6. La moda es un sistema de expresión del cual nos hemos
ido apropiando en el país de manera gradual. De no tener
propuestas nacionales que estuviesen insertas en las
tendencias globales, pasamos a tener diseñadores que
ganan premios y proponen conceptos originales y que
generan admiración en lugares mucho más avanzados en
cuanto a moda se refiere. Por esta razón, dentro en el
marco de una de las semanas más importantes para el
fashion en Colombia, EXCLAMA decide hacer un recuento
por lo más destacado de ese mundo a nivel nacional, con
lagunas notas internacionales. Es por esto que #ALAMEDIDA,
nuestro hastagh para esta edición, no solo hace referencia
a la tradición y el arte de la sastrería y el diseño de prendas,
a cerca de lo que profundizamos en varios de los artículos
que usted encontrará en este número; también nos referimos
a contenidos hechos a la medida. ¿De qué? Se preguntarán
algunos, precisamente de esa naciente y creciente industria
de la moda colombiana, en la cual creemos y a la cual
apoyamos, y a la que pensamos hay que darle el cubrimiento
periodístico que su creciente calidad se merece. Bienvenidos
a la edición #29 de la revista EXCLAMA.
#ALAMEDIDA
7.
8. EXCLAMA|Número29
8 │ #ALAMEDIDA
HOTEL-HOTEL
Perteneciente al grupo Molonglo Group, este hotel artesano ocupa dos
niveles del edificio Nishi en New Acton en Camberra, Australia. Un lugar
creado con pensamientos donde el arte, el diseño y la fantasía se une
para dar 68 espectaculares habitaciones en las que se pueden encontrar
mobiliarios del siglo XX, piezas de arte exclusivas y muebles creados a
mano con dedicación. Entre sus espacios destacados se encuentran el
lounge house, la recepción, una librería con libros vintage, y la famosa
cocina Monster, entre otros.
Este imponente hotel es pensado para que las personas interactúen
de forma orgánica con el espacio y así crear narrativas a cada momento.
La historia del Hotel-Hotel y su diseño es más compleja de lo que
parece; pues no es un proyecto típico con un brief de cliente tradicio-
nal o con el output de un diseñador en especial; por el contrario, sus
creadores, los hermanos Johnathan and Nectar Efkarpidis, diseñaron
el espacio pensando netamente en su interacción con las personas, al
mejor estilo australiano.!
Fotos: Cortesía Hotel-Hotel
Links de interés: www.hotel-hotel.com.au
ARQUITECTURA
Arquitectura~ElartedeDianaBeltrán
9. EXCLAMA EN LA WEBDESCUBRA CONTENIDOS EXCLUSIVOS DE TENDENCIAS
QUE TRAEMOS DE TODO EL MUNDO
HOUSE OF PHONIQUE
Hace unos 20 años, en la ciudad de Berlín,
la escena de la música house tomaba el
rostro de varios talentosos productores,
músicos y Dj’s con nuevas propuestas para
las noches berlinesas. Michael Vater, más
conocido como Phonique es precisamente
uno los constructores de la fiesta alemana.
Durante los más de 17 años como productor
musical, Phonique le ha brindado al mundo
grandes nombres de Dj’s emergentes y con-
solidado, entre los cuales se encuentran Glen
Gunner, Lil Tony, Alexkid e Ivan Smagghe.
Su album debut, lanzado en el 2004, bau-
tizado como Identification contiene grandes
colaboraciones con artistas como Paris The
Black Fu, Erlend Oye y Alexander East.
Aunque la mayor parte de su trabajo en pro-
ducción y remixes se ha construido al lado
de Alex Krüger; también ha trabajado con
otros artistas como Steve Bug, Martin
Landsky y Meitz. Su recorrido en la música
ha sido tan impresionante que actualmente
es reconocido como uno de los artistas re-
mixing de más alto perfil en el mundo, y
como una de las fuerzas líderes detrás de
la música electrónica. El pasado 19 de Junio
el Dj hizo vibrar a Baum, Bogotá con una
mezcla de sonidos penetrantes y energía
revitalizadora. EXCLAMA habló con Pho-
nique sobre su recorrido musical:
EXCLAMA: ¿Qué hacia antes de llegar a
ser conocido como “Phonique”?
PHONIQUE: La música siempre ha sido
parte de mi vida, antes de llegar a ser co-
nocido como el Dj y productor que soy hoy
en día, pasaba la mayor parte de mi tiempo
coleccionando vinilos y cintas de mezcla.
De hecho lo he hecho desde los 16 años.
Aunque la música siempre fue mi pasión y
parte importante de mi vida, antes de ser un
DJ profesional yo estudiaba Química,
supongo que algún punto de mi vida tomé
el camino correcto.
EXCLAMA: ¿Qué buenos recuerdos
guarda de sus inicios en la industria?...
MÚSICA
Durante su paso por Colombia, Phonique, uno de los
líderes del house alemán, habló con EXCLAMA
LOST ANGELES
MODA
Bolsas de té, coloraciones, pigmentos
y formas geométricas que se
entrecruzan: un proyecto de Lisa
Granada
El fashion film de la editorial Lost
Angeles presentada en nuestra edición
impresa No. 28
FOTOMERAKI
FOTOGRAFÍA
BLACK CURRANT DRAWINS
ARTE
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM
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revistaEXCLAMA EXCLAMArevista revistaEXCLAMA
10. EXCLAMAREVISTA EVENTOS DIGITAL MARKETING
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T: + 57 1 7596750
E: ESCRIBO@REVISTAEXCLAMA.COM
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de vida cargago de moda, arte, música, arquitectura, diseño,
fotografía y cultura.
PORTADA_EXCLAMA_ED29.pdf 1 17/07/15 8:01 p.m.
NÚMERO 29
#ALAMEDIDA
ESPECIAL MODA2015
COP $15.000 - USD $6
HECHAEN COLOMBIA
ISSN 2027-8438
Foto por Basilio Silva
Dirección de arte y estilismo: Hiromi Shimabukuro
Asistente de estilismo: Ken Nobaru
Maquillaje y pelo: Marysol Ortega
Director y fundador
Juan Pablo Valencia
Editora
Isabel Pradilla S.
Diseño
Michelle Exceus
Dirección de Arte
EXCLAMA Agencia
Redactores
Nicolás Mónico
Maria Fernanda Mancera
Angélica Hoyos Florez
Diseño Web
EXCLAMA Agencia
Relaciones Públicas
María Esperanza Corredor
Publicidad y distribución
Oficina Editorial EXCLAMA
escribo@revistaexclama.com
EXCLAMA Agencia
Juan Pablo Valencia
Alejandra Salcedo Casas
Michelle Exceus
Nicolás Mónico
11. DISEÑO
APNEA BY LE ZAPATIERE
La marca colombiana LZ (Le Zapatiere) FOOTWEAR presentó su más reciente colección, CVLTVM. Los hermanos Natalia y Nicolás Campuzano
buscan con ésta una nueva forma de llegar a sus clientes, personas arriesgadas que no se conforman con la oferta que tiene el mercado zapate-
ro en Colombia. Por medio de sus diseños y la mano artesanal, cada uno de estos zapatos adquiere personalidad para transmitir confianza, y
seguridad en quién los usa.
El cuerpo y su fragilidad, el misticismo del ser, los contrastes de los tonos de la piel arremetida se transforman en materiales como el cuero, el
nobuk y lo charoles en esta nueva colección. Apnea, una de las referencias presentes en CVLTVM, nace del sueño más mórbido y audaz para
materializarse en rigidez y fortaleza. Los detalles en la elaboración hacen que se convierta en una armadura liviana, un escarabajo protector al
ritmo de las tendencias mundiales.!
Fotos: Cristina Salgar
Sígalos en: facebook.com/le.zapatiere
Diseño~ApneabyLeZapatiere
LILIANA OSPINA
@lilondra
lilondra.com
Liliana Ospina (también conocida como Lilondra),
es artista visual por profesión, dedicada al diseño
gráfico y la ilustración por convicción. Trabaja
como independiente desde el 2008, año en que
saltó del mundo audiovisual al gráfico. Liliana es
egresada de la Universidad Javeriana en Bogotá,
ciudad en la que nació y vive actualmente. Par-
tidaria de construir redes de colaboración entre
profesionales independientes para crear una co-
munidad competitiva en el mercado creativo.
BASILIO SILVA
www.basiliosilva.com
Colombiano actualmente con sede en París.
Empezó a disparar como reportero gráfico y
en algún lugar en el camino se quedó con la
fotografía de moda. Algunos de sus clientes
son la revista Regia de Argentina, la revista
Grey de UK, Bleed de Noruega y Ozine de
China. Entre los músicos que han contratado
sus servicios se encuentran MGMTyThe Kills.
CAMILO RIOS
camilorios.com
Fotógrafo colombiano radicado en Estados
Unidos, especializado en moda y retrato.
Cuenta con estudio en NYC y Miami.
EVA KRUIPER
evakruiperphotography.com
Fotógrafa holandesa radicada en Ámsterdam,
Cape Town e Ibiza. Eva toma fotografías de
moda para mujeres y hombres, moda para
novias, editoriales de moda, hace imágenes
para publicidad, close-ups de belleza, vestidos
de baño y retratos.
Luego de empezar como asistente de fotografía
en Ibiza, Eva siguió su corazón hacía la fo-
tografía de moda y viajó a Nueva York donde
completó una pasantía en Dusan Reljin DRStu-
dios.
Durante el verano Eva se desempeña como
freelance en España y los Países Bajos, mien-
tras que en invierno se muda a Ciudad del
Cabo, donde la representa One LeagueArtists
Creative Management.
VICTORIA HOLGUÍN
@victoriaholguin
Arquitecta y fotógrafa colombiana. Desde los 10
años, con cámara en mano, se dio cuenta que la
fotografía era su pasión. Dedicada durante la
semana al trabajo editorial, los fines de semana
cuenta historias de amor en matrimonios, con
fotografías no tradicionales y espontáneas. Su
trabajo se caracteriza por un estilo propio, lleno
de luz natural y un enfoque muy particular para el
foto reportaje. Siempre buscando la magia en cada
situación, convierte cada imagen en una excusa
para el asombro del espectador.
ALEJANDRAQUINTERO
behance.net/alejandraquintero
Nació en Bogotá en 1980. Comunicadora social
y fotógrafa empírica. Intentó estudiar derecho,
pero se retiró en primer semestre. Adquirió su
primera cámara a los 24 años. Su lente ha dis-
parado para diversas publicaciones y realizado
trabajos para diversas fundaciones y diseñadores
de moda. Actualmente se desempeña como
editora de fotografía de revista SoHo.
CAROLINAAGUDELO
@caritoseria
Nacida y criada en Bogotá (Colombia), Caroli-
na Agudelo se desempeña como Diseñadora
Textil y de Superficies. Reparte su tiempo como
Directora de Diseño de su estudio Carolina
Agudelo | Surface & Textile Design, como pro-
fesora asociada del Departamento de Diseño
de la Universidad de los Andes en Bogotá y
coordina el Area de Textiles y Vestuario del
mismo. Tiene un MA en Design for Textile
Futures de Central Saint Martins College of Art
and Design en Londres.
LAURA ECHAVARRÍA
fashionlessons.co
Estudió Diseño de Modas en Barcelona y una
Maestría en Comunicación de Moda en el IED
de Milán, Italia. Creó Fashionlessons con la
intención de combinar sus dos grandes pa-
siones, la moda y la escritura, en una bitácora
de experiencias donde la cultura, el estilo de
vida y los personajes más interesantes de la
industria se cuelan en cada artículo. En esta
edición de EXCLAMA, Laura colaboró escrib-
iendo un análisis de la industria de la moda
masculina en Colombia.
GABRIELA DEL VALLE
@gavdelvalle
Guatemalteca, licenciada en Relaciones Inter-
nacionales de la Universidad Francisco Mar-
roquín de Guatemala, con un posgrado en
Gerencia y Gestión Cultural de la Universidad
Del Rosario de Bogotá, Colombia; donde vivió
durante dos años, se enamoró de la locura
artística y cultural, ejerció como gestora cultur-
al independiente para muestras de cine, y
trabajó gestionando fondos para el XII Interna-
tional Conference on Arts & Cultural Manage-
ment -AIMAC-.
Actualmente vive en Guatemala, es gestora
cultural independiente, promotora y coordina-
dora de proyectos culturales para Guatemala,
Colombia y el resto de Latinoamérica. Viajera
y amante del arte, tiene experiencia en coop-
eración internacional, género & cultura.Actual-
mente se desempeña como colaboradora para
la sección de Arte de EXCLAMA.
MARÍA CAMILA PEÑA
camilapenajournalist.com
Periodista, viajera y amante del océano.
Comenzó como reportera en el diario El Es-
pectador en 2007, y desde entonces ha colab-
orado para diferentes publicaciones. Le intere-
san los temas que tienen que ver con el medio
ambiente, la arquitectura, los viajes, la historia
y las realidades humanas. En la actualidad es
bloguera del Espectador.com con Ligera de
Equipaje, un blog sobre viajes, y periodista in-
dependiente.
JUANITA GONZALES CARDONA
cargocollective.com/JuanitaGonzalez
Fotógrafa freelance, cuyo trabajo se centra en
la reportaría grafica y fotografía documental.
Ha colaborado con revistas como Yuxtapoz
Latinoamérica. Actualmente reside en el Reino
Unido y cursa un Master en Photojournalism
and Documentary Photography en la London
College of Communication - University Of The
Arts de Londres.
EXCLAMA
COLABORADORES ED. 29
COMITÉ EXCLAMA EDICIÓN 29
CATALINA ZULUAGA - GUIOMAR JARAMILLO - CESAR LEÓN
ALEJANDRA QUINTERO - JAIME ÁVILA - MARCO PASTRANA
12. EXCLAMA|Número29
12 │ #ALAMEDIDA
ARTE
PLAYGROUND James Mollison nació en Kenia y creció en Inglaterra, donde estudió fotografía y cine en el
Newport School of Art and Design. Su último libro, Playground, publicado y expuesto por la
Fundación Aperture está compuesto por fotografías tomadas en distintas escuelas alrededor
del mundo; la serie aborda problemáticas sociales, culturales y ambientales a través de
imágenes que parecen retratar el juego inocente de los niños en el recreo.
A partir de la nostalgia producida por los recuerdos de su infancia, Mollison emprendió un viaje
por Argentina, Bhután, Bolivia, Estados Unidos, India, Inglaterra, Israel, Italia, Kenya, Nepal,
Links de interés: www.jamesmollison.com
Arte~Playground
14. EXCLAMA|Número29
14 │ #ALAMEDIDA
HENRIQUE OLIVEIRA,
UNA GRIETA EN LA REALIDAD
Arte~HenriqueOliveira,unagrietaenlarealidad
ARTE
14 │ #ALAMEDIDA
01
Escrito por Gabriela del Valle
Link de interés: www.henriqueoliveira.com
15. EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 15
Henrique Oliveira, artista brasileño polifacético, presenta a
través de una entrevista exclusiva para EXCLAMA sus obras,
a través de las cuales el espectador se transporta a mundos
desconocidos de sensaciones inesperadas, texturas y olores
particulares provinientes de los restos de un material urbano,
que toma nueva vida gracias a su quehacer artistico.
¿Cómo se inició en el arte?
Empecé como autodidacta debido a mi pasión
particular por el dibujo, que pasó gradual-
mente a la pintura en papel y luego al lienzo.
Aunque mi relación con el lenguaje visual fue
muy fuerte desde la infancia, me tomó un
tiempo entender que lo que me gustaba
hacer no tenía por qué encajar en cualquier
área de producción; así que empecé a con-
siderar trabajar como arquitecto, dibujante y
publicista, hasta que un día fui por primera
vez a una exposición de un amigo y vi que
era posible hacer de la imagen bidimension-
al una profesión.
A mis 23 años decidí no sólo pintar sino, a
demás, dejar a un lado la presión de la gen-
te que decía que debía buscarme “un traba-
jo de verdad”. Entonces, pasé dos años
pintando todos los días; luego decidí estudi-
ar arte en la Universidad de São Paulo, donde
se llevó a cabo mi formación como artista. A
partir de ahí fue un proceso natural de des-
cubrir el conocimiento, de los nuevos medios
y la inmersión en el mundo del arte contem-
poráneo.
¿Cuéntenos un poco sobre el proceso de
creación de sus impresionantes escultu-
ras e instalaciones? ¿Cómo las con-
struye?
Actualmente utilizo diferentes materiales que
van más allá de las hojas de madera contra-
chapada que marcaron mi trabajo de insta-
lación desde el inicio. Pero antes de descri-
bir cómo construyo las piezas de hoy, creo
que es importante contar un poco más sobre
el inicio de este proceso.
En el año 2002, después de pasar un año
en Londres, hice algunos experimentos con
tablas que recogí de la calle: diseñé una
estructura geométrica irregular ascendente
a través de la pared, del suelo al techo, que
luego recibió una pintura orgánica con trans-
parencias. Al año siguiente fui desarrollando
la pintura centrándome en la superficie y
empecé a pintar en las piezas de madera
contrachapada que me provocaron un interés
en la superficie rigurosa de estos materiales
utilizados. Entonces empecé a unir dos o
más placas para componer un soporte frag-
mentado que recibió pintura hecha con cera
de abeja y aceite.
Mientras crecía mi interés en las diferentes
superficies, empecé a notar una valla que se
deterioraba en un edificio enfrente del depar-
tamento de artes de la Universidad de Sao
Paulo, donde estudiaba en ese momento. A
finales de ese año, cuando se completó el
edificio y las vallas fueron removidas de su
lugar, tomé algunas de ellas e hice mi prim-
er collage arquitectónico, el cual se expandió
a través de la pared que llenaba un nicho
entre dos pilares. A partir de ahí empecé a
construir superficies de retazos de madera
contrachapada, que llenaban los espacios
que eran tensados contra la pared. Al prin-
cipio el trabajo era plano, luego, en un pro-
ceso gradual, experimenté con la tridimen-
sionalidad en las diversas superficies.
Inicié con la adición de material estructural,
lo que me permitió subvertir los límites es-
trictos de las antiguas placas de madera
contrachapada sin renunciar a sus cualidades
pictóricas que tanto me interesaban. En los
siguientes tres o cuatro años, elementos
como tubos de PVC, por ejemplo, hicieron
posible la construcción de volúmenes redon-
deados. Finalmente otras técnicas tales como
el uso de cartón con adhesivo permiten un
mayor control sobre la conformación y aca-
bado esencial para la producción de objetos
más pequeños. Hoy en día utilizo básica-
mente la misma técnica de construcción y
los volúmenes de las piezas pueden provenir
de diferentes materiales como el caucho,
metal, tela, etc.
¿Cuál es su método de trabajo?
Realizo muchos dibujos, así cuando tengo
que definir algún proyecto puedo contar con
un buen repertorio de posibilidades. Algunos
trabajos requieren un diseño estricto desde
su inicio, mientras otros llevan un material
improvisado o son más libres en la forma.
Como ejemplo del primer caso son las obras:
Coisa (Cosa) de 2008; Carcassa (Carcass)
de 2014 y Abcesso de Beco (Acceso al
Callejón) de 2011.
El ejemplo más característico de la segunda
posibilidad es la serie Xilempastos. En esta
serie, busco una ampliación de la noción de
la pintura a través de la técnica del collage
de capas de madera policromada de mo-
delado con volúmenes masivos de cartón y/o
estructuras de madera contrachapada ator-
nillando cintas flexibles. Es una serie que
comenzó como una instalación temporal y
se convirtió en parte de la pared como un
objeto pictórico. En Xilempastos la forma de
la escultura se guía por la idea de una sus-
tancia viscosa (no líquido ni sólido), como un
aceite pastoso que podría crecer y transfi-
gurarse en otro dispositivo capaz de producir
una experiencia sensorial –una sustancia
dura y con la idea de un estado de goteo-.
Si bien estas obras son parte de un grupo
que viene de adentro hacia afuera, es decir,
ideas que se materializarán a través del
mundo, en otros, como el primer tipo que he
citado, es una situación común donde voy a
recoger los materiales, objetos encontrados
que funcionan como un disparador para una
nueva idea.
¿Por qué reinventar los materiales de las
calles?
Mi mirada sobre el material de la ciudad
proviene de mi interés por la pintura, y parte
de analogías del plano pictórico moderno y
las superficies de la ciudad de Sao Paulo.
Los temas de mi interés comenzaron a con-
cretarse a través de objetos, de cubos y lotes
vacíos.
Los temas recurrentes en mi trabajo se refi-
eren a la carne, lo orgánico, la muerte y la
descomposición; los materiales recolectados
del contexto urbano han demostrado una
buena analogía con el cuerpo humano: asti-
llas de madera se han transformado en
músculos y piel muerta, espumas sintéticas
se convierten en pus, tumores de hojalata
oxidada proponen una correlación entre el
desorden del cuerpo humano y la margin-
ación de las poblaciones urbanas pobres. El
aparato represivo del Estado trata de luchar
sin éxito y las clases dominantes de Brasil
siempre evitan mirar de frente. Pero también
tengo un trabajo más optimista de la rege-
neración de estos materiales donde, por
ejemplo, la madera utilizada por el ser hu-
mano, después de desecharse, toma de
nuevo la forma de los árboles.
Es evidente que tiene una fuerte relación
con la naturaleza. ¿Cómo llegó a ser
parte de su inspiración?
Nací y crecí muy cerca de la naturaleza. En
mi ciudad natal, había ríos y bosques a dónde
solía ir los fines de semana. Cuando me
mudé a Sao Paulo, a los 16 años, me sentí
sofocado; cada vez que podía salía de la
ciudad hacia la playa o al campo en las
afueras de la urbe. Fue en la Universidad
que empecé a aceptar la idea de vivir en una
metrópoli. En ese momento, comencé mi
trabajo de instalación y experimenté el perío-
do más urbano de mi vida; sin embargo, creo
que la experiencia con la naturaleza de al-
guna manera se refleja en mi trabajo.
¿Qué ve a través de sus obras ya termi-
nadas?
Un aspecto importante de la obra es la irre-
ductibilidad a una interpretación cerrada.
Arte~HenriqueOliveira,unagrietaenlarealidad
16. EXCLAMA|Número29
16 │ #ALAMEDIDA
Aunque utilizo conceptos para hablar de mi
trabajo, creo que estas ideas, que vienen
del autor, no representan más que interpreta-
ciones entre otras interpretaciones. ¿Qué se
puede probar más allá de una intención?
Sería muy frustrante terminar un trabajo y
que éste no revele algo más allá de lo que
queremos expresar. Siempre hay un factor
imponderable que aparece después de la
conclusión de una obra; es una especie de
coeficiente de error que corresponde a una
diferencia entre el punto de partida y lo que
alcanzó. Creo que es en este espacio vacío
en donde se revela algo que no se puede
decir. Es una mezcla de frustración por no
hacer lo que se pretendía y una sorpresa
cuando descubres las posibilidades que
puede tener la obra ya terminada (o en pro-
ceso de producción).
¿Qué significa para usted que el público
pueda tocar, oler y sentir tus obras de
arte?
Algunos caminos han llevado mi producción
a poder acercarse a las experiencias sen-
soriales. Son piezas de inmersión, donde se
invita al público a entrar en la obra; una
mezcla entre experimento de arquitectura y
escultura. Estas obras a menudo se presen-
tan a sí mismas como experiencias más que
como objetos visuales. Hice unas seis obras
como esta; la última, Transarquitetônica
(2014), creo que fue quizá la más cercana
al éxito.
El aspecto sensorial aparece como conse-
cuencia de la forma en que el trabajo se
realizó más que por su principal objetivo.
Cuando el público entraba en la sala del
Arte~HenriqueOliveira,unagrietaenlarealidad
02
03
17. EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 17
Museo de Arte Contemporáneo de Sao
Paulo, la podía ver desde arriba, desde el
mezzanine. A pesar de que la obra estaba
hecha de partes distintas, todo el trabajo era
parte de un mismo cuerpo. A diferencia de
muchos de mis trabajos anteriores, éste no
establecía una conexión física con la arqui-
tectura, y aunque la obra fue concebida
específicamente para este lugar, pues rode-
aba y envolvía las columnas del edificio, era
posible percibir que era un objeto “colocado”
en el lugar. Al caminar dentro de la obra era
posible ver las paredes, las formas, las tex-
turas; cuando las personas entraban se
perdía el tamaño total de la obra y se sentía
una discontinuidad del espacio del edificio,
en cuestión de segundos el espectador es-
taba en un universo totalmente diferente.
Cuando estamos en una isla, bosque o una
cueva, tenemos la sensación de la ruptura
del día a día. En un trabajo como este, la
ruptura de la realidad era reforzada por la
inmediatez del pasaje. Rosalind Krauss
utiliza un término para describir una situación
diferente, pero con consecuencias similares,
en un capítulo sobre el surrealismo del libro
Caminos de la escultura moderna: “Grieta
en la realidad”. Creo que este es el tipo de
sentimiento que el público puede tener cuan-
do las personas atraviesan estos espacios
de mis obras. Mientras el camino requiere
una temporalidad que hay que recorrer,
también llama a otros sentidos como el oído,
el tacto y el conocimiento del cuerpo en las
partes más inestables e irregulares.
La obra también puede verse como un ob-
jeto visual descansando en un determinado
espacio; y éste no es un espacio cualquiera,
no es cualquier museo, es uno de los lugares
más emblemáticos del arte moderno en
Brasil. La pieza se comporta como una ar-
quitectura dentro de otra arquitectura, o más
bien como una “desarquitectura” que sería
el “Ideal de un Brasil moderno”; obviamente
este ideal está lejos de la realidad y lo que
el Transarquitetônica revelaba –de las pare-
des blancas de la primera habitación hasta
las formas más precarias de vivienda que
van a las cuevas, las viviendas humanas
tempranas después del hombre-mono bajo
las ramas de los árboles-, que era una ruta
espaciotemporal en conjunto.
Una dimensión casi narrativa le dio menos
carácter literario del que tenía, debido a su
naturaleza de “espacio-en-transformación”.
En un extremo había una geometría regular,
clara, lógica, racional –pilar de la ciencia y
la tecnología-. Por otro lado estaban los
caminos tortuosos de la naturaleza, la im-
previsibilidad de la vida. El público podía ir
dentro de Transarquitetônica, si quería, a
través de sus materiales con sus diferentes
olores, estabilidad, texturas y sonidos. Todo
era herencia de materiales usados: paredes
blancas luminosas, bloques industriales,
edificio de ladrillo rústico en barro y paja,
estructuras de madera contrachapada que
se convirtieron en caminos cavernosos y en
la maraña de ramas de árboles al final de la
ruta.
¿Qué artistas forman parte de su inspir-
ación?
Hay muchos artistas que me inspiran y que
varían en el tiempo. Podría nombrar algunos:
Van Gogh, Hieronymus Bosch, Franz Kafka,
William Turner, Hélio Oiticica, Bob Dylan,
Alfredo Volpi, Milton Nascimento, Gimarães
Rosa, Frank Auerbach, Francis Bacon, Car-
los Fajardo, Herbie Hancock, Caetano Ve-
loso y muchos otros.
¿Cuáles son algunos de sus proyectos
futuros?
Actualmente me encuentro trabajando en
una pintura grande para un aeropuerto en
Estados Unidos, también en algunas obras
que presentaré en octubre en una exposición
individual en París y otra en Houston, en
noviembre.!
EXCLAMA|Número29
Baitogogo | 2013 | Palais de Tokyo, Paris - France
| detail. Photo: André Morin.
Carambóxido | 2012 | Museum of Contemporary
Art, Cleveland-USA | burnt plywood, pigments,
PVC, tin, rubber and found objects | 4,57 x 5,79 x
9,44m. Photo: Courtesy Galeria Millan
Alley Abscess | 2011 | Favela da Maré (Projeto
Travessias), Rio de Janeiro-Brazil | found materials
(foam, fiber glass, metal, wood, plaster, cement) |
5 x 3,5 x 1,8m. Photo: Courtesy Galeria Millan
Transarquitetonica | 2014 | Museu de Arte
Contemporânea, São Paulo - Brazil
wood, brics, mud, bamboo, PVC, plywood, tree
brunches and other materials | 5 x 18 x 73 m
photo: Everton Ballardin.
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03.
04.
18. EXCLAMA|Número29
18 │ #ALAMEDIDA
RUIDO VISUAL Y
PAISAJES PLÁSTICOS
Miguel Kuan habla acerca de su práctica artística en la que
el material reciclado juega el rol principal, y la concepción de
paisaje se re-significa desde lo que fue y ya no es.
Fotos Cortesía de Valenzuela Klenner Galería
La obra de Miguel Kuan es concebida a
partir de materia no convencional, como lo
es, en este caso, la basura. En su serie
Culto Sanguíneo, realizada entre los años
2013 y 2015, el artista crea esculturas cinéti-
cas de pequeños zancudos a través del
ensamblaje de jeringas recicladas y piezas
electrónicas, que, al entrar en contacto con
la pared cobran vida, clavando las agujas
sobre la superficie, como si la estuviese pi-
cando. Es por medio de esta acción que
Kuan consigue re-significar el material, que,
bajo nuestra concepción contemporánea, ya
ha perdido toda utilidad. Sin embargo, el
ensamblaje le da una nueva vida, tanto en
términos literales, al crear una pieza que se
mueve como si fuese un zancudo que su-
cciona sangre, como en cuanto al re-uso de
la materia que desde el arte se enfrenta a
un abanico de posibilidades plásticas.
Los zancudos de Culto Sanguíneo, como
bien lo expresa el artista, son paisajes de lo
que fue y ya no es; jeringas que además
cargan con una connotación de consumo,
en un sentido, así como de cura y enferme-
dad en otro. Del mismo modo, el ensambla-
je de la materia reciclada y el hecho de que
ésta cobre vida en una suerte de puesta en
escena cinética, genera un ruido visual, que,
sin duda es una de las características más
fuertes de la obra de Kuan. Su producción
no pasa desapercibida, no sólo porque hace
alusión a la naturaleza de materiales que se
transforman, sino porque éstos, al ser ma-
nipulados, se deforman y crean una estética
ruidosa que, por lo mismo, apela a la cultu-
ra contemporánea y sus problemas arraiga-
dos de consumismo, exceso, al mismo tiem-
po que al deseo por lo artificial.
¿Qué lo mueve a hacer arte?
Creo que para mi es un impulso vital, parte
de mi esencia. Desde que recuerdo ensam-
blo cosas, ya sea por entretenimiento o para
conocer el mundo, supongo. La materia con
la que trabajo me sugiere sensaciones e
ideas que materializo a través de su ensam-
blaje. En general me gustan las labores
manuales y la verdad al hacerlas me siento
bastante cómodo.
ARTE
20. EXCLAMA|Número29
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DISEÑADORES
EN COLOMBIA
EXCLAMA DE LA MANO DE INEXMODA SE DIO A LA TAREA DE REUNIR,
EN EL MARCO DE LA SEMANA MÁS IMPORTANTE PARA LA MODA
COLOMBIANA, A CINCO DE LOS DISEÑADORES QUE PRESENTARÁN SUS
COLECCIONES EN LAS PASARELAS DE PLAZA MAYOR EN MEDELLÍN.
DARÍO CÁRDENAS, KIKA VARGAS, DAVID ALFONSO, CARLO CARRIZOSA
Y LAURAACEVEDO DE PAPEL DE PUNTO FUERON LOS ESCOGIDOS PARA
CONVERTIRSE EN ELABREBOCAS DE LO QUE EN MATERIADE PRENDAS E
INNOVACIÓN SE VERÁ EN LACAPITALANTIOQUEÑA. DISEÑO YTALENTO
100% COLOMBIANOS.
Fotos Retratos: Cámara Lucida
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Los5~DiseñadoresparaColombiamoda
CARLO CARRIZOSA
Este creativo diseñador revitaliza el antiguo
legado de los tejidos colombianos con un
mensaje claro de valoración al lujo en esta
ocasión. Prendas que nacen a partir de
formas geométricas básicas llegan al punto
de convertirse en una colección de líneas
minimalistas y seductoras. El rectángulo
reconstruido, moldeado y exaltado, fue
el punto de partida para generar nuevas
siluetas saliéndose un poco del formato de
sastrería tradicional europea, conservando
los detalles que ésta posee.
El lujo es presentado en cada una de las
piezas, las cuales conservan elementos
visuales asociados a la identidad de
Carrizosa dibujados en materiales como el
telar hecho cien por ciento en algodón, el
cuero, la seda, y otros más experimentales
como el cordón de palma. Sin lugar a duda
una colección con acabados exquisitos
para mujeres fuertes seguras de sí mismas.
EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las
personas de esta colección?
Carlo Carrizosa: Una nueva interpretación
de la mujer sexy con poder. El ser sexy no
necesariamente debe tener los mismos
estándares por los cuales muchos de los
diseñadores colombianos se guían, sino
que se puede ser sexy de una manera
diferente; eso tiene que ver con un estado
mental, con seguridad, poder y fortaleza.
22. EXCLAMA|Número29
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KIKA VARGAS
Cuando Italia y Japón se encontraron,
nació SAKURA, la nueva colección de la
bogotana Kika Vargas. Siguiendo un poco
con la línea floral y ultra femenina que
caracteriza a la diseñadora, su más reciente
colección retrata el balance entre el oriente
y occidente, a partir de formas provenientes
de la indumentaria geisha y samurái.
Sakura, es la costumbre japonesa de
ver los cherry blossoms florecidos; es
precisamente esa transformación lo que
la nueva colección trae preparado para
Colombiamoda. La disciplina de la cultura
asiática y la precisión de los detalles se
mezclan con la fluidez de la seda y el trabajo
a mano de la alta costura italiana para dar
como resultado una mujer definida, segura
de sí misma, única y exclusiva.
Esta es la segunda vez que Kika participa
en Colombiamoda, esta vez por medio de
una historia que enfatiza muchos de los
rasgos que han caracterizado sus diseños.
Mezcla de colores, intervención manual de
las bases textiles, y una silueta propositiva.
EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las
personas de esta colección?
Kika Vargas: Una experiencia. Estamos
trabajando en conjunto con Glade (marca de
aromatizantes), para hacer todo realmente
mágico. La colección será presentada
en un desfile que apela a los sentidos,
apoyándose en las flores y los aromas.
Es una colección que no resulta obvia; lo
último que quiero ser es obvia.
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Los5~DiseñadoresparaColombiamoda
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DARÍO CÁRDENAS
Para esta ocasión, el talentoso diseñador
bumangués presentará una colección
especial en colaboración con la línea de
calzado deportivoANew Balance, una unión
dada gracias al interés en común de ambas
marcas por preservar un mensaje al mismo
tiempo que se conserva una estética. Bajo
el hashtag #AndoConMisNewBalance, la
colección se torna en una forma comercial
de llevar un discurso capaz de traspasar
fronteras: irreverencia, feminidad, futuro y
por supuesto, buen gusto.
La inspiración llegó en un momento
revelador en la vida de Darío, pues fue en
un momento oscuro, que cayó en cuenta
del bombardeo de información por el que
atraviesa la sociedad y su colección tomó el
rumbo necesario.
En una época donde la línea divisora
entre lo que es real y lo que es mentira se
ve desdibujada, nacen piezas a partir de
una explosión de estampados, prendas
que nos hablan de la importancia de
volver a lo natural, y dejar de lado la
confusión producida por tanta información.
El mensaje se pone en evidencia en
materiales muy sport chic; algunos como el
skuba, el neopreno y el fabritech se ponen
en contraste con materiales naturales
como el algodón. Éste es un llamado a la
consciencia para recobrar nuestra libertad.
EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las
personas de esta colección?
Darío Cárdenas: Le apuesto a lo comercial,
para mí lo importante es generar discurso
y debate a través de una prenda, no puede
ser sólo una prenda bonita sino que debe
tener un mensaje.
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Los5~DiseñadoresparaColombiamoda
LAURA ACEVEDO (Papel de Punto)
Las prendas de vestir se convierten en
amuletos capaces de empoderar gracias al
trabajo de Papel de Punto. Compuesta por
una diseñadora y un arquitecto, esta marca
mezcla lo mejor de ambos mundos para dar
con siluetas limpias muy geométricas y de
cierta forma, un tanto arquitectónicas.
La marca colombiana compuesta por los
bogotanos Laura Acevedo y Felipe Guerra,
trae a las pasarelas “A m u l e t o”, una
colección nacida a partir de un viaje a México
que los creadores de la marca realizaron
hace poco. El sentido de pertenencia de los
mexicanos inspiró ese sentimiento de “grito
latino”, con el cual buscan encontrar iconos
latinoamericanos con voz internacional.
Como un juego de contrastes llega esta
colección a partir de hilos tejidos, calados,
mayas y transparencias; una vibra muy
minimal en contra posición con elementos
recargados como los flecos. Estampados
(característicos de la marca), como el fénix
y el jaguar, narran en forma de metáfora la
vida, la muerte y el renacer.
EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las
personas de esta colección?
Laura Acevedo: Esperamos que con esta
colección las personas puedan llegar a
sentirse muy orgullosos de tenernos como
diseñadores; y al mismo tiempo se den
cuenta que vale la pena apoyar el talento
local y la identidad latinoamericana.
25. EXCLAMA|Número29
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Los5~DiseñadoresparaColombiamoda
DAVID ALFONSO (Erikó)
Los colores vibrantes y propuestas
arriesgadas han sido parte de Erikó desde
los inicios de su marca, esta vez, con
el ánimo de dejar los clichés a un lado,
David Alfonso ha decidido crear una nueva
colección desde otro punto de vista. El
color, inevitable componente de la marca,
sigue estando presente, sin embargo,
esta vez hay espacio para otros tonos con
menos intensidad; por ejemplo, el negro,
gris y blanco entran a jugar un nuevo papel.
Esta colección, considerada por David
como “atemporal” hará énfasis en prendas
y trajes de cortes clásicos elegantes:
gabardinas, abrigos, smokings y una
versión desestructurada de la camisa,
ideales para los hombres que quieren
preservar su estilo arriesgado mientras
demuestran toda su elegancia. Hombres
viajeros, sociales, capaces de acomodarse
a situaciones y climas diferentes. En cuanto
a materiales, las personas podrán ver
prendas en pieles sintéticas, paños usados
en camisas, yacarés, y experimentación
con telas de decoración y mobiliarios.
EXCLAMA: ¿Qué pueden esperar las
personas de esta colección?
David Alfonso: Asombro. Espero que con mi
nueva colección las personas se choquen
para bien o para mal, la idea es dejar huella
en Colombiamoda y jugar siempre con ese
factor sorpresa
26. EXCLAMA|Número29
26 │ #ALAMEDIDA
DISEÑO
ARTESANOS DEL DISEÑO
Zim and Zou son dos artistas franceses geniales cuando de trabajar con sus
manos se trata. Su trabajo resulta algo poco convencional en una industria
donde predomina lo digital sobre su fuerte, lo artesanal.
Escrito por Susana Cheng Fotos Cortesía Zim and Zou
Link de interés: www.zimandzou.fr
¿Cuál es el principal motivo por el que
decidieron trabajar con materiales tradi-
cionales como papel, tijeras y pegante?
La razón es básicamente la diversión. Nos
sentíamos más felices trabajando con ma-
teriales tangibles, así que decidimos irnos
por este camino. Nos encantaba ver cómo
los objetos iban tomando forma lentamente
después de muchos días de trabajo. Es un
proceso supremamente largo pero es muy
gratificante. Además, los dos fuimos niños
muy creativos y tal vez por esto amamos
este universo que algunos podrían consi-
derar “infantil”.
¿Como artistas contemporáneos, cuales
creen que son las ventajas o desventajas
al dejar de lado el uso de la tecnología o
las herramientas digitales en lo que con-
cierne a su trabajo?
En nuestro trabajo tratamos de utilizar herra-
mientas sencillas para crear una instalación:
cortadores, lápices, papel, un compás. Que-
remos que todo sea claro simple y sencillo;
pero, sin duda, hay un elemento tecnológico
que hace parte de lo que hacemos porque
programas como Illustrator ó Sketchup son
las herramientas que nos permiten construir
un objeto al delinear los patrones. Entonces,
podríamos decir que es indispensable ser un
diseñador polivalente. El problema principal
cuando trabajas con materiales reales (como
cuero o papel) es que cualquier error, por
mínimo que sea, implica tener que reconstru-
ir todo el objeto de cero, nuevamente.
¿Creen que en algún momento lo digital
va a predominar el mundo del diseño?
No lo creemos. Hay suficiente espacio para
el trabajo digital y el manual o artesanal.
Además, hay puentes que indudablemente
unen ambos campos; se inspiran mutua-
mente. Esto es muy evidente en las vitrinas
del diseñador Tokujin Yoshioka. En la insta-
lación realizada para la Maison Hermés, el
artista logró que un respiro proveniente de
la imagen en movimiento de una niña hiciera
mover una bufanda. Hoy en día, cuando el
efecto 3D puede llegar a parece más real
que la realidad misma, creemos que puede
ser súper refrescante disfrutar diseños
hechos con materiales reales, con todas sus
imperfecciones.
¿Cuales son los retos más grandes y las
ventajas de trabajar con papel o cuero?
El reto más grande, a pesar del tiempo, es
lidiar con las “limitaciones” de la vida real.
Cuando trabajamos en esculturas hechas
en papel, especialmente en el tema del
volumen, las medidas y los cortes deben ser
absolutamente precisos. Si te pasas un par
Diseño~Artesanosdeldiseño
27. EXCLAMA|Número29
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de milímetros puedes destruir todo el objeto.
Además, el reto también está en la escala. Tenien-
do en cuenta el tamaño de una vitrina, que es
supremamente grande, los objetos también deben
tener un tamaño significativo. El papel es un ma-
terial muy fragil y se puede volver una pesadilla
cuando se trata de construir un monstruo de dos
metros de altura. Más allá de esto, el tema del
transporte puede ser un gran inconveniente. En
este momento, la logística de enviar nuestras
creaciones desde Francia para una vitrina en Hong
Kong requiere ser súper cuidadosos, pues el daño
de una sola pieza puede afectar todo nuestro
trabajo.
Por otro lado, el trabajo en cuero, que llevamos a
cabo por primera vez para Hermès, fue más difícil
pues hacer los cortes sobre cuero es mucho más
complejo que hacerlos en papel. Sin embargo,
nunca habíamos tenido resultados tan alucinantes
al hacer esculturas de animales; la luz, las textu-
ras y los colores le dieron vida a cada una de las
creaciones.
¿Hay algún gran aprendizaje al trabajar con
marcas de alta gama como Hermès?
Es una gran oportunidad trabajar para Hermès
pues la mayoría del tiempo nos dan libertad total
para hacer lo que queramos; esto abre la posibi-
lidad de proponer muchas ideas y de pensar en
diferentes caminos respecto al diseño. Son muy
respetuosos cuando se trata de nuestra creativi-
dad; por encima de la necesidad de mostrar sus
productos. También hacen todo a su alcance para
que la creación sea posible y todo se haga de la
mejor manera, con los más altos estándares de
creatividad y de calidad. Esto, por otro lado,
también genera una gran presión. Todos nuestros
objetos están hechos a mano y deben ser perfec-
tos y además visibles desde todos los ángulos.
La calidad debe ser supremamente alta.
Diseño~Artesanosdeldiseño
NOS SENTÍAMOS FELICES
TRABAJANDO CON
MATERIALES TANGIBLES,
ASÍ QUE NOS DECIDIMOS
POR ELLOS
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WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 29
¿Cómo terminaron en EXPO MILANO 2015
y por qué con un proyecto tan puntual
como EDIBLE MONSTERS?
La Rinascente (exclusiva tienda por departa-
mentos) nos contactó para crear unas vitrinas
especiales para la inauguración oficial de
Expo 2015 Milano. El proyecto se realizó
alrededor del tema principal de la expo, que
es “Alimentar el Planeta, Energía para la
Vida”. Fue una gran oportunidad para que
pudiéramos hablar de un tema muy importante
para nosotros. El cliente nos pidió un concep-
to que fuera nada menos que impresionante
por lo que se nos ocurrió recrear, en cada
una de las vitrinas, escenas que hicieran
alusión a los excesos de la industria alimen-
ticia. Así, las vitrinas son un recorrido por el
tema de GMO’s, inecticidas, manipulación
genética, etc.
¿Cómo creen que estar en EXPO MILANO
2015 con su exhibición genera conscien-
cia sobre estos excesos en la industria
alimenticia?
Realmente este es solo un pequeño gesto de
nuestra parte. Es una forma en la que
podemos identificar algunos de los errores o
peligros de una manera creativa; el solo hecho
de hacer evidentes las elecciones que
hacemos es una invitación para que pense-
mos en las consecuencias que tiene el exceso
sobre la salud y la naturaleza.
¿Alguna vez han pensado en trabajar en
Sur América?
Es posible que muy pronto tengamos un
proyecto en suramérica, pero por el momento
no podemos revelar muchos detalles. Esta-
remos dando una conferencia y un taller en
Perú dentro de unos pocos meses y realmente
estamos muy felices de poder compartir nues-
tras experiencias y nuestro trabajo en este
maravilloso lugar. Ahora, si pudiéramos
escoger, no dudaríamos en decir que una
exhibición por toda latinoamérica sería genial.
Teniendo en cuenta que las posibilidades
de su trabajo son infinitas ¿cuál sería el
proyecto de sus sueños?
El proyecto de nuestros sueños sería hacer
algo más grande que cualquier cosa que
hemos hecho antes. Crear unos objetos
dentro de un espacio que generen una expe-
riencia realmente immersiva – Por ejemplo,
cubrir todo un gran salón o edificio con objetos
de papel y otros materiales para que la gente
ingresara y se perdiera en ellos, sería lo
máximo.!
Diseño~Artesanosdeldiseño
EL PROYECTO DE NUESTROS SUEÑOS
ES CREAR OBJETOS QUE GENEREN UNA
EXPERIENCIA IMMERSIVA
30. EXCLAMA|Número29
30 │ #ALAMEDIDA
HOMBRE + MODA:
COLOMBIA PROPONE
El hombre y la moda son cada vez una conjugación más común en
Colombia , un nuevo horizonte que traerá grandes beneficios a ésta
importante industria en expansión.
Moda~Hombre+Moda:Colombiapropone
MODA
Escrito por Laura Echavarría Fotos Cortesía MonyVelarde, Orozco, Tebanos, Atellier Crump
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Neo-tradicional y clásico son dos de los
adjetivos que más se usan para calificar
el estilo masculino en Colombia, en una
industria que comienza a tomar protago-
nismo en el mundo entero aquí apenas
estamos dando los primeros pasos, y
aunque decir que los hombres colombianos
tienen un estilo definido sería una mentira,
sabemos que algo se está cocinando.
Para poder comprender la evolución del
vestir masculino a nivel local, primero debe-
mos entrar en contexto y entender cómo
ha sido la evolución de éste. El historiador
William Cruz Bermeo (quien realizará una
exposición en Medellín sobre la evidencia
del estilo europeo en la capital antioqueña
el próximo mes de agosto), analiza en el
vestuario masculino una evolución lenta
que se ha visto afectada, sobretodo, por la
percepción de la masculinidad en la socie-
dad Colombiana. Es por esto que durante
muchos años la moda estuvo relegada sólo
al género femenino y el hombre se veía
obligado a vestir casi siempre igual o con
opciones muy limitadas, debido a su
posición de hombre de trabajo y nada más.
La música también influye directamente
sobre la manera de vestir. En Colombia,
específicamente a finales de los años 70,
vivimos la primera ruptura cuando el traje
de tres piezas comenzó a convivir con
prendas más relajadas y descomplicadas
que venían gracias a la apertura musical
de la época, desde subculturas como los
mods, rockers y punks, corrientes creadas
alrededor de la música en Inglaterra y
Francia. Pero realmente todo cambia con
la llegada del narcotráfico al país en los
años ochenta y noventa, lo que trae grandes
influencias de Miami e Italia, inundando de
tintes coloridos y floreados a los hombres
colombianos.Apartir de entonces es posible
Moda~Hombre+Moda:Colombiapropone
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32 │ #ALAMEDIDA
hablar de una era post moderna en la moda
masculina, en la que el hombre adquiere una
mayor permisividad a nivel sartorial.
El siglo XXI está marcado por un gran cam-
bio en la percepción que el hombre tiene de
su rol masculino y por ende de su ropaje,
perdiendo el miedo a crear sus propias his-
torias a través del vestir y reclamando su
derecho a hacer uso de la moda, para así,
como las mujeres lo han hecho durante dé-
cadas, crear un lenguaje visual en su diario
vivir. Esto lo percibe la industria, y no por
nada hace dos años se instauró oficialmente
el Mens Fashion Week en Londres y Milán,
y Pitti Uomo, la feria más importante para
éste género, ha crecido notablemente en los
últimos años tanto a nivel mediático como
económico.
En Colombia y gracias a la apertura estilísti-
ca que venimos viviendo en los últimos años,
los hombres comienzan a tener más concien-
cia sobre su imagen, y la percepción del buen
vestir o de un estilo propositivo ha dejado
de estar ligado con feminidad.
Para el estilista Colombiano Felipe Espinosa,
quien lleva 20 años en la industria, hoy en
día cohabitan lo clásico y lo moderno, y las
publicaciones y redes sociales han ayudado
a que la mente de los hombres se expanda
hacia nuevos horizontes en materia de esti-
lo. Por otro lado las marcas comerciales se
arriesgan cada vez más en cuanto a siluetas
y combinaciones y el consumidor parece
estar aceptando cada vez más nuevas pro-
puestas. Así pues el comprador colombiano
está cada vez más informado a través de
medios digitales e impresos y por lo tanto la
oferta tiene que responder a esto, pero la
industria colombiana apenas comienza a dar
sus primeros pasos, y aunque son cada vez
más los nuevos creadores dedicándose al
vestuario masculino, aún hace falta mucha
tela por cortar.
La diseñadora paisa Marta Gaviria, creó su
marca Mon y Velarde hace seis años con la
EN COLOMBIA Y GRACIAS A
LA APERTURA ESTILÍSTICA,
LOS HOMBRES COMIENZAN
A TENER MÁS CONCIENCIA
SOBRE SU IMAGEN
Moda~Hombre+Moda:Colombiapropone
33. EXCLAMA|Número29
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intención de proponerle al hombre local un
vestuario con detalles que marcan la diferen-
cia. Para ella, el hombre colombiano coexiste
en una dualidad entre querer pertenecer pero
a la vez diferenciarse, y aunque aún está un
poco estigmatizado por las reglas del pasado,
cada vez se arriesga más. Ésta misma per-
cepción es compartida por Jorge Orozco,
creador de Orozco Clothing, quien busca
revivir la tradición del traje hecho a medida,
pero con cambios sutiles desde la constru-
cción de las prendas empapándolos de tintes
de modernistas, y por Lukas Osorio y Alejan-
dro Arias fundadores de Tébanos, la marca
de zapatos y accesorios para hombre que
nace en respuesta la falta de propuestas en
el mercado.
Diana Crump de Atelier Crump es una diseña-
dora que después de trabajar para Hermés,
una de las marcas de lujo francesas con
mayor reconocimiento a nivel mundial, re-
gresó a Bogotá con la intención de conquis-
tar un cliente masculino que buscara lujo en
su vestir, sin embargo entendió que aunque
sí existe una porción creciente del género
que busca invertir en su vestuario, aún es un
mercado poco predecible y decidió expandir
su marca hacia lo femenino, una buena idea
para crecer como empresario en el sector,
pues si algo está claro es que los creadores
también deben pensar en su sostenibilidad y
perdurabilidad en la industria.
Los nuevos creadores buscan generar estéti-
cas para proponer y a la vez suplir la necesi-
dad de un mercado en crecimiento, el cual,
aunque a pasos de tortuga, comienza a ex-
perimentar con su apariencia y está, sin duda,
dispuesto a adueñarse de su estética. Desde
Bogotá, hasta Cali , pasando por Medellín y
Barranquilla, los nuevos diseñadores pierden
el miedo a afrontar el mercado y aprovechar
la oportunidad del crecimiento, que aunque
difícil e impredecible demuestra que el usuario
masculino está cada vez más atento y dis-
puesto a crear su propio imaginario visual,
rompiendo esquemas y reglas que antes
serían impensables.!
Moda~Hombre+Moda:Colombiapropone
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M2MALLETIER:
ESTILO AL CUADRADO
Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado
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MODA
Link de interés www.m2malletier.com Síguelos en Instagram: @m2malletier
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WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 35
M2MALLETIER nació en Barcelona en el
año 2012, como resultado de varias mez-
clas; surrealismo y minimalismo, arquitec-
tura y diseño, pasado y presente, Melissa
y Marcela. Estas dos colombianas unieron
su fuerza creativa cuando se conocieron
hace unos años en Parsons, Nueva York,
escuela donde realizaban sus estudios de
diseño. Cada una tenía un gran recorrido
en la industria, solo era cuestión de tiempo
para que juntas dieran con una marca fuera
de lo convencional, ideal para un mercado
que no se conformaba con lo las propuestas
habituales ofrecían.
Son varias las mujeres que miran estos
accesorios con deseo, así como son varias
en las que la marca se inspira al momento
de crear, como es el caso de la Vizcondesa
Marie-Laurie de Noalilles, una mujer ele-
gante que proyectaba confianza en cada
uno de sus atuendos. Así mismo son varias
las it-girls que han elegido sus carteras para
llevarlas con clase, sosteniendo el asa
metálica que las caracteriza.
Con su nueva colección, el lado más salva-
je de los accesorios toma vida dando un
rugido capaz de traspasar fronteras. Las
raíces colombianas de las dos diseñadoras,
Melissa Lozada y Marcela Vélez, se trans-
forman en extraordinarias piezas geométri-
cas a partir de cuero. EXCLAMA habló con
estas dos creativas e inteligentes mujeres
sobre sus propuestas para la marroquinería
y la moda:
La unión de dos
colombianas con una
misma pasión trajo consigo
la creación de una marca
que hoy es favorita de
celebridades y grandes
personalidades en el mundo.
Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado
37. EXCLAMA|Número29
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EXCLAMA: ¿Por qué escoger corrientes
como el minimalismo y el surrealismo a
la hora de crear accesorios?
M2MALLETIER: Estos dos movimientos nos
han inspirado desde hace mucho tiempo;
han sido un fuerte referente en nuestro
recorrido. Encontramos en ellos un gran
punto de inspiración al ser corrientes tan
significativas, interesantes y estéticamente
motivacionales. El mensaje que nos dejan,
tanto minimalismo como surrealismo, es lo
mucho que se puede encontrar a partir de
algo muy pequeño.
EXCLAMA:¿Qué representa en su traba-
jo, el hecho de tener raíces colombianas?
M2MALLETIER: Tenemos un gran aprecio
y respeto por la artesanía gracias a nuestro
país natal. Nos inspira de Colombia sus
colores y su cultura, de hecho, dentro de
nuestros planes está crear algo totalmente
vinculado e inspirado en Colombia, esto
resultará muy interesante e imperdible.
EXCLAMA: Ustedes han hablando siem-
pre de la Vizcondesa Marie-Laurie de
Noailles como punto de partida para la
identidad de la marca, ¿qué característi-
cas atraparon su atención de este perso-
naje?
M2MALLETIER: Ella era extravagante y
creativa tanto en su vestir como en su per-
sonalidad, logrando siempre sobresalir de
una forma elegante y sobria. Sólo ella logra-
ba hacer de cualquier elemento algo con
clase y hacerlo ver increíble. Definitivamente,
ella era un icono y una visionaria. Cada uno
de estos rasgos están presentes en nuestra
marca, queremos transmitir esa elegancia y
fuerza de la Vizcondesa.
EXCLAMA: ¿Cuáles creen que han sido
sus mayores logros desde que comenza-
ron con M2Malletiere?
M2MALLETIER: Por encima de todo, tene-
mos dos logros de los cuales nos sentimos
muy orgullosas: uno, la calidad en cuanto
materiales y distribución que hemos podido
conseguir, así como la calidad en cuanto
clientes y socios. Dos, el selecto grupo de
celebridades bellas con estilo que siguen
nuestra marca; es un honor que este tipo de
mujeres poderosas sean parte de este pro-
ceso y nos apoyen mientras crecemos.
EXCLAMA: ¿Qué otro tipo de expresiones
culturales han llegado a influirlas o inspi-
rado su trabajo?
M2MALLETIER: No sólo la moda nos
mueve; la arquitectura y el interiorismo son
clave en el desarrollo de nuestra marca y en
los diseños que creamos. Por ejemplo,
M2Malletier está muy influenciado por el
trabajo de Jean Michel Franck (diseñador
de interiores) y Ricardo Bofill (arquitecto).!
Moda~M2malletier:Estiloalcuadrado
MELISSA LOZADA Y MARCELA VÉLEZ
TRANSFORMAN EL CUERO EN
EXTRAORDINARIAS PIEZAS GEOMÉTRICAS
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38 │ #ALAMEDIDA
ESPACIOS DE
MODA MASCULINAFotos por Nicolás Mónico
En una ciudad como Bogotá donde existen cientos de propuestas para la moda femenina, es justo y necesario dar con espacios que
pongan en evidencia el estilo y la elegancia masculina. Varias marcas locales e internacionales le apuestan a este tipo de público: los
hombres que, cada vez más, disfrutan de planear su apariencia mediante un lenguaje especial: la moda.
Lejos de los estigmas y los tapujos, los hombres contemporáneos han decido verse bien para sentirse bien; llegar pisando fuerte a un
lugar gracias a confianza que sus prendas le dan. La apariencia es totalmente importante, ésta refleja gran parte de lo que son las per-
sonas en el interior, pues, querámoslo o no, el armario es la tarjeta de presentación por excelencia, por eso, un hombre que se siente
cómodo expresándose a través de su ropa, es un ganador.
El mercado masculino en la capital colombiana le apuesta a propuestas que van desde lo tradicional y atemporal, hasta lo más juvenil y
arriesgado. Estos son cinco de estos espacios, en donde se habla un lenguaje netamente masculino, lugares apacibles en los que cada
visita se convierte en una experiencia; una opción diferente a la hora de comprar.
WHITMAN
Fotos por Juan Camilo Estévez
Hace casi dos años que los hermanos Felipe y Sebastián Falla se
encuentran dedicados a una marca con la que ellos, y a la vez,
muchos hombres, se sienten identificados: Whitman. El proyecto
nació bajo el concepto de unión de lo natural con lo industrial. En
Whitman, movimientos orgánicos crean los blazers, abrigos, gabanes
y camisetas masculinas expuestas en el showroom ubicado en el
Edificio 1204, a partir de materiales como driles y tejidos de lana.
Felipe viene del mundo del cine y Sebastián del mundo gastronómi-
co; esta parte sensorial de los hermanos hace que cada textura,
color y forma se convierta en una transmisión constante de sensa-
ciones y emociones. Es precisamente ese ambiente creativo y re-
lajado el que se vive en su showroom; un espacio de amigos donde
se puede tomar un trago mientras se disfruta de una buena charla
y unas buenas prendas.
Guiados por el cine expresionista y el juego de los claroscuros, los
colores otoñales nacen en un espacio acogedor. La atmosfera in-
tima y masculina que genera el contraste de la madera, los pinos
y elementos rústicos con los grifos y piezas industriales son la ex-
cusa perfecta para quedarse a disfrutar de las prendas artesanales
que Whitman ofrece.
SARTORIAL CARLOS NIETO
La marca colombiana de ropa masculina Carlos Nieto se ha
convertido en una muestra de tradición y elegancia entre los ex-
ponentes de la moda para hombres. Sartorial es el nombre de la
tienda que cuenta con una propuesta diferente para aquellos que
buscan un traje exclusivo, hecho a la medida, con materiales de
la más alta calidad y la más detallada asesoría al cliente.
En este lugar, cada detalle crea una verdadera experiencia. El
interesado debe hace cita previa (puesto que solo se reciben 4
citas diarias) para llevar a cabo la asesoría de imagen que conl-
leva al desarrollo del vestido. El espacio es idóneo para sentirse
en una visita única, pues acompañados de una bebida, los clien-
tes tienen la opción de ser asesorados en imagen, indagar en
gustos y preferencias, y así dar con el vestido perfecto.
“Hay una química especial en el momento que el cliente llega y
se empieza la asesoría”, dice Carlos Eduardo Martínez asesor de
imagen de Sartorial. “Yo le vendo un intangible, una ilusión.
Después de desarrollar toda la asesoría el cliente sale de la
tienda con un sobre, no con paquetes de compras como lo haría
en una tienda normal.”
Un jardín, una sala de asesoría, una de trabajo y otra de prueba,
son los espacios que dispuestos para que el cliente recorra,
ambientes en los cuales relajarse y llenarse de confianza al mo-
mento de dar con las prendas indicadas.
Dónde: Avenida 19 # 108 – 30
Link de interés: www.carlosnieto.com.co
Dónde: Avenida Calle 82 # 12A – 04 Estudio 402
Link de interés: www.whitmanstore.com
MODA
Moda~Espaciodemodamasculina
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WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 39
JUAN
Hace ocho años, la marca de ropa masculina JUAN abrió sus
puertas en la calle 85 en un pequeño local de la mano de sus
creadores, los hermanos Gustavo y Viviana Lozano. Tiempo después,
y tras darse cuenta de la necesidad de un espacio más grande,
decidieron habitar una casa en Chapinero, que llenaron con su
particular estilo rocanrolero. Evitando lo esperado y buscando dif-
erenciarse, cada detalle fue pensado para ofrecer a sus clientes la
experiencia indicada.
Más allá de ser una marca de ropa, JUAN es un estilo de vida que
involucra arte, diseño, música. Ese mismo estilo está presente en
cada prenda, por eso cada visita a la tienda es una visita a un
amigo; éste es un lugar donde las personas se sienten cómodas
sin perder un solo detalle de la ropa. Tanto a Gustavo, como a
Viviana, y en general a todo el equipo de JUAN, el contacto con las
personas es lo que los motiva y los llena de creatividad al momen-
to de plantearse nuevos proyectos.
En medio de la carrera 7 con calle 54, tanto tienda como calle ad-
quieren un aire neoyorquino, con sabor a Brooklyn. Este encanto
de Chapinero hace que nuevas marcas como JUAN y otras alred-
edor se conviertan en espacios alternativos para personas que
buscan opciones diferentes, frescas y fuera de lo común. !
KOLT
Tras haber estudiado diseño en Francia y haber trabajado un ti-
empo en Alemania, Pascal Decaillet decidió volver a su país natal
para emprender su propia marca; el resultado fue un showroom
multimarca ubicado en la calle 78 en el 2009. Tiempo después,
Pascal se dio cuenta que se estaba alejando del diseño para
dedicarse más a asuntos administrativos, fue ahí cuando decidió
empezar con lo que hoy se conoce como KOLT, una marca de
sastrería masculina personalizada y un lugar donde los hombres
van a relajarse y tener una experiencia de compra mucho más
cercana con el diseñador y el proceso de confección.
En Colombia, Pascal encontró un mercado de hombres dispues-
tos a atreverse, más preocupados por su imagen y por siempre
estar presentables. La columna vertebral de KOLT es la sastrería,
y de ahí parte todo el experimento con nuevas propuestas. Con
pedidos mucho más personalizados, este diseñador asegura en
su espacio la intimidad necesaria para conocer más de cerca a
su próximo cliente, a través de la mezcla entre la personalidad de
estos sus conocimientos.
Ahora en su estudio ubicado en plena calle 85, ha encontrado un
lugar cómodo, central y de fácil acceso. En cuanto a la decoración
del lugar, ésta se ha ido construyendo a la par de la marca, cre-
ciendo mediante remodelaciones y detalles decorativos.
TOO COOL FOR SCHOOL
Para muchos el proceso de la sastrería puede ser tan solo un
paso más en la confección de prendas; pero para Simón Martelo
se trata de dedicación y maestría. Too Cool For School arrancó
hace más de tres años gracias a la profunda pasión que sentía
Simón por esta disciplina, pues él mismo se denomina un “nerdo
de la sastrería”.
Cada uno de los detalles en las prendas se convierten en una
muestra de la profunda pasión que sienten los involucrados en la
creación; los procesos artesanales toman un carácter artístico
para abrirle las puertas a la satisfacción del cliente y a su deseo
de tener una pieza única. Y es que acá el cliente y su cuerpo son
los protagonistas, pues éste es un proceso que tiene como fin dar
con la chaqueta, la camisa o el vestido idóneo para cada quién.
“La idea es destapar toda la gama de opciones y tratar de que no
pierdan la cabeza (los clientes) en ese universo” afirma Simón,
sobre el acompañamiento que reciben sus clientes.
No se trata de seguir las tendencias de la moda, ni de buscar
inspiración artística para las prendas; mucho menos de hacer una
gran producción al estilo de las tiendas fast-fashion. No. Too Cool
For School es todo lo contrario, es una expresión de técnica ar-
tesanal, de maestría, la perfecta construcción de la prenda. Aquí
se construyen piezas atemporales que perduran en la memoria.
Esa misma atemporalidad está presente en el espacio. La oficina
de Simón, bajo un estilo ecléctico, se convierte en una maquina
del tiempo cargada de estética y buen gusto. Un sofá, un gran
espejo, buena iluminación, un sinnúmero de botones, paños y
muestras de telas hacen de éste un lugar perfecto para sentarse,
tomar un café y darle vida a esa próxima gran prenda de su ar-
mario. Calidad por encima de cantidad, eso es Too Cool For School.
Dónde: Calle 75 # 11 – 77
Link de interés: www.toocoolforschooltailors.com
Dónde: Carrera 7 No. 54A – 36 L 102
Links de interés: www.juan.com.co
Dónde: Calle 85 # 11 – 18
Link de interés: www.kolt.com.co
Moda~Espaciodemodamasculina
41. EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 41
Se conoce como tocado o headwear a aquel accesorio que decora
parte de, o completamente, la cabeza. Esta prenda ha permaneci-
do en la historia durante siglos, cambiando de forma, colores y
materiales de acuerdo a cada época. La cereza en el pastel, en eso
se convierte un detalle sutil para complementar perfectamente un
outfit elegante y contemporáneo.
Cabe recordar la época de los grandes faraones en Egipto, para
darse cuenta de la importancia que los accesorios en la cabeza
guardan desde hace siglos. Estos, al ser una extensión de la
cabeza, terminan por ejemplificar grandeza e imponencia. Con siglos
de historia, los tocados han estado presentes en cabezas majes-
tuosas que buscaban con el accesorio dar un toque de elegancia
y glamour.
Pese a que han habido sobresaltos históricos, como la Primera
Guerra Mundial, que limitó el uso de accesorios, estos han logrado
sobrevivir y ser parte de la historia de la moda. Grandes diseñadores
en los años treinta como Gabrielle Chanel, dedicaron su ingenio a
la elaboración de estas piezas. Así, poco a poco, diseñadores más
actuales acogieron este estilo ofreciendo nuevas propuestas. Fue
así como genios de la talla de McQueen le inyectaron un poco de
dramatismo a los catwalks valiéndose de gigantescos tocados.
Pese a que el uso cotidiano de los tocados (como era costumbre
en los años cincuenta), se ha dejado un poco de lado, es cada vez
más común ver fotos de Street Style a personas arriesgadas que
han adoptado los looks de pasarela de Lagerfeld, convirtiéndolos
en un objeto de uso cotidiano. La realeza inglesa y sus Phillip
Tracey son muestra de la forma elegante en los que estos acceso-
rios son usados para diferentes ocasiones en todo el mundo.
La diseñadora inglesa Jane Taylor es un ejemplo de este tipo de
elegancia británica. Su marca, establecida en el 2008, causa
sensación tanto entre los habitantes del palacio de Buckingham,
como entre reconocidas celebridades y grandes publicaciones de
moda. Por medio de sus tres colecciones a lo largo del año (Novi-
as, Ready-To-Wear y Bespoke) los accesorios de esta talentosa
británica toman vida para otorgar clase a quién los use.
En Colombia, talentosos diseñadores han dado con propuestas
creativas cargadas de tendencia. La marca LaCoquito Tocado, por
ejemplo, ofrece desde 2009 un repertorio de ornamentos de vestu-
ario y artículos de colección headwear con alto contenido teatral,
sin perder su carácter de boutique especializada. Tomás Montoya
Upegui, diseñador de la marca, ha puesto su sello de identidad en
cada creación, para dar con turbantes, coronas, tocados, y otras
piezas coleccionables a partir de diferentes códigos, símbolos, olores,
colores, ritos y mitos.
Más allá de un accesorio, el tocado se convierte, como su nombre
lo indica, en ese toque final que transforma un look en un poderoso
lenguaje capaz de llevar un mensaje.!
Moda~Usandolacabeza
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82 │ #ALAMEDIDA
LA VISIÓN DE
ESTEBAN CORTÁZAR
Lavisión~LavisióndeEstebanCortázar
EXCLAMA|Número29
82 │ #ALAMEDIDA
LA VISIÓN
83. EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 83
Cada año en el marco de las semanas de la moda en las grandes capitales aparecen diseñadores jóvenes
dispuestos a innovar mediante su creatividad. Fue en el 2002, en el marco del New York Fashion Week que el
mundo tuvo la oportunidad de oír por primera vez el nombre de Esteban Cortázar, a quien por ese entonces
expertos de la industria lo perfilaban como uno de los “niños genios de la moda”. Y es que cuando esto pasó,
Esteban tan sólo tenía 18 años de edad, siendo así uno de los diseñadores más jóvenes en presentar una
colección en esta feria de moda, abriéndose paso para emprender un camino lleno de éxito.
Fue a temprana edad, viviendo en Miami en los noventas, cuando Cortázar se dio cuenta de cuál debía ser su
rumbo. Rodeado por una cultura latina, alegre en contraste con el mundo posado y excéntrico de la moda (ya
en ese entonces se codeaba con grandes de la industria como el gran diseñador Gianni Versace y el fotógrafo
Patrick Demarchellier), el bogotano se llenaba de inspiración mientras su creatividad crecía con un único fin:
llegar a convertirse en un gran diseñador.
Hoy, tras un largo recorrido que incluye la dirección creativa de Emanuel Ungaro durante dos años, colecciones
exclusivas para portales y grandes tiendas de moda como Net-A-Porter, y un puesto en el Council of Fashion
Designers of America, el colombiano Esteban Cortázar, ha construido una visión única para su casa de moda,
fusionando así su herencia latina con un estilo elegante y femenino. Paris lo inspira, Nueva York lo acoge, Miami
lo recuerda y Colombia lo aplaude. Nunca duerme antes de las 2 de la mañana, le gusta la comisa japonesa, la
de mar y el vino, a la hora de vestirse prefiere la comodidad. Este trotador de mundo se ha convertido en uno
de los talentos nacionales más exitosos en el mundo de la moda gracias a sus lujosos diseños, que, como él,
tienen mucho que contar:
¿Qué es lo primero que hace al iniciar su día
de trabajo?
Me tomo mi protein shake, y respondo mis
e-mails.
Descríbanos un día de trabajo en su taller
Cada día es distinto. Trato de organizar mi
semana con días que tengan mucha creatividad
con mi equipo al igual que días donde me dedico
a mi negocio.
¿Cuál es el mejor lugar para aprender de
moda, en la universidad o trabajando con un
diseñador?
Ambas son importantes. Pero siento que la
mejor forma de aprender es viviendo el día a
día de lo que quieres hacer; es por eso que
trabajar con un diseñador te da enseñanzas
que no vas a aprender en la universidad.
¿Consume revistas de moda?
Si. Me gustan WSJ, Industrie, System y 032C
¿Cuál es su red social favorita?
Instagram
¿Cómo han influido sus raíces colombianas
en su trabajo?
Mucho. Me siento lo más creativo e inspirado
cuando estoy en la naturaleza de Colombia
¿Hay alguna mujer que ha servido de musa
en su vida?
¡Muchas!
Si pudiera devolver el tiempo y vivir en otra
época, ¿cuál sería? Y ¿por qué?
Los setenta, porque amo la libertad de expresión
de ese tiempo
Si tuviera que describir a una persona creati-
va, ¿qué características diría que debe tener
esa persona?
Imaginación y curiosidad
Si sólo pudiera salvar una prenda de su clóset,
¿cuál sería?
Mis sandalias rojas de cuero
¿Una tienda para comprar ropa para hombre?
Mr. Porter
Si tuviera que elegir una ciudad para vivir el
resto de su vida, ¿cuál sería?
Paris, y tendría una segunda casa en Ibiza.
Lavisión~LavisióndeEstebanCortázar
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84 │ #ALAMEDIDA
LOS ÁNGELES
AMOEBA MUSIC 356 MISSION LACMA
5905 WILSHIRE BOULEVARD (EN FAIR-
FAX AVE), LOS ANGELES, CA, 90036 | 323
857-6000
FACEBOOK: LACMA
WWW.LACMA .ORG
6400 SUNSET BLVD. LOS ANGELES,
CA CA 90028
FACEBOOK: AMOEBA
WWW.AMOEBA.COM
356 MISSION RD, LOS ANGELES, CA 9003
FACEBOOK: 356SMISSIONRD
WWW.356MISSION.COM
Amoeba Music es una tienda de discos in-
dependiente ubicada en Sunset Bulevard en
la cual es posible encontrar desde lo más
popular hasta lo más recóndito de todos los
géneros. Aunque su especialidad es la
música, también es posible encontrar libros,
películas, posters, camisetas y tocadiscos.
Para Amoeba los formatos tampoco son
problema, pues hay desde CD’s y Blu-rays
hasta vinilos, VHS y Laserdiscs tanto nuevos
como usados. Además, los miembros de su
staff no solo saben de música, la viven.
Muchos de ellos, incluso, son músicos, lo
que les otorga la ventaja del conocimiento.
Amoeba cuenta, además de su tienda de
Los Angeles, con dos locales más, ubicados
en San Francisco y Berkley; también es
posible encontrarlos en la Internet.
356 Mission Road es una galería de arte
ubicada en una bodega de casi 1115 metros
cuadrados. Este espacio, abierto en 2013,
es operado en conjunto por los galeristas
neoyorkinos Laura Owens, Wendy Yao y
Gavin Brown y funciona como club informal
para la comunidad, espacio para eventos, y
exposiciones dinámicas de artistas jóvenes
y consolidados. 356 Mission, al contrario del
común de las galerías, frías y demasiado
rígidas, es cálida, relajada e informal. El
edificio donde se ubica data de 1926 y ha
cumplido las funciones de imprenta, almacén
de pianos, administrado por el manager de
Liberace, estudio y finalmente galería.
Además de la cordialidad de su staff, siempre
está atento a las inquietudes de los visitantes,
lo que realmente diferencia a 356 Mission
de otras galerías es su programación extra-
curricular que incluye conciertos de famosos
interpretes, lecturas, proyección de películas
y talleres.
Desde su concepción en 1965, el Los
Angeles County Museum of Art (LACMA) se
ha dedicado a coleccionar las obras de arte
que abarcan tanto la historia como la
geografía, y que representan la población
única y diversa de Los Ángeles. LACMA es
el museo de arte más grande del oeste de
los Estados Unidos, con una colección que
incluye 120.000 objetos. Entre sus fortalezas
se encuentran sus tenencias de arte asiáti-
co, arte latinoamericano, que va desde obras
precolombinas a obras de destacados ar-
tistas modernos y contemporáneos; y de arte
islámico, de los cuales alberga una de las
colecciones más importantes del mundo.
Situado en Hancock Park, en el corazón de
la ciudad, se encuentra ubicado justo entre
el mar y el centro.
Ciudades~LosÁngeles
85. EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 85
MAMA GALLERY ELF CAFE ACE HOTEL
1242 PALMETTO STREET,
LOS ANGELES, CA, 90013
WWW.MAMA.GALLERY
2135 WEST SUNSET BLVD,
LOS ANGELES, CA, 90026
FACEBOOK: PAGES/ELF
929 S BROADWAY, LOS ANGELES, CA, 90015
WWW.ACEHOTEL.COM/LOS ANGELES
Si Le gusta el arte contemporáneo, debe vivir
la experiencia MAMA Gallery.
Localizada en un antiguo viñedo esta galería
es toda una pieza de historia. Bajo su filosofía
“Cero compromisos” ofrece a todos los
amantes del arte la oportunidad de conocer
los mejores artistas contemporáneos a través
de su listado de representados en continua
renovación, dejando espacio para la impro-
visación organizando shows grupales o en
solitario de los mismos. MAMA Gallery, a
través de su selecto y dedicado grupo de
galeristas, está comprometida con la tarea
de apoyar artistas y diseñadores emergentes,
llevando su trabajo a más público y promo-
cionando sus obras.
Fundado en 2006 Elf Café es un restauran-
te especializado en comida vegetariana
mediterránea y oriental, cuyos platos son
preparados con productos orgánicos de
granja. La locación, ubicada en el corazón
de Echo Park, en West Sunset Blvd, ostenta
una iluminación cálida y un ambiente tran-
quilo. Su cocina abierta, ubicada detrás del
bar, permite observar el proceso de prepa-
ración de los platos mientras se toma un
trago o se espera por una mesa, y su
atención hace gala de la tradicional amabi-
lidad californiana. Con una atmosfera súper
cool y una deliciosa carta que cambia según
la temporada, diseñada por su chef Dave
Martinez, Elf Cafe es uno de los secretos
mejor guardados de L.A, y una vez allí hay
que hacer lo posible por visitarlo.
El Ace Hotel Downtown Los Angeles abrió
sus puertas a principios de 2014 en el edifi-
cio histórico de la United Artists en el centro
de Los Angeles. Construido en 1927 para el
estudio de cine Maverick, este decorado,
vibrante y lleno de historias, este edificio es
una verdadera joya de Los Angeles que se
erige como el monumento a un grupo de
artistas americanos que en su momento y
por su cuenta empujaron la arquitectura, el
arte y el cine hacia orillas más avanzadas.
Además es punto de referencia del re-
nacimiento moderno del distrito de los teatros
de Broadway. El amor de sus arquitectos por
el detalle visto en los castillos y catedrales
españolas construidas en piedra se manifi-
esta en su teatro, un verdadero templo de
las artes. Una mezcla de irreverencia e in-
dependencia es lo que se experimenta en
cada rincón de este hotel, desde sus habita-
ciones, su piscina y sus restaurantes. Justo
lo que una mente creativa necesita mientras
pasa una temporada en la gran naranja.!
Ciudades~LosÁngeles
86. EXCLAMA|Número29
86 │ #ALAMEDIDA
TIJUANA
CAESAR’S LAS PLAYAS DE
TIJUANA
EL SÓTANO SUIZO
WWW.SOTANOSUIZO.COM
FACEBOOK: /SOTANOSUIZO1989
CENTRO PLAZA FIESTA,
ISLA G LOCAL 1 y 8-12 P
PASEO DE LOS HÉROES 9415, ZONA RÍO
WWWW.CAESARSTIJUANA.COM
FACEBOOK: /CAESARSTJ
AV. REVOLUCIÓN
ENTRE CALLES 4TA Y 5TA
¿Sabía usted que la popular ensalada César
nació en Tijuana? Pues bueno ¿cómo ir y no
probar esta ensalada en su lugar de origen?
Tijuana es una ciudad con una oferta gas-
tronómica impresionante; reúne la autentici-
dad de la comida mexicana que al sumarse
con el influjo de comidas de oriente, Estados
Unidos, Italia y otras partes del mundo, crea
una fusión de sabores única. En el corazón
de la ciudad se eleva el Caesar’s, un restau-
rante bar legendario que ha visto crecer a
esta ciudad por más de ocho décadas. Como
uno de los establecimientos insignes del
Grupo Plascencia, el Caesar’s ofrece un
ambiente agradable, cálido y formal, perfec-
to para una cena en pareja, brindar con
amigos o familia. Recomendamos hacer gala
de su mejor estilo y probar allí el pato a la
naranja, acompañado de una entrada de
tuétanos para compartir y una buena copa
de vino.
A 30 minutos del centro se encuentran Las
Playas de Tijuana, un sector de la ciudad
que a pesar de estar conectado directamente
con la actividad tijuanense, tiene su dinámi-
ca y ritmo independiente. Una experiencia
importante cuando visite la ciudad es salir a
caminar por el paseo de la playa bordeando
el mar hasta llegar a la frontera, encontrar
el obelisco que indica el punto noroeste
máximo de México y leer las historias escri-
tas en las bardas que en cuestión de
centímetros, marcan la línea divisoria entre
México y Estados Unidos. En verano, la
actividad en la playa es agitada y se encuen-
tran familias compartiendo al lado del mar.
Puede incluso toparse con leones marinos
o ballenas migrando. En invierno, la imponen-
cia del mar y un café (o infusión) en Latitud
32, es un plan perfecto para pasar una tarde
tranquila.
Imagine un sótano, bar de licores, en donde
es posible degustar unos deliciosos hot dogs,
sopa de goulasch, scargots y snacks, jugar
futbolín, encontrarse una chimenea en forma
de dedo y deleitarse con los videos de The
Cure reproducidos en los televisores. Sí
señor, está en Tijuana y se llama el Sótano
Suizo. Este bar legendario con más de 20
años de historia está ubicado en la Zona
Río, más específicamente en Plaza Fiesta,
una esquina de la ciudad que condensa
múltiples establecimientos con estilos que
varían desde la salsa hasta el rock alterna-
tivo. El Sótano Suizo ofrece un ambiente
grato tanto para comer como para tomar, ver
un partido de fútbol o una pelea de boxeo,
es perfecto para disfrutar de una buena
cerveza, vino o whisky. Un lugar para per-
sonas con onda, sin importar la edad.
Ciudades~Tijuana
Fotos: Flickr/mellydoll y Flickr/ visualities Fotos: Flickr/momed y Flickr/ brookebinkowski
87. EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 87
LA MEZCALERA FINCA ALTOZANO EN EL
VALLE DE GUADALUPE
CANTINA HUSSONG’S,
ENSENADA
FACEBOOK: /LAMEZCALERA
CALLE 6TA ENTRE REVOLUCIÓN Y
MADERO, 22000
WWW.FINCALTOZANO.COM
KM 83 CARRETERA FEDERAL 3, TECATE-
ENSENADA EJIDO FRANCISCO ZARCO,
VALLE DE GUADALUPE 22750
AVENIDA RUIZ 113 ZONA CENTRO,
ENSENADA, BAJA. CALIFORNIA.
WWW.CANTINAHUSSONGS.COM
En el pleno centro de Tijuana, la calle sexta,
se encuentra la zona de fiesta más recono-
cida de la ciudad. Un sector lleno de bares
y lugares tradicionales para recorrer en una
noche de diversión cualquier día de la
semana. Allí se encuentra La Mezcalera, el
lugar perfecto para tomarse unos buenos
mezcales, bailar al ritmo de la rockola y
conocer gente nueva. La Mezcalera es un
sitio de encuentro obligado para personas
jóvenes que buscan buena fiesta con buena
onda. Cuenta con dos espacios diferentes
en donde varía la música y el ambiente. El
primero es una barra tradicional tijuanense,
un lugar para cantar y brindar con unos
mezcales al son de la música de rockola
programada por los mismos visitantes. El
segundo, también conocido como La Mija,
consiste en una pista de baile con pisos lu-
minosos de colores, que a su vez se conecta
con un gran patio en donde se presentan
reconocidos Dj’s de la ciudad.
Tras un recorrido de cerca de dos horas
saliendo de Tijuana se llega al Valle de Gua-
dalupe, un lugar mágico con las condiciones
geográficas perfectas para producir los
reconocidos vinos de Baja California. Por el
Valle de Guadalupe se puede programar una
ruta por variados viñedos que van desde
grandes productores como El Cielo, a
pequeños e innovadores como TorresAlegre.
En este recorrido es posible catar diversos
vinos en las mismas casas en las que son
producidos, a la vista de los viñedos en los
que son cultivados. En medio de la ruta, La
Finca Altozano es el lugar perfecto para de-
tenerse y compartir un buen banquete. Ir-
rumpiendo el escenario desértico de los
cultivos de uva se encuentra este restauran-
te rústico al aire libre que cuenta con unos
particulares miradores en forma de barril.
A un par de horas del centro de Tijuana se
encuentra el puerto de Ensenada, lugar de
encuentro de embarcaciones que navegan
por el pacífico. Desde el siglo XIX, Ensena-
da se convirtió en punto de encuentro de
comerciantes foráneos que iban en busca
de fortuna, dando origen a una cuidad en la
que se conjugan elementos culturales tan
diversos como curiosos. Éste fue el caso de
John Hussong, inmigrante alemán que llegó
a Ensenada a finales del siglo XIX, atraído
por la fiebre del oro. Allí fundó la Cantina
Hussong’s, uno de los puntos culturales e
históricos más importantes del país, que se
ha conservado intacto desde hace más de
un siglo. Hoy se le reconoce como la cantina
que construyó la ciudad, pues se convirtió
en lugar de encuentro obligado de extranje-
ros y locales. Ir al Hussong’s es viajar en el
tiempo a épocas de caballos y pistoleros, en
donde es posible encontrarse con un show
de lazo al mejor estilo vaquero.
Ciudades~Tijuana
Fotos: Cortesía La Mezcalera Fotos: Flickr/riverac y
Cortesía Adriana Hernández
Fotos: Flickr/wisley y Flickr/kc7cbf
88. EXCLAMA|Número29
88 │ #ALAMEDIDA
NINA GARCÍA,
LA MODA COMO
EXPRESIÓN PERSONAL
EXCLAMA|Número29
88 │ #ALAMEDIDA
PERSONAJE
Cuando se le pregunta a Nina García sobre quién es su
referente en el mundo de la moda, ella responde sin
titubeos: “Mi madre. Ella ha sido mi brújula estilística”.
Asegura que su fascinación por la estética nació en el
armario del cuarto de sus padres, en su natal Barranquilla;
y que de niña ya dibujaba sus propias colecciones. Luego
descubriría su pasión por el periodismo, por las revistas,
los libros y la televisión. Directora creativa de la revista
Marie Claire, jurado del programa Project Runway y autora
de cuatro best sellers, considerados como verdaderas
guías de estilo para la mujer moderna; García es hoy una
de las voces mas influyentes en las pasarelas de todo el
mundo. De su trabajo lo que mas le gusta es la posibilidad
de reinventarse constantemente. Su principal consejo
para los nuevos diseñadores colombianos: “Tengan una
pasión clara, no tengan miedo y luchen mucho. ¡Y no
pierdan el enfoque!”.
Escrito por Camila Peña Bernal
Fotos Cortesía Marie Claire
Link de interés: www.ninagarcia.com
Persoonaje~NinaGarcía,lamodacomoexpresiónpersonal
89. EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 89
ORIGEN
OBRA
MANIFIESTO
PERSONAJE
REFERENTES
TERRITORIOS
Comenzó como practicante, en el armario de Perry Ellis en la época
en que Marc Jacobs era el diseñador. ¿Su rol? empacar las maletas
que llevaban a Marie Claire y Vogue. Ese fue su primer acercamiento
al mundo de la moda, las pasarelas y las revistas. Allí comenzó a
interesarse por el trabajo de las editoras de moda. “Si bien es cierto
que me encantaba leer revistas de moda internacionales ya en
Barranquilla, mi real pasión era dibujar. Yo pensaba en ser
diseñadora algún día. Fue más adelante cuando descubrí que el
mundo de las revistas era mi mundo”. De Perry Ellis pasó a Maribella
como asistente, hasta cuando la revista salió de circulación; y luego
a Elle, donde llegó a ocupar el puesto de Directora de Moda.
Ser editor de moda para Nina García consiste en “Estar siempre con
los ojos bien abiertos a estilos y diseñadores, saber seleccionar qué
es relevante, identificar qué tendencias son importantes y cuáles no,
qué diseñadores presentan propuestas interesantes o no. ¡Es un trabajo
que me fascina porque hace que me reinvente constantemente!”. Dice
que la experiencia en el mundo de las revistas la ayudó a la hora de
escribir sus cuatro libros: The Little Black Book of Style, The One
Hundred, The Style Strategy and Nina Garcia’s Look Book. Lo que mas
disfruta de hacer parte de Project Runway es ver como los diseñadores
se esfuerzan por ser originales. “Este show me demuestra día a día
que la creatividad humana no tiene limites”.
“La moda es un lenguaje, una expresión personal. Las prendas de
ropa que tú te pones transmiten muchísimo”. Asegura que para
sobrevivir en el mundo de la moda hay que ser único y permanecer
fiel a si mismo. “Los editores de moda siempre estamos buscando
piezas y diseñadores que hagan declaraciones, no nos interesan
tanto los diseños que ya hemos visto una y otra vez”.
Además de su madre, a quien declara como su gran referente en el
mundo de la moda; Nina García aseguró una vez en una entrevista
que el fotógrafo de moda francés Gilles Bensimon había tenido un
gran impacto en su carrera. “Gilles era extremadamente talentoso,
y si no hubiera sido por el nunca habría llegado donde estoy ahora.
Los mentores son cruciales. Ellos son los primeros que creen en ti
y te dan la oportunidad”.
De Barranquilla recuerda su familia, su casa, sus mascotas, el
armario de su madre, los buñuelos y los atardeceres en el Atlántico.
Pese a vivir desde los 15 años en Estados Unidos conserva su
alma latina. Dice que la estética del caribe colombiano sigue
influenciándola: “Me ha dado mucha confianza a no tener miedo
a usar el color. Además siento que me da un punto de vista estilístico
distinto al predominante aquí en Estados Unidos”.
La dinámica ciudad de Nueva York es desde hace ya varios años
el hogar de Nina García. Su lugar preferido en la Gran Manzana,
su casa; donde comparte tiempo con su familia.!
Personaje~NinaGarcía,lamodacomoexpresiónpersonal
90. EXCLAMA|Número29
90 │ #ALAMEDIDA
COCINA
W DOES BRUNCH
W Bogota ahora también ofrece a sus huéspedes y a toda la
ciudad una alternativa para los domingos: W Brunch. Un plan
familiar que se extiende de 11 am a 4 pm, ofreciendo lo mejor de
la gastronomía local e internacional.
Fotos por Victoria Holguín
#LAZYSUNDAY
¿Alguna vez le ha sucedido que el plan de
irse con su familia o amigos de Brunch en
Bogotá se ve cortado por los horarios tem-
praneros de los restaurantes capitalinos?
W Bogota entendió esa necesidad de
ampliar la oferta de la ciudad y se embarcó
en la tarea de ponerse a tono con los W del
mundo para ofrecer a los bogotanos lo que
esta prestigiosa cadena tiene preparado en
este sentido.
Con un horario realmente cómodo, que le
permite descansar y activarse con tranqui-
lidad y sin afanes, el W Does Brunch se
presenta entonces como una alternativa
para el día familiar y de descanso con la
calidad que el sello W presupone.
La oferta gastronómica es variada. Desde
frutas exóticas, hasta huevos y waffles,
pasando por postres, brochetas y comida
local, las estaciones de comida del W Does
Brunch tienen preparados toda una variedad
de sabores, que estarán acompañados por
una buena selección de música, un merca-
dillo de diseño con marcas seleccionadas,
opción de platos de almuerzo y actividades
a la mesa para los niños harán que usted
desee hacer parte de esta nueva alternativa
para el fin de semana.
Las creaciones del Chef Emiliano Rabía se
juntarán entonces cada tres o cuatro meses
con las sugerencias al menú de un anfitrión,
quien aportará su propio toque a algunos de
los platos servidos. Para inaugurar este
primer Brunch del año, el W ha contactado
a Cristina Botero, esposa del reconocido
Chef Harry Sasson y directora de la Fun-
dación Corazón Verde, encargada del evento
anual Alimentarte.
El anfitrión estará presente solamente para
el happening de apertura, día en el cual los
invitados del mismo tendrán la oportunidad
de deleitarse con la experiencia que los
involucra con el W el buen comer.
Cocina~WDoesBrunch
91. EXCLAMA|Número29
WWW.REVISTAEXCLAMA.COM │ 91
UN BRUNCH INTERACTIVO
La propuesta W Bogota difiere del resto de las ofrecidas en la capital colombiana, no
solamente por sus sabores, horario y presencia de una personalidad como host. La idea
de este delicioso Brunch es, precisamente y al igual que lo hacen todas las dependencias
del hotel, involucrar a las personas (sean huéspedes o invitados) hasta el punto máximo
en vivir la experiencia W. Por esta razón han diseñado estaciones interactivas que exhor-
tan a la gente a armar sus propios sabores, a experimentar con los ingredientes, sin miedo
y sin pena alguna, para obtener los resultados que ellos desean, y comer a la medida.
BLOODY MARY (RED SNAPPER)
INGREDIENTES
- 1 oz / 30 ml premium vodka
- 11 oz / 325 ml Bloody Mary mix
- 1 rodaja de limón, para decorar
BLOODY MARY MIX
- Jugo de 3 limones
- 2 1/2 #10 latas / 2.5 l de jugo de tomate
- 5 oz / 150 ml salsa Worcestershire
- 10 gotas / 3 ml de Tabasco
- 2 cucharadas / 30 g pimienta negra molida
- 2 cucharadas / 30 g pimienta cayena molida
- 1 cucharadas / 15 g sal de apio
- 2 cucharadas / 30 g granos de pimienta negra
PREPARACIÓN
- Llene un vaso para Bloody Mary de 12 oz
3L con hielo
- Añada vodka
- Llene el vaso con la mezcla de Bloody Mary
y decore con una tajada de limón
PREPARACIÓN
Agregue los ingredientes en un contenedor y
mezcle bien. Retire los granos de pimienta antes
de añadir el alcohol. Use la mezcla inmediata-
mente o sellela y conservela en la nevera.
W Bogota
Avenida Carrera 9 # 115 - 30
Bogotá, Colombia
www.whotels.com/bogota
@wbogotahotel - Instagram y Facebook
Chef Emiliano Rabía y la anfitriona del brunch Cristina Botero
Otra de las novedades que W Bogota ofrece en este Brunch tiene que ver con el coctel
de elección para el evento. En cualquier otro lugar lo común es encontrar mimosas, el
coctel por excelencia de los Brunch internacionalmente. Sin embargo, el W Bogota en
sus impulso por innovar, propone el Bloody Mary como coctel W Does Brunch; y no
cualquier Bloody Mary, sino la receta de su marca hermana: El restaurante Saint Regis.
Lo colombiano también tendrá lugar en este Brunch, es así como platos tan nacionales
como las empanadas, las arepas de huevo, las carimañolas y el calentado harán acto de
presencia en el menú, uno que propone un mix de culturas, rico y provechoso, que tan
solo puede tener lugar en un W.
El lanzamiento de este delicioso plan será el próximo 26 de julio, con la presencia de la
anfitriona Cristina Botero. Sin duda este será el plan ideal para todos los domingos.!
Cocina~WDoesBrunch
