Libro para maestros. mariana zambrano. b2014

FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN
ESCUELA DE EDUCACIÓN
MENCION BÁSICA INTEGRAL
ARTE Y EXPRESIÓN
LA MAGIA DE LOS MUPPETS
Br. Zambrano Mariana
20.199.503
Pr. Osorio Betty
Mérida, febrero 2015

INTRODUCCIÓN
La formación estética, es una rama de la ciencia de los valores que trata de lo bello en su
más amplio sentido. Lo bello, junto con lo bueno y lo verdadero, son categorías esenciales que, como es
obvio, deben ser consideradas en cualquier desarrollo educativo. Dar un concepto bastante acertado de
lo que es educación estética será tanto como averiguar qué lugar debe corresponder al desarrollo del
sentimiento estético en el proceso perfectivo integral humano. La formación estética no debe darse
separada de la educación intelectual, autoexhortativa o sentimental, ya que de éstas precisamente
depende el conocimiento, la apreciación y el sentimiento de lo bello.

ÍNDICE
-Introducción
-Definiciones
- Técnicas
- Tratamiento Curricular
-Conclusión
-Bibliografía

MARIONETAS
Una marioneta o un títere es una figurilla o muñeco de trapo, madera o cualquier otro
material, usado para representar obras de teatro.
La palabra marioneta indica sobre todo el habla de estos personajillos. En francés, une
marionette era un clérigo que en las representaciones religiosas donde aparecía la virgen, aportaba su
voz haciéndola aguda para que pareciese femenina. Las marionetas hablan siempre con una voz aguda,
chillona y falsa; salvo los personajes malvados que hablan con voz grave pero igualmente falsa. Se
suele usar indistintamente el nombre de marioneta y el de títere.
La palabra títere es onomatopéyica, quizás por el ti-ti que hacían los actores
con un pito, al mismo tiempo que movían los muñecos mientras otra persona,
desde fuera, describe e interpreta lo que el titiritero quiere trasmitir.

HISTORIA Y ORIGEN
Desde su creación, aproximadamente a mediados del siglo XVII, las marionetas, al igual
que los títeres, nacieron para representar de una manera artística, irreal y satírica las criticas hacia la
sociedad tan desigual de aquella época, sobre todo en países como Francia, Austria e Italia donde se
desarrollo con mas fuerza.
El termino Marioneta viene del francés MARIONETTE, quien era el clérigo que aportaba
con su voz aguda, casi femenina en las falsas "presentaciones" de la Virgen durante algún evento o
misa. De ahí que todas las marionetas tienen por característica una voz aguda, falsa y chillona,
emulando las mentiras eclesiásticas, y ahora ridiculizando a personajes como el Rey, la nobleza y en
algunos casos, la Iglesia y el Vaticano.
Las marionetas son básicamente trapos, compuestos de madera, que son manejados con
hilos o cuerdas con un volante desde arriba, así se controlan relativamente fácil los brazos, movimiento
de cabeza y principalmente de caderas.

Hoy en día las marionetas no son tan valoradas como lo eran antes por el pueblo, ya que
con el paso de los años y la reformas de los gobiernos, hubo poco porque quejarse o querer expresar de
manera divertida, así que perdieron popularidad, sobre todo la segunda mitad del siglo XX.
Principalmente las obras de hoy en día están dirigidas a la educación valórica de los mas infantes, como
obras didácticas dedicadas especialmente a la educación entretenida.

MARIONETAS DE GUANTE
Las marionetas de guante son especialmente versátiles para un fácil uso y una cantidad
casi ilimitada de gestos y movimientos. Llámense de guante porque el vestido que llevan se asemeja a un
guante y se adapta perfectamente a la mano del titiritero proporcionando una sensación de libertad de
movimientos.
Los títeres de guante a su vez se diferencian en el manejo:
Clásico: Dedo índice para la cabeza, corazón y pulgar para los brazos (a veces también meñique y
pulgar)
Catalán: Dedo índice, corazón y anular para cabeza y hombros, meñique y pulgar para los brazos.
Japonés: La cabeza lleva en su base una bola que se sujeta entre los dedos índice y corazón y las manos
van enganchadas directamente en los dedos pulgar y meñique. El traje va colocado posteriormente sobre
la mano.

En sus orígenes, el espectáculo de títeres de guante era rudo y violento. En Sicilia, es el
teatro de Polichinela: elemental y enigmático rito de lucha y muerte, que recibe otros nombres en distintos
países: Punch y Judy en Inglaterra, Don Cristóbal Polichinela en España, Petruska en Rusia. En todos
ellos el protagonista dialogaba con el público y lo implicaba en una alegre serie de asesinatos que se
extendían desde los vecinos hasta los representantes del poder: el policía, el verdugo, y los personajes
sobrenaturales: la muerte, el diablo.
Variaciones: Un tipo de títere que se podría considerar como una variación es aquel en el que se puede
abrir y cerrar su boca, gracias a que es de mayor tamaño y tiene la boca articulada; con la otra mano se
mueve uno de los brazos del títere. Para mover el otro brazo se necesita un
ayudante.

MARIONETAS DE HILOS PARA MESA
Hasta el siglo XIX el sistema de manipulación de las marionetas incluía un fino hilo de
hierro, que dirigía la figura controlando la cabeza, e hilos de lino para los movimientos de los miembros,
para los trucos y las transformaciones.
Las crucetas o perchas modernas, a la que están unidos muchos hilos de lino, suelen
estabilizar, en cambio, la cabeza con dos hilos desde las sienes y aumentan las posibilidades y las
sutilezas del movimiento.
En la actualidad existen muchos tipos de crucetas y de fijación de los hilos, algunas con
nombres concretos: percha checa, percha burma, vertical, horizontal, etc.
El repertorio de las marionetas de hilo incluye reproducciones del teatro con actores, de la
ópera y textos autónomos: dramas religiosos, legendarios, históricos, de la “mala vida” y de la crónica
negra; comedias de costumbres, farsas procedentes de la Comedia del Arte o de recientes invenciones,

espectáculos de variedades en los que predominan los efectos especiales y los trucos escénicos. Al
contrario de los que habitualmente se cree, no es necesaria una marioneta muy compleja ni muy
elaborada para conseguir un efecto escénico sorprendente.

LOS TÍTERES DE PEANA
Son aquellos que están sujetos a través de una varilla colocada en su parte inferior a un
soporte de madera, al cual se le denomina “peana”. El movimiento de sus extremidades se consigue
acompañado de varillas; existen títeres de peana simple, (generalmente para manipular personajes
humanos) y títeres de doble peana” (para manejar personajes de animales).
El “Títere de Peana” se desplaza sobre una pista situada por debajo del nivel del escenario
y se mueve paralelo a la embocadura; el movimiento se limita a: izquierda/derecha y derecha/izquierda.

LOS TÍTERES DE DEDO O DEDILES
Son títeres que se colocan sobre cada dedo como un dedal de costura. Se utilizan para
representar varios personajes al mismo tiempo. Al utilizarlos, se debe mover el dedo que sostiene
el títere que está actuando en ese momento, mientras que los demás se mantienen inmóviles hasta que
les toque su turno. Se construyen en papel maché (para la cabeza), tela, goma espuma u otros
materiales que faciliten la movilidad de los dedos.

EL GUIÑOL
Pertenece al mundo de los títeres, pero tiene sus características propias. Su origen es
francés, en la ciudad de Lyon (hacia el año 1795). Se dice que el creador del guiñol fue un sentista de
Lyon llamado Laurent Mourguet el cual, para entretener a sus pacientes y hacerles olvidar el dolor, se
inventó una serie de historias que representaba en su consulta con marionetas de guante, las cuales
movía detrás de un mostrador. Sus personajes eran representaciones de gente del pueblo con sus
aspiraciones y problemas; el personaje central se llamaba “Guiñol” (“Guignol”), el cual prestó su nombre
(a perpetuidad) para este tipo de representaciones.

Una marioneta o títere es una figurilla o muñeco de trapo, madera, o cualquier otro
material, usado para representar obras de teatro. La palabra “Marioneta” indica, sobre todo, el “habla”
de estos personajes.
El uso de los muñecos o títeres, era conocido entre los Griegos, a los cuales les llamaban
“Neurospasta” (palabra que significa: objeto puesto en movimiento por cuerdecitas). Horacio, en sus
obras, hizo alusión a los títeres o figuritas que utilizaban los romanos para divertir y entretener al
público.
Se denomina teatrillo o teatrino al espacio de representación dentro de (o sobre el cual)
los títeres realizan la escenificación de sus historias. El teatrino, además de cumplir la función de
representar el ambiente escénico de la historia, sirve para ocultar a los titiriteros con el fin de fortalecer
la ilusión de que los títeres tienen vida propia. En la Época Medieval las representaciones de teatro
de títeres solían referirse a historias guerreras y a las epopeyas de caballeros y cruzados; en estas
representaciones, el teatrillo solía tener la forma (o estaba decorado) como un pequeño castillo.

Los profesionales de las actuaciones con marionetas se llamaron, desde un principio, titiriteros
(porque manejaban el títere). Los Titiriteros actuaban generalmente al aire libre, en corrales, o en el
interior de los mesones. Pero a mediados del Siglo XVI la palabra “Titiritero” amplió su campo semántico
y se empezó también a utilizar para designar a los “Saltimbanquis”, “Acróbatas”, “Prestidigitadores”, y
“Volantineros”. Surge, entonces, una serie de connotaciones negativas para la palabra “Titiritero” pues se
relacionaba en muchos casos a estos profesionales con las personas que andaban por los caminos.
También se les confundía con la figura del “Charlatán” (profesionales de la palabra) que
embaucaban a su público; hasta tal punto se apoderaron de la palabra “Títere” que con ellos surgió la
“Titereteria” (el arte o la ciencia de los charlatanes).
A finales del Siglo XVIII y durante el Siglo XIX, el arte de actuar con las marionetas o títeres cobró
una gran importancia, que seguiría aumentando en los siglos siguientes. Escritores y músicos dedicaron
parte de su tiempo a este “Mundo de Fantasía”. El Dramaturgo alemán Goethe escribió tres Obras
para marionetas.

Los Músicos Franz Joseph Haydn y Gluck compusieron en Austria varias obras para estos
teatrillos de marionetas. Poco a poco fueron surgiendo locales minoritarios como los del Barrio Bohemio
de Montmartre en París (“Le Chat Noir” en el que se presentaban “Sombras Chinescas” y el “Petit-
Théatre” en el que trabajaban con marionetas de hilos).
En el siglo XX las marionetas van a ser los personajes que representan la “Libertad de Expresión” en
la crítica política y de la sociedad; las marionetas se convirtieron en la caricatura de los grandes
personajes (sobre todo políticos). Hay una gran proliferación de Compañías de títeres que ofrecen al
público funciones de corte satírico. Ya en el año 1910, Valle Inclán escribió unas obras
para marionetas en las que ciertos personajes eran satirizados y presentados como esperpentos.

El mundo de los títeres, es el mundo de la fascinación. La ingenuidad de los muñecos, que
adquieren vida propia cuando cuentan historias en el guiñol, provoca una atracción especial a todas las
edades.
EL MUNDO DE LOS TÍTERES
Los títeres son una de las manifestaciones culturales más remotas. Los seres humanos
tienen el impulso de actuar como dioses, de crear otros seres a los que manipular y dictar su destino.
Desde la infancia, de forma natural, juegan con muñecos y peluches a los que hacen hablar, prestan
cuidados, les dotan de movimientos, etc.
TÍTERES PARA TODAS LAS EDADES
A los niños les cautiva porque les hace partícipes de su magia, los muñecos que cobran
vida interpelan al público, buscan su colaboración, sus respuestas.

Estos a su vez, quieren descubrir qué se esconde detrás del teatro, quieren saber cómo
funcionan esos muñecos. Les gustaría tener uno de ellos, saber construirlos, manipularlos y dictar sus
historias. Realizar títeres artesanales con ellos es una excelente manualidad, y jugar a representar
títeres con ellos un divertido ejercicio de imaginación, y los títeres con material reciclado son una opción
barata, divertida y educativa.
Los adultos se sienten atraídos por la belleza de algunos espectáculos, o porque les
rescata una parte de su infancia, liberándoles de las tensiones del día a día, o también, si son obras
para adultos porque estas reproducen con humor e ironía el saber popular, en el que cada persona ve
reflejados aspectos de sí misma.
CLASIFICACIÓN Y TIPOS DE TÍTERES
• Títeres manipulados desde abajo: se mueven desde abajo, generalmente por un palo que constituye
el eje del cuerpo; o por la mano que se introduce en el cuerpo hasta el orificio de la cabeza.

• Marionetas: su movimiento se dirige desde arriba por medio de hilos que unen la cabeza y
extremidades a una barra desde la que se controlan.
• Personajes del teatro de sombras: se representan tras una pantalla traslúcida iluminada, se manejan
desde los laterales exteriores directamente con la mano, o con la ayuda de varillas y cuerdas.
¿Qué es una marioneta?
Una marioneta es un títere articulado de tres dimensiones, cuyos movimientos se controlan
desde arriba por un sistema de hilos que parten desde las distintas piezas del muñeco hasta una barra de
control. La barra de control puede ser:
Horizontal: se utiliza para producir movimientos de cabeza y para los animales de cuatro patas.
Vertical: se emplea para los movimientos producidos para caminar.

¿Qué es un guiñol? Diferentes guiñoles para distintos títeres
Laurent Mouguet era un vecino de Lyon, que tuvo varios oficios, entre ellos el de
sacamuelas. Cuentan que distraía a sus nerviosos clientes con unos muñecos que manejaba con la
mano, y entre ellos creó a Monsieur Guignol, el cual se popularizó tanto que ha extendido su nombre en
Francia a los títeres de guante.
Un guiñol es el teatro en el que se muestran y actúan los títeres. Dependiendo de la
tipología de estos, necesitaremos un tipo de guiñol u otro.
Para los títeres de guante o de palo, sirve una caja recubierta de tela que esté situada a la
misma altura que la cabeza del manipulador.
Los títeres de sombras necesitan una pantalla hecha con una sábana o un material
traslúcido similar que se ilumine desde arriba y desde atrás por un foco central y otro desde arriba.

Las marionetas requieren una estructura más compleja: el escenario, una galería superior
que oculte a los artistas y una plataforma sobre la que estos trabajen.
En nuestro siglo las marionetas y los títeres se han convertido en la caricatura de los
grandes personajes, sobre todo políticos, y hay una gran proliferación de compañías de títeres que
ofrecen al público funciones itinerantes, e incluso se celebran festivales monográficos.
Otros tipos de títeres
Además de los cuatro tipos más conocidos, de guante, de varilla,
de sombra y marioneta (títere articulado movido por cuerdas o hilos), hay otras variedades que pueden
funcionar de modo independiente o integrándose en los ya mencionados, como recursos del titiritero.
• Títere bufón o marotte, quizá inspirado en el cetro de los bufones medievales; sencillo, primitivo e
infantil: una cabeza atada a un palo cubierto por un largo faldón. Su máxima expresión, por tamaño y
dificultad de manejo, sería la Marotte a la cintura.

• Títeres digitales (el títere dedal para Mane Bernardo), solo recomendable en espacios reducidos pero
de un gran juego pedagógico.
Títere plástico gigante ideado por el ruso Nikolai Zykov.
• Títere mimado en el que la mano del titiritero que no sujeta el palo, aparece como mano del propio
muñeco.
• Títeres de mecanismos, más comunes en Europa, cuyos muñecos, manipulados desde abajo con
varillas internas (que mueven no sólo los brazos sino también la boca, los ojos, las cejas), requieren
la sincronía de varios titiriteros ocultos en el armazón del retablo.
• Títeres plásticos, una de las nuevas vías para el universo del títere, con el concurso de las nuevas
tecnologías.

ARTE VISUAL
El concepto de arte visual se encuentra formado por dos términos bien diferenciados, que
explicaremos a continuación: arte y visual.
Arte es una palabra que sirve para referirse a aquellas creaciones hechas por el hombre, a
través de las cuales manifiesta su visión sensible del mundo, ya sea real o imaginario. Para ello, el
artista se apoya en una serie de recursos que se encuentran a su disposición; los mismos pueden ser
plásticos, lingüísticos o sonoros. El arte nació con una función ritual o mágica y fue mutando hasta
convertirse en una cuestión estética y hasta recreativa.
El término visual proviene de un vocablo latino que se encuentra vinculado con lo
perteneciente o relativo a la visión (sentido que permite detectar e interpretar la luz y la capacidad propia
de ver que tienen los seres vivos del reino animal gracias a sus sistemas naturales).

Teniendo en cuenta estas aclaraciones podemos decir que arte visual es un término
relacionado con aquellas obras que pueden apreciarse fundamentalmente por la capacidad de la vista,
como la pintura, la fotografía o el cine (aunque éste también incluye sonido). Las obras en tres
dimensiones, como las esculturas, suelen ser incluidas en el grupo de las artes plásticas. De todas
formas, existen interdisciplinas que reciben el nombre de visuales, porque combinan diversas técnicas
para que la obra pueda apreciarse de una forma más amplia; tal es el caso de la poesía visual.
El concepto de arte visual surgió tras la Segunda Guerra Mundial para nombrar a las artes
que implican una percepción visual. La pintura (que puede apreciarse a partir de los pigmentos que se
aplican sobre una superficie) y la fotografía (la grabación de patrones de luz en un medio sensible),
pues, son dos de los máximos exponentes de este tipo de arte.
La composición del arte visual se desarrolla atendiendo diversas cuestiones, como
la relación entre figura y fondo (para incidir en la percepción de lo visto), el contorno, la agrupación de
los elementos (por proximidad, continuidad o semejanza) y la pregnancia.

LA POESÍA VISUAL
La poesía visual es una rama de la expresividad poética que se combina con otras artes, como
la pintura, la fotografía o incluso el teatro; pertenece al conjunto de disciplinas que se encuentran inclui-
das en la poesía experimental, a la que también pertenecen (la poesía fonética y la poesía objetual).
Los poetas visuales en lugar de desarrollar poemas basados en una idea y
plasmarla únicamente a través de las palabras, la fusionan con figuras, movimientos y otros recursos
que permiten que los receptores de dicha poesía puedan apreciarla desde diversas perspectivas.
El origen de este arte visual es tan antiguo como la poesía en sí misma. Deberíamos viajar
al 300 a.C, época en la que en Grecia el poeta Simmias de Rodas escribió versos en forma de
caligramas. Se trataba de un pequeño poema sin un orden predeterminado: podía leerse de diversas
formas adquiriendo sentidos muy variados. Posteriormente autores como Apollinaire, Guillem Viladot y
José Juan Tablada fueron los encargados de retomar la estética de Simmias y convertir este tipo de
poesía experimental en una disciplina más dentro de las múltiples formas que ha tomado la poesía a lo

largo del tiempo y en todo el mundo.
En la actualidad la poesía visual se encuentra muy presente en los nuevos medios de
comunicación; gracias a las redes sociales este tipo de arte visual tiene un espacio propicio para su
difusión instantánea a lo largo y ancho de todo el mundo y un amplio público que disfruta de ella.

- ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo
material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como
Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus
propios patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante todo estar dotado de
imaginación, a través de la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus
sentimientos por medio de palabras, formas, colores y sonidos
- ARQUITECTURA: En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un
programa y empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así podemos definirla
como el arte de proyectar y construir estructuras. La misma tiene un sólido fundamento científico y
obedece a una técnica compleja, por esta razón se dice que sólo es arte cuando la construcción es
expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa expresión arquitectónica es el resultado de todos
los elementos constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se entablan con el espacio
que conforma la obra y el espacio que lo circunda.

De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus más
acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende
de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina.
- ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales, sean
volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que predomina el espacio,
apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean materiales que pueden
reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. La primera forma es la tradicional, la
segunda se desprende del carácter que tiene la escultura de vanguardia, pero ambas afirman la
tridimensionalidad. El escultor tradicional crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada de
cierta plasticidad, como la cera y la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito,
la madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve lo que aquellos
representan en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando piezas de hiero fundido,
hilos de alambre, cintas de acero, filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos
variados.

- PINTURA: Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o imaginario por medio del
dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y pinturas que los
primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas
Rupestres. Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a
paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando ha sido elaborada con colores
desleídos en aceite secante, por lo general sobre una tela. La pintura al pastel se efectúa con lápices
blandos y pastosos; la acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama
el procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel; pintura al temple
es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos, el agua
de cola. En la llamada de porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del
fuego.
- ORIGEN DEL DIBUJO: Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las
grutas las formas de los animales que había observado, logrando representar sus movimientos, la
masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por el ser
humano, que siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos los veían.

El hombre a través del tiempo deja su huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto
reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, bien por medio de un trazo, como en el arte egipcio,
griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las sombras y de la
luz; este último modo de expresión es ya visible en los frescos de Pompeya y en los artistas del
Renacimiento italiano, como Leonardo De Vinci. En términos generales, este arte se ha desarrollado en
función de las condiciones de existencia de cada época, de cada cultura y de los progresos y
conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por los artistas.
CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO : Es la representación de un objeto por medio de líneas que
limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la
apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad
luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos
dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es
la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un
objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las
formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra

mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de
su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.
INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS: Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con
el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el
carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas
figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos,
alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas
empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos,
amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo
mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar
(madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar
el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia
colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los
pigmentos. Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la
encáustica en retratos.

En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado,
cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande
todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún aglutinante; el
agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba
sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un
método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las
técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas
dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo,
o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los
pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con
una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método
transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se
pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite.

EL ARTE EN LA HISTORIA
- PREHISTORIA
ÉPOCA PALEOLÍTICA: Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres.
Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de
cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de
una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron realizadas
como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras
manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de
las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente. A esta primera fase del
arte rupestre se le ha denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos
burdos, los animales los realizan de perfil y las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda
fase, la Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles
aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense, en ella se presentan
escenas de caza, de lucha, etc. y se observa una asociación de la figura humana con la figura animal en
las representaciones, hay variada policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo.

Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la esquematización de las
formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.
PINTURA: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra
Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones
del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones.
Responden a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico-religioso porque
se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban
eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los
dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros
mayormente. Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de la pintura rupestre es la
esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.
ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas,
en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad. Se las conoce
con el nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas tenemos a las Venus de Willendorf,
Lespugue, Savignano y Grimaldi.

ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden
importancia y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que
recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras, estos
monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.
- ARTE EGIPCIO: La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio
excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se
observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de
colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la representación de la
figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza,
brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es
detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos
de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es
empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.

ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en que
dejaron monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los ingenieros
constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y
Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.
PINTURA: La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para
transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la
pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la
hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó
por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros,
ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme.
Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de
escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de
templos, tumbas y palacios.

ESCULTURA: A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por
causas políticas y religiosas cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la construcción
idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza
de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.
- ARTE GRIEGO: Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del
Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad,
equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por
ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El atletismo, tan cultivado por estos pueblos,
brindó a los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas
sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la
arquitectura.
El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a sus obras el
mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de elementos y por reflejar una
genuina expresión de humanismo. Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa.

Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal
modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y
el arte de los griegos.
ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento
sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el
adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los
teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los
monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes
arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual pulían de
forma cuidadosa; también emplearon la piedra.

ESCULTURA: La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene
libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una
escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de
la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos
épocas o fases evolutivas, con características propias en cada una de ellas. Estas son:
- Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una técnica
propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático, sin
movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos se despegan del cuerpo y el rostro
expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a los deportistas. Son de esta
época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del
caballero Rampios, etc.
- Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y
literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas,
en donde se observa la magnificencia de la figura humana.

Esta época tiene 2 períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias y
Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos estilos tenían
características propias.
- Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de las
anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la figura del niño
como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo
grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este período surgen diferentes
escuelas, entre las más importantes: las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la
maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones
de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos
que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas,
Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles.

CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en lo que a
decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa evolución de su cultura. Con un
estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y originales, predominan los
elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo hasta el gris
castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas
animales y humanas.
- ARTE ROMANO: Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la
época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C.,
algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos
aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del
Renacimiento fue notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello,
el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos
bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I,
se observan dos corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana,
resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico - Alejandrino, que pone de
manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas.

Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de
incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos mostraron mayor
interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un sello utilitario. Pueblo dominador,
fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por preocupación fundamental mantener el dominio sobre
los territorios colonizados, para lo cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes
que apretó los lazos entre la metrópoli y las provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva
con un variado repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos
grandes realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito principal es haber extendido la
civilización grecolatina por una vasta parte del mundo conocido.
ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades privadas y
públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector de la
vida privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma
y para resistir el paso y el peso del tiempo.

Más que la belleza busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y
pesadas. Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a su
dominio asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe. Alterna dos sistemas
conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda (tomado de los
etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los teatros, los
anfiteatros, los circos, etc.
LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es
el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego la
influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así
como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista. El
enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del período republicano.
PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un destino utilitario que se cumple en su función
narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada a exigencias religiosas
honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el retrato llevándolo a su máxima identificación
con el modelo. Es un arte naturalista. Es una obra anónima.

PINTURA: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser
copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc.
Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y marineros. También en ciertos períodos se hizo una
pintura arquitectónica, que imita a los elementos constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la
técnica de manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera
impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por
lo que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.
- ARTE ROMÁNICO: Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja
Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre hace
referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos
de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza
con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.
ARQUITECTURA: Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios y
los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal de austeridad y
recogimiento, de disciplina y penitencia.

Desde el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus
elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada. El principio de sustentación es
estático, pues enfrenta masa contra peso. Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos,
interrumpidos nada más que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la estructura. Otros
elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.
ESCULTURA: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben
cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las
figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa. Estilización y desproporción: las figuras no
guardan las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida perspectiva ni la relación de tamaños
que se debe a la diferente profundidad a que están las figuras. En los relieves, la diferencia de tamaño
significa la importancia del personaje. Composición simétrica: las escenas se componen, guardando una
relación simétrica. En los tímpanos, la composición tiene siempre como eje la figura de Cristo.
PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa
eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la
construcción.

La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la
inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable
influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos
son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico;
y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la
naturaleza con fidelidad.
- ÉPOCA MEDIEVAL: El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido
obras maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo
período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano, cuya
pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los muy
famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo,
apóstoles, la cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la
pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la
representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras representadas
poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente.

El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa a los idiomas
derivados del latín, se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este
período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido;
la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de
ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas
ilustraciones de biblias y evangelios. Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres
connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo comercial y la
industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus
composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se
presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales,
puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de
libros, tapices y retablos.

- ARTE GÓTICO
Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un arte poderosamente original, que fue llamado, un tanto
despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores habían sido los
pueblos germánicos que ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les designaba con el nombre
de Godos. También se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y
bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se
levantaron cerca de París, en la región llamada Isla de Francia. Aquí se construye en el año 1140 el coro
de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la catedral de Nuestra Señora de París,
obras en las que se resaltan los elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos los demás países
de Europa, en cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos
esenciales

FASES DEL GÓTICO:
- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII): Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en
punta de lanza.
- RADIANTE (siglos XVIII y XIV): Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios paños
y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV): Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas.
Gran altura de naves y torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda
en forma de estrella.
ARQUITECTURA: El arte gótico se manifestó magníficamente en la arquitectura, se construyeron casas
particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero en realidad, la obra
máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien
la contempla. Los elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival
y el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de equilibrio dinámico y domina en ella la línea
vertical, lo que produce una impresión de impulso ascendente, acentuado por las formas agudas de los
arcos y la abundancia de elementos puntiagudos.

ESCULTURA: Las características de la escultura se pueden observar en los santos, vírgenes, ángeles,
reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior de la construcción, haciendo de
remate en pináculos, cubriendo los frisos y las arquivoltas, los tímpanos y todos los espacios posibles.
Para dar idea de la decoración escultórica, bastará saber que la decoración escultórica de la catedral de
Chartres cuenta con más de ocho mil figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola
Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell.
PINTURA: En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue
perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla,
consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas
religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero sin profundidad. Los pintores se
esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado
hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de
esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.

- ARTE BIZANTINO: Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia romana,
asciende de repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande, al rango de capital imperial con el
nombre de Constantinopla. Medio siglo después, el emperador Teodosio divide su reino entre sus dos
hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de Occidente, con Roma como capital, y el Imperio
de Oriente, con centro en Bizancio. La caída del Imperio de Occidente (año 476) echa sobre Bizancio la
herencia espiritual de Roma y acrecienta su importancia como poder político y artístico, que le llegará a
su cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la situación geográfica de Bizancio, en las puertas de Asia; su
alejamiento de las fuentes latinas y el contacto estrecho y continuo con los reinos de oriente, influyen
sobre ella en forma que si, por una parte, mantiene su título de hija y continuadora de la cultura clásica,
por otra, Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y
bárbara, cuyas costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo
cual se refleja en su arte.
ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más en
contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por eso en sus construcciones
encontraremos elementos tomados de los romanos, de los griegos, de Siria o de Persia, combinados
con otros de su propia invención.

Entre los más importantes tenemos: la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los
contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la arquitectura bizantina es
la Iglesia.
PINTURA: Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la decoración del interior
del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos, es
decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o al temple, y eran grandes composiciones de tema
religioso, con un carácter simbólico que agradaba mucho a la mentalidad abstracta del oriental. En los
grandes espacios formados por bóvedas y cúpulas se representaban escenas alegóricas en las que
entraban la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc.
LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte mural bizantino sin referirnos a una de sus más
hermosas creaciones: el mosaico. Consistía en la composición de grandes escenas, generalmente
religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de cerámica o de mármol de colores
(llamadas teselas), que se iban pegando a una base debidamente preparada, sobre la que se había
hecho el dibujo previo de las figuras que se querían representar.

La gran diversidad de colores y matices de estas teselas permitía dar a las figuras todos los efectos de
la pintura, en lo que se refiere a tonalidades, sombras, formas, etc.
ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del arte helenístico
que produce retratos de gran vigor. Pero después de la revolución de los iconoclastas, que acabaron con
todas las imágenes religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la escultura perdió
importancia y quedó reducida a las artes menores del marfil, el esmalte, el bronce y el oro, materiales en
los que se trabaja el bajo relieve con gran maestría.
- RENACIMIENTO : El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales
en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados,
desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para
ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en
alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del
Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero
gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza.

En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la
expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un ejemplo de ello es la
expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del
paraíso. En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse
de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en
madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción
se insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las
referentes a mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora
se situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía más libertad de
expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre
los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras
pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y
Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya
que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos
finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están
envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.

En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de
busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en madera.
Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se
insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las
referentes a mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora
se situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía más libertad de
expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre
los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras
pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y
Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya
que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos
finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están
envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.
La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia
gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. La cultura greco-romana
había sido desplazada durante la Edad Media.

La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia
gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. La cultura greco-romana
había sido desplazada durante la Edad Media.
PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO
- Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos de autores griegos y
romanos.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.
- La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los curiosos el deseo de
conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los poetas, filósofos y sabios
de la antigüedad y de los modernos.
- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el progreso de las técnicas que
inspiran una confianza ilimitada en el poder de la inteligencia humana y estimulan a la acción.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una
validez permanente.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO
- PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico europeo.
- QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.
- CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.

ARQUITECTURA: La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y
dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y como aparecen en la
arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y originalidad del arquitecto renacentista, de
esta manera surge el estílo "colosal" propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura civil,
construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el Palacio de
Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que
culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían grandes
pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin embargo,
el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y
presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los elementos constructivos,
tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las
de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto;

las ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto
subdividido en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo.
En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que se emplearon varios
elementos, estos son:
- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto, en sus inicios; luego se
realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto arquitectónico, posteriormente hay una gran
profusión de ésta envolviendo por completo el conjunto lineal arquitectónico.
- La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los cuales al ser
combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron el mármol blanco de las
paredes con la piedra de los muros.
- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos colores.
- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la construcción, se empleó una
diversidad de tonos, los cuales los hacía muy llamativos.
- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y ventanas,
generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus orígenes
en la arquitectura romana.

ARQUITECTOS RENACENTISTAS
- ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti.
- ESPAÑA: Diego de Siloé, Juan Herrera.
- FRANCIA: Salomón de Brosse.
ESCULTURA: El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con el escultor
Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la catedral. Este escultor es el
que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico,
pero su obra queda aislada.
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista. En
esta época se advierte:
Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
Expresión de los sentidos y pasiones humanas.

Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta
presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó
Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.
SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA
Surgen los primeros intentos del nuevo estilo escenificado en las obras de los "pisanos", Incola, Giovanni
y Andrea Pisano.
Entre las características de estas primeras obras tenemos:
Expresión de sentimientos humanos.
Inspiración en la antigüedad clásica.
Realización de "Madonas".
Ropaje y accesorios profusamente trabajados.

SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA CLÁSICA
Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad artística se encuentra
centrada en la ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes son
Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la importancia en este siglo de las
obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una
nueva modalidad escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y vidriado.
Las características de esta época son, entre otras:
Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros, etc.)
Diversificación temática.
Efectismo pictórico.
Gran destreza en la ejecución de obras hasta llegar al perfeccionismo.

SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA
Durante este siglo la figura más resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras
con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma época, también
sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas obras tenemos:
Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
Dominio anatómico.
Figuras llenas de abundante vitalidad.
Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
Fuerte influencia clásica.
Materiales: bronce y mármol preferiblemente.

PINTURA: La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio
estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia. Durante el
renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan,
entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la de
Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.
Los pintores también se agrupan, pero por generaciones, así, tenemos los del Quattrocento (1400) y los
del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy utilizada para caracterizar las obras pictóricas del
renacimiento, la cual es:
Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos representantes más
significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli, entre
muchos otros, con pinturas verdaderamente grandiosas.
Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de 1527, en el cual
se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto,
Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el Greco.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA
Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la
historia.
Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el
mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que
enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de vista
del pintor suele estar en el centro del cuadro.
La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma
simétrica en la distribución de las figuras.
En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el
rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos
combinados.

En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y
considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con
un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta. Se da interés preferente al cuerpo
humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente. A partir del siglo
XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que facilitará el
desarrollo de la pintura de caballete.
EL DIBUJO Y EL GRABADO: Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de primera. Los
apuntes, bocetos y estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes
se destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo del lápiz. El que
más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a través del dibujo realiza sus famosos
estudios anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones
humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no fue considerado en la
época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para tomar apuntes rápidos del natural
o hacer estudios de composición, perspectiva, movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que
iba a pintarse.

Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre papel. Pero si el
dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en cambio el grabado, sobre todo entre
los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una técnica autónoma, paralela a la de la pintura, en
sus dos formas principales: el grabado en metal (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya
difusión contribuyó el reciente invento de la imprenta en 1450.
- BARROCO : Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se
extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada país. En este arte
hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen
composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose
dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con
sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas,
pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura
barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.

En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se
destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin,
Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado
magistralmente por Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y
Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo
su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y
Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes:
Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida fue Italia, Roma,
concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la arquitectura. De Italia pasó al
resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España, el Barroco se difundió por toda América y
alcanza su momento culminante en el siglo XVIII.

ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia y el
Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales que enmarcan la gran linterna con
su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles, consiste en una larga edificación de varias
plantas, cuyo cuerpo central contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis de
gran valor artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son las galerías, que son salones largos,
abovedados y con ventanales, y la escalera "a la imperial".
PINTURA: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos
ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo,
enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo
aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las
vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza
a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En
Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó
la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La
Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente

por Diego Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban
Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo
XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la
Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van
Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
ESCULTURA: La escultura barroca muestra las siguientes características:
MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna acción violenta y en actitudes de esfuerzo y tensión.
Las ropas participan también de esta agitación y se arrugan en pliegues que revolotean como sacudidos
por el viento.
PATETISMO: gusta de la expresión de estados anímicos emotivos tales como: éxtasis, miedo, ansiedad,
etc., que los rostros traducen con el más vivo verismo.
CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la pintura, de manera que los cuerpos se perciben como
envueltos en una atmósfera luminosa.

TEATRALIDAD: existe una propensión a lo exagerado y a las actitudes elocuentes que hacen de ella
una representación dramática.
- EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término
procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines
renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció principalmente en Francia, en un principio junto con
el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras la
arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron
fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la decoración
rococó consiguió los mayores logros.
ARQUITECTURA: Los adornos que, representando falsas rocas, adhiéranse a la arquitectura de las
grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo.

Las Situaciones Vivenciales de Formación (S. V .F), son una herramienta fundamental para el desarrollo
del aprendizaje integral. Las S. V. F. contiene una serie de contenidos, conocimientos y momentos entre
los cuales están: Situación Inicial Natural (S. I. N.), Situación Genésica Conceptual (S. G. C.) esta
incluye la Situación Genésica Procedimental (S. G. P.); finalmente está la Situación Post - Vivencial (S.
P. V.)
Se busca que los niños y niñas de un grado de Educación Básica, comprendan de manera lúdica
algunas nociones básicas del área en estudio, relacionándolos con la elaboración de la formación
estética; con esto se pretende generar un aprendizaje integral en los niños (as), ofreciéndoles
situaciones significativas para proporcionar nuevos conocimientos.
Da la oportunidad de brindarle al niño (a) un desarrollo en las áreas. Siendo el maestro generador de
problemas y el animador pedagógico, para así poder lograr en el niño (a) un desarrollo integral en todos
los aspectos que puedan contribuir satisfactoriamente en su vida diaria. El estudiante comprenderá y
analizará un problema o situación determinado haciendo uso de sus conocimientos, esto le
permitirá hacer predicciones, comparaciones, análisis, observaciones y exposición de
argumentos acerca de las interrogantes que se le presentarán en torno a los contenidos, a la vez
procurará darle una respuesta de acuerdo al nivel de comprensión que haya logrado.

Situación Inicial Natural:
Descripción
En esta situación, se pondrá de manifiesto el conocimiento previo que tiene el niño (a) a través de
textos de completación y relación, ya que el generador de problemas que es el docente da inicio al
diseño con las diferentes dificultades o problemas, esta situación le permite al estudiante enfrentarse a
una serie de incógnitas reflejadas a través de sus procesos cognitivos en donde el alumno hará uso
de su potencial creativo e imaginativo para el desarrollo de sus estructuras de conocimiento previo y a
las adquiridas en base a las nuevas experiencias que le permitirán construir nuevos modelos y diseños
donde se destaque la productividad de sus trabajos.
Tipo de conocimiento: aquí el niño(a) pone de manifiesto el conocimiento espontaneo a partir del cual
forma y construye algo como él mismo piensa, es decir su propia voluntad o impulso interior sin
indicación de otro.

Momento o Parte: 1era Parte
Situación Genésica Conceptual
Descripción
En esta parte o momento de la Situación Vivencial de Formación el alumno(a) confronta el
conocimiento previo con sus compañeros, ya que el animador pedagógico o docente les presenta las
actividades planteadas en la situación inicial natural para que ellos construyan conocimientos lógicos
formales sobre el tema ordenando y estructurando su conocimiento.
Tipo de Conocimiento: Esta situación consiste en darles al niño y la niña las posibles soluciones de las
actividades preliminares y que las confronte con su labor realizada para obtener el conocimiento
ordenado y estructurado, con el objetivo de que el niño(a) exponga su punto de vista, de forma
individual, además defienda su opinión para que pueda llegar a construir su propio conocimiento, lo
internalice y quede como un aprendizaje significativo.

Momento o Parte: 2da Parte
Situación Genésica Procedimental
Se pone de manifiesto el conocimiento lógico formal adquirido a través de la realización de lo expuesto,
es decir, el (la) niño (a) pone en práctica sus nuevos conocimientos, en el aula de clases.
Tipo de conocimiento: aplicado-práctico
Momento o parte: 3era parte
Situación Post-Vivencial
En esta situación los alumnos (as) transfieren a la comunidad, escuela, amigos y familiares los
conocimientos adquiridos, ya que estarán en condiciones de ejecutar otras praxis que le permitirán
resaltar y elevar el conocimiento de acuerdo a la realidad contextual en la que está inmerso. Cabe
resaltar que el éxito del conocimiento que transferirá dependerá de las estrategias que utilice para que
ese conocimiento llegue a la comunidad y así crear una cadena de aprendizajes que se multipliquen.

Tipo de conocimiento: transferido o transportado.
Aprendizaje
Es un proceso de cambio relativamente permanente en el comportamiento de una persona generado
por la experiencia (Feldman, 2005). En primer lugar, aprendizaje supone un cambio conductual o un
cambio en la capacidad conductual. En segundo lugar, dicho cambio debe ser perdurable en el tiempo.
En tercer lugar, otro criterio fundamental es que el aprendizaje ocurre a través de la práctica o de otras
formas de experiencia (p.ej., observando a otras personas).
Aprendizaje Integral
Es un proceso continuo, permanente y participativo que busca desarrollar armónica y coherentemente
todas y cada una de las dimensiones del ser humano (ética, espiritual, cognitiva, afectiva, comunicativa,
estética, corporal, y socio-política), a fin de lograr su realización plena en la sociedad. Es decir, vemos
el ser humano como uno y a la vez pluridimensional, bien diverso como el cuerpo humano y a la vez
plenamente integrado y articulado en una unidad.

La 'educación integral' supone una triple preocupación docente: sobre los tres campos del conocimiento,
de la conducta y de la voluntad. El primero, o sea el conocimiento, es lo que comúnmente se ha llamado
instrucción y que, en forma más propia, debe designarse con el hombre de 'información'. Comprende ella
el acopio de conocimientos que una persona culta debe adquirir para valerse por sí misma en la vida, ser
útil a la sociedad y darse una explicación personal sobre el mundo en que habita y el tiempo en que le ha
tocado vivir.
Cuando pensamos en la 'educación integral' queremos significar que aceptamos que el hombre es un
complejo consubstancial de materia y espíritu, una combinación esencial de cuerpo orgánico y de alma
inmaterial e imperecedera y que, por lo tanto, todo tratamiento educativo debe mirar hacia la integridad de
la persona humana y no a uno de sus componentes".

Dimensiones del Aprendizaje Integral
Dimensión Ética
Posibilidad del ser humano para tomar decisiones a partir del uso de su libertad, la cual se rige por
principios que sustenta, justifica y significa desde los fines que orientan su vida, provenientes de su
ambiente socio-cultural.
¿Cómo se desarrolla?
Cuando:
• La persona asume reflexivamente los principios y valores que subyacen a las normas que regulan la
convivencia en un contexto determinado.
• La persona lleva a la práctica sus decisiones éticas.
• Se da el proceso de desarrollo y maduración de la conciencia, del juicio y de la acción moral.
• Las acciones de las personas son coherentes con su pensamiento (acciones morales).

Está relacionada con:
- La conciencia de los principios o fundamentos que orientan las acciones.
- El proceder en consecuencia con los principios universales éticos.
- El uso de la libertad y el ejercicio de la autonomía.
- Las motivaciones y el ejercicio de la voluntad.
Dimensión Espiritual
Posibilidad que tiene el ser humano de trascender su existencia para abrirse a valores universales,
creencias, doctrinas, ritos y convicciones que dan sentido global y profundo a la experiencia de la propia
vida, y desde ella al mundo, la historia y la cultura.
• Cuando a la persona se le ofrece la posibilidad de salir de sí misma para relacionarse y acoger a los
otros y cuando tiene la posibilidad de establecer y cultivar una relación personal y comunitaria con su
religión. Todas las acciones educativas que contribuyan a lograr estos dos aspectos permiten que esta
dimensión se despliegue en toda su plenitud.

- Lo espiritual, es decir, con todas las actividades y operaciones internas que vivencia la persona y que
tienen que ver con las preguntas que ésta se formula y la construcción de sentido.
- La espiritualidad como el camino que se adopta para traslucir lo que se ha vivido como experiencia
espiritual.
Dimensión Cognitiva
Conjunto de potencialidades del ser humano que le permiten entender, aprehender, construir y hacer
uso de las comprensiones que sobre la realidad de los objetos y la realidad social ha generado el
hombre en su interacción consigo mismo y con su entorno, y que le posibilitan trasformaciones
constantes.
Cuando se da la interrelación de los siguientes aspectos:
• El conocer: entendido como la relación que establece la persona con el mundo y el medio en el cual se
halla inmersa permitiéndole distinguir una cosa de las demás e involucrando procesos y
estructuras mentales para seleccionar, transformar y generar información y comportamientos.

• El conocimiento: entendido como la construcción y representación de la realidad que hace la persona
a partir de sus estructuras teóricas, conceptuales y prácticas que le permiten comprender, interpretar,
interactuar y dar sentido al mundo que lo rodea. El conocimiento está mediado, además, por el
lenguaje.
• El aprendizaje: entendido como el resultado de la interacción de la persona con su mundo circundante
que le permite interpretar los datos que le vienen de fuera con sus propias estructuras cognitivas para
modificar y adaptar las mismas a toda esta realidad comprendida y aprehendida.
- La manera en que la persona se ubica en el mundo que le rodea y las relaciones que establece con el
mismo.
- El pensamiento lógico-matemático.
- Las acciones que desarrolla la persona sobre el mundo y que le permiten integrarse a éste.
- La estructura mental que le permite conocer, conocerse y transformar la realidad.

Dimensión Afectiva
Conjunto de potencialidades y manifestaciones de la vida psíquica del ser humano que abarca tanto la
vivencia de las emociones, los sentimientos y la sexualidad, como también la forma en que se relaciona
consigo mismo y con los demás; comprende toda la realidad de la persona, ayudándola a construirse
como ser social y a ser copartícipe del contexto en
el que vive.
• En el reconocimiento, la comprensión y la expresión de emociones y de sentimientos.
• En las relaciones con los demás y en la construcción de comunidad.
• En la maduración de la sexualidad.
- La identidad de género de las personas.
- Los procesos de socialización de los seres humanos que se dan en la familia, la escuela, el medio
social y la cultura, entre otros.

- Las relaciones con los demás.
- El reconocimiento de sí mismo - auto concepto y autoestima
- La vivencia de la sexualidad.
Dimensión Comunicativa
Conjunto de potencialidades del sujeto que le permiten la construcción y transformación de sí mismo y
del mundo a través de la representación de significados, su interpretación y la interacción con otros.
• Cuando la persona desentraña, comprende e interpreta el sentido de las cosas y lo comunica mediante
el lenguaje.
• En la creación y uso de lenguajes distintos a los verbales que expresan sentido y significado.
• En la decodificación - con sentido crítico - de los lenguajes que le ofrece el medio en que la persona se
encuentra inmersa.

- El lenguaje como un medio de expresión que utilizan las personas para interactuar con otras y realizar
consensos y diálogos.
- La comunicación que establecen las personas donde se da o se recibe información acerca de sus
necesidades, deseos, percepciones, conocimientos o emociones de los otros.
- Los diferentes sentidos que la persona encuentra cuando interpreta los distintos tipos de signos que se
manifiestan en una cultura.
Dimensión Estética
Capacidad del ser humano para interactuar consigo mismo y con el mundo, desde la sensibilidad,
permitiéndole apreciar la belleza y expresar su mundo interior de forma inteligible y comunicable,
apelando a la sensación y sus efectos en un nivel diferente al de los discursos conceptuales.
En la manera particular según la cual las personas sienten, imaginan, seleccionan, expresan,
transforman, reconocen y aprecian su propia presencia y la de los otros en el mundo. También se
desarrolla cuando las personas comprenden, cuidan, disfrutan y recrean la naturaleza y la producción

cultural, local y universal.
- La apreciación de la belleza en la que se reconocen diferentes efectos sensibles que le dan un sentido
especial a la vivencia del dolor y del placer.
- La producción estética del ser humano que busca formas de expresión adecuadas a contenidos
específicos de sus vivencias.
- La estética de la existencia que es la vida tomada como una obra de arte donde la persona es capaz
de dar un nuevo significado a sí misma a partir de experiencias que le sean importantes.
Dimensión Corporal
Posibilidad que tiene el ser humano de manifestarse a sí mismo desde su cuerpo y con su cuerpo, de
reconocer al otro y ser presencia “material” para éste a partir de su cuerpo; incluye también la
posibilidad de generar y participar en procesos de formación y desarrollo físico y motriz.

• Conociendo y apropiándose del mundo mediante experiencias sensoriales y perceptuales.
• En el ámbito sensorial, gracias a los sentidos vestibular (equilibrio, coordinación), táctil (conciencia
corporal, atención), auditivo (memoria, procesamiento auditivo), visual, olfativo y propioceptivo
(conciencia del cuerpo en el espacio) y gustativo, los seres humanos captan los estímulos de la realidad
exterior y responden a ellos adaptativamente. Las sensaciones recibidas a través de los órganos
receptores resultan también fundamentales para el aprendizaje.
• En el desarrollo motor que implica dos aspectos: cuando la persona piensa, planea y anticipa sus
acciones y la actividad motriz o el movimiento del ser humano que le permite adaptarse a la realidad,
desarrollar la toma de conciencia en lo corporal, en la lateralidad y en el concepto de espacio-temporal y
equilibrio.
• En los procesos de aprendizaje, en el concepto de tiempo y espacio asociados al desarrollo motor que
depende de múltiples factores relacionados con lo afectivo, lo psico-social y lo cognoscitivo.
• Cuando se vincula a los demás y hay preocupación por el otro.
• En los intercambios culturales con otros seres humanos en el mundo.

- El conocimiento, atención y cuidado del cuerpo.
- El desarrollo físico.
- Los procesos de aprendizaje -manejo del espacio corporal, concepto de tiempo y espacio asociados al
desarrollo motor.
- El conocimiento y apropiación del mundo mediante experiencias sensoriales y perceptuales.
- El vínculo con los demás y la preocupación por el otro.
- Los intercambios culturales con otros seres humanos en el mundo.
Dimensión Sociopolítica
Capacidad del ser humano para vivir “entre” y “con” otros, de tal manera que puede transformarse y
transformar el entorno socio cultural en el que está inmerso.
• En la Formación de un sujeto político que puede dar cuenta de lo que ocurre a su alrededor como
ciudadano formado en tres direcciones:

Conciencia histórica: que tenga conocimiento de los momentos históricos que hicieron parte de la
formación social y política de su entorno y a través de ésta explique la actualidad.
• Formación en valores cívicos: elementos claves para participar y deliberar de los interrogantes de una
organización política: virtudes cívicas que comprende el sentido de lo público, la solidaridad, la justicia, y
el reconocimiento de la diferencia.
• La formación de un pensamiento (juicio) y de una acción políticos que tienen que ver con la palabra,
los discursos, las razones y las personas. Se relacionan con los demás y discuten acerca de los
asuntos comunes.
• En la formación de una idea de justicia que debe tener en cuenta la necesidad de garantizar libertades
individuales y la preocupación de fomentar la igualdad social.
• En la formación del sentido de responsabilidad social: con la que se pretende enfrentar los serios
cambios estructurales dentro de las sociedades.

- El proyecto político de la institución o comunidad.
- La estructura y organización de la sociedad alrededor de las normas de convivencia.
- La posibilidad de participar en las concertaciones en busca de un ordenamiento social.
- El sentido de pertenencia y la responsabilidad social.
- El compromiso con la construcción de una sociedad más justa.
¿Cómo se logra la formación integral?
El desarrollo de esta Formación Integral se da a través de todo lo que intencionalmente educa en razón
de nuestra propuesta: el conjunto de valores, principios, criterios, planes de estudios, programas,
metodologías, actividades extracurriculares y estilo de gestión que orientan toda la tarea que se realiza
en una institución educativa.

La integridad de la propuesta también implica la articulación, es decir, que los procesos educativos estén
vinculados con el propósito que se ha definido como el horizonte de la acción educativa; en otras
palabras, que desde una opción educativa todas las acciones de la Institución giren en torno a lo que se
busca. Ya no podrá haber tareas o funciones educativas dependiendo única y exclusivamente de una
persona y en cuyo “terreno” nadie se puede “meter”, sino que definitivamente todos tendremos que ver
con todo y todos seremos corresponsables de este mismo propósito: la Formación Integral.
¿Para qué sirve, en definitiva, la Formación Integral?
La Formación Integral sirve, entonces, para orientar procesos que busquen lograr, fundamentalmente, la
realización plena del hombre y de la mujer, desde lo que a cada uno de ellos les corresponde y es
propio de su vocación personal. También, contribuye al mejoramiento de la calidad de vida del entorno
social, puesto que ningún ser humano se forma para sí mismo y para mejorar él mismo, sino que lo hace
en un contexto socio-cultural determinado con el objeto igualmente de mejorarlo.

¿Cómo se lleva a la práctica?
La Formación Integral se hace realidad en la práctica cotidiana de una institución educativa cuando
ella permea e inspira los criterios y principios con los cuales se planean y programan todas las acciones
educativas, así como en «la puesta en obra» o ejecución de cada una de ellas. En este sentido, se
puede decir que el currículo es el medio que hace posible que en la práctica cotidiana este propósito
sea una realidad.
EL PROCESO CREATIVO
Durante el proceso creativo, el guionista para video o audio trabaja aislado en un cuarto; solo con su
computadora; papel y lápiz o según preferencia. Sin embargo, debe tener en mente a los miles o quizás
las millones de personas que verán o escucharan lo que va a escribir.
1. La preproducción: es el paso primero del proceso creativo. Con la idea se inicia el proceso
creativo. Es la chispa de la creación; el inicio de un guión. A la hora de escribir un guión se parte por la
idea que tenemos en mente. Por lo general, ésta es difusa, pero a medida que vamos construyendo la
historia en nuestra mente, va tomando forma.

A partir de una o varias ideas se puede generar una historia que podría convertirse a un guión creado ya
sea para ser escuchado o ser visto. La idea debe ser clara y de fácil comprensión. Cualquier idea
sencilla puede ser interesante, todo depende de la parte creativa del guionista, quien decidirá la forma en
que será contada dicha idea.
2. La Descripción: con la idea ya en mente pasamos a describirla en pocas líneas, haciendo una
síntesis de la misma y agregando algunos datos vitales para la historia.
3. La elaboración de la sinopsis. La sinopsis es un resumen de un relato o historia, así como de los
personajes principales. Aquí se maneja información con respecto al escenario, la trama y los personajes,
además de algunos diálogos como ejemplo. Una vez elaborada la sinopsis, procedemos al paso
siguiente.
4. El tratamiento. Esta es la fase en la que detalla las acciones y los diálogos escena por escena por
orden de continuidad.

En los textos recreativos, el autor dará muestra sus emociones, pareceres y percepciones personales a
través de un escrito en el caso de los textos recreativos las funciones que predominan son dos: la
función expresiva y la poética
La función expresiva también llamada emocional o emotiva, tiene como objetivo el que el emisor,
muestre al receptor sus sentires, opiniones, puntos de vista, pretensiones y deseos
particulares; se puede destacar que en esta función predomina la subjetividad y las emociones
personales de cada autor, este a su vez hace uso de exclamaciones para resaltar su estado de ánimo
así como la aplicación de la primera persona en singular, todo esto para que los sentimientos del emisor
sean identificables.
La función poética, cuyo propósito es sincronizar al emisor y al receptor con un mensaje en común, se
apoya de la belleza del escrito, toma mayor importancia la forma en que se da el mensaje que el
mensaje en sí. El arte de dar un discurso con belleza y eficacia se conoce como retórica, en el caso de
la función poética esto es muy importante, por ello se suelen ocupar rimas, y palabras que tengan cierta
afinidad, con el fin de captar la atención del que recibe el mensaje.

El escritor pretende suscitar en el receptor una serie de sensaciones de belleza, creatividad e influencia
a través de la forma de su mensaje.
Los tipos de Textos Creativos son: Populares, Chiste, Refrán, Canción, Adivinanza, e historieta.
Son aquellos que nos desarrollo de la imaginación y nos ayudan a realizar textos divertidos, rítmicos e
interesantes. En los textos recreativos son personajes ficticios y pocas veces se combinan 2 o más
funciones. También tienen como objetivo pasar el tiempo sin necesidad de aportar conocimientos.
La escritura creativa es aquella, de ficción o no, que desborda los límites de la escritura profesional,
periodística, académica y técnica. Esta categoría de escritura incluye la literatura y sus géneros y
subgéneros, en especial, la novela, el cuento y la poesía, así como la escritura dramática para el teatro,
el cine o la televisión.

Funciones de los textos creativos
La función expresiva también llamada emocional o emotiva, tiene como objetivo el que el emisor,
muestre al receptor sus sentires, opiniones, puntos de vista, pretensiones y deseos particulares; se
puede destacar que en esta función predomina la subjetividad y las emociones personales de cada
autor, este a su vez hace uso de exclamaciones para resaltar su estado de animo así como la aplicación
de la primera persona en singular, todo esto para que los sentimientos del emisor sean identificables.
Por otra parte también tenemos la función poética, cuyo propósito es sincronizar al emisor y al receptor
con un mensaje en común, se apoya de la belleza del escrito, toma mayor importancia la forma en que
se da el mensaje que el mensaje en sí. El arte de dar un discurso con belleza y eficacia se conoce como
retórica, en el caso de la función poética esto es muy importante, por ello se suelen ocupar rimas, y
palabras que tengan cierta afinidad, con el fin de captar la atención del que recibe el mensaje.

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