como el gran innovador del género. Sus grabaciones con el noneto “Birth
of the Cool” de 1949-50 son obras maestras que reflejan el lirismo y la belleza del
cool jazz. Otros músicos importantes de esta corriente son el trompetista Chet
Baker, los pianistas George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck y Lennie Tristano,
el vibrafonista Milt Jackson, y los saxofonistas Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims,
Art Pepper y Paul Desmond. Cabe mencionar especialmente al pianista Bill Evans,
quien fue calificado por los críticos franceses como “el más grande poeta del jazz”.
Contribuyeron de forma significativa al
desarrollo del cool jazz, arreglistas como
Tadd Dameron, Claude Thornhill, Gil Evans,
el clarinetista Jimmy Giuffre y el saxofonista
barítono Gerry Mulligan. Sus composiciones
se basaban en el colorido de los instrumentos,
y en ritmos y armonías lentas, que creaban
una ilusión de distancia y espacio musical. La
disonancia también era parte de la música,
pero de forma suavizada.
Chet Baker y Gerry Mulligan
Los jazzistas popularizaron el cool jazz de los 50’s en los estudios de grabación y
bares de Los Angeles. Influenciados por el noneto de Miles Davis, estos músicos
desarrollaron el llamado “jazz de la costa oeste”. Su música era interpretada
mediante partituras detalladas, con uso de técnicas como el contrapunto, aunque las
composiciones dejaban espacio para largas improvisaciones de los solistas.

10.
Curso de Jazz 10
Hard Bop
Al mismo tiempo en que el cool jazz se
popularizó en la costa oeste, los músicos
de Detroit, Philadelphia y Nueva York
desarrollaron un estilo más agresivo y
duro de bebop, llamado hard bop. El
hard bop de los 50’s tomó del bebop la
agresividad y el virtuosismo técnico, y
dio prioridad a los elementos del blues y
soul, así como al impulso rítmico. La
capacidad de improvisación y un fuerte
sentido de la armonía eran de gran
importancia para los solistas, y en la
sección rítmica la batería tomó un lugar
aún más importante, gracias a las
innovaciones de Art Blakey y Max
Roach, mientras que el piano y el contrabajo adquirieron un sentido más fluido y
rítmico. En 1955, el baterista Art Blakey y el pianista Horace Silver formaron el grupo
Jazz Messengers, que se convertiría junto con el quinteto de Clifford Brown y Max
Roach, en el grupo más importante de hard bop. The Jazz Messengers logró
permanecer hasta los 80’s, y de sus filas salieron los intérpretes más importantes del
género, como los saxofonistas Hank Mobley, Wayne Shorter, Johnny Griffin y
Branford Marsalis, y los trompetistas Donald Byrd, Freddie Hubbard, Woody Shaw,
Lee Morgan y Wynton Marsalis.
Art Blakey en París, 1958
Clifford Brown
Estos músicos llevaron al hard bop a ser la
forma más predominante del jazz, y
proporcionaron el formato más común en
nuestros días: saxofón, trompeta, piano, bajo
y batería. Con melodías más sencillas, y un
ritmo más cadencioso, el oyente podía
distinguir incluso elementos del gospel y de la
música r&b. Entre las canciones de hard bop
más populares se encuentran “The
sidewinder”, compuesta en 1963 por Lee
Morgan, y “Moanin’”, compuesta por Bobby
Timmons, pianista de los Jazz Messengers.

11.
Curso de Jazz 11
Jazz Modal
A finales de los 50’s, el trompetista Miles
Davis y el saxofonista tenor John Coltrane
comenzaron a experimentar con el jazz modal,
que era una forma de improvisar
melódicamente basada directamente en la
música clásica. Estos músicos utilizaron
“modos”, o escalas determinadas, en lugar de
acordes para formar la estructura de sus
composiciones.
El resultado fue una forma de jazz armónicamente estática, casi puramente
melódica. Los solistas se liberaban por momentos de las escalas establecidas y
regresaban a ellas de nuevo, lo que creaba una sensación de tensión y liberación. Los
tempos de las canciones podían ser lentos o rápidos, pero en general, la música tenía
un aire vago, sin limitaciones ni prisas. Para proporcionar un efecto más exótico, los
músicos utilizaban en ocasiones escalas que no pertenecían a la tradición europea
(tomadas por ejemplo de la música hindú o árabe) como estructura para sus
improvisaciones. El disco modal de Miles Davis, “Kind of Blue”, es generalmente
considerado el mejor disco de la historia del jazz.
John Coltrane y Miles Davis, 1958
Soul Jazz
Derivado del hard bop, designa a los combos pe-
queños que generalmente contaban con un órga-
no, que se popularizaron en los 50’s y declinaron
hasta los 70’s. Este género tenía sus raíces más
hondas en el blues y el gospel, y su música estaba
llena de una espiritualidad afro-americana. Muchos
de los organistas más importantes del jazz
surgieron del soul jazz: Jimmy McGriff, Groove
Holmes, Big John Patton, Jack McDuff, y
especialmente Jimmy Smith, quienes populariza-
ron el formato de trío con órgano, guitarra y
batería, junto con guitarristas como Wes Mont-
Jimmy Smith
gomery, Grant Green y Kenny Burrell. El saxofón tenor fue importante para el
género, gracias a músicos como Gene Ammons, Stanley Turrentine y King Curtis.
También se incluye a ciertas bandas de Charles Mingus y a las del multi-saxofonista
Rahsaan Roland Kirk dentro de este género. El soul jazz evocaba una pasión cálida y
un fuerte sentido de comunidad, en contraposición a la distancia y “frialdad”
emocional del cool jazz.

12.
Curso de Jazz 12
Free Jazz
Quizás el momento más controversial de la
historia del jazz se dio con la llegada del free jazz a
principios de los 60’s. Mientras que algunos de los
elementos característicos de este género surgieron
a partir de los experimentos de compositores
como Lennie Tristano, George Rusell y Gunther
Schuller, no fue sino hasta finales de los 50’s
cuando surgió como un estilo autónomo, gracias a
las grabaciones de Ornette Coleman y Cecil
Taylor.
Ornette Coleman, 1959
Sus aportaciones, y las de John Coltrane,
Albert Ayler y Sun Ra, estuvieron
enfocadas hacia cambios drásticos en la
estructura y sentimiento de las compo-
siciones. Entre sus innovaciones, además
de su gran imaginación y avanzada
musicalidad, estuvo la liberación tonal de
las progresiones de acordes, lo que
permitió a la música avanzar en una
infinidad de direcciones. Otro elemento
fue el cambio en el ritmo de las piezas, ya
que el “swing” fue re-definido o
ignorado completamente.
En otras palabras, conceptos como “compás” y
“groove” fueron abandonados y dejaron de ser
elementos esenciales. Otra de sus características
principales fue la atonalidad, porque el sonido de la
música dejó de estar basado en el sistema
convencional de tonos. Los instrumentistas
empezaron a utilizar recursos como alaridos,
gruñidos, y multi-tonos con el fin de crear un
nuevo universo musical. El free jazz continúa
siendo una forma viable de expresión musical, y en
la actualidad resulta mucho menos controversial.
John Coltrane
Cecil Taylor

13.
Curso de Jazz 13
Post-Bop
El término post-bop se refiere a la
música de jazzistas que continuaron
basados en el bebop pero con cierta
distancia de los experimentos radicales
del free jazz, durante los 60’s. Este
estilo, representado por los músicos de
la “escuela Blue Note” (es decir, cuyos
discos fueron editados por el sello Blue
Note), tomó la diversidad rítmica, la
estructura de ensamble y la energía del
bebop, junto con sonidos de otros
instrumentos de metales, una refinación
estética, y el uso de elementos musicales
latinos o de otras partes del mundo.
Eric Dolphy, 1964
En gran medida, este género obtuvo una
gran refinación durante los 60’s, cuando se
empezó a dar una importancia primordial a
la composición en sí, con el propósito de
crear nuevas texturas. Los saxofonistas Eric
Dolphy, Joe Henderson y Jackie McLean, el
vibrafonista Bobby Hutcherson y los
pianistas McCoy Tyner, Herbie Hancock,
Mal Waldron, Andrew Hill y Keith Jarrett
escribieron música que era accesible a la vez
que armónicamente avanzada. Otro
compositor y líder de bandas fundamentales
fue el bajista Charles Mingus. Uno de los
compositores más importantes durante este
período fue el saxofonista Wayne Shorter, quien grabó
álbumes clásicos para la Blue Note durante los 60’s. Junto
con Herbie Hancock, Shorter ayudó al quinteto de Miles
Davis de los 60’s (una versión más experimental del quinteto
con Coltrane de finales de los 50’s) a convertirse en uno de
los grupos más importantes de la historia del jazz, y el grupo
paradigmático del post-bop. Wayne Shorter

14.
Curso de Jazz 14
Fusión
El jazz-fusión se originó a finales de los años 60’s como una mezcla del jazz con
elementos del rock “ácido” de los 60’s, popularizado por músicos tan importantes
como el guitarrista Jimi Hendrix. Entre los líderes de este género se encontraban Miles
Davis (cuyas bandas esenciales de ese período incluyeron a músicos de la talla de
Chick Corea, Herbie Hancock, Joe Zawinul, Keith Jarrett, Dave Liebman, Gary Bartz
y Jack Dejohnette) y bandas como Eleventh House del guitarrista Larry Coryell y
Lifetime del baterista Tony Williams, quienes incorporaron a su música elementos
tales como el uso de instrumentos electrónicos, ritmos del rock y larga duración de las
canciones. Con estos cambios, algunos “puristas” del jazz consideraron que la fusión
nulificaba muchas de las cosas que daban sentido al jazz desde sus orígenes, como el
swing y la influencia del blues.
En el jazz-fusión se incluyen bandas
y músicos como la Mahavishnu
Orchestra de John McLaughlin,
Weather Report (con Wayne Shorter,
Joe Zawinul y los inigualables bajistas
Miroslav Vitous y posteriormente
Jaco Pastorius), y Return to Forever
de Chick Corea. Estas bandas
mantuvieron un énfasis constante en
Miles Davis, 1973
la improvisación y la destreza musical, lo que los unía
al resto de los músicos legítimos de la historia del
jazz, aunque sus opositores argumentaban que se
habían “vendido” a los intereses comerciales. La
realidad es que estos experimentos iniciales, al ser
escuchados hoy en día, suenan muy poco
comerciales, y son un reto para el oyente que busque
introducirse en una música altamente interactiva y
evolucionada. A inicios de los 80’s, músicos como el
baterista Ronald Shannon Jackson y su banda The
Decoding Society, los guitarristas Pat Metheny, John
Scofield y James “Blood” Ulmer, así como el
veterano saxofonista Ornette Coleman y su banda
Primetime, reivindicaron esta forma musical como
un medio auténtico de expresión creativa.

15.
Curso de Jazz 15
Jazz Latino
La incorporación de elementos
rítmicos de origen latino al jazz
comenzó desde sus meros inicios,
gracias a la asombrosa mezcla
multicultural de Nueva Orleáns.
Jelly Roll Morton ideó el término
“tinte español” para referirse a una
característica de sus grabaciones de
los 20’s. Duke Ellington, Stan
Kenton y otros directores de
grandes bandas también emplearon
formas musicales de origen latino.
Una de las presencias más
importantes para el avance del
jazz latino fue el trompetista y
arreglista cubano Mario Bauzá, quien llevó los sonidos de la Habana a la gran banda
de Chick Webb durante los 30’s, y posteriormente a las grandes bandas de Fletcher
Henderson, Cab Calloway y Dizzy Gillespie. Bauza se convirtió en los 40’s en el
cerebro musical de la banda Afro-Cubans, dirigida por su cuñado, el cantante y
percusionista Frank Grillo, “Machito”. Las formas musicales latinas crecieron
durante los 50’s y 60’s, al unirse la samba brasileña con el cool jazz a través del
bossa nova, popularizado por las grabaciones del saxofonista Stan Getz con los
músicos brasileños Antonio Carlos Jobim y Joao Gilberto. Posteriormente, las
grabaciones del saxofonista argentino Gato Barbieri e incluso el flautista Herbie
Mann contribuyeron a popularizar el sonido latino. El jazz latino se diversificó
durante los 80’s y 90’s para incluir a improvisadores como el saxofonista Paquito
d’Rivera, el trompetista Arturo Sandoval, y los pianistas Chucho Valdés (estos tres
miembros de la legendaria banda Irakere) y Gonzalo Rubalcaba, exiliados cubanos;
Machito y su banda Afro-Cubans
y bandas como Los Hombres Calientes,
originaria de Nueva Orleáns. Las virtudes
polirrítmicas de la música latina son una de
las causas del crecimiento inaudito de la
audiencia del jazz, al añadir un elemento
visceral, intenso y bailable a una música en
ocasiones cerebral.
Arturo Sandoval

16.
Curso de Jazz 16
Neoclasicismo de los 80’s
A mediados de los 80’s se utilizó el término
“Jóvenes leones” (Young lions) para referirse a
un grupo de músicos de jazz, agrupados
alrededor del trompetista Wynton Marsalis. El
propósito de este término era servir de
herramienta de mercadeo más que designar a
un movimiento genuino, sin embargo, dentro
de este término se incluyen a algunos de los
mejores músicos de la escena jazzística
contemporánea, quienes son músicos con una
formación musical universitaria y cuyas bases
musicales son los estilos clásicos de bebop y
hard bop. Se esperaba de ellos que
mantuvieran la tradición jazzística hacia el
nuevo siglo, de ahí que algunos críticos
denominaran su estilo (de forma un poco
peyorativa) como neoclásico. Estos músicos,
Wynton Marsalis
tras el éxito obtenido por Wynton Marsalis como miembro de los Jazz Messengers de
Art Blakey, junto con el saxofonista Branford Marsalis, el trompetista Terence Blan-
chard y el guitarrista Kevin Eubanks, sirvieron de ímpetu al “renacimiento” del jazz
clásico, que se oponía al blando jazz-fusión comercial.
Jazz Experimental
El surgimiento del experimen-
talismo y el avant-garde en el
jazz coinciden con el estable-
cimiento del free jazz como un
género auténtico, aunque las
nociones de cambio e innova-
ción han sido siempre un
elemento del jazz. Esta nueva
forma es una desviación radical
del jazz convencional, e intro-
dujo nuevos elementos rítmicos,
Anthony Braxton
tonalidades y estructuras. Mencionaremos a los pianistas Paul Bley, Carla Bley y Don
Pullen, los saxofonistas Anthony Braxton, David Murray y Sam Rivers, los bateristas
Sunny Murray y Andrew Cyrille, y los miembros de la AACM de Chicago, como los
saxofonistas Roscoe Mitchell y Henry Threadgill y el pianista Muhal Richard Abrams.

17.
Curso de Jazz 17
World Jazz
Los músicos de jazz han manifestado siempre un interés por el mundo más allá de
sus fronteras. La raíz histórica de este fenómeno fue que el distrito de Storyville era
un centro de reunión de gente de todas partes del mundo que llegaba a Nueva
Orleáns, uno de los puertos más importantes del planeta a principios del siglo XX.
Esa mezcla inevitable de sonidos, dialectos y ritmos se refleja, por ejemplo, en el
trabajo inicial del trompetista Dizzy Gillespie en los 40’s al incluir en su música
ritmos afro-cubanos, o posteriormente, a la fusión realizada por el pianista Dave
Brubeck de música japonesa, asiática y del Oriente Medio con el cool jazz, o incluso a
las suites (composiciones extensas) de Duke Ellington con base en la música de
África, Latinoamérica y el Lejano Oriente. El jazz continuó incorporando diversas
tradiciones musicales distintas de la tradición
occidental, como las grabaciones del flautista
Paul Horn dentro del Taj Mahal, o los grupos
de “world music” Oregon, y Shakti del
guitarrista John McLaughlin La banda Art
Ensemble of Chicago fue una de las pioneras
en mezclar el jazz con elementos musicales
africanos. Otra influencia considerable es el
saxofonista y compositor John Zorn, quien
explora el folklore judío con su banda Masada.
John Zorn, 1995
Junto con la mezcla inevitable de culturas, el jazz de hoy
resulta influido por sonidos provenientes de todas partes
del mundo. El experimentalismo europeo continúa
influyendo en la música de jóvenes pioneros como el
saxofonista Ken Vandermark, cuyo free jazz se equipara
al trabajo de los saxofonistas Mats Gustafsson, Evan
Parker y Peter Brötzmann. Otros músicos a seguir son el
trio Medeski Martin & Wood, el quinteto del bajista Dave
Holland y las pianistas Geri Allen y Carla Bley. Músicos
más tradicionales continúan forjando su identidad, como
los pianistas Jacky Terrasson, Kenny Barron y
principalmente Brad Mehldau, y los saxofonistas Joshua
Redman, Joe Lovano, James Carter y David Sánchez. Es
preciso mencionar al trío de Standards de Keith Jarrett
(con Gary Peacock y Jack Dejohnette), posiblemente el
grupo de jazz más consistente de la historia reciente, y
máximo ejemplo actual del formato de trío de piano.
Sonidos (Pos)Modernos
Ken Vandermark
“La mejor aportación que le
puedes hacer a la tradición es
hacer tu propia música: una
nueva música”. Anthony
Davis

18.
Curso de Jazz 18
Discografía (básica, mínima y altamente subjetiva) en Cd
Nueva Orleáns
King Oliver and his Creole Jazz Band – “King Oliver 1923”, Classics (F)
Louis Armstrong – “The Complete Hot Fives and Hot Sevens”, Vols. 2 y 3,
Columbia Records
Jelly Roll Morton – “The Pearls”, RCA Rounder Records
Sidney Bechet – “The best of Sidney Bechet”, Blue Note Records
Fats Waller – “Turn on the Heat”, RCA Records
Swing
Bix Beiderbecke “Bix Beiderbecke Vol. 1, Singin’ the Blues”, Columbia Records
Count Basie – “The Complete Atomic Basie”, Roulette Records
Duke Ellington – “The Blanton/Webster Band”; “At Newport ‘56”, Columbia
Records
Billie Holiday – “Lady sings the blues”, Verve Records
Benny Goodman – “Carnegie Hall Concert ‘38”, Columbia Records
Bebop
Charlie Parker – “Bird’s best Bop on Verve”, Verve Records
Dizzy Gillespie, “For musicians only”, Verve Records
Thelonious Monk – “Genius of Modern Music”, Blue Note Records; “Brilliant Corners”,
Riverside Records
Fats Navarro – “The fabulous Fats Navarro”, Vols. 1 y 2, Blue Note Records
Bud Powell – “The amazing Bud Powell”, Vols. 1 y 2, Blue Note Records
Cool Jazz
Miles Davis – “Birth of the Cool”; “Kind of Blue”, Columbia Records
Gerry Mulligan and Chet Baker – “Mulligan/Baker”, Columbia Records
Jimmy Giuffre – “The Jimmy Giuffre 3”, Atlantic Records
Dave Brubeck – “Time Out”, Columbia Records
Bill Evans – “Sunday at the Village Vanguard”, Original Jazz Classics
Hard Bop
Clifford Brown and Max Roach Quintet – “Pure genius”, Elektra Records
Art Blakey and The Jazz Messengers – “Moanin’”, “A night at Birdland, with
Clifford Brown”, ambos de Blue Note Records
Sonny Rollins – “Saxophone Colossus”, Original Jazz Classics
Charles Mingus – “Mingus Ah-Um”, Atlantic Records
John Coltrane – “Giant Steps”, Atlantic Records

19.
Curso de Jazz 19
Free Jazz
Ornette Coleman – “The Shape of Jazz to Come”, “Free Jazz”, ambos de Atlantic Records
John Coltrane – “A Love Supreme”, “Ascension”, ambos de Impulse Records
Cecil Taylor – “Unit Structures”, Blue Note Records
Eric Dolphy – “Out to Lunch”, Blue Note Records
Albert Ayler – “Live in Greenwich Village”, Impulse Records
Post-Bop
Wayne Shorter – “Speak no Evil”, Blue Note Records
Herbie Hancock – “Maiden Voyage”, “Empyrean Isles”, ambos de Blue Note Records
Rahsaan Roland Kirk – “Rip, Rig and Panic”, Mercury Records
Chick Corea – “Tones for Joan’s Bones”, Atlantic Records
Keith Jarrett – “Treasure Island”, Impulse Records; “Belonging”, ECM Records
Fusión
Miles Davis – “Bitches Brew”, “In a Silent Way”, ambos de Columbia Records
Weather Report – “Heavy Weather”, Columbia Records
Tony Williams’ Lifetime – “Emergency”, Polygram Records
Ronald Shannon Jackson and The Decoding Society – “Mandance”, Uni/Verve
Ornette Coleman and Primetime – “Dancing in your Head”, A&M Records
80’s y 90’s
Wynton Marsalis – “The majesty of the blues”, Columbia Records
Keith Jarrett – “Still live”, ECM Records
John Zorn’s Naked City – “Naked City”, Elektra Records
Charlie Haden and Liberation Music Orchestra – “Dream Keeper”, JCOA Records
Joshua Redman – “Spirit of the moment: Live at the Village Vanguard”, Warner Brothers
Dave Holland Quintet – “Not for nothin’”, ECM Records
Medeski Martin & Wood – “Shack-man”, Gramavision Records
Ken Vandermark – “Vandermark 5: Acoustic Machine”, Atavistic Records
Esta guía fue tomada de la página web de la revista Down Beat http://www.downbeat.com
Artículos por: John Ephland, Will Smith y Ed Enright
Traducción, diseño y discografía básica en CD por: Gerardo Alejos, Diciembre 2002
En el supuesto de desear profundizar sobre la historia y evolución del jazz, la lectura obligada es
“El jazz, de Nueva Orleáns a los años ochenta”, de Joachim Berendt, publicado en México por el
Fondo de Cultura Económica.