EXCLAMA_ED26_104 PAGS_baja CORRECCIONES

La ultima edición del 2015 de Revista EXCLAMA gira en torno al acto de
crear, a los procesos creativos que nos definen como seres racionales
y reflexivos, que nos ubican en el campo de el avance y la constante
progresión.
Por esta razón, y precisamente para celebrar nuestra naturaleza creativa,
les traemos una edición que se preocupa por mostrar la creatividad,
por resaltar sus procesos en campos como el diseño, la arquitectura, la
moda, la fotografía.
En nuestra sección Los cinco contamos con la presencia de cinco artistas
nacionales de diferentes edades, cada uno trabajando activamente por
hacer evidente su visión de mundo y su manera de enfrentarse a él a
través del arte.
En Arquitectura Jürgen Mayer, el genio detrás del Metropol Parasol de
Sevilla, nos cuenta acerca de su lenguaje arquitectónico, la delgada
línea entre arquitectura y arte; y su preferencia por el fracaso a causa
de riesgos por sobre el éxito proveniente de la seguridad.
Para Diseño analizamos las estrategias creativas del diseñador ingles
Tom Dixon, quien empezó su carrera como bajista de una banda de rock
y debe su éxito a treinta años de experimentación y creatividad sin limite.
Un artista guatemalteco que se dedica a hacer arqueología del tiempo
a través de la superposición de capas de pintura, la historia del curador
del New Museum de Nueva York, las razones del éxito de José Miguel
Sokoloff y el relato de cómo los trajes de la emperatriz de Tailandia,
producto de un meticuloso proceso creativo, la coronaron como la mujer
mejor vestida de Asia son algunos de los contenidos que hacen parte de
esta edición #CREANDO, una pensada para ayudarnos a expandir los
limites de nuestra imaginación.

ÍNDICE
02.
EDITORIAL
12.
DISEÑO - ARTE
14.
DISEÑO
18.
ARTE.
23.
LOS 5
34.
DISEÑO
38.
ARTISTA
46.
FOTOGRAFÍA
54.
COCINA
56.
MÚSICA
60.
ARQUITECTURA

68.
EDITORIAL DE MODA
78.
INNOVACIÓN
80.
CIUDAD
84.
FOTOGRAFÍA
88.
PERSONAJE
90.
EDITORIAL DE MODA
96.
AMARILLAS
98.
LA VISIÓN
100.
REPORTAJE
82.
DIRECTORIO

WWW.REVISTAEXCLAMA.COM
Descubra todas las semanas artículos y entrevistas
sobre temas actuales de moda, arte, música, arquitectura,
diseño, fotografía e innovación.
Juan Pablo Valencia
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Octubre - Diciembre 2014
Portada
NÚMERO 26
#CREANDO
OCTUBRE - DICIEMBRE 2014
COP $12.000 - USD$6
HECHAEN COLOMBIA
ISSN 2027-8438
Metropol Parasol, Sevilla
Jürgen Mayer Architects
Fotografía Nikkol Rot
EXCLAMAREVISTA EVENTOS DIGITAL MARKETING
AGENCIA
DIGITAL Y COMUNICACIONES
T: + 57 1 7596750
E: ESCRIBO@REVISTAEXCLAMA.COM
W: REVISTAEXCLAMA.COM

ZARIFA MOHAMAD
www.zarifisk.wordpress.com
Nativa danesa con raíces palestinas, Zarifa
estudió y trabajó durante 10 años en Berlín.
Llegó a Bogotá en 2008 donde trabaja como
docente en el CESA. Estudió Germanística y
Ciencias culturales con énfasis en la República
de Weimar y en la cultura pop de los 60s. Es
además traductora, blogger, cocinera y lectora
apasionada. Hace un año colabora con EX-
CLAMA en la sección de Ideas y Negocios de
la revista impresa y digital.
JUAN RICARDO RINCÓN
www.tallerparalelo.com
Desde 2010 se desempeña como editor de
arquitectura para EXCLAMA, ha entrevistado
a peces gordos como Roberto Meyer, Hani
Rashid, Ricardo Scofidio, Thom Mayne y
Hernán Díaz Alonso, con quien inauguró su
sección de entrevistas. Este arquitecto con
estudios en artes electrónicas es el director de
Taller Paralelo, actualmente está a cargo del
diseño para el centro creativo TEXTURA y es
crítico visitante de las universidades de SCI –
Arc en Los Ángeles, y Upenn en Pensilvania. El
año pasado organizó La Feria del Millón donde
los bogotanos pudieron comprar obras de arte
por menos de un millón de pesos.
MARÍA CAMILA PEÑA
www.camilapenajournalist.com
Periodista, viajera y amante del océano.
Comenzó como reportera en el diario El
Espectador en 2007, y desde entonces ha
colaborado para diferentes publicaciones. Le
interesa los temas que tienen que ver con el
medio ambiente, la arquitectura, los viajes, la
historia y las realidades humanas. En la actuali-
dad es bloguera del Espectador.com con Ligera
de Equipaje, un blog sobre viajes, y periodista
independiente.
VICTORIA HOLGUÍN
@victoriaholguin
Fotógrafa de Cali radicada en Bogotá, enam-
orada de la luz natural y los detalles. Siempre
busca contar historias sobre cada momento y
situación que vive.
MARTIN DE THURAH
www.academyfilms.com/martin-de-thurah
Martin es oriundo de Dinamarca, donde se
graduó en laNational Film School, en 2007.
Dirigió el corto de 25 minutos We who stayed
behind y el 45min Young man Falling, que fue
seleccionado para la Critics Week en Cannes.
Su comercial para IKEA ganó el premio a mejor
dirección en los Creative Circle Awards en 2008
y ha ganado varios premios incluyendo mejor
director en los MVA de 2009 y un D&AD pencil
por su video para Will Young.
Ha dirigido recientemente 2 promos para James
Blake y ha colaborado con la marca de moda
BLK DNM en un cortometraje. Más allá de los
elogios lo que permanece en su mente sin em-
bargo, es su lenguaje visual, que es diferente a
cualquier otro. Sus imagenes son alarmantes
y poéticas sin importar si hacen parte de una
película, un video musical o un comercial.
Martin de Thurah fue uno de los invitados
internacionales al evento de Fotográfica 2009
organizado por Fotomuseo.
BENJAMIN SOLOMON
www.benjaminsolomon.contently.com
Benjamin Solomon es un escritor y experto en
cultura pop que actualmente vive y trabaja en
Nueva York. Editor por largo tiempo de la New
York Gay Guide de Next Magazine, también ha
hecho contribuciones para VanityFair.com, New
York, Out Magazine, Logo TV.com, Miami Her-
ald, Time Out New York, Sherman’s Travel y ha
hecho apariciones en Biography Channel, East
Village Radio and in Wallpaper magazine.
GABRIELA DEL VALLE
@gavdelvalle
Licenciada en Relaciones Internacionales
por la Universidad Francisco Marroquín en
Guatemala con un posgrado en Gerencia y
Gestión Cultural por la Universidad Del Rosario
en Bogotá, Colombia, donde vivió durante dos
años y se enamoró de la locura artística y cul-
tural del país. En Bogotá ejerció como Gestora
Cultural Independiente para varias Muestras
de Cine y trabajó gestionando fondos para el
XII International Conference on Arts & Cultural
Management -AIMAC-. Actualmente viven en
Guatemala, es Gestora Cultural independiente,
promotora y coordinadora de proyectos cultura-
les en Guatemala, Colombia y Latinoamérica.
Viajera empedernida, promotora cultural y
amante del arte. Con experiencia en coop-
eración internacional, género & cultura. Cursi,
soñadora y camaleónica de oficios con ganas
de todo al mismo tiempo.
SUSANA CHENG
@thefoodsmuggler
Susana es una investigadora cultural que
piensa creativamente acerca de las culturas vi-
suales, la música, el cine, el arte y la moda con-
temporánea; la filosofía del lenguaje es el telón
de fondo de su experiencia como escritora. Su
objetivo es pensar estratégicamente acerca
de la comunicación de las manifestaciones
culturales de manera creativa. Tiene experien-
cia previa en traducción, revisión y corrección
de textos y en el campo editorial, además es
investigadora de contenido e imagen para cura-
durías inter-textuales (imágenes, video, sonido,
fotografía, texto). Actualmente trabaja con el
proyecto ATOM.
EXCLAMA
COLABORADORES ED. 26

EXCLAMA|Número26
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#CREANDO
Jeremy Wintrebert es un artista parisino criado en África y formado en Estados
Unidos, quien ha optado por utilizar el vidrio como el material principal en
sus creaciones artísticas. Entre las piezas que fabrica se encuentran las
lámparas Clouds, creaciones minimalistas de apariencia intensa y encanto
evidente. Estas lámparas son diseñadas por sus propios pulmones, pues la
figura y el estilo que estas adquieren depende de cómo se sople el material,
técnica que Jeremy aprendió de los maestros sopladores de vidrio en Murano,
Italia. Aunque a simple vista estas lámparas aparentan una delicada textura,
en realidad son sólidas, pesadas y no hay que tomarlas a la ligera por su
apariencia etérea, gracias a la cual parece que flotaran en el aire.
CLOUDS DE JEREMY
WINTREBERT
Arte~CloudsdeJeremyWintrebert
Foto por Eugenio Carabba

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#CREANDO
La próxima versión de la Feria del Millón contará con la presencia de la obra Hogar
dulce, dulce hogar del artista bogotano Pablo Adarme. Las piezas son reproducciones
de casas populares de Bogotá en forma de pasteles ficticios. Estas maquetas de
repostería cubiertas con pintura acrílica, hacen una reflexión de cómo la arquitectura
en una comunidad específica es un mecanismo de distinción social. Adarme, quien
concluyó este proyecto este año, le dio vida en el 2002. En principio, el proyecto
comenzó con fotografías de alguna de las fachadas de la comunidad; sin embargo,
este adquirió, también, un diseño de maquetas pasteleras.
HOGAR DULCE,
DULCE HOGAR
LABORES DE AMOR CASAPASTEL. Pintura acrílica sobre madeflex de 12 x 22 x 17cm, 1 bandeja
de plástico de 36 cm de diámetro y 1 fotografía a color sobre papel de 9 x 13 cm. 2001 – 06.
Arte~Hogardulce,Dulcehogar

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#CREANDO
OUTROSPECTION;
THE BODY AND MIND
Es posible hacer arte a partir de la moda. El trabajo del artista colombiano Daniel Ramos, no se puede encasillar en una sola categoría,
pues está determinado por una serie de conceptos que encierran cada una de sus creaciones. La exploración del cuerpo es la principal
inspiración de este proyecto que se logra plasmar a través de piezas creadas en porcelana que evocan y transmiten sensaciones inevitables.
Cada objeto está ensamblado con apliques de oro que hacen resaltar colores monocromáticos y formas minimalistas que convierten a estas
piezas en objetos únicos, limpios y perfectamente creados. Estas esculturas hacen posible que el arte se pueda utilizar como accesorio,
logrando trascender en un significado del objeto como pieza de moda que hace referencia a lo sensible y a la experiencia.
Modelo: Lukasz Przytarski. Fotografo: Jorge Perez Ortiz.
www.cargocollective.com/danielramoso
Diseño-Arte~Ourospection;Thebodyandthemind

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#CREANDO
SOUND SCULPTURE
En el contexto en que vivimos actualmente, la música y la
forma en que nos acercamos a ella se ha transformado.
Los medios físicos no tiene la misma fuerza que antes y lo
digital se ha tomado la delantera. Arthur Kenzo refleja esta
idea a través del Sound Sculpture, una pieza que captura
las ondas de sonido en una escultura visual. Tres formas
distintas creadas en metal y cubiertas en cristal, cada una
inspira sensaciones que varían entre la agresividad y la
pasividad. Una escultura impecable que hace físico aquello
que no podemos ver.
Diseño~Soundsculpture
Foto por cortesía Eugenio Carabba

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PANONO
Lanza la bola al aire y tendrás muchas imágenes que se ensamblaran formando una sola con
una cobertura de 360 grados. Panono es una esfera del tamaño de una bola de softball que
cuenta con 36 cámaras de 3 megapixeles cada una, cubiertas por una capa de gomaespuma
que las protege y un acelerómetro que calcula cuando la bola llega a su punto máximo de altura,
momento en que se activan sus cámaras capturando una fotografía panorámica de 360 grados
de 108 megapixeles. Panono convierte automáticamente la toma en una imagen animada en la
que se puede navegar a través de una aplicación o con el control remoto que la acompaña, con el
cual también es posible accionarla.
La última versión y la que estará a la venta a finales de este año, estará hecha de un plástico
fuerte como el que utiliza la Go Pro y tendrá un costo que oscilará entre los 500 y 600 dólares.
Innovación~Ponono
Foto por Jonas Pfeil

SARTORIAL
CARLOS NIETO
01. Bar/Jardín
02. Zona de Asesoría
03. Zona de Trabajo
04. Zona de Prueba
ESPECIAL SARTORIAL CARLOS NIETO por EXCLAMA
Carlos Eduardo lleva 11 años con Carlos Nieto
como asesor de imagen. Este arquitecto de
profesión afirma que “Antes era un arquitecto
de planta, ahora soy un arquitecto del cuerpo”.
Cuenta que Sartorial empezó con él y se abrió
con su llegada de Alemania, donde se encon-
traba en ese entonces: “Lo primero que se hizo
fue el desarrollo de los probadores, después
vino el programa -traído de Italia-. Luego el
montaje del equipo de trabajo, muy diferente
al equipo de producción de todas las otras
tiendas Carlos Nieto.
¿Qué tipo de experiencia tiene el cliente
Carlos Nieto en Sartorial?
Hay una química especial desde el momento
en que el cliente llega y se empieza la asesoría.
Yo le vendo un intangible, una ilusión. Después
de desarrollar toda la asesoría el cliente sale
de la tienda con un sobre, no con paquetes de
compras como lo haría en una tienda normal.
La experiencia que recibe el cliente se basa en
el conocimiento, la confianza y los espacios.
Eso se le imprime al cliente y es definitivo.
¿Por qué hacerse una asesoría en Sartorial?
Uno, porque es importante tener un traje hecho
exactamente a la conformación anatómica.
Dos, porque un atuendo influye mucho en que
la imagen aporte confianza a sí mismo y le da
confianza a su entorno. Porque si no se ésta
bien vestido, uno transmite eso.
Espacios
El interesante recorrido que hace el cliente
en los espacios de Sartorial al cumplir la
cita de asesoría de imagen, hace de la
experiencia de adquirir un vestido a la
medida algo especial. Desde un desayuno
en el jardín, a un té caliente en la sala de
asesoría,hasta un trago por la tarde, Sar-
torial hace que el cliente sienta lo especial
y distinto que es el proceso.
Sartorial es el nombre de la tienda Carlos Nieto que cuenta con una
propuesta diferente para aquellos que buscan un traje exclusivo, hecho
a la medida, con materiales de la más alta calidad y la más detallada
asesoría al cliente. EXCLAMA estuvo con Carlos Eduardo Martínez,
asesor de imagen de Sartorial, que como anfitrión y guía de ésta inte-
resante experiencia, nos llevo por el proceso de creación de un vestido
Sartorial Carlos Nieto.
La visita y el proceso
El proceso de hacerse un vestido a la medida en Sartorial Carlos Nieto
es sin duda una experiencia única. El interesado debe hace cita previa
(puesto que solo se reciben 4 citas diarias) para hacer la asesoría de
imagen que conlleva al desarrollo del vestido.
La experiencia comienza con la bienvenida en la sala de espera que
incluye un bar donde el cliente puede ponerse cómodo y refrescarse
con una bebida, luego se le invita a pasar a la Sala de asesoría, en
dónde se presenta el asesor de imagen quien lo apoyará en el proceso
y hará el trabajo de investigación: una charla en la que se indagan los
gustos, el entorno del cliente y la ocasión para cual busca la prenda.
Los siguientes espacios son la zona de prueba y la zona de trabajo.
En la zona de prueba se hace la toma de medidas y la conformación
anatómica del cliente. Estos datos se utilizan para desarrollar las fichas
técnicas de cada prenda, proceso que se lleva a cabo entre el cliente
y el asesor de imagen, quien sugiere sobre la selección de materiales,
cortes, detalles etc.
Toda la información recogida se va ingresando en el programa que
utiliza Sartorial llamado Amadeus del Corte. Este procesa en su siste-
ma los datos recopilados sobre el cliente durante diez horas. Una vez
procesada la información, ésta es enviada al sastre de Sartorial, quien
recibe los moldes a través de un plotter que corta el paño. El sastre
hace el corte y manda la prueba. Una semana después el cliente
vuelve para una prueba de 10 minutos donde se ajustan detalles.
¿El resultado? Un vestido único, hecho a la medida y al gusto del
cliente, bajo la calidad Sartorial Carlos Nieto.
Sar-to-ri-al / adjetivo / relativo al vestido, al
sastre, a prendas hechas a la medida.
01. 02.
03. 04.
Carlos Eduardo Martínez,
asesor de imagen de Sartorial.
Fotografía por Victoria Holguín

Paños
Sartorial ordena exactamente la cantidad de
paño que se va a usar por vestido. Por lo
tanto, no hay existencia de los paños en la
tienda y cada paño es exclusivo. Son paños
ingleses, españoles, italianos e irlandeses
de lo mejor del mundo con alto gramaje y
características especiales. Paños inteligentes
que no se arrugan, una base en teflón que
repele los líquidos y hace que resbalen,
tejidos que se adaptan a la temperatura ya
sea recogiéndose o abriéndose. Además,
cuentan con una línea de Celebración: paños
con mas brillo para trajes algo más osados y
con sello distintivo.
Paños disponibles bajo orden: Vitale
Barberis, Thomas O Hillby (chivo), Holland
& Sherry, Dormeuil, Escavel, Lanitex,
Ermenegildo Zegna
Guayabera
Para ocasiones de clima cálido, Sartorial
lo asesora en el diseño y crea guayaberas
a la medida para ceremonia y ocasiones
especiales.
Traje Ceremonia
El fuerte de Sartorial son los vestidos
para ceremonia y bodas, ocasión para la
cual la mayoría de clientes de Sartorial
buscan el servicio. El traje del novio seria
es una excelente oportunidad para realizar
una asesoría de imagen, bajo la cual se
obtendría una prenda única y exclusiva,
con los mejores materiales.
Accesorios
Para resaltar la elegancia del vestido y el
estilo del cliente, Sartorial también ofrece
accesorios. En las salas de asesoría y trabajo
se exhibe una moderna y elegante línea de
zapatos españoles de corbata negra, noche,
y ceremonia para complementar los trajes
hechos a la medida. Entre los accesorios
también es posible encontrar corbatas, corba-
tines, mancornas, pisa-corbatas y pañuelos.
ESPECIAL SARTORIAL CARLOS NIETO por EXCLAMA
www.carlosnieto.co

EXCLAMA|Número26
18
#CREANDO
Arte~Laarqueologíadeltiempo
LA ARQUEOLOGÍA
DEL TIEMPO
Escrito por Gabriela del Valle
Foto por Andrés Asturias
Franco Arocha, un joven artista
centroamericano, habla sobre
su forma de trascender en el
arte contemporáneo a través de
la espátula y la pintura.
¿Cómo describes tu obra?
Mi técnica es la pintura. Recolecto capas
de pintura a través del tiempo, pintura caída
de las paredes de la ciudad de Guatema-
la. Es la acción de realizar un registro y
recuperación de lo que ya hizo alguien con
la pintura, es una composición artística. Re-
colectar pintura para mí es el mismo gesto
que usarla para pintar.
¿Cómo te inicias en el arte?
Con las colecciones de mi familia: la filatelia
de mi abuelo, las miniaturas de mi abuela.
Coleccionar es arte y desde entonces lo
encontré.
¿Qué ha sido el arte en tu vida?
Todo y nada. A lo que me dedico, lo que
me tranquiliza. El arte, sin el medio, es casi
todo, por desgracia, después del arte es
muy difícil encontrar otra cosa en qué inte-
resarse, casi todo lo termino encausando
hacia lo mismo.
¿En qué momento nació tu interés por
las artes visuales?
Siempre lo tuve. Se concretó cuando tra-
bajaba diseñando vitrinas para una tienda
de ropa para hombre. Para entonces me
interesaba el diseño, pero esto me alejó de
la ropa por completo. No era arte específi-
“Busco pintura que se caiga de paredes,
camino con espátula en mano”. Él es
Franco Arocha y esa es su particular
manera de andar por el mundo.
Guatemalteco de 22 años, apasionado
de las lascas caídas de las paredes y
pintor de la arqueología del tiempo.
camente, pero el reto de ser constante-
mente creativo nació y permaneció desde
entonces. La pintura lo puede todo y eso
jode a las mentes, y joder las mentes es
importantísimo.
¿En qué momento empiezas a interesarte
en la recolección del proceso arqueológi-
co de la pintura?
Fue en mi casa. Se caía la pintura después
de terminada la temporada de lluvia y no
quise desecharla, la guardé. Al inicio sólo
coleccionaba los trozos de pared en cajas.
Un día los usé y no pude parar; la posibili-
dad de construir es exquisita.
¿En qué te inspiras para la creación de
tus obras?
En la gente y por consiguiente en su ciudad.
En todo el que ha pintado, rayado o escrito
en una pared, algo que la historia dice se ha
hecho desde siempre. Pintar la casa, elegir
el color de tu habitación, los murales; todas
son expresiones y gestos creativos que
pasan desapercibidos en la cotidianidad.
Hay que evidenciar estos gestos que están
llenos de su propia poesía y belleza.
Los colores también son muy propios: en
ciudad de Guatemala existen tonos que
serían inimaginables para otras ciudades,
eso tiene su belleza y su importancia. Las
posibilidades son infinitas. Si hablamos de
colores, de razones para pintar una pared,
de lo escrito en las paredes, entonces todo
hecho pictórico es evidencia.
¿Cómo llegas al lenguaje de la abstra-
cción?
No me interesa la abstracción, me interesa
transcribir este tipo de pintura al arte.

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EXCLAMA|Número26
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#CREANDO
¿Por qué la arqueología y la pintura?
La arqueología supone el análisis de la
cultura material de civilizaciones pasadas,
la pintura es un hecho cultural. Unir estos
dos temas supone estudiar los restos de
pintura y de ahí partir a conclusiones de la
cultura actual.
¿Trabajas por series temáticas?
Sí. Encuentro la razón de hacer una serie
cuando comienzo una nueva etapa de
recolectar las lascas de pintura, tal vez
porque cambia el clima o porque cambia la
hora en que la recolecto.
¿Cuál es tu método de trabajo?
Busco pintura que se caiga de paredes,
camino con espátula en mano. He tenido
colaboraciones con pintores, que algunas
veces me han recolectado pintura que
ellos limpian antes de pintar. Elijo las las-
cas que tengan similitudes, ya sea porque
eran de la misma zona o porque las casas
se parecen, cualquier razón es válida
mientras sea instintiva.
¿Qué significa para ti construir obras
sin una brocha en mano?
Más posibilidades.
¿Por qué Colombia estaría interesada
en tus obras?
Porque la pintura se desprende de las
paredes en todos lados. Aunque seamos
completamente distintos, encontramos las
mismas posibilidades en varios lugares,
en diferentes contextos, formas y matices.
Lo que quiero es empatía, encontrar
un lenguaje universal. Quisiera pensar
que después de ver mi trabajo, cuando
la gente observe pintura en las paredes
reconozca una posibilidad; esta es mi
interpretación en el arte contemporáneo.
¿Qué contribución puede hacer el arte
centroamericano a Colombia?
Todo y viceversa. El arte debería tener
un dialogo constante, abierto. Encontrar
un lenguaje universal y reconocer que la
pintura aún nos rodea, que el arte está allí,
muy cerca de nosotros en todos lados. De-
finitivamente el arte sigue sensibilizando y
es lo bello de la contemporaneidad.

EXCLAMA|Número26
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EXCLAMA|Número26
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CINCO ARTISTAS COLOMBIANOS
MILLER LAGOS, JAIME ÁVILA, JUAN FERNANDO HERRÁN, JESSICA ÁNGEL Y ADRIANA MARTÍNEZ. PARA
ESTA EDICIÓN, TAN CERCANAA UNA ÉPOCA DEL AÑO EN LA QUE LA CAPITAL RESPIRAARTE, HEMOS
ESCOGIDO PRESENTAR A CINCO ARTISTAS NACIONALES DE EDADES DIFERENTES CON ÓPTICAS,
TRAYECTORIAS Y VISIONES DEL ARTE BASTANTE DIVERSAS. CINCO APROXIMACIONES A LA REALIDAD
DESDE MÉTODOS Y TÉCNICAS QUE PUEDEN PARECER DISTANTES, PERO QUE TERMINAN CONECTÁNDOSE
DE ALGUNA U OTRA MANERA DESDE LA MALEABILIDAD DEL PENSAMIENTO PLÁSTICO.
5

5~ArtistascolombianosEXCLAMA|Número26
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EXCLAMA|Número26
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Adriana Martínez
CON TAN SOLO 26 AÑOS Y EXPOSICIONES COMO ARTECAMARA EN ARTBO, CASA
DE LAS AMÉRICAS DE LA HABANA Y EL MUSEO DE LA TERTULIA EN 2013, ADRIANA
MARTÍNEZ SE POSTULA COMO UNA DE LAS PROMESAS DEL ARTE COLOMBIANO.
GANADORA DE LA BECA DE TUTORÍA ARTÍSTICA CONSCAR/FLORA, ES COFUNDADORA,
DIRECTORA Y MIEMBRO DEL COMITÉ CURATORIAL DE M I A M I, FORMÓ PARTE DE LA
MESA DE COMPETITIVIDAD DE ARTES PLÁSTICAS DEL MINISTERIO DE CULTURA DE
COLOMBIA Y ES COFUNDADORA DE LA GALERÍA CARNE.
¿En torno a qué temáticas gira la
realización de su obra ?
Me interesa pensar en las cosas cotidianas
que me gusta hacer o me llaman la atención,
y tratar de encontrar en esos contextos y
decisiones síntomas de arte.
Me baso en los contextos y problemas
con los que me encuentro todos los días,
una excusa particular de producción: una
convocatoria, una residencia, un ejercicio
de clase, una invitación a exponer o un viaje
constituyen el punto de partida y el concepto
mismo de mis obras.
Cómo espectador, sin hacer a un lado su
carácter de artista ¿Qué características
deben tener, en su criterio, las obras de
otros para que llamen su atención, le
gusten o lo inspiren?
Yo diría que Ana Maria Millan, Paulo Licona,
Juan Obando, Santiago Pinyol, Mariana
Murcia, Maria Isabel Rueda y Juan Peláez
son los artistas que están haciendo los
cambios más radicales en el contexto local.
Ellos entienden que el arte contemporáneo
no es únicamente la producción plástica y
por eso trabajan en un campo más grande,
en proyectos de circulación, visibilización,
educación y comercialización de arte,
haciendo todo desde un punto de vista muy
crítico.
Por ejemplo, cuando Licona hace un skate
park en un museo o Mariana Murcia y
Santiago Pinyol crean una Escuela de garaje
de arte no es su propia producción, no es
como un cuadro suyo con su firma, es crear
una escena. Con prácticas así, ellos están
impactando al público y revolucionando el
mundo del arte desde sus fundamentos. Sin
duda serán un referente cuando se revise la
historia del arte colombiano de este tiempo.
En cuanto a la exploración de nuevas
técnicas ¿Qué le interesa, o le interesaría,
traer a su obra (nuevos medios,
posibilidades, tecnologías)?
La técnica es en mi obra algo que resulta
después de muchas cosas; me interesa
que sea evidente que cualquier objeto,
material o medio de comunicación es un
elemento de trabajo y también un punto
de partida. Cada vez hay más y más
posibilidades de comunicación, más formas
de decir las cosas. Por ejemplo llaman mi
atención obras como A Bird Without a Song
de Juan Obando, en la que se animan
fotos de perfiles de usuarios de Tinder de
Chapinero, cantando la balada romántica
Nothing Compares To You original de Prince,
reinterpretada por Sinead O`Connor.
¿Qué viene en su obra a futuro? ¿En que
está trabajando?
Ahora tengo toda mi atención enfocada en
la beca de tutoría artística Conscar/ Flora
con Humberto Junca en Flora Ars Natura,
el espacio de José Roca. Para esto trabajo
con billetes, banderas y monumentos como
punto de partida. De los billetes me interesan
los colores de los de Centro América y
Suramérica; de las banderas me interesan
las que tienen estrellas como Alaska y Japón
y de los monumentos la idea de peregrinaje.
El proyecto está en proceso pero me alegra
muchísimo tener alguien con quien hablar
y discutir mi trabajo fuera de un sistema de
calificación o comercialización, me parece
un lujo.
5~Artistascolombianos
Foto por Andrea Swars

26

EXCLAMA|Número26
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Jaime Ávila
NACIDO EN UN PUEBLO MUY PEQUEÑO DE BOYACÁ, JAIME ÁVILA SIEMPRE HA REITERADO
EL HECHO DE QUE, SIN IMPORTAR CUANTO TIEMPO PASE, EL CONTINUARÁ SIENDO UN
TURISTA SEA EL LUGAR DONDE SE ENCUENTRE Y SIEMPRE, POR MÁS QUE GUSTE DE UNO U
OTRO LUGAR, TERMINA SINTIENDO LA NECESIDAD DE VOLVER AL PUNTO DE PARTIDA.
SUS PROYECTOS, SUS TEMÁTICAS, SON CÍCLICAS; VUELVE A ELLOS UNA Y OTRA VEZ
PERO DESDE OTRAS ÓPTICAS. NUNCA PIENSA DEMASIADO EN LA TÉCNICA PUES ESTA VA,
SIMPLEMENTE, APARECIENDO SEGÚN LAS NECESIDADES QUE LE ARROJA EL PROCESO DE
ESCULPIR LA IDEA EN SU CABEZA, UNA SÍNTESIS CONCEPTUAL QUE TERMINA TORNÁNDOSE
PLÁSTICA A TRAVÉS DE DIBUJOS, ESCRITOS, FOTOS… EN POCAS PALABRAS DE LA
EXPERIMENTACIÓN CON EL MATERIAL.
LO INSPIRAN NUEVA YORK, AUNQUE ALGUNA VEZ LO ABURRIÓ, OSLO Y SUS GLACIARES,
BERLÍN QUE NO ES LUJOSA PERO ES PODEROSA Y GENUINA, RESPETUOSA POR TODO,
MEDELLÍN Y ANTE TODO BOGOTÁ.
¿En torno a qué temáticas gira la
realización de su obra ?
Yo siempre he pensado que mi trabajo es
el paisaje. Yo vengo de provincia y cuando
llegué a Bogotá me sentí como un turista,
aunque generalmente sentía que Bogotá me
sorprendía. El tiempo transcurrió -pasaron
diez años, veinte años, viviendo en Bogotá- y
yo siempre me sentí un turista. Es la misma
relación que siento cuando voy a una ciudad
nueva o llego a otro lugar. Siempre miro la
gente, miro el espacio y miro el paisaje desde
la posición de alguien que no pertenece a
ese lugar, entonces me sorprenden las cosas
que hay.
Muchos de mis proyectos han girado en torno
a la arquitectura urbana y al habitante en
general. No lo hago desde un punto de vista
político y sociológico, sino desde el impacto
que me ha creado como persona que no
nació en esta ciudad.
No tengo parámetros para que algo me
guste. De las cosas que a mi me encantan
del arte una es la capacidad de síntesis o
la capacidad de sorprender cuando se ha
dicho algo muchas veces; ese juego que es
como de niños, como cuando uno jugaba de
pequeño y se sorprendía por cosas triviales.
Por ejemplo: Yo con dos piedras puedo hacer
algo maravilloso, o con una sola piedra; o
de pronto tu haces algo maravilloso con
muchas piedras, o hacer algo muy banal
con algo muy complejo. Ese tipo de juegos
visuales y de percepción son los que yo
admiro muchísimo en los otros artistas y, en
general, del arte: esa capacidad del cerebro
para generar en un momento de la historia
una idea que, tal vez, se ha hecho ya muchas
veces, pero que se presenta de otra manera.
traer a su obra (nuevos medios,
posibilidades, tecnologías)?
A mi la tecnología me parece lo más
fantástico que hay. Realmente cada momento
de la historia tiene su nivel tecnológico. Lo
que me parece osado del arte es que puede
volver tecnológica la artesanía más trivial.
Esa capacidad que tiene el arte de volver
la tecnología, por ejemplo, un medio virtual
en algo tan simple y elemental o de volver
algo simple y elemental en una imagen
contemporánea compleja es, realmente, algo
muy interesante.
De la misma manera que cuando se iniciaron
los primeros grafismos en una cueva,
usando una piedra, ahora se puede usar
la tecnología para crear cualquier tipo de
sensibilidad visual. Realmente yo creo que
la tecnología la usaría como una artesanía
tecnológica. A veces yo utilizo cosas muy
tecnológicas en mi trabajo y las utilizo de una
manera demasiado elemental. ‘
Hay una parte visual, de comunicación a
nivel global o para llevar la información
a otro lado, que es muy inteligente de la
contemporaneidad. Que uno pueda ser visto
por otras formas de pensar, en otros lugares
diferentes a partir del uso de cierta tecnología
es súper importante, por que la comunicación
del arte es una de sus finalidades: tener
contacto con alguien que esté viendo.
está trabajando?
En mi trabajo siempre he sido cíclico.
Me he devuelto, he retomado cosas que
he realizado. Cuando estudiaba en la
universidad aprendí cosas, pero cuando
estaba trabajando independientemente
a veces volvía y hacia cosas que hacía
en el colegio, cuando aún no había
aprendido nada, ni sabía que era el arte
contemporáneo. Ahora, añoro muchísimo
esa espontaneidad, el espacio libre que tenía
cuando no tenía tecnología. A veces hago
el ejercicio de no pensar en la tecnología,
sino de hacer manualmente: hacer cosas
libres con el espacio, con el trabajo y la
laboriosidad.
A futuro tengo proyectos que se me
han quedado pendientes por la falta de
conciencia, por la misma tecnología. Al año
yo participaba como en veinte exposiciones,
en los salones nacionales, en la Bienal
de Arte, en los Salones de Arte Joven;
participaba en cuanta cosa había. En esta
época tengo tres exposiciones en el año,
cuatro exposiciones en el año y ya eso lo
siento suficiente. Uno se va volviendo más y
más exacto, más pendiente de un proyecto.
Muchos de lo que estoy realizando ahora son
cosas que propuse en algún momento pero
de alguna otra manera, en otro tiempo. Por
ejemplo, el proyecto de Paisajes de polvo,
una especie de vistas aéreas, lo hice en el 94
para una exposición que se llamaba No toque
la mercancía; y después de doce años lo
retomé para un proyecto grande. Son cosas
que uno hace y marcan el trabajo: tiempos
atrás, tiempos adelante vistos de otra forma,
pero que en el fondo siguen siendo lo mismo
porque uno sigue siendo el mismo.
Foto por Andrea Swars

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EXCLAMA|Número26
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Juan Fernando Herrán
EL ESTUDIO DE JUAN FERNANDO HERRÁN ES DE UNA PULCRITUD ÚNICA. AMPLIO
Y BIEN ILUMINADO, SU ORGANIZADA DISPOSICIÓN DA LUCES ACERCA DE LA
CUIDADOSA ESTRUCTURA DE TRABAJO DE ESTE ARTISTA.
SUS TEMÁTICAS SON DIVERSAS Y VAN LIGADAS TANTO A LO NATURAL COMO A LO
SOCIAL Y LO POLÍTICO. METICULOSO Y CUIDADOSO EN CADA UNO DE SUS PROCESOS,
HERRÁN AFIRMA: “ME GUSTA QUE LAS OBRAS TENGAN VARIOS NIVELES DE LECTURA.
ESTO, TAL VEZ, APARECE POR ESE MÉTODO QUE ES QUE YO LEO MUCHO. ANTES DE
HACER YO ME DEMORO MUCHO LEYENDO, INVESTIGANDO, HACIENDO DIBUJOS.
DESPUÉS YA ENCUENTRO COSAS QUE PIENSO QUE VALE LA PENA HACER.”
traer a su obra (nuevos medios, posibili-
dades, tecnologías)?
He mantenido una producción muy activa
principalmente con escultura, fotografía, algo
de video. Me interesa entender el arte de
una manera amplia, donde los medios son
realmente una respuesta a necesidades y de
acuerdo a los proyectos los utilizo.
¿En torno a qué temáticas gira la rea-
lización de su obra ?
Siempre me ha gustado variar las temáticas
que desarrollo, aunque hay muchos vínculos
estrechos entre unas y otras. Uno como
artista tiene inquietudes, sensibilidades y una
manera de relacionarse con el mundo muy
propias, eso crea una base que lo pone a uno
en distintas situaciones que se relacionan.
Al principio había un trabajo muy consiente
con la naturaleza, con la noción de paisaje,
una comparación entre la noción del ser
humano dentro de un contexto dado, pregun-
tas que relativizaban el posicionamiento del
hombre en su contexto, no como superior,
sino tratando de volverlo más horizontal. Hay
una serie de piezas que trabajan sobre esa
plataforma. En un principio, yo trabajaba en
términos escultóricos buscando la transfor-
mación material, esa que le daba sentido y
significado a la pieza. Es lo que sucede, por
ejemplo, con la corona de espinas, hecha
en materiales naturales. Esa pieza muy tem-
prana tiene un contenido político muy fuerte,
el mismo que va a aparecer de distintas
maneras a lo largo de mi carrera.
A finales de los noventa el contenido se
vuelve más político con obras como Anexo
273, sobre la entrega del dinero del narcotrá-
fico a la campaña de Samper Presidente, el
proyecto de Papaver Somniferum, que tiene
todo un lado de naturaleza, de visión hacia la
planta, pero también tiene todo el elemento
problemático de nuestro contexto y como
esa categorización de la planta de amapola
nos lleva a la lucha contra las drogas y a
todo este problema judicial del que la cultiva.
Luego hice Campo santo, que articula la
noción de memoria histórica con el paisaje.
Esta se produce casi simultáneamente con
Campos de visión, sobre las aeronaves de la
fuerza aérea que llevaban a cabo las distintas
operaciones de la lucha contra la insurgencia,
contra el narcotráfico.
Después empecé una serie de fotografías
que fueron dando pie a la serie Escalas:
fotografías en las comunas de Medellín,
interesadas en ver como en ese segmento de
la sociedad se dan unos procesos construc-
tivos que terminan definiendo los lugares
donde viven, la materialidad con la que viven,
las nociones de progreso y de inclusión.
Después hice Espina dorsal y Progresión,
compuestos por piezas escultóricas en made-
ra. En el 2012, hago Posición Horizontal:
una cama que es la intersección de muchas
camas provenientes de distintas clases socia-
les, con sus materialidades y su espacialidad.
En esas obras hay un cuestionamiento sobre
el espacio vital de la persona; reflexiones
sobre el espacio donde vive la gente, donde
se mueve y como las construcciones son una
respuesta directa a necesidades corporales.
Esos son proyectos que ven un aspecto más
social.
Algo que me llama la atención es ver en
los otros artistas cosas que yo obviamente
no podría hacer; eso me parece fascinante
porque es un pensamiento distinto. Por
ejemplo, Jaime Ávila siempre me ha parecido
que tiene un pensamiento maravilloso, muy
particular. Me parece fascinante encontrar en
las obras cosas que yo nunca hubiera podido
encontrar, porque me abren la visión y, creo,
que ese es en gran parte el valor de un artis-
ta; no es hacer lo correcto o lo que es lógico,
sino esa riqueza personal que hace que
aparezcan piezas espectaculares en términos
no solo estéticos, sino de pensamiento. Yo
busco eso. Yo necesito sentir detrás de la
forma, el pensamiento, la reflexión.
Asumo el arte como un espacio versátil,
flexible. El medio se decide cuando estoy
trabajando en los distintos temas. A veces
percibo que algo es fotográfico o que tiene
que ser en video o que es escultórico.
está trabajando?
Lo que voy a hacer es un trabajo fotográfico
con comunidades indígenas y su cultura
material; como el entorno, la producción
objetual y la producción arquitectónica tienen
unos cruces muy interesantes que pueden
ser alternativas para concebir una noción de
mundo. Una serie fotográfica que tiene algo
de etnográfico, pero que se va a centrar más
en la materialidad y la objetualidad. Voy a ir
a tres comunidades distintas en contextos
diferentes para sondear esas relaciones de
manera diversa: una tribu amazónica, una
en la guajira y otra en La Sierra Nevada.
Montaña, desierto, mar y amazonia.
Foto por Juan Pablo Valencia

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EXCLAMA|Número26
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Jessica Ángel
EL TRABAJO RECIENTE DE JESSICA ÁNGEL SE DESARROLLA EN FORMA DE INTERVENCIONES
PARA SITIOS ESPECÍFICOS, EXPLORANDO LA POSIBILIDAD DE CREAR ILUSIONES VISUALES
Y DE TRANSFORMAR LOS LUGARES CON EL USO DE LA PERSPECTIVA. ABORDA UNA
EXPERIENCIA NO TRADICIONAL DEL ESPACIO, TRANSFORMANDO LOS PROCESOS Y USOS DE
LOS MEDIOS TRADICIONALES. LA PINTURA MURAL, INTERVENCIONES DE DIBUJO A GRAN
ESCALA Y EL USO DEL COLLAGE SOBRE PAREDES, SON LAS HERRAMIENTA QUE ELLA UTILIZA
PARA CREAR EXPERIENCIAS INMERSIVAS QUE INVITAN AL ESPECTADOR A ACERCARSE A LA
IMAGINACIÓN Y A EXPERIMENTAR SENSACIONES NO CONVENCIONALES, PROPONIENDO UN
ENCUENTRO DESORIENTADOR CON LA REALIDAD.
LA MAYORÍA DE SUS INSTALACIONES REPRESENTAN PAISAJES FICTICIOS INSPIRADOS EN EL
MICRO-NIVEL DE LOS COMPUTADORES Y SU RELACIÓN CON EL URBANISMO. TRABAJANDO
CON LA PARADOJA ENTRE LOS MEDIOS TRADICIONALES Y LA IMAGEN DIGITAL, CON EL
PROPÓSITO DE EXPONER UNA ANALOGÍA ENTRE LO REAL Y LO VIRTUAL, JESSICA YUXTAPONE
ELEMENTOS CONTRARIOS; LO VASTO VS. LO DIMINUTO, EL BLANCO Y NEGRO FRENTE AL
COLOR, LAS LÍNEAS CURVAS DE LA GEOMETRÍA NO-EUCLIDIANA FRENTE A UNA PRECISA
RETÍCULA DE PIXELES, ENTRE OTROS.
¿En torno a qué temáticas gira la realiza-
ción de su obra ?
Mi trabajo gira en torno a la idea de la
información como constructor de la realidad,
como un espacio de absoluta libertad.
Paralelamente, mi investigación indaga los
principios del universo, las características de
la materia y la búsqueda de cómo la infor-
mación se encuentra relacionada con todo lo
que nos rodea, tanto físico como intelectual.
Estoy trabajando a partir de analogías como
“El átomo es al universo, como el código bi-
nario es al computador”. Estoy interesada en
la intersección entre arte, ciencia y filosofía.
El uso de la información a nivel global y la
existencia del Internet como un nuevo espa-
cio a conquistar se han convertido en el eje
central de mi obra. La era de la ciencia ficción
y el mito tecno-científico de la omnipresencia
industrial del hombre en el espacio han termi-
nado. Las ilusiones cósmicas, el sueño del
hombre por escapar y conquistar el universo,
se han visto mutados convirtiéndose en la
conquista de un espacio virtual igualmente
infinito y universal. Un espacio, una platafor-
ma donde (si se logra mantener libre) el arte,
la ciencia y la filosofía se verán prosperar tan
exponencialmente como la tecnología lo ha
hecho en los últimos años.
El arte que me interesa generalmente tiene
un carácter sensible. Utilizo la palabra sen-
sible desde la perspectiva de Gillez Deleuze
en su libro Lógica de la Sensación, donde la
sensación es experiencia y está radicada en
un cuerpo donde la figura se desfigura o se
transfigura en múltiples, donde las asocia-
ciones son infinitas y donde la obra propor-
ciona altos niveles de intensidad. Me inspiran
entonces los trabajos que tienen un efecto
inmediato en mi cuerpo y posteriormente en
mi mente.
Involucrar a la comunidad en mis proyectos
ha ganado importancia en mi trabajo y lo
puedo describir en dos categorías; Por un
lado, el desarrollo de estas instalaciones a
gran escala requiere esfuerzos de trabajo
extensos que estoy logrando con la ayuda
de voluntarios y pasantes quienes trabajan
bajo mi dirección. Hago de estos procesos
una experiencia enriquecedora para una gen-
eración de artistas más jóvenes. Por el otro
lado, estos espacios transformados los estoy
utilizando como un laboratorio para la colab-
oración e integración de distintas disciplinas.
Estoy invitando a personas de diversos
campos como la astrofísica, el diseño sonoro,
la animación interactiva, el performance,
entre otros, a que tomen parte en el proyecto
creando intervenciones directas sobre el
espacio, activando la instalación y abriendo
posibilidades de colaboración.
está trabajando?
Estoy actualmente trabajando en la elabora-
ción de maquetas para desarrollar un
proyecto en la Bienal de Vancouver 2014-
2015. Estaré participando como artista en
residencia elaborando un proyecto a gran
escala con ayuda de la comunidad durante
6 semanas. Este proyecto parte del estudio
de la población en Vancouver y los enclaves
sociales que caracterizan a la cuidad.
Estoy también desarrollando un proyecto
In-situ en Nueva York para enero de 2015
llamado Getting to Infinity curado por Jeanne
Bassile, que explorará la intersección entre
arte y ciencia.
Foto por Sean Campbell

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Miler Lagos
TRONCOS DE ARBOLES HECHOS DE PAPEL TALLADO, LIBROS APILADOS, SEMILLAS GERMINADAS
DE CEIBA, SERIGRAFÍAS DE DIBUJOS EN CARBONCILLO QUE REPRODUCEN LAS CUENCAS DE
LOS RÍOS DE MANERA TAL QUE AL VERLAS PARECIESEN LAS RAÍCES DE ARBOLES MILENARIOS.
LA OBRA DE MILLER LAGOS SE ENCAMINA HACÍA EL TRATAR DE COMPRENDER LA ESENCIA DE
LOS MATERIALES QUE CONSTRUYEN NUESTRO ENTORNO.
PREFIERE BOGOTÁ QUE CIUDADES COMO LONDRES, NUEVA YORK O BERLÍN, EN LAS QUE,
AUNQUE LE AGRADAN PREFIERE ESTAR ÚNICAMENTE TEMPORADAS. SU TALLER, UBICADO
EN ESTUDIOS LAS NIEVES, ESTÁ LLENO DE RESMAS DE PAPEL PERIÓDICO Y CUBIERTO POR EL
POLVILLO RESULTADO DE LAS TALLAS QUE ALLÍ SE REALIZAN. SUS RESPUESTAS TRANSMITEN
TRANQUILIDAD Y UN BUEN PORCENTAJE DE NATURALIDAD, ALGO QUE ES POSIBLE PERCIBIR
EN LA MANERA EN LA QUE PRESENTA SUS PIEZAS.
COMO ARTISTA, LAGOS BUSCA DESENTRAÑAR LA RELACIÓN ENTRE LA NATURALEZA Y NUESTRA
HUMANIDAD QUE LA HABITA. COMO ESPECTADOR, GUSTA DE LOS ARTISTAS DE GRAN CALIDAD
HUMANA QUE BUSCAN ENCONTRARSE CON LA NATURALEZA Y CON LA VIDA MISMA.
¿En torno a qué temáticas gira la realiza-
ción de su obra ?
Mi trabajo siempre ha estado ligado a la
escultura y al grabado, medios que me han
interesado constantemente, y a través de
los cuales he abordado reflexiones sobre la
identidad y la relación entre cultura y natu-
raleza desde nuestro contexto. Lo anterior
de alguna manera se ha convertido en una
búsqueda constante por tratar de entender la
naturaleza de los materiales con los que con-
struimos nuestro entorno, esa relación directa
con la fuente que, por alguna razón, termina
vinculándose con pensar en la naturaleza.
En lo personal me motivan los trabajos
de otros artistas que, de alguna manera,
me muestran un mundo diferente al que
siempre ha estado ahí, que me lo presentan
como algo nuevo a pesar de ser tan solo
la observación de eso que siempre nos ha
acompañado.
Los proyectos o trabajos que me dejen ver
otra posibilidad de apreciar la vida son los
que me resultan muy interesantes. En ese
sentido el que me sorprenda me llena de mo-
tivación. El que me sorprenda teniendo como
base cosas muy reales o muy consistentes,
no un comentario o una idea espontanea
que en realidad no está conectada con una
cantidad de elementos que no son visibles
pero que están ahí.
En Colombia, siempre me ha gustado lo que
hace Mateo López, muchas veces he encon-
trado inspiración en su trabajo. Humberto
Junca siempre me ha encantado, Beltrán
Obregón, entre muchos. Anish Kapoor en
sus orígenes, en sus principios, cuando man-
tenía una relación con su historia familiar, con
su pasado y tenía muchos elementos que
venían de un contexto real.
Yo nunca me he sentido virtuoso en nada; no
podría decir, por ejemplo, que soy un buen
escultor. En ese sentido siempre he acudido a
cualquier medio cuando siento la necesidad.
Cuando siento que hay un tema que merece
ser abordado desde la electrónica, si no se
como hacerlo busco asesoría de expertos
en el tema. Alguna vez hice un proyecto
colectivo con Camilo Martínez y Gabriel Zea,
el proyecto Clap, para el que se desarrolló
todo un sistema, una programación y toda la
tecnología desde cero. De alguna manera ahí
se usó. Siempre estoy abierto a la posibilidad
de involucrar tecnología en los proyectos,
aunque lo más visible de mi trabajo han sido
cosas que he realizado a través de técnicas
más tradicionales como la talla, el dibujo, la
fotografía e, incluso, el video. Digamos que
no siento limitación. Para mi es claro que no
domino todas las herramientas, pero es más
la idea la que genera las necesidades técni-
cas y en ese sentido estoy abierto a tener
que trabajar con cualquier disciplina.
está trabajando?
Curiosamente el haberme acercado a repre-
sentar arboles, a la idea de la naturaleza vista
desde como el papel le sirvió a la impresión
como soporte y vehículo en el tiempo, me ha
servido para aproximarme a tratar de entender
otros contextos naturales como la selva, las
ceibas y en general como funciona la natu-
raleza en sus condiciones más básicas. Es
así como después de pensar en los árboles,
he estado pensando mucho en el agua, en
esa idea prolongada del árbol como un solo
cuerpo con el agua.
El gran árbol de agua son dibujos que hice
pensando en esa huella del árbol en los
ríos, en como los ríos son una fuerza que va
generando la vida; dibujos que celebran pre-
cisamente la razón de muchos sistemas que
de alguna manera dependen del rio mismo.
Se trata de temas un poco místicos que
han estado siempre allí con la humanidad
pero que toco por una necesidad propia;
preguntas a las que nunca les puse atención
cuando niño o estudiante y que ahora trato
de responder porque tengo la libertad de
hacerlo, independiente de si estoy cayendo
en un lugar común o no.
Foto por Juan Pablo Valencia

TOM DIXON,
DISEÑO PARA LA
LONGEVIDAD
Escrito por Susana Cheng
Fotos Cortesía ATOM
La vida de este reconocido
diseñador, que comenzó como
bajista en una banda de rock,
ratifica que la genialidad de su
proceso se debe precisamente
a las incomparables experien-
cias y experimentaciones que
han trazado su particular perfil.
EXCLAMA|Número23
34
#ÉPICO
Diseño~TomDixondiseñoparalalongevidad

EXCLAMA|Número26
35
Es posible asegurar que en el 2014
estamos todavía conociendo el prin-
cipio de su carrera, y que aún después
de tanto tiempo Tom Dixon seguirá
dando mucho de qué hablar. Sin ser
ostentoso, pretencioso o aburrido, este
diseñador ha delineado un camino con
sus extraordinarios objetos, resultado
de 30 años de la más fascinante ex-
perimentación y absurda inspiración.
Han sido tres décadas creando piezas
que resaltan su capacidad de obse-
sionarse, inspirarse y aplicar técnicas
que en otras mentes podrían parecer
totalmente irrelevantes para este
campo. Su trayectoria ha sido tan poco
convencional como los productos de
su autoría.
Su origen, como el de todas sus
creaciones, tiene algo de inesperado.
Tom Dixon nació en Sfax, Túnez que
a pesar de ser la segunda ciudad más
grande de este país alberga a escasos
350,000 habitantes. Su vida dio un
giro a los 4 años cuando aterrizó por
primera vez en Londres. Después de
vivir toda su adolescencia en la capital
británica, dio inicio a sus andanzas en
el mundo creativo al comenzar una
carrera básica de Arte en el Chelsea
School of Art-, programa que terminó
abandonando por desarrollar otras
prácticas artísticas; entre las cuales
estuvieron tocar el bajo en una banda
y aprender el arte de la soldadura.
Como músico y como diseñador,
este particular hombre de fisionomía
monolítica admira profundamente a
los Sex Pistols por la sensación de
libertad que inculcaron a toda una
generación Británica. Afirma que ellos
abrieron la posibilidad de conquistar
el éxito a punta de un talento musical
casi nulo y del irrespeto total por cual-
quier tipo de norma; los Sex Pistols
fueron su licencia creativa. Siguiendo
Como músico y
como diseñador,
este particular
hombre de
fisionomía
monolítica admira
profundamente
a los Sex Pistols
por la sensación
de libertad que
inculcaron a toda
una generación
Británica.

EXCLAMA|Número26
36
#CREANDO
sus lineamientos, Dixon se convirtió en
un diseñador sin diploma, sin estudios, y
sin la necesidad de aprobación familiar:
‟las bandas, clubs y mobiliario con el que
me involucré estuvieron estrechamente
dirigidos por las lecciones en independen-
cia que me dejó mi carrera en la industria
musical”, asegura.
Con cualquier objeto llevaba a cabo un
proceso fundamentalmente informal: La
informalidad de la experimentación le daba
la libertad de producir lo que quisiera sin
justificación alguna, lo que desembocó en
una variedad de objetos que él mismo cali-
fica como feos o de los que se avergüenza;
sin embargo, todo su conocimiento sobre
equilibrio, creación de formas, producción
y ergonomía fue adquirido afuera de un
salón de clase y lejos de un profesor; es
precisamente a la constante práctica, las
fallas, las múltiples equivocaciones y a un
deseo inagotable de experimentación a lo
que él atribuye todo su aprendizaje.
Dixon ha creado piezas tan excéntricas
como sillas forradas en trajes de látex que
antes de su intervención jamás habían
tenido otro propósito que el netamente
sexual. Bajo sus estándares, no hay
pretextos cuando se trata de crear, y
aunque desconoce el por qué de algunos
de sus objetos, posee gran claridad sobre
sus fuentes de inspiración: sabe que sus
productos son la extraña metamorfosis
de su primer encuentro con una imagen,
sonido o situación.
Sus años de formación se basaron en el
acto puro de crear sin compromisos y sin
presiones propias, de la industria y mucho
menos de clientes; su destreza surgió de
su voluntad y de su pasión por producir
algo y de la fortuna de no tener prácti-
camente ningún obstáculo para poder
hacerlo. El hecho de utilizar materiales
que rescataba de diferentes lugares como
talleres o bodegas, le permitió experimen-
tar casi sin ningún costo, experimentar
como quisiera cualquier artista o científico:
obsesivamente y sin limitaciones.
Bajo sus estándares, no hay
pretextos cuando se trata de
crear, y aunque desconoce
el por qué de algunos de
sus objetos, posee gran
claridad sobre sus fuentes
de inspiración.

EXCLAMA|Número26
37
Al inicio de su carrera vendía sus produc-
tos a conocidos y por precios que hoy, de
acuerdo al reconocimiento que carga su
nombre, se podrían tildar de irrisorios. No
obstante, cabe resaltar que desde enton-
ces su trabajo ha evolucionado sin cesar.
El crecimiento de su marca comenzó
cuando creó Space, una especie de la-
boratorio de ideas para él y otros jóvenes
diseñadores de Londres. Luego, más
adelante en los 80’s, diseñó para
Cappellini, donde surgió, se concibió y
produjo la reconocida S-Chair. De ahí
pasó a Habitat (empresa perteneciente a
IKEA). Su frustración dentro de ese tipo
de industria ha sido otra de las muchas
etapas que lo han forjado como el autor
de un repertorio de artículos decorativos
y espacios donde la sensibilidad por los
materiales, la forma y la función son evi-
dentes a primera vista.
Para el Tom Dixon de hoy, las herramien-
tas tradicionales de un diseñador siguen
siendo la clave de su trabajo; pues a pesar
de apoyarse totalmente en la vanguardia
respecto a materiales y procesos, conser-
va un cierto nivel de romanticismo cuando
evalúa la tecnología sobre la que se
apoyan los diseñadores contemporáneos.
En su estudio las mediciones se llevan
a cabo de manera real y tangible, razón
por la cual abundan en el piso objetos a
través de los cuales el equipo se aproxima
a la interpretación de una idea desde un
mundo concreto, donde la presencia y los
tamaños de las cosas se destacan.
La escena local es tan solo una porción
del mapa para Tom Dixon. Desde hace ya
un tiempo sus productos se encuentran
en las tiendas de mobiliario ZIENTTE
alrededor del mundo. El diseñador visitó
Colombia para dictar una charla como
parte de un taller de diseño de mobiliario
desarrollado en conjunto entre ZIENTTE
y ATOM, proyecto educativo que abre
sus puertas para que diseñadores locales
tengan la oportunidad de materializar y
experimentar con sus propias ideas, tal
como él lo hace.
Tom Dixon es una de las marcas más
reconocidas a nivel mundial. El diseñador,
que se ha ganado su lugar gracias al
conocimiento que ha sabido acumular,
se ha convertido en una autoridad en el
diseño actual al marcar la pauta con los
fabulosos materiales y técnicas que usa
en sus procesos.

EXCLAMA|Número26
38
#CREANDO
LATINOAMÉRICA
A LA DENVER
Un continente transformado
en región por la mirada de un
arquitecto/viajero argentino.
Luciano Denver es un artista argentino que lleva un
tiempo viviendo en Bogotá. Con su último trabajo,
República de los Andes, Denver hace una exploración
y reflexión del territorio Andino como un espacio de
encuentro cultural de los diferentes países que conforman
el continente latinoamericano. EXCLAMA habló con
él acerca de su profesión y sobre su último trabajo:
República de los Andes
¿De qué trata tu último trabajo, República de los Andes?
Desde siempre, el hombre se ha organizado mejor por re-
giones que por los países como están dados. Un hombre de
los Andes colombianos tiene mayor relación con un hombre
de los Andes del Perú, Ecuador o de Argentina. El territorio en
sí hace que los individuos, a partir de relacionarse con otros,
tengan mayor cantidad de cosas en común, como por ejemplo
las mismas necesidades naturales. A partir de esto, creo un
nuevo territorio llamado República de Los Andes.
Este proyecto surgió gracias a los viajes que hice por Lati-
noamérica después de haber vivido más de diez años en
Europa. Llegué a Colombia y, después de mucho tiempo, me
sentí como en casa. Quería explorar todo el continente. Con
República de los Andes quería crear un territorio en donde
cada individuo del continente se sintiese identificado. Y es que
cada persona del continente, por instinto, quiere hacer el viaje
de los Andes, es algo particular. A partir de esto, creo obras o
edificios necesarios para el desarrollo de la República.
Es importante destacar que en cada una de mis obras
aparecen mis necesidades de viaje. Cada una refleja mis
experiencias y lo vivido; lo que me gustó comer, mirar, beber y
demás. Con esto, edito esta realidad de mis viajes a mi gusto
y creo estas edificaciones. Sin embargo, esta construcción
de una realidad a mi gusto es creada a partir de las tipologías
arquitectónicas de cada región al igual que su paisaje; cuando
se crea cada obra se respeta estos aspectos.
Artista~LatinoaméricaenDenver
Fotos por Luciano Denver

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EXCLAMA|Número26
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#CREANDO
Como territorio y república, hay edificios
que son necesarios para el desarrollo
de este mismo. Con esto, creo espacios
como el Mercado del Altiplano donde se
hacen todos los negocios de la República
o la Cooperativa de Agua Dulce que está
al lado del mar y el cual provee agua a
toda la región por barcos. La Biblioteca de
Mapas, un lugar más intelectual como sala
de lectura o salón de fiestas privadas o el
Cholet, una heladería.
Por el momento la República de los Andes
tiene seis edificios pero es un proyecto
que irá creciendo pues seguiré viajando
por Latinoamérica para así crear obras
que hagan de la República de los Andes
un territorio completo. República de los
Andes puede ser el primer proyecto de
varios, pero siempre teniendo claro que no
quiero pasar por un lugar más de una vez.
Usted estudió arquitectura, ¿Cómo em-
pezó a desarrollarse como artista?
Sí, yo estudié cinco años de arquitec-
tura, no me gradué. Todo empezó en la
universidad mientras estaba cursando
una materia de historia y nos mostraban
la arquitectura a través de pinturas del
renacimiento; durante esta época hubo un
detalle muy grande en mostrar la realidad,
los edificios estaban muy bien pintados
y a partir de estos detalles se podían
dar clases enteras. En ese momento me
empezó a interesar más el arte. Un año
después, tenía que presentar la maqueta
de un parque; decidí hacer un montaje de
fotografías que funcionó muy bien.
¿Cómo define su estilo?
Mi estilo es indefinible, pues no tengo
referentes. Puedo definir mi técnica del
collage; de este tengo referentes como
Richard Hamilton quien me estimuló a
editar la realidad. En cuanto a mi obra
puedo decir que tengo más referentes
arquitectónicos como Rem Koolhaas,
autor del edificio de Prada en Nueva York,
uno de los más grandes a mi gusto. Creo
que mi estilo tiene que ver más con la
fusión entre la arquitectura, a través del
cual diseño espacios, y el arte en el que
planteo la belleza.
Los viajes son un tema recurrente en tu
trabajo, ¿qué es lo que seleccionas de
cada espacio que visitas?
Toda mi obra es la representación de mis
viajes. No hago otra cosa que mostrar
aquello que es parte de mi día a día; hago
del ocio mi trabajo. No tengo cámara
de fotos, cosa que llama la atención de
muchos, tomo las fotos con un iphone
o una tableta, cosa que permite que las
fotos sean cuadradas y no se deforman y
modifican los espacios que estoy fotogra-
fiando. Tengo que aclarar que a pesar
de que el resultado visual parece una
fotografía, no lo es, mi estilo consiste en

EXCLAMA|Número26
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un dibujo arquitectónico que ensamblo y
relleno con pedazos de fotografías.
¿Qué le inspira de Bogotá?
Mi proyecto pasado Bogotá Rewind
consiste en retomar aquello que ya no
existe, mostrar cómo era la ciudad hace
sesenta años y reconstruirla sin modificar-
la. Los espacios los muestro de forma más
estética.
¿Visitar distintos lugares e intervenirlos
a través de su trabajo es una forma de
conocer su historia?
Como arquitecto me interesa la historia de
los lugares para poder reconstruirlos. En
el caso de Republica de los Andes, por el
simple hecho de ser Latinoamericano ten-
go cierto conocimiento previo sobre estos
espacios a pesar de no haber estado en
todos ellos. Viajé por tierra durante cuatro
meses desde Buenos Aires; ya sabía lo
que buscaba y desde ahí partí para crear
este proyecto.
¿Tiene planeado seguir desarrollando
este proyecto?, ¿qué proyectos está
desarrollando?
Bogotá Rewind sigue vivo; tengo la idea
de presentarlo como película. En esta las
obras se van a transformar en el tiempo,
en media hora se van a ver cambios y
movimientos imperceptibles.
Santiago Belalcázar es quien le está dan-
do vida a mis obras a través de pequeños
movimientos. En cuanto a Republica de
los Andes, la idea es presentar el proyecto
y con el tiempo es posible que se desa-
rrollen ideas basadas en esto. Existe la
idea de llevar este proyecto a un concepto
de maquetas de la fachada encapsuladas
en un cofre de cristal; algo más dinámico
que involucre a la arquitectura.
‘‘Esta construcción de
una realidad a mi gusto
es creada a partir de las
tipologías arquitectónicas
de cada región al igual
que su paisaje; cuando
se crea cada obra se
respeta estos aspectos.’’

ESPACIO ODEÓN, UN PROYECTO
DE ARTE PARA LA CIUDAD
Países como Colombia, a pesar de poseer una riqueza cultural e
histórica inmensamente grande, no existe la tradición de rendirle
culto al arte; no es un tema todavía muy consolidado tal vez por
los afanes a los que la gente se ve expuesta, debido a la situación
social que se vive, en pocas palabras las prioridades son otras. Por
esta razón vale la pena destacar proyectos como Odeón en Bogotá,
una iniciativa de admirar.
El teatro Odeón fue inaugurado en los años 40. Inicialmente abrió
sus puertas al público como una sala donde se hacían proyecciones
de cine a gran escala. Cerca de dos décadas más tarde el actor,
director y guionista colombiano Jorge Ali Triana comenzó el
proyecto del Teatro popular de Bogotá, que hasta mediados de
los años 90 fue unas de las casas de teatro más importantes de la
historia de Colombia. En 1997 el teatro cerró y este espacio quedo
abandonado por casi 15 años.
En 2011, y gracias a la iniciativa de 4 emprendedoras
mujeres, Odeón vuelve a abrir sus puertas con la Feria de
Arte Contemporáneo. Un espacio dedicado a todo tipo de
manifestaciones artísticas y vanguardistas, que le da la oportunidad
a expresiones artisticas no convencionales como los ‘happenings’
y también brindándole a artistas en proceso de consolidarse la
oportunidad de exponer sus creaciones.
Tatiana Rais, Vanessa Adatto, Maria Fernanda Currea y Juliana
Steiner son las mujeres responsables de este novedoso espacio
que, además de recuperar uno de los edificios icónicos en la
historia cultural de Bogotá, ofrece a la ciudad la posibilidad de
despertar la curiosidad por el arte por tantos años latente en
nuestra sociedad, y tan necesitada de este tipo de impulsos.
¿Quién es Tatiana Rais y a que se dedica?
Soy historiadora de arte de Tufts University en Boston y desde
hace tres años soy la directora y co-fundadora del Espacio Odeón:
Centro Cultural.
¿Cómo surge la idea de Odeón?
Hace cuatro años entré por primera vez a lo que era el antiguo
teatro popular de Bogotá. Desde ese momento, vi el potencial
de este increíble espacio y comenzamos, junto a Maria Fernan-
da Currea y Juliana Steiner a concebir un proyecto que tuviera
como columna vertebral la recuperación de este gran edificio. Fue
durante este proceso que llegamos a la idea de crear un centro
cultural dedicado a las nuevas tendencias del arte contemporáneo,
promocionando el trabajo de artistas emergentes y de mediana
carrera, nacionales e internacionales. También fue durante este
proceso que decidimos inaugurar el espacio con una feria de arte
contemporáneo paralela a ArtBo. Sentíamos que había un vacío
en cuanto a la exhibición de artistas y galerías emergentes y que la
ciudad de Bogotá estaba lista para una feria alternativa que diera
cabida a propuestas innovadoras.
¿Cuál es su relación con el arte?
Desde pequeña siempre he tenido una afinidad muy cercana a las
artes. Mis padres siempre me llevaron a múseos, exposiciones,
conciertos, cine y obras de teatro y por lo tanto desarrolle una
curiosidad y un interés por las artes en general y específicamente
la organización y la gestión de estas. Pienso que las artes son
transformadoras y que pueden cambiar e impactar de manera pos-
itiva una sociedad, e incluso, una ciudad. Lo que ocurre en Bogotá
durante esta semana de octubre es un ejemplo de ello.
¿Qué es Odeón?
Odeón es una feria de arte contemporáneo que está enmarcada
bajo la programación de artes plásticas del Espacio Odeón. Es
una plataforma para galerías emergentes que quieren ingresar al
mercado de arte formalmente y profesionalizar sus iniciativas y
la carrera de sus artistas. Es una feria “boutique” en donde solo
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WWW.ESPACIOODEON.COM
ESPECIAL ESPACIO ODEÓN por EXCLAMA

hay espacio para entre 16-18 propuestas, lo cual significa que el
proceso de selección y la curaduría es muy específica. Es una feria
arriesgada y refrescante donde coleccionistas establecidos pueden
encontrar el nuevo artista prometedor y los nuevos compradores
pueden convertirse en coleccionistas.
¿Cuál es el aporte de odeon a la ciudad?
Ante nada el Espacio Odeón es un proyecto de ciudad, que busca
revivir y recuperar un edificio iconico en la historia cultural de
Bogotá. Durante casi quince años, los habitantes y transeúntes de
La Candelaria veían un edificio abandonado y olvidado en una de
las esquinas más importantes de la ciudad; ahora, estas mismas
personas pueden ingresar a un espacio de cultura, donde todas las
artes contemporáneas tienen cabida.
Otro aporte importante que se ha logrado específicamente con la
feria, es consolidar la semana de arte en Bogotá. Si bien ArtBo
lleva por los últimos diez años creando una plataforma para la
visibilidad de Bogotá como capital del arte, es gracias a iniciativas
como Odeón, las ferias paralelas y otras iniciativas expositivas que
realmente se ha podido consolidar esa semana.
¿Qué cosas nuevas vienen con Odeón?
Este año contamos con la participación de 16 galerías: 8 nacio-
nales y 8 internacionales de Ecuador, Estados Unidos, España,
Argentina, Perú, Guatemala y Brasil. Una buena representación de
las nuevas tendencias del arte contemporáneo latinoamericano.
Además, hemos invitado a cuatro artistas a crear instalaciones
dentro del espacio. Este es el primer año que invitamos a un artista
internacional, el español Daniel Canogar quien trabaja la video-in-
stalación. También contaremos con la participación de los Colombi-
anos Alejandro Mancera, Gabriel Antolinez y Daniel Salamanca.
Se vienen muchas sorpresas este año: más de la mitad de las
galerías estarán exhibiendo por primera vez en Odeón, la sala de
los conversatorios será diseñada por un colectivo de arquitectos,
circularemos un periódico falso, entre otros. Cada año buscamos
crecer y ofrecerle a la ciudad una experiencia única donde podrán
comprar obras a precios asequibles, ver instalaciones en sitio
específico y vivir el arte en Bogotá de una manera diferente.
IV FERIA DE ARTE
CONTEMPORÁNEO
Para la cuarta versión de la Feria de arte contemporáneo, Odeón escogió 8
de las mejores galerías nacionales y otras 8 internacionales, que serán las
encargadas de exponer sus mejores obras de arte contemporáneo y artes
emergentes, que son las que están marcando la pauta en Latinoamérica.
Por Colombia participarán las galerías bogotanas Galería Otros 360º,
Neebex, Rincón Projects, SGR, consultoría de arte, Sketch y las galerías de
Medellín Banasta, mediaciones, arte y cultura, Lokkus Galería, Plecto.
Por su parte, el grupo de galerías internacionales está integrado por Pabellón
4 (Argentina), Galería Cecilia González (Perú), Galeria Logo (Brasil), Galería
Lume (Brasil) Imaginart (España), McGurkArt (Estados Unidos), No lugar
(Ecuador), Proyectos Ultravioleta (Guatemala), además de los Project walls
del cubano Ernesto Leal y el colombianoAlejandro Londoño.
ANIMISMO (UN SOLO REINO)
INTERVENCIÓN PARA EL PATIO DE ESPACIO ODEÓN
Animismo (un solo reino), propone un diálogo entre
categorías en aparente oposición. A través de piezas
que evocan y mezclan atributos de los reinos animal,
vegetal y mineral y señalan puntos de contacto e
intersección entre las nociones de naturaleza y
cultura, el proyecto plantea una reflexión en torno a la
transitoriedad de las formas que adopta la materia y a
las relaciones de dependencia que las vinculan entre sí
y que ponen de presente su pertenencia a un esquema
más grande, a una misma continuidad. El proyecto está
compuesto por tres obras (Drusas, Ábacos y Racimos)
que se aproximan a la ruina -rasgo definitorio del
patio de Espacio Odeón- como una figura que permite
replantear la relación entre naturaleza y cultura.
Proyectos Ultravioleta (galería invitada internacional
más importante(Guatemala))
Proyectos Ultravioleta es una plataforma multifacética
para la experimentación en el arte contemporáneo,
localizada en la Ciudad de Guatemala. Es una iniciativa
dedicada a la producción de exposiciones de arte,
proyectos multidisciplinarios, foros de discusión,
conciertos recios, happenings, intervenciones en el
espacio urbano y formatos de intermediación con otros
proyectos locales y externos.
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ESPECIAL ESPACIO ODEÓN por EXCLAMA

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#CREANDO
CONNIE JANG
Y LA FOTOGRAFÍA
DEL ESCAPISMO
Imágenes de imágenes que trasportan
al espectador fuera de su realidad.
En la serie ii La fotografa norteamericana Connie
Jang habla de cómo la fotografía juega un rol im-
portante a la hora de atraer la mirada y darle al
espectador una experiencia del lugar que le mues-
tra, aún sin estar allí físicamente. Es así como el
espectador se hace a una idea o se crea expectati-
vas sobre una locación. La fotografía, según Jang,
tiene el poder de representar la realidad y traspor-
tar al espectador a un destino, real o imaginario.
Esta serie de fotografías titulada ii, surge de un in-
terés personal de la artista por explorar sus alred-
edores cotidianos: espacios comunes de la ciudad
de Nueva York.
En ii las protagonistas son imágenes de ciudades
y paisajes que la fotógrafa encontró en la parte
trasera de buses y camiones o vayas, y que son
capturados por su lente. Las imágenes son en-
tonces fotos de fotos. Lo que la artista logra captar
es la yuxtaposición de la representación fotográfi-
ca de un lugar dentro de su ambiente real.
Para conseguir el efecto deseado la artista enfo-
có muy de cerca las imágenes dejando percepti-
bles detalles sutiles que evidenciaran el carácter
artificial de la imagen: lo que se está viendo es
la imagen de una imagen. Aunque el sujeto en la
fotografía era natural, las imágenes 2D parecían
fuera de lugar al estar rodeadas del resto del am-
biente de la ciudad.
Jang divide la realidad en capas y las superpone,
haciéndonos dudar de si lo que estamos viendo es
una fotografía de la realidad o la fotografía de una
fotografía.
La serie ii muestra entonces, a través de la yuxta-
posición, locaciones filtradas por el artificio de la
fotografía, ciudades que, a pesar de su carácter
artificial nos ofrecen la posibilidad de transportar-
nos rápidamente, de escaparnos de la realidad,
hacia otros lugares, otros horizontes.
Enlace de interés: www.conniejang.com
Fotografía~ConnieJangylafotografíadelescapismo

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Fotografía~ConnieJangylafotografíadelescapismo

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#CREANDO
BIENVENIDO A LA
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BOGOTÁ
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a descubrir lo más innovador de la ciudad. A través de
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en cultura, servicios, estilo y bienestar, pensando
especialmente en usted: alguien que busca vivir
experiencias gratificantes y de calidad a través de los
lugares más progresivos de Bogotá.
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#CREANDO
SEA HORSE,
TRADICIÓN FINLANDESA.
Cuando Herman Walentin, un pianista
ciego, le propuso a su novia que se casaran
ésta acepto bajo la condición de que le
construyera un lugar en donde vivir. Herman,
hipnotizado de amor, accedió y construyó
este mágico edificio que hoy se conoce como
Oy Kapteeninkatu.
Sea Horse es un restaurante de comida
típica finlandesa, con una inmensa tradición
e infinita riqueza histórica que funciona
desde 1934 en la capital del país. Durante
la guerra se servían platos simples y las
mujeres contaban con la suerte de tener
acceso a algunas ofertas especiales. Con el
tiempo el negocio ha pasado de dueño en
dueño pero, sin duda, los más importantes
fueron Mrs Paukku y su esposo, quienes
implementaron un nuevo y exitoso menú que
le brindó al restaurante estatus y lo posisionó
como el mejor del pueblo. Entre los platos
Como salida de un cuento de hadas, así es la historia detrás de
este romántico castillo en cuyo interior funciona Sea Horse, un
típico restaurante finlandés localizado en Helsinki.
que generaron más sensacion entre los
clientes estaban el arenque báltico frito, plato
responsable de su fama como poseedores
de los mejores pescados, y la famosísima y
codiciada mostaza de la casa, que gracias a
su gran demanda resultó siendo envasada
para la venta.
Éste restaurante no era solo era conocido
por lo tradicional de sus platos y la
delicadeza con la que se preparaban; desde
sus primeros años allí dentro se vivió
un ambiente de paz y tolerancia que,
considerando los tiempos difíciles que se
vivían en aquella época, era bastante raro
encontrar. El Sea Horse es el resultado
de una receta en la que Mrs y Mr Paukku
mezclaron una serie de ingredientes que
compaginaron perfectamente y que lograron
posicionar al restaurante como uno lleno de
tradición y calidad.
Cocina~SeaHorse,tradiciónfinlandesaEXCLAMA|Número26
Fotos Cortesía de Sea Horse

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SALSA DE VINO ROJO
2 cebollas
2 tazas de vino rojo
4 tazas de caldo de verduras con
carne de res
60 Gramos de mantequilla
3 a 4 cucharaditas de fécula de maíz
Sal y pimienta negra
Cocinar la cebolla picada con
mantequilla, agregar la pimienta
y dejarlo cocer por unos minutos.
Agregar el vino rojo y dejar reducir
hasta que quede menos de media taza.
Agregar el caldo y dejar hervir por
un momento más. Mezclar el maíz
con algo de agua y agregar a la salsa
mientras se mezcla constantemente.
Poner sal y pimienta al gusto.
FILETE DE RENO
La porción por persona es de 180
Gramos, este se debe sacar del
congelador solo media hora antes de
cocinarlo. Se cocina en mantequilla.
El tiempo depende del gusto de cada
quien. Sazonar con sal y pimienta,
envolver en papel aluminio por un
rato y cortar a la mitad. Por último,
servir el reno con la salsa de vino,
mermelada de arándanos, puré de
papa y vegetales cocinados.
Receta
Hoy, 80 años después, sigue teniendo el
mismo éxito y es igual o más frecuentado
que en aquellos tiempos de guerra, cuando
la gente encontraba refugio en una atmosfera
medianamente tranquila y así lograban
olvidar, al menos momentáneamente, los
problemas.
Una de las cosas que más atraen al público
a este lugar es un mural de caballos de mar,
y olas. No se sabe a ciencia cierta quien
lo pintó, pues es algo sobre lo que existen
diferentes versiones.
A través de su larga trayectoria, Sea Horse
ha recibido a una infinidad de celebridades,
todas pertenecientes a diferentes campos,
desde la poesía hasta el rock and roll. Entre
los más reconocidos mundialmente están el
famoso poeta y escritor Pablo Neruda y el
filósofo francés Jean Paul Sartre.
Hoy en día el menú ha cambiado, pero
su especialidad sigue siendo la misma: el
pescado, además es posible encontrar entre
los especiales el más famoso y tradicional
plato finlandés: el reno. El chef encargado de
deleitar al público en la actualidad es Kimmo
Koivunen, cuya especialidad y plato favorito
es el bife de cebolla o sipulipihvi.
Sea Horse, no solo es un restaurante al
que se va a disfrutar de platos exóticos,
pues gracias a su larga tradición se ha
convertido en un lugar icónico de este país.
Visitarlo hoy es casi tan importante como
pasar por la famosa Plaza del Senado,
corazón arquitectónico neoclásico de
Helsinki. Tanto locales como extranjeros
provenientes de todas partes del mundo
(en especial japoneses, considerados los
turistas más exigentes) mueren por probar
la sazón de este lugar, en donde se respira
cultura, tradición, arte y olores exquisitos
que transportan a sus visitantes a tiempos
mágicos de su historia pasada.
Cocina~SeaHorse,tradiciónfinlandesa

DETRÁS DE DUB DE GAITA
(EL FIN DEL MUNDO)
Aunque su nombre pareciese pronosticar un final irreductible,
el adentrarse en la historia de cómo se gestó y llevó a cabo el
proyecto que unió a Los Gaiteros de San Jacinto con el productor
ingles de Dub Adrian Sherwood es, ante todo, un principio.
El estudio de Llorona de Llorona records, proyecto del productor mu-
sical Diego Gómez, es más pequeño de lo que podría pensarse.
El lugar, que aloja al uno de los sellos independientes más impor-
tantes de Colombia, donde al mismo tiempo funciona la fundación
de gestión cultural que cumple labores bajo el mismo nombre desde
2007, resulta acogedor y tranquilo. Fue allí donde se gestó la idea
de unir sonidos que, para oídos poco entrenados, pueden parecer
bastante lejanos: el Dub y la gaita Sanjacintera.
El primer volumen de los tres que componen del proyecto bautizado
Dub de Gaita, interpretado por los Gaiteros de San Jacinto y mezcla-
do por el maestro del Dub Adrian Sherwood, fue lanzado el pasado
22 de agosto en Bogotá y contó con la gran acogida de los medios
y el publico. Sin embargo ese no es el lado de la historia que nos
interesa contar.
LA IDEA.
En la cabeza de Gómez, la inquietud por unir estos dos ritmos iba
mucho más allá de la simple intensión de hacer un disco de música
fusión de los que se limitan a grabar sonidos de música tradicional
sobre un loop electrónico; pues para él todo se remonta a su historia
con dos de sus grandes pasiones musicales.
Para Diego primero fue el punk; un genero que fue parte importante
de su adolescencia. Sublime, la banda californiana de Ska Punk
de los noventas, fue el hilo conductor que lo llevó a conocer a Bob
Marley y al Reggae, referente desde el cual inició su interés por las
músicas caribeñas, más específicamente la jamaiquina.
Las migraciones de músicos caribeños a Inglaterra, quienes al llegar
se encontraron con una ciudad gris, fría y oscura, y su encuentro con
equipos de grabación más avanzados dieron como resultado el Dub,
Escrito por Isabel Pradilla S. Fotos por Carolina Osejo

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un genero que entró en el radar de Gómez una vez se interesó en
la producción musical. Lee ‘Scratch’ Perry, Mad Professor y Adrian
Sherwood fueron los primeros discos del genero que llegaron a sus
manos; a través de los cuales entendió que en este ritmo el rol cre-
ativo era del ingeniero de mezcla, quien deconstruye las mezclas
para transforma en otra cosa.
Pero no todo fueron delays y reverberaciones. Diego, quien creció
rodeado de música de la Costa Caribe colombiana, se topó de
frente con la música tradicional de San Jacinto, mientras un amigo
suyo aprendía percusión de la mano de Joche Plata, en ese mo-
mento tambolero de Los Gaiteros de San Jacinto. Decidió entonces
empezar a aprender sobre la música de gaita de este territorio en
especifico, a empaparse de su tradición, a viajar, a conocer los
lugares y las personas, las familias y a escuchar la música.
Para muchos la música de gaitas representa la parranda y la fiesta,
la alegría y la reunión; sin embargo, en su opinión, la gaita tiene
un lado místico, nostálgico, que le viene de la soledad del campo
donde nace, que es el producto de la contemplación de la naturale-
za, un lado meditativo heredado de sus raíces indígenas.
Fue a través de esa reflexión que Diego cayó en cuenta de que
había momentos, sobretodo en ciertos ritmos como la gaita corrida
–ritmo por excelencia de la música instrumental de gaita-, en que la
música adquiría un alto nivel de misticismo y se tornaba un viaje, en
un trance, patrocinado por estos instrumentos de viento y de per-
cusión, gracias al cual estos personajes podían pasar casi tres días
tomando ron y tocando casi sin dormir, característica que hacía a
este ritmo el candidato perfecto para hacer un encuentro con estas
técnicas de producción de música que venían de la herencia Dub.
Fue ahí donde se empezó a construir la idea de hacer un disco de
Dub de gaita.
Música~DetrásdelDubdeGaita(Elfindelmundo)

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#CREANDO
Con Sherwood el acercamiento se dio por
intermedio de Llorona. El contacto se dio y, a
través de correspondencia, se logró su visita
al país, alrededor de la cual se programaron
talleres en la Escuela de Música y Audio
Fernando Sor en alianza con el Ministerio de
Cultura, pues la idea era que él compartiera
con la gente de aquí un poco de su experi-
encia y participara en la producción del disco
que se finalizaría en su estudio
en Inglaterra.
‟Si a esta gaita uno empie-
za a ponerle efectos, esto
puede ser una cosa bien
sicodélica e interesante”.
HALLANDO PUNTOS DE ENCUENTRO.
Según Gómez en Colombia se ha venido
dando una aproximación musical interesante
entre Inglaterra y nuestros ritmos nativos,
que nos ha dejado álbumes llenos de
buenos resultados.
Primero fue Richard Blair, quien contribuyó a
construir el sonido de Carlos Vives y luego,
de la mano de Sidestepper intentó dar un
nuevo aire a la música. Más adelante se
encuentran Mad Professor y el Frente Cumb-
iero, el resultado es un disco de Cumbia Dub
contemporánea. Después viene Quantic, que
experimenta primero con Dub y la música
de Ondatropica y luego con músicos del
Pacifico. Dub de gaitas quiere, entonces,
insertarse en esta tradición experimental de
productores ingleses y músicos colombianos,
para renovar y acercar a nuestra herencia a
las nuevas generaciones.
Pero más allá de las intenciones ¿Qué
similitudes reales, en términos de producción,
tienen la música de gaita, el Dub, el reggae?
Gómez habla entonces de ir más allá de la
música fusión tradicional. ¿Cómo? Respetan-
do los códigos indestructibles que son el sello
que le da el sonido a un genero especifico y
buscando los puntos comunes de encuentro,
pues es a partir de ellos que se sabe, real-
mente, hasta donde es posible experimentar.
Uno de los peligros a los cuales se vio en-
frentado el proyecto fue el de caer en facilis-
mos y terminar sometiendo la música de los
Gaiteros -tan orgánica que es posible afirmar
que sus canciones nunca suenan igual dos
veces- a un proceso de maquinas y samplers
que le hiciera perder su ritmo y su sabor, en
pro de intentar hacerla caber en una noción
de ritmo occidental ‘súper cuadrada’ y muy
clásica; pero la idea era lograr que la comuni-
dad gaitera disfrutara del disco, algo que no
se lograría loopeando y sampleando.
La gaita es una tradición seria, un orgullo y
una herencia que se recibe de un maestro y
se tiene el compromiso de preservar y ese
era el reto del proyecto: lograr transmitir ese
sentimiento de manera respetuosa y limpia.
Hacerle entender esto a Sherwood, un inglés
alejado de toda tradición Sanjacintera, fue

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en si mismo un trabajo. Diego se dedicaría
entonces a contarle como funcionaba esta
especie de logia musical para que entendiera
con que estaba lidiando.
El reto en Inglaterra, en el estudio de
Sherwood donde se realizó la remezcla, fue
entender como funcionaban la armonía, la
melodía, los cambios y los giros armónicos
de una música que no sigue otra lógica que
la propia. El punto de encuentro fue el con-
tratiempo, que en el reggae está marcado por
la guitarra y en la cumbia por el llamador.
‟La escuela de Sherwood
viene más de la práctica,
del hacerlo una y otra vez y,
espontáneamente ir dejando
su trabajo”.
EL PROCESO.
Con Sherwood en Colombia, el proyecto
se internó todo un día en el estudio de
Audiovisión para grabar a Los Gaiteros de
San Jacinto en bloque; y aunque no estaban
tocando hombro con hombro –los separaban
vidrios y se oían por audífonos-, como están
acostumbrados a hacerlo, la magia de su
música estaba presente.
Sherwood mientras tanto se ocupaba de que
todos estuvieran bien. Compró ron y bebió,
sombrero vueltiao en la cabeza, junto con la
plana mayor de la gaita, que se reunió para
esta ocasión especial: la visita de este señor
inglés, alto y calvo, que había venido desde
lejos únicamente a escucharlos. El ambiente
que se generó fue muy bonito y partió, ante
todo, del respeto que puede generarle a un
personaje de la talla de Sherwood el ver a
hombres de ochenta y cuatro u ochenta y
cinco años haciendo su trabajo.
El material recopilado fue llevado al estudio
de Llorona, en donde con otros músicos
se le añadió aquello que le hacía falta a la
grabación para que fuera un disco de dub.
Fue así como se invitó, por ejemplo, a Mario
Galeano del Frente Cumbiero a tocar el
bajo y a Dr. Daz de Asian Dub Fundation. El
material y Diego viajaron juntos a Inglaterra,
al estudio de Sherwood donde se haría la
mezcla; allí los esperaba el equipo de trabajo
que el productor había reunido bajo el criterio
de que eran los mejores para continuar con
la segunda etapa del proyecto para la que se
contaba con tan solo siete días.
Luego de un intrincado proceso de revisión y
arreglos, de grabación sobre canciones, días
durante los cuales Sherwood, entre cervezas
y comida, interiorizó todas las canciones, vino
el momento de la mezcla, que se realizó dos
días antes de finalizar el proceso y volver a
Colombia. Había llegado el momento de ver
al genio hacer su magia.
LA MEZCLA.
‟La escuela de Sherwood viene más de la
práctica, del hacerlo una y otra vez y, es-
pontáneamente ir dejando su trabajo” afirma
Diego Gómez, quien añade que este grande
del Dub viene, sin duda, de una escuela muy
Punk: llena de espontaneidad, de ese hacer
las cosas por instinto y sin ser cuidadoso,
usando al máximo los pocos recursos con
los que se cuenta, sacándole el jugo a las
maquinas y dándole a todo un carácter muy
especial, muy suyo, adueñándose de la mez-
cla sin miedo de que la consola se rompa.
Con su rack de efectos, sentado en la
consola, Sherwood puso cosas y quitó otras,
añadió ecos y todo empezó, de repente a
tomar forma. Cualquier vestigio de miedo
que el productor de Llorona pudiese haber
llegado a sentir durante la preparación del
material se desvaneció; su oído sensible y
conocedor de un genero que para los colom-
bianos representa una tradición tan fuerte,
cedió ante la experiencia de un Sherwood
que le repetía que no se preocupara, que
esta no era la primera vez que él hacia eso.
El resultado son mezclas que a pesar de
no seguir parámetros de perfección técnica
tienen un sonido muy particular y disfrutable.
De ese trabajo salieron 24 mezclas. A Los
Gaiteros les encantó el resultado: su trabajo
no se tocó, tan solo se le dio otro matiz que
hizo que el color de la música cambiara.
La gaita es una tradición
seria, un orgullo y una
herencia que se recibe de
un maestro y se tiene el
compromiso de preservar y
ese era el reto del proyecto:
lograr transmitir ese sen-
timiento de manera respetu-
osa y limpia.
LAS REACCIONES.
El momento en el que Los Gaiteros escucha-
ron el resultado final, fue muy feliz, y entre los
más jóvenes del clan se sintió la emoción de
imaginarse su música sonando en espacios
de parranda en donde normalmente no sue-
na: “¡Esto está bueno pa’l picó!” decían.
El primer disco, un vinilo prensado en edición
limitada por Zam Zam Records, es un intento
por preservar la tradición de la gaita y darla a
conocer. Para Diego es un homenaje a esos
aquellos que representan la herencia musical
colombiana pero que viven el día a día con
la humildad del quehacer sencillo del músico;
ese es el aporte que Llorona quiere hacer:
Mantener vivo el legado de Los Gaiteros y,
a la vez, renovar el sonido para que más
jóvenes y más personas se acerquen a ellos
y conozcan su música.
Al final lo que reúne todo y que, tal vez, es lo
más bonito, es ese respeto a la tradición que
une todos los puntos clave del proyecto: tanto
a la gaita, como al Dub y como al mismo
vinilo. Este es un tributo a la tradición de la
producción análoga, a la de la gaita, a la del
disco como elemento de colección.

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#CREANDO
JÜRGEN MAYER EL
ALEMÁN DE OTRO
MUNDO
Entrevista Juan Ricardo Rincón
Foto por Jesko M. Johnsson-Zahn

EXCLAMA|Número26
61
Mayer nos explica por qué su arquitectura,
la joya de la corona en tantas ciudades,
parece desencajar en la timidez del ambiente
arquitectónico alemán.
Exclama visitó a Jürgen Mayer en su estudio
de Berlín, para encontrar al autor de varios
proyectos emblemáticos de los años recientes.
Desde el parasol de Sevilla hasta su prolifera
presencia en Georgia, Mayer ha logrado definir
a lo largo de los años un vocabulario distintivo
de su firma que, además, ha sido altamente
reproducido en el mundo, claro está que con
los evidentes fracasos de quienes prefieren tri-
unfar desde lo seguro antes de fracasar desde
lo radical; algo en lo que Mayer y su equipo
son expertos, pues su apuesta no se limita a
una sofisticación contemporánea del diseño,
sino que busca replantear cómo nos compor-
tamos en la arquitectura misma. De ahí que
cada proyecto de Mayer sea un universo, de ahí
nuestro asombro cuando por primera vez los
visitamos.
JUAN RICARDO RINCÓN: ¿Cuál es su percep-
ción de América Latina en este momento?
JÜRGEN MAYER: Lo primero que me viene a la
mente son los amigos, es una conexión emocion-
al. Creo que es un continente que arquitectónica-
mente tiene muchos complejos de Europa, donde
la arquitectura parece tener mucha más libertad.
Esto constituye un gran potencial que, creo, no
ha sido explotado aún.
En cuanto a la manera de ver la arquitectura,
Latinoamérica todavía está atrapada en una corri-
ente moderna, por lo que será muy interesante
ver el cambio cuando haga el salto al siglo XXI.
Esta estética modernista parece estar trabajando
en el extremo superior de la escala, a diferencia
de la forma en que se trabajó en Europa, donde
se tenía una agenda social que buscaba repen-
sar cómo vivía la gente y como se relacionaban
entre sí. Por ejemplo el diseño de muebles en
Europa es compacto debido a que ellos están
destinados a pequeños espacios cerrados,
mientras que en lugares como Brasil tienen una
escala muy grande.
JUAN RICARDO RINCÓN: A lo largo de los
años usted ha logrado una tipología de diseño
en el sentido de que muchos de sus proyec-
tos parecen tener “su sello” ¿Cómo se afecta
esta idea en los diferentes contextos en los
que ha operado?
JÜRGEN MAYER: Uno sólo puede diseñar lo
que uno puede diseñar, no te puedes engañar en
un diseño que no es el propio. Tienes que encon-
trar tu vocabulario y un lenguaje, una manera de
alzar la voz. La importancia de la creación de tu
propio idioma también se basa en tu capacidad
para adaptarte a los distintos contextos.
Es curioso que digas que nuestro trabajo es
reconocible, pues a lo largo de quince años
hemos ido hacia atrás y hacia delante. En mi
opinión estamos más acerca de las degrada-
ciones de las diferentes expresiones, pues la idea
de ampliar el vocabulario es algo que todavía
estamos haciendo, paso a paso. Creo que tal vez
lo que interpretas como un lenguage reconocible
proviene de los proyectos que han recibido mayor
atención de los medios. Hay ciertos temas que
son recurrentes, por ejemplo la silueta como idea
arquitectónica y el voladizo como puente entre el
interior y el exterior dentro del marco del paisaje
topográfico. Al final se trata de una negociación
constante, la que tiene siempre el terreno común
de un entendimiento escultórico del espacio en
lugar de uno tectónico.
JUAN RICARDO RINCÓN: Hablemos de la idea
del vocabulario arquitectónico propio. Creo
que estamos viviendo en un momento donde
los resultados son realmente similares unos
de otros. ¿Cómo interpreta esto?
JÜRGEN MAYER: Siempre es difícil encontrar el
idioma propio, se necesita una gran cantidad de
riesgo y prueba y error. El reconocimiento tal vez
sea más fácil de conseguir con productos más
rápidos, pero yo siempre tengo espacio para la
duda, la búsqueda y la experimentación. Al final
todo radica en la idea de la educación de la arqui-
tectura, en este sentido hay muy pocas escuelas
que te enseñan cómo luchar por tu propia voz.
Normalmente en la relación profesor-alumno, el
alumno obedece a lo que dice el profesor. Tam-
bién está el fenómeno de la “figura arquitectónica
carismática”, la cual produce una gran sombra
que mucha gente sigue. Es fácil hacer que algo
se vea bien, pero es muy difícil hacer que algo
parezca propio.
JUAN RICARDO RINCÓN: Usted menciona
esta idea de resistirse a figuras las carismáti-
cas. Hablenos de las que lo han influenciado
a usted.
JÜRGEN MAYER: En el momento en que me
impresiona mucho el trabajo de otro, de inme-
diato trato de mantenerme alejado. Prefiero no
conocerlos como personas y así evitar el riesgo
de perder lo que me inspiró en primer lugar.
En su momento me impresionó John Cage y
estuve extremamente fascinado por Tadao Ando,
igualmente Diller Scofidio, cuando era estudiante
en Princeton. Por el otro lado Beatriz Colomina y
Mark Wigley cambiaron radicalmente la forma en
que pensaba la arquitectura. No obstante mi idea
de la arquitectura se definió cuando vi una foto de
la sala de conciertos de Mendelssohn en Stutt-
gart, que tiene una hermosa escalera de cristal
expresionista; antes de eso yo siempre había
dudado entre estudiar arte o arquitectura. Siento
que nuestra práctica está más cerca de una
lógica de arte-objeto, pero que está contaminada
Arquitectura~JurgenMayerelalemándeotromundo

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