3. A cor é uma percepção visual provocada pela ação
de um feixe de fotões sobre células especializadas
da retina, que transmitem através de informação pré-
processada no nervo óptico, impressões para o
sistema nervoso.
A cor é relacionada com os diferentes comprimento
de onda do espectro eletromagnético.
4. Sem luz não há cor.
Do conjunto das ondas magnéticas existentes no
Universo só conseguimos captar através dos
nossos olhos uma pequena faixa – é a luz visível.
Quando a luz branca, possuidora de todas as cores-
luz, incide num objeto, constituído por determinada
matéria, alguns comprimentos de onda são
absorvidos, enquanto outros são refletidos pela
matéria que o constitui.
5. À soma das luzes coloridas do espetro visível
chamamos síntese aditiva.
Se projetarmos num ecrã as luzes
coloridas, azul-violeta, verde e
vermelho, sobrepondo-as verificamos
que resulta o branco.
Na síntese aditiva as cores
primárias são o vermelho, o verde e o
azul-violeta.
As secundárias são o amarelo, o azul
ciano e o magenta.
6. Para colorir um objeto ou realizar um trabalho com cor,
temos de recorrer à cor pigmento, quer esta seja de
origem natural ou artificial. À junção de duas cores
pigmento denominamos síntese subtrativa.
Na síntese subtrativa as cores
primárias são o amarelo, o azul ciano
e o magenta.
As secundárias são o roxo, o verde e
o vermelho.
7. A cor na arte
A arte moderna emergiu no século XIX, sobretudo na França.
Por volta da mesma época os cientistas estudavam a forma como
nós vemos.
Vamos explorar como as novas noções da visão têm sido usadas pelos
artistas.
8. • Ao longo dos séculos, os artistas usaram os
conhecimentos "científicos” da visão e pintura para
melhorar a sua arte.
• Ao longo dos anos, tem havido vários tratados sobre a
prática, a teoria e as questões filosóficas da pintura e
noções sobre o uso da cor.
10. • O primeiro livro importante sobre este tema foi o Livro do Artesão
(Il Libro dell' Arte) escrito por volta de 1390 pelo pintor toscano
Cennino Cennini (c. 1370-1440).
• Cennini dá instruções explícitas sobre o uso de pigmentos
diferentes, a forma de prepará-los, a sua disponibilidade e assim
por diante.
• Este livro é um valioso guia que nos ajuda a entender as pinturas
desta época.
Masaccio, Retrato de um jovem, 1425.
Tempera sobre painel
11. Em 1839, a teoria da interação das cores foi a
primeira a com uma base sólida experimental, pelo
químico francês Michel Chevreul (1786-1889).
A sua “De la Loi du Contraste Simultané des
Couleurs“ introduziu teorias que levaram a novas
utilizações da cor.
Depois de ser nomeado
responsavel pelas obras
com corantes no
Manufactory Gobelins
(tapeçarias), em Paris, ele
recebeu muitas queixas
sobre os corantes
usados lá. Em particular, os
negros pareciam diferentes
quando usados junto dos
azuis. Ele determinou que
a cor dos fios era
influenciada por outros fios
em redor. Isso levou ao
conceito conhecido como
13. Como o olho capta a cor?
O olho é muitas vezes comparado a uma câmara. Mas
poderia ser mais apropriado compará-lo a uma câmara
de TV que tem auto-focos, uma lente de auto-limpeza e
tem as suas imagens processadas por um computador
com milhões de processadores.
Quando o nosso olho
vê, a luz do mundo
exterior é focada pela
lente na retina.
Ali, ela é absorvida pelos
pigmentos em células
sensíveis à
luz, chamadas
bastonetes e cones. Os
bastonetes são sensíveis
à luminosidade e os
cones reconhecem as
14. Muitos animais têm dois tipos
diferentes de cones. (Alguns,
como os pássaros têm cinco ou
mais).
Os grandes primatas, incluindo os
seres humanos, têm três tipos
diferentes.
• primeiro responde à luz de
comprimentos de onda longos,
chegando a uma cor
amarelada, designada L
(Long).
• O segundo tipo responde à luz
de comprimento de onda
médio, atingindo um máximo
de uma cor verde, e é
abreviado M (Medium).
• O terceiro tipo responde mais a
curto comprimento de onda de
15. Newton e o espectro de
cores
A nossa compreensão
moderna da luz e da cor
começa com Isaac
Newton (1642-1726) e
uma série de
experiências que ele
publica em 1672.
Ele é o primeiro a
compreender o arco-íris
– faz a refração da luz
branca com um prisma,
decompondo-o nas
suas cores
componentes:
vermelho, laranja,
amarelo, verde, azul,
anil e violeta.
16. Os artistas ficaram
fascinados com a clara
demonstração de Newton
de que a luz era o único
responsável pela cor.
A sua ideia mais útil para
os artistas era o seu
arranjo conceptual das
cores numa
circunferência, o que
permitiu aos pintores
visualizar as cores
primárias (vermelho,
amarelo, azul) e as suas
opostas, as
complementares, uma Este diagrama circular tornou-se o modelo para
forma de as destacar em sistemas de cor nos séculos 18 e 19. Círculo do
pintor Claude Boutet de 1708 foi provavelmente o
que cada complementar primeiro a ser baseado no círculo de Newton.
17. Teoria da cor de Goethe
Até Johann Wolfgang von Goethe aparecer, ninguém tinha
questionado a validade das ideias de Newton sobre a luz e a
cor.
Goethe era um escritor e cientista. O seu tratado foi publicado
em 1810 e embora cientificamente falando, não estivesse
correto, ele realmente descobriu aspectos que Newton
ignorara sobre a fisiologia e psicologia da cor.
Observou a retenção das cores na retina, a tendência do olho
humano em ver nas bordas de uma cor complementar, notou
que os objetos brancos sempre parecem maiores do que os
negros.
As suas observações foram resgatadas no início do séc. XX
pelos estudiosos da Gestalt e sobre pintores modernos como
Paul Klee e Kandinsky.
18. As suas observações foram resgatadas no início do
séc. XX pelos estudiosos da Gestalt e sobre
pintores modernos como Paul Klee e Kandinsky.
19. As qualidades da cor
As qualidades fundamentais da cor, e que
explorarás nos teus trabalhos são:
- Tom ou tonalidade – refere-se à própria cor. Os
diferentes matizes de uma cor formam uma tonalidade.
20. - Intensidade ou saturação – corresponde ao grau de
pureza da cor. As cores mais saturadas são as que
possuem pigmentos mais puros. A saturação das cores
diminui com o acréscimo de outros pigmentos.
21. - Luminosidade ou valor– corresponde ao grau de
claridade ou obscuridade das cores.
22.
23. Johannes Itten
Johannes Itten (1888 — 1967) foi pintor,
docente e ensaísta místico, ativo na primeira
fase da Bauhaus.
A roda de cores desenvolvida
por Itten é baseada no
espectro visível e formada por
12 cores, entre elas as
chamadas cores primárias -
azul, vermelho e amarelo -
que são muito próximas às
cores primárias da teoria
subtrativa e além disso, são
usadas como cores primárias
por pintores e artistas em
geral.
29. William Turner
A arte moderna é frequentemente
associada ao século 20.
No entanto, o trabalho de Joseph
Mallord William Turner (1775-1851)
tem características que poderiam
ser consideradas modernas.
Muitas das pinturas de
Turner, mostram formas não
representacionais que se afastam
das tradições dominantes de
representação.
Em vez de tentar imitar a
aparência naturalista da
cena, algumas áreas das pinturas Chuva, Vapor e Velocidade, 1844;
parecem quase abstratas. Óleo sobre tela; National Gallery, Londres.
30. O céu escuro e as águas
ferventes do dilúvio bíblico
são arrastados para uma
massa rodopiante de
negros e roxos, em torno
de uma piscina de amarelo
contrastante à distância.
Sombras e escuridão – A véspera do diluvio,
Turner, 1843.
31. Olhando para turbilhão
da visão de Turner de
“rescaldo do dilúvio”, é
difícil acreditar que ele
se baseia em ideias
científicas.
No entanto, Turner cita a
Teoria de Goethe (das
cores "mais" e "menos”),
que ele meticulosamente
estudou, embora a tenha
interpretado à sua
maneira.
Este quadro contrasta
com o anterior, pintado Luz e Cor — A manhã após o diluvio, Turner, 1843
com cores mais
“positivas”.
32. As cores de Monet
Até ao século 19,
pensava-se a cor
como uma
propriedade
intrínseca de um
objeto, tal como a
densidade ou ponto
de fusão. As laranjas
eram
intrinsecamente
laranja e os limões
eram
intrinsecamente
amarelo.
Os impressionistas e
pós-impressionistas
franceses mudaram
33. O trabalho de Claude Monet (1840-1926) por volta de
1890 demonstra esse desenvolvimento. Monet e os seus
contemporâneos começam a pintar ao ar livre, em
oposição às definições tradicionais de um ambiente
neutro no estúdio.
34. Assim, a série de
Monet de palheiros
são pintados sob
diferentes condições
de luz em diferentes
momentos do dia.
Levantava-se antes
do
amanhecer, pintava a
primeira tela durante
meia hora, pois a luz
mudava nessa porção
de tempo. Em
seguida, ele mudava
para a segunda tela, e
assim por diante. No
dia seguinte ele
repetia o processo.
35. Em cada
quadro, a cor
do palheiro é
diferente
porque a luz
que brilha no
palheiro é
diferente.
A cor do
palheiro é
determinada
pelas cores
que o palheiro
absorve. A cor
que vemos é
apenas a luz
colorida que
não é
absorvida e Série palheiros, c. 1890-91
que se reflete
nos nossos
olhos.
38. O Contraste das cores
As cores diferenciam-
se umas das outras
atraindo o nosso olhar
pelo tipo de
contrastes que
produzem.
Assim, por exemplo,
um objeto de cor
vermelha numa
paisagem de neve
destaca-se de
imediato desta.
Diríamos que a cor do
objeto contrasta com
39. Existem vários tipos de contrastes das cores. Vamos
ver alguns.
- Contraste claro-escuro
40. Poucos artistas usaram tão dramaticamente as
cores complementares como Vincent van Gogh
(1853-1890).
Amarelo e azul acentuam-se um ao outro no quadro
de Van Gogh Terraço do Café na Place du Forum,
41.
42. As nossas sensações são mais intensas quando dois extremos são
justapostos. Café à Noite tem cores descritas como "quentes", que
são geralmente associadas com sensações e emoções tais como
energia, amor, alegria e festividade.
43. Vamos comparar
isso com as obras
de Picasso no
"período azul", onde
as pinturas
despertam emoções
mais comumente
associados com
cores "frias", como
tristeza e uma
sensação de perda.
47. A arte moderna influenciada
pelos estudos da cor e visão
Os artistas modernos foram influenciados pelas
novas descobertas e teorias sobre a visão e a cor.
Em 1896, Wassily Kandinsky (1866-1944) vê “Monte
de feno" de Monet numa exposição itinerante em São
Petersburgo. As pinturas de Monet têm um grande
impacto sobre o desenvolvimento artístico de
Kandinsky para a abstração. De acordo com
Kandinsky:
"A pintura revelou-se para mim em toda a sua fantasia e
todo o seu encanto. Dentro de mim surgiu
profundamente a dúvida pela primeira vez sobre a
importância do objeto como um elemento necessário
para um quadro. "
48. Em vez de ir buscar referências ao mundo exterior, os objetos de
Kandinsky são subjetivos e transmitem a sua "natureza interna". Ao fazer
isso, os seus objetos tornam-se independente dos modos tradicionais de
representação, que visam retratar a ilusão de espaço tridimensional com
cores naturalistas.
Em 1910, Kandinsky é um dos primeiros a pintar um quadro
completamente não-representacional abstrato.
49. Os discos de Newton
inspiraram Frantisek
Kupka em 1912.
Segmentos de brancos
podem referir-se à mistura
de todas as cores para
tornar branca num disco
giratório.
50. Pintura de Franz Marc do seu cão Russi, 1910-1911.
Ele explicou o trabalho como um estudo sobre os contrastes entre o amarelo,
branco e azul, talvez sobre a influência das teorias de Goethe.
51. Bridget Riley e a Op Art
Bridget Riley (1931) é uma artista britânica conhecida pelos seus
trabalhos opticamente vibrantes de meados dos anos 1960,
chamados de "Op Art".
Ela explora fenómenos óticos e cores que justapõe ou por
seleção de cores acromáticas (preto, branco ou cinza). Ao fazer
isso, o seu trabalho parece tremer, pulsar e mover, incentivando
a tensão visual do espectador.
52. Riley passou dois anos a copiar a pintura
de Seurat, Ponte de Courbevoie, para
aprender sobre sua técnica de pintura e o
seu uso de cores complementares.
Ela descreve o processo como "ser uma
revelação para ela" em relação à cor.
Logo depois, em 1966, Riley começa a
usar a cor para conseguir novos efeitos
óticos. Justapondo linhas de cores puras
complementares que podem afetar o brilho
percebido das cores individuais.
53. Feras selvagens e Cores
No início do século 20, a
arte passou por mudanças
significativas. Os artistas
tornaram-se cada vez mais
interessados no modo de
representação não-
naturalista, afastando-se do
uso tradicional das formas e
cores.
A partir de 1904, os artistas
Fauve, incluindo Henri
Matisse, Derain André),
Raoul Dufy, Henri Manguin,
Maurice Vlaminck e
Georges Braque, começam
a retratar objetos familiares
com cores "estranhas".
54. O termo francês
"fauvismo” refere-se
a “feras selvagens."
No entanto, um
nome melhor para o
grupo pode ser "os
artistas de cor pura."
Fauvismo é o
primeiro movimento
moderno em que cor
tem o controle
supremo.
55. “Mulher com o chapéu” de
Matisse (1905) é um bom
exemplo das "novas" formas
de coloração.
Foi considerado ofensivo
pelos espectadores
contemporâneos, quando foi
exibido pela primeira vez no
Salon d'Automne, em Paris,
em 1905.
A crítica focou-se na
representação do rosto da
mulher, que é representada
com várias cores que criam
uma aparência de máscara.
56. Montanhas em Collioure, André Derain, 1905. As árvores e relva são desenhadas
com traços longos de cor pura. No entanto, para ambos Derain e Matisse, a cor
era um imperativo menos emocional, menos pessoal do que tinha sido para van
57. Janela aberta em Collioure,
Henri Matisse, 1905.
Este é um dos primeiros
trabalhos Fauve.
Foi pintado durante o verão
de 1905, quando Matisse,
juntamente com André
Derain, trabalharam no
pequeno porto de pesca de
Collioure Mediterrâneo,
perto da fronteira
espanhola.
De acordo com a Matisse,
"arte Fauve não é tudo, mas
é a base de tudo." No
entanto, os espectadores
contemporâneos nem
sempre entendiam objetivos
de Matisse e ficaram
indignados pelas pinturas
fauvistas. Por que ficaram
tão chocados?
58. Mesmo se o assunto da
pintura Fauve fosse
muitas vezes tradicional
(por exemplo, um retrato,
um nu, uma paisagem ou
um interior), as cores
Fauve são sempre
diferentes. As cores
Fauve parecem brilhantes
e não naturais, podendo
mesmo agredir os olhos.
Além disso, a forma
fragmentada como são
aplicadas - em blocos Na arte tradicional, forma e cor estão
maiores e menores - faz ”certas" ou seja representam a
as pinturas parecerem realidade. O artista começa com a
esboçadas, desajeitadas forma e a forma determina a cor. A cor
e inacabadas ao público segue a forma, o artista não pode
contemporâneo. O começar com a cor. O artista tradicional
não usa a cor por si só como um meio
espectador identifica a de expressão.
59. Henry Matisse, Natureza Morta com
Laranjas,1912
Henri Fantin-Latour, Flores e frutos numa
mesa, 1865
60. Matisse usou a cor expressivamente, libertando-a da
forma. A cor procura a sensação que represente a sua
visão subjetiva e estado de espírito. Portanto, pode ser
figurativa ou não-figurativa.
Para o espectador, as formas de Matisse podem parecer
certas, mas as cores parecem erradas, porque não são
utilizadas para transmitir semelhança, mas sim a
sensações. Como disse Matisse, "Quando eu coloquei
um verde, não é relva. Quando eu coloquei um azul, não
é o céu. "
Será que o sol da tarde no porto de
Collioure parece demasiado brilhante?
Qual das cores está certa? Quais estão
erradas? A costa não deve ser vermelha.
Nem o mar verde.
Usando sua intuição, André Derain criou
o efeito de um céu de primavera com
combinações de cores e luminância
complicadas.
62. Em 1884, um jovem artista chamado Georges Seurat
(1859-1891) exibe sua pintura de grandes dimensões em
primeiro lugar na recém-criada Sociedade de Artistas
Independentes.
Devido ao seu tamanho, fica exposto no bar e passa em
grande medida despercebido.
Assim como os outros artistas expositoras, o trabalho de
Seurat é recusada pelo Salão oficial.
Ele também adota a paleta brilhante do impressionismo,
o seu interesse em efeitos de luz ao ar livre e a
percepção de que "local" (a cor real de um objeto) pode
ser modificada pela luz atmosférica, luz solar ou por
cores justapostas.
68. O “estado de espírito” das
pinturas de Picasso
As cores de uma pintura
podem influenciar o seu
“estado de espírito”.
Curiosamente, há vários
casos em que as cores de
uma pintura são muito
anormais, mas a iluminação
está correta.
Conseguimos compreender
as pinturas claramente, mas
ficamos confusos com as
suas cores.
69. No "período azul" de
Picasso (1901-1904), as
suas pinturas retratam
pobres seres humanos.
O azul foi escolhido
deliberadamente - frio e
profundo, significando a
miséria e desespero -
para intensificar a falta
de esperança das figuras
retratadas, como
mendigos, prostitutas, os
cegos, atores e gente de
circo desempregados,
bem como o próprio
Picasso e os seus
amigos pobres.
Na época, Picasso até
usava roupas de cor
azul.
70. "Picasso acreditava que a arte
era a filha da tristeza e do
sofrimento ... que a tristeza se
prestou à meditação e que o
sofrimento era fundamental
para a vida ... Se exigimos
sinceridade de um artista, é
preciso lembrar que a
sinceridade não é para ser
encontrada fora do reino da
dor. “
O "Período azul" do Picasso é
ainda desencadeado pelo
destino de seu melhor amigo,
Carles Casagemas, cuja
paixão por uma mulher e a
sua rejeição levou-o à sua
posterior tentativa de matá-la
e ao seu próprio suicídio.
Picasso explicou mais tarde,
"Foi o pensamento em
71. Gradualmente, as cores
de Picasso iluminaram-
se, no que é chamado o
"Período Rosa" (1904-
1906).
Rosas suaves, os
azuis, vermelhos e
verdes complementam
estas imagens. As
figuras esqueléticas
tornam-se mais
redondas. A nova cor
expressa calor e vida.
As pinturas de Picasso
começam a vender, ele
agora ele tem um
estúdio, uma amante e
72. Os dois períodos - o "Azul"
e o "Rosa" - formam uma
transição entre a arte
convencional da sua
juventude e a arte sem
regras e que não segue as
tradições da sua
maturidade.
Em 1907, Picasso e
Georges Braque
introduzem o cubismo,
onde a forma já não parece
seguir as regras
tradicionais de
representação
tridimensional.
No entanto os períodos
”Azul" e "Rosa"
permanecem populares,
porque a figura humana
tem menos distorções e é
mais reconhecível do que
73.
74.
75.
76.
77. Resumindo
As cores podem afetar a composição de uma
pintura.
Podem ajudar a
harmonizar (ou o
oposto, contrastar)
