1. Le style paléolithique, il y a 20 000 ans
Grotte de
Lascaux
Grotte Chauvet

2. Beaucoup plus tard, bien des écoles et styles artistiques se sont succédés.
Ceci est une synthèse des plus connus.
Classicisme (XVII è) Expressionnisme (XX è) Surréalisme (1924)
Baroque (XVII è) Art abstrait (XX è) Pop art (1960)
Néoclassicisme (1750) Art naïf (1900) Op art (1960)
Rococo (XVIII è) Fauvisme (1901) Hyperréalisme (1960)
Romantisme (XVIII è) Cubisme (1907) Body art (1960)
Impressionnisme (XIX è) Futurisme (1909) Minimalisme (1960)
Réalisme (1850) Suprématisme (1913) Installation (1960)
Naturalisme (1870) Dadaïsme (1916) Art pauvre (1967)
Pointillisme (1880) Peinture métaphysique (1917) Art conceptuel (1968)
Post - impressionnisme (1885) Néo - plasticisme (1917) Néo – expressionnisme (1980)
Cloisonnisme (1886) Purisme (1918) Art ASCII (1980)
Synthétisme (1888) Art déco (1920)
Nabis (1888) Constructivisme (1920)
Le diaporama peut être consulté séquentiellement en cliquant sur les diapositives (comme d’habitude)
ou en utilisant les liens hypertexte de la liste ci-dessus.
Compilation réalisée par Jack Auzanneau
Sources: divers sites Internet
Accompagnement musical: Water Music (Haendel 1715)

3. Classicisme Mouvement littéraire et artistique de la seconde moitié du XVIIe
siècle. Ce terme est apparu au XIX è siècle pour désigner les œuvres qui prennent pour
modèle l’art antique.
Pour donner l'impression de naturel, il importe avant tout de ne pas choquer. C'est pourquoi
les règles de vraisemblance et de bienséance jouent un rôle majeur au XVII e siècle.
La vraisemblance correspond à ce qui peut paraître vrai. L'objectif n'est pas de représenter la
vérité mais de respecter les cadres de ce que le public de l'époque considère comme possible.
C'est cette règle de vraisemblance qui est à l'origine de toutes les règles du théâtre classique.
« Qu'en un jour, qu'en un lieu, un seul fait accompli
Tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli. »
Ces deux vers de Boileau résument la fameuse règle des trois unités : l'action doit se dérouler
en vingt-quatre heures (unité de temps), en un seul lieu (unité de lieu) et ne doit être
constituée que d'une seule intrigue (unité d'action).
Peintres classiques:
Charles de La Fosse, Charles Le Brun, Claude Gellée, Pierre Mignard, Nicolas Poussin, ...
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4. Le baroque est un style qui naît en Italie (à Rome, Mantoue, Venise et Florence) à la charnière
des XVI è et XVII è siècles, et jusqu'au milieu du XVIII è, et se répand rapidement dans la
plupart des pays d’Europe.
Il touche tous les domaines
artistiques, sculpture, peinture, littératur
e, architecture et musique et se
caractérise par l’exagération du
mouvement, la surcharge
décorative, les effets dramatiques, la
tension, l’exubérance et de la grandeur
parfois pompeuse.
L’art baroque est donc un art de
mouvement, riche et surabondant.
L’architecture a une place privilégiée; le
luxe de l’église doit entraîner l’adhésion
du fidèle.
Les autres arts, peinture, sculpture, décor, sont subordonnés à l’architecture et contribuent à
produire le même effet; les lignes courbes, l’ovale en particulier, prédominent aux dépens de la
ligne droite. Enfin, l’illusion, l’impression spectaculaire sont plus importantes désormais que
l’exactitude.
En musique, sont dits baroques la quasi-totalité des musiciens européens entre 1580 et 1760:
Telemann, Vivaldi, J.-S. Bach, Haendel.
En peinture, les principaux chefs de file du mouvement baroque sont Rembrandt
(Hollande), Rubens (Flandres) ou encore Andrea Pozzo (Italie) sans oublier Vermeer même si ce
dernier est parfois classé dans les artistes « classiques » par la tradition .
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5. Le néoclassicisme est un mouvement artistique qui s'est développé dans la peinture, la
sculpture, l'architecture et la littérature entre 1750 et 1830 environ. Ce nom s'applique aussi au
domaine musical à partir des années 1920, en réaction aux excès du romantisme et de la
modernité.
Apparu à Rome au milieu du XVIIIe siècle, il prônait le retour aux canons esthétiques de
l’Antiquité grecque et latine. Le néo-classicisme se répandit dans tous les pays européens et aux
É.-U. (Capitole de Washington), et se prolongea jusqu’en 1830 environ.
À l’origine, on constate généralement une réaction contre l’art «aristocrate»
(baroque, rococo), ainsi qu’une admiration pour la République romaine.
L’art antique, que les fouilles d’Herculanum (1720) et de Pompéi (1748) commençaient à
faire mieux connaître, prit force de symbole.
La génération des architectes néo-classiques français comprend notam. E. L. Boullée, C.
de Wailly (Odéon), C. N. Ledoux, A. T. Brongniart (Bourse de Paris), J.-F. Chalgrin (arc de triomphe
de l’Étoile), P. A. Vignon (égl. de la Madeleine).
Le sculpteur italien A. Canova fut celui qui soumit le plus facilement son art à l’esthétique
du «noble contour». En peinture, le Serment des Horaces, de David (1784), se présenta comme le
manifeste de la nouvelle école (F. Gérard, Girodet, etc.).
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6. Le rococo est un mouvement artistique, en vogue au 18è siècle, qui touche principalement
la peinture et l’architecture.
Dérivé du baroque, il se caractérise par un enrichissement décoratif
particulièrement chargé.
Principaux représentants :
Allemagne: François de Cuvilliés, (architecte et décorateur)
France : Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Honoré Fragonard, Jean Pillement, Antoine
Pesne, Nicolas Pineau (architecte décorateur)
Italie: Corrado Giaquinto, Giambattista Tiepolo, Antonio Balestra, les Guardi, Francesco
Solimena, Alessandro Magnasco, Giovanni Domenico Ferretti
Flandres : Peter Angelis
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7. Le romantisme est un courant artistique d'Europe occidentale apparu au cours du XVIIIè siècle en
Grande-Bretagne et en Allemagne, puis au XIXe siècle en France, en Italie et en Espagne. Il se
développe en France sous la Restauration et la monarchie de Juillet, par réaction contre la
régularité classique jugée trop rigide et le rationalisme philosophique des siècles antérieurs.
Le romantisme s'esquisse par la revendication des poètes du « je » et du « moi », qui
veulent faire connaître leurs expériences personnelles et faire cesser cet aspect fictif attribué aux
poèmes et aux romans. Le romantisme se caractérise par une volonté d'explorer toutes les
possibilités de l'art afin d'exprimer les extases et les tourments du cœur et de l'âme : il est ainsi une
réaction du sentiment contre la raison,
Artistes français romantiques:
Arlincourt - Balzac - Bernardin de Saint-Pierre - Aloysius Bertrand - Petrus Borel - Chateaubriand -
Chénier - Constant - Delacroix - Diderot - Alphonse Esquiros - Xavier Forneret - Gautier - Géricault
- Hugo - Lacenaire - Lamartine - Charles Lassailly - Lautréamont - Mérimée - Michelet - Musset -
Nerval - Nodier - Philothée O'Neddy - Alphonse Rabbe - Rousseau - Senancour - Georges Sand-
Mme de Staël - Stendhal - Vigny
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8. L'impressionnisme est une école picturale française, fruit au départ de l'association de quelques
artistes parisiens dans la seconde moitié du XIXe siècle
Fortement critiqué à ses débuts, le mouvement se manifesta notamment, de 1874 à
1886, par huit expositions publiques à Paris, et marqua la rupture de l'art moderne avec
l'académisme. L'impressionnisme est notamment caractérisé par une tendance à noter
les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes plutôt que l'aspect stable et
conceptuel des choses.
C'est un mouvement pictural qui se développa dans le dernier quart du XIXe s. en réaction
contre les conceptions académiques de l’art. Le principe de la division des tons
(l’obtention d’un ton vert résulte du voisinage d’un bleu et d’un jaune) est à la base même
de la technique impressionniste; dès lors, la touche joue pleinement son rôle d’instrument
destiné à dissoudre les formes dans l’atmosphère.
Les principaux peintres impressionnistes furent
Renoir, Degas, Monet, Manet, Sisley, Pissarro. En 1873, le style impressionniste se
généralisa et s’affirma pleinement, tandis que 1877 marqua son apogée.
En ce qui concerne Cézanne et Gauguin, c’est abusivement que leurs noms sont associés à
l’impressionnisme, dont ils apprécièrent la nouveauté mais ne partagèrent pas les principes.
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9. Réalisme (vers 1850)
Le Réalisme est un mouvement artistique du XIXe siècle. Il est à considérer comme
un trait d'union, une transition entre le romantisme et l'impressionnisme.
Tendance littéraire et artistique de la seconde moitié du dix-neuvième siècle, qui
privilégie la représentation exacte, non idéalisée, de la nature et des hommes.
En pratique, les peintres représentant cette tendance ou ce mouvement
artistique, prenaient une image provenant de la réalité pouvant être un objet, un animal, un
humain ou autre chose, et représentaient sous forme de peinture, cette image telle qu’elle
est réellement.
Le Radeau de la Méduse de Géricault (1819) fut considéré comme le premier
tableau "réaliste". Il présente un fait divers de l'époque, le naufrage d'un bateau, peint à la
manière d'une scène historique.
Artistes:
Camille Corot, Honoré Daumier, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Henri Fantin-
Latour, Théodore Géricaut
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10. Naturalisme (vers 1870)
Le naturalisme vise à reproduire la réalité avec la considération parfaite de ce qui
est et qui restera, sans tenir compte des goûts, des sentiments et des préjugés.
Les artistes qui peignent des tableaux en utilisant cette technique se doivent de
reproduire la nature sous tous ses aspects, même les plus laids, les plus rebutants, sans y
rajouter une touche personnelle. Goût pour le Moyen-âge. Ceci représente l'excès du
romantisme. La peinture du paysage est de plus en plus importante.
Ce mouvement précède l'impressionnisme.
Artistes :
Théodore Rousseau, Jean-Baptiste Corot, Charles-François Daubigny, Jules Breton,Joseph
Mallord William Turner
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11. Pointillisme (vers 1880)
Le pointillisme (ou néo-impressionnisme ou divisionnisme) est une technique de
peinture issue du mouvement impressionniste qui consiste à peindre par petites touches
séparées de peinture de couleurs primaires.
On perçoit néanmoins des couleurs secondaires, par le mélange optique des
seuls trois différents tons. Cette technique est née en France notamment sous l'impulsion
de Georges Seurat (1859-1891) puis de Paul Signac (1863 - 1935), à la fin du XIXe siècle
Théorie:
Lorsque le tableau est regardé à une certaine distance, les taches de couleur ne
peuvent pas être distinguées les unes des autres et se fondent optiquement les unes aux
autres. L'aspect visuel obtenu est différent de celui obtenu en mélangeant des couleurs sur
une palette et en les appliquant ensuite sur la toile.
Certains décrivent le résultat comme plus brillant ou plus pur car le mélange est
réalisé par l'œil et non plus par le pinceau.
Principaux artistes:
Georges Seurat, Paul Signac, Henri-Edmond Cross
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12. Le post-impressionnisme est un ensemble des courants artistiques qui, durant la période
allant approximativement de 1885 à 1915, divergent de l'impressionnisme ou s'opposent à lui
(néo-impressionnisme, synthétisme, symbolisme, nabis...).
2 tableaux de Van Gogh
Le terme post-impressionnisme est une appellation extrêmement
floue, appliquée principalement à Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Toulouse-Lautrec et
Seurat, mais souvent utilisée pour décrire d'autres artistes progressistes qui suivirent la
grande décennie de l'impressionnisme (1870-1880), comme Matisse, Bonnard, Decroix
et Dufrénoy.
Principaux artistes:
Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Emile Bernard, Paul Cézanne
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13. Cloisonnisme (1886)
On dit cloisonnisme, à cause du cerne de chaque ton. C’est un grand vitrail plutôt
qu’une peinture, avec les éléments décoratifs de la couleur et de la ligne.
Le cloisonnisme est une technique picturale inventée en 1886 par un jeune
peintre, Louis Anquetin.
Cette technique s'inspire de la technique du vitrail, des estampes japonaises
(japonisme), des Images d'Épinal et des arts primitifs.
Le cloisonnisme se caractérise par des blocs de couleur cernés d’un trait plus
foncé. Ce cerne permet de délimiter les aplats de couleur les uns par rapport aux autres. Il
permet aussi de mettre en valeur les éléments peints.
Aujourd'hui, le cloisonnisme est une technique indissociable de la bande dessinée
et du dessin animé.
Artistes :
Louis Anquetin, E. Bernard, Paul Gauguin, Maurice Denis, Toulouse-Lautrec ....
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14. Le synthétisme (1888) est caractérisé par la simplification voulue des lignes, des formes et
des couleurs.
Les artistes ne se soumettent plus à la nature, ils l'utilisent. Ils s’en servent pour
extraire son idée, laquelle ne se donne qu’à la seule imagination de l'artiste.
Puisque l'idée est conçue par l'imagination du peintre, il ne faut pas qu’il peigne
devant la chose. Cet art est fondé sur l'usage de grands aplats de couleurs aux contours
vigoureusement cernés.
Synthétiser, ce n’est pas nécessairement simplifier dans le sens de supprimer
certaines parties de l'objet, c’est simplifier dans le sens de rendre au plus simple.
Artistes :
Paul Gauguin, Paul Sérusier, Émile Bernard
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15. Nabis Groupe d'artiste créé en 1888
Le mouvement nabi que l'on désigne souvent par Les Nabis est un
mouvement artistique post-impressionniste d'avant-garde, né à la fin du XIX è siècle en
réaction contre la peinture académique et qui perdurera jusqu'au début du XX è siècle.
Il est influencé par les enseignements de Gauguin, le japonisme et l'école de
Pont-Aven.
Les Nabis se caractérisent par l'utilisation de grands aplats de couleurs «
sorties du tube », sans mélange, par le cerne , la perspective absente ou fausse, la ligne
d'horizon haute des paysages. On trouve également dans leur peinture un attrait pour le
symbolisme et des influences de l'école de Pont-Aven. La lumière est prédominante
dans les tableaux des Nabis, préfigurant la lumière spirituelle.
Quelques artistes:
Edouard Vuillard, Maurice Denis, Chaïm Soutine, Félix Vallotton, Jean Verkade, Mogens
Ballin, Pierre Bonnard, Roussel, Paul Sérusier
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16. Expressionnisme
L'expressionnisme est un mouvement artistique apparu au début du XXe
siècle, ayant touché de multiples domaines artistiques : la peinture, l'architecture, la
littérature, le théâtre, le cinéma, et la musique, etc.
C'est une forme d’art qui s’efforce de donner à une œuvre le maximum d’intensité expressive.
Van Gogh et Gauguin, puis Ensor, Munch et Matisse en sont à l’origine
Principaux artistes:
Emil Nolde, Otto Mueller, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Erich Heckel, Karl Schmidt-
Rottluff, Alexeï Von Jawlensky, Wassily Kandinsky, Gabriele Münter, Franz Marc, August
Macke, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Chaim Soutine, Emil Filla, Béla Czobel, Edward
Munch
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17. Art abstrait (début XX è)
C'est une forme d'art qui n‘essaie pas de représenter le monde sensible. La peinture
peut se passer de modèle et s'affranchit de la fidélité à la réalité visuelle.
Aujourd'hui, on utilise ce terme pour désigner une pratique artistique qui ne
représente pas des sujets ou des objets du monde naturel, réel ou imaginaire, mais seulement
des formes et des couleurs pour elles-mêmes. L'art contemporain poussera cette pratique à
son paroxysme, un demi-siècle plus tard.
Le peintre Wassily Kandinsky est le fondateur de l´art abstrait. La peinture abstraite
du tchèque Frantisek Kupka a également inspiré ce mouvement.
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18. Art Naïf période 1900-1937
L’art naïf désigne les œuvres d'artistes, le plus souvent autodidactes, qui se
trouvent en décalage avec les courants artistiques de leur temps, soit par
maladresse, soit parce qu'ils en ignorent tout.
L'art naïf désigne aussi une école de peinture, prônant un style pictural figuratif qui se
caractérise notamment pour la minutie apportée au détails, l'emploi de couleurs gaies (en
aplats), et une représentation « ingénue » et figurative de sujets populaires (paysages
campagnards, costumes folkloriques, animaux domestiques ou sauvages). La codification et
la pérennité de ce style semblent donc mener vers une autre forme d'académisme.
Les artistes naIfs sont souvent autodidactes. Leur expression est colorée d'une
sensibilité populaire. Ils ne suivent pas les tendances de leur époque.
Artistes naïfs:
-Henri Rousseau, dit « le douanier Rousseau »
-Ferdinand Cheval, dit « le facteur Cheval », qui construisit un « palais idéal » à Hauterives ( Drôme )
-Séraphine de Senlis -Raymond Isidore, qui construisit la maison Picassiette à Chartres
-Eva Lallemant - Denys Corbe -Robert Tatin -Jean Schubnel -Bernard Vercruyce
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19. Le fauvisme est un mouvement artisitique des peintres français nommés, par
dénigrement, fauves (Vlaminck, Derain, Matisse, etc.), qui, entre 1901 et 1907, voulurent
créer un expressionnisme de la couleur pure.
Le Fauvisme découle du Pointillisme et du Post-Impressionnisme en général. Mais il se
caractérise par un modèle plus primitif et moins naturel.
Les Fauves rejètent perspective et les valeurs de l'art classique, en exaltant la
couleur toujours vives, dans une simplicité des formes et un abandon du modelé.
Le fauvisme fut, à l’origine, la réaction de divers peintres (Matisse, Rouault, Manguin, Van
Dongen, etc.) contre leur formation académique: ils prônèrent l’emploi généralisé des tons
purs.
Le terme de fauvisme est né lors du vernissage du salon d’automne de 1905: le critique
Louis Vauxcelles, apercevant une statuette de style florentin dans la salle où exposaient
Matisse et ses amis, eut ce mot: « Donatello parmi les fauves! »
Principaux artistes:
Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Henri Matisse, Maurice De Vlaminck
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20. Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé de 1907 à 1914 autour de
Georges Braque, Francis Picabia et Picasso. Après la Première Guerre mondiale, le mouvement
s'essouffle, avant de s'éteindre vers les années 1920.
Le peintre Paul Cézanne pensait que l'on pouvait regarder et représenter les choses à partir de
formes géométriques simples comme la sphère ou le cône. Cette idée sera le point de départ
du mouvement cubiste. En 1907, Pablo Picasso réalise le premier tableau cubiste (Les
Demoiselles d'Avignon). Georges Braque est fasciné par cette toile. Les deux artistes
développent alors une nouvelle forme d'art : l’artiste le décompose en des plans géométriques
inscrits dans un espace tridimensionnel sans profondeur.
Principaux artistes:
Pablo Picasso, Juan Gris, Alexandre Archipenko, Georges Braque, Albert
Gleizes, Fernand Léger, Jacques Lipchitz, Jean Metzinger
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21. Futurisme 1909-1915
A l'origine, mouvement littéraire qui comprend ensuite la peinture, sculpture, photographie et
architecture. Esthétique générée par le mythe moderne de la machine et de la vitesse. Les
peintres sont influencés par le Divisionnisme et le Cubisme.
Le futurisme est certainement l'un des mouvements d'avant-garde qui a le plus
choqué. Il prône en effet l'amour de la vitesse, de la violence, de la machine, le mépris de la
femme, la guerre « comme seule hygiène du monde ». C'est aussi l'un des mouvements
qui, avec le surréalisme, connaît le plus de guerres internes. De nombreux artistes sont
expulsés comme les deux frères Arturo et Carlo Ludovico Bragaglia, photographes.
Principaux artistes:
Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo, Gino Severini, Ardengo Soffici
Jules Schmalzigaug, seul peintre futuriste belge, Mario Carli, écrivain
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22. Le suprématisme (1913) est le fondement d’un art qui ne présente pas la forme réelle des
choses. Son « créateur » est le peintre russe Kasimir Malevitch (1878-1935)
Le peintre ne doit s’occuper que de la peinture et rejeter toute considération
extérieure. Cette devise est celle d’un peintre suprématisme parfait.
Volontairement agressives, les conceptions de ce mouvement eurent un
retentissement considérable face au public. Elles font aussi preuve d’un rare sens de la
perfection. La plupart des œuvres suprématistes sont très simples (carré noir sur fond blanc).
Les formes utilisées par ce mouvement sont essentiellement bidimensionnelles et
répondent à la bidimensionnalité du médium. Les trois formes de bases sont le carré, le
cercle et la croix.
Le carré était la forme préférée de Malévitch, puisque c'est une forme scientifique
et non naturelle, basique, universelle et c'est à partir de cette forme qu'il élabore les autres.
Artistes :
Kasimir Malevitch, Vassily Kandinsky, Olga Razanova, Lioubov Popova et Alexandra Exter.
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23. Dada, dit aussi dadaïsme, est un mouvement intellectuel, littéraire et esthétique qui, entre
1916 et 1925, se caractérisa par une remise en cause, à la manière de la table rase, de
toutes les conventions et contraintes idéologiques, artistiques et politiques.
Le dadaïsme vise à renverser la conception traditionnelle de l'art au moyen de la
provocation et de la dérision. Ce mouvement a rassemblé des écrivains et des artistes ayant
refusé de participer à la guerre et ayant appelé à la subversion renversement des valeurs
établies.
Louis Aragon (1897-1982), André Breton (1896-1966), Paul Éluard (1895-
1952), Philippe Soupault (1897-1990) ont appartenu au mouvement Dada.
Principaux artistes:
Hans Arp, Hugo Ball, Marcel Duchamp, Max Ernst, George Grosz, Raoul
Hausmann, John Heartfield, Hannah Höch, Marcel Janco, Man Ray, Francis Picabia, Hans
Richter, Kurt Schwitters, Sophie Taeuber-Arp
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24. Peinture métaphysique Le mouvement Pittura Metafisica était un mouvement
artistique italien fondé en 1917 par Carlo Carra , Giorgio de Chirico et Giorgio Morandi
qui cherche à représenter ce qu'il y a au-delà de l'apparence physique de la réalité, au delà
de l'expérience des sens.
La peinture métaphysique n'est attachée ni à un mouvement ni à une école : elle n'obéit pas
à une doctrine. Elle est cependant liée à un groupe très restreint de peintres qui, entre 1910 et
1920, ont refusé d'axer leurs œuvres sur l'unique recherche formelle que proposaient les avant-
gardes.
Pour ces artistes, l'expérience métaphysique ne représente qu'une période qui, d'un point
de vue chronologique et iconographique, reste limitée dans leur œuvre.
C’est Chirico lui-même qui a établi une distinction entre son œuvre d'avant-guerre et celle
qui lui a succédé, en prononçant le terme de "peinture métaphysique". Dans son ambitieuse
grandiloquence, ce mot évoquait le rêve prométhéen de l'artiste d'arracher aux choses, à leur
silence, leur inertie, leur impassibilité, quelques-uns de leurs secrets surnaturels.
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25. Néo-plasticisme (1917-1925)
Doctrine de la plastique pure élaborée par Piet Mondrian, à partir d’une analyse
serrée du cubisme et qui consiste dans l’usage exclusif de l’angle droit en position
horizontale verticale et des trois couleurs primaires auxquelles viennent s’ajouter les non
couleurs : blanc, noir et gris.
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26. Purisme 1918-1926 Peinture et architecture.
En réaction contre la peinture Cubiste, le purisme traduit une admiration pour la
beauté et la pureté des formes de la machine. Il est caractérisé par la simplicité
géométrique des contours et la recherche de formes épurées.
Le Corbusier signe le manifeste "Le Purisme", où il préconise avec Ozenfant et
Leger un retour à l'ordre. Leur mouvement est initié par l'ouvrage "La peinture
moderne", publié à Paris en 1925.
Ils valorisaient les formes simples et la machinerie, et ils croyaient que la section
dorée(1) était la forme idéale.
Principaux représentants:
Le Corbusier, Amédée Ozenfant, Fernand Leger
(1) La section dorée (ou nombre d'or) est le nombre (1+(racine carrée de 5) )/2= 1,618033988...
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27. Art Déco De 1920 à 1939, et en réaction à l'Art nouveau d'avant la Première
Guerre mondiale, l'Art déco fut un mouvement artistique extrêmement influent surtout dans
l'architecture et le design, mais concerna en fait plus ou moins toutes les formes d'arts
plastiques.
Caractéristiques:
Autant les formes de l'Art nouveau étaient ondulantes, très détaillées et prenaient
exemple sur la nature, autant l'Art déco s'est tourné vers des formes épurées et
essentiellement géométriques.
La courbe, encore très présente aux débuts de ce mouvement, tend à disparaitre
progressivement au profit de l'angle droit, notamment avec le courant De Stijl.
Ce fut une véritable mais brève explosion artistique concernant de nombreuses
disciplines artistiques
Principaux artistes:
Maurice Dufrêne, Jean Dunand, Francis Jourdain, Pierre Legrain, Robert Mallet-
Stevens, André Mare, Jacques Emile Ruhlmann, Louis Süe
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28. Constructivisme (1920)
Mouvement artistique du vingtième siècle. C’est un mouvement qui privilégie une
construction plus ou moins géométrique des formes. C’est un mouvement russe à l’origine.
Il est utilisé dans la construction sculpturale ou picturale.
Artistes :
Antoine Pevsner, Naum Gabo, Guennadi Vassilkov , Victor Vasarely ...
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29. Surréalisme 1924-1966
Le surréalisme est un mouvement artistique qu‘André Breton définit dans le premier
Manifeste du Surréalisme comme un « automatisme psychique pur, par lequel on se propose
d'exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel
de la pensée.
Dictée de la pensée, en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors
de toute préoccupation esthétique ou morale.
C' est l'expression par l'automatisme et par une sorte de fantastique onirique.
Inspiré par les découvertes psychanalytiques de Freud et l'idéologie politique du Marxisme.
Principaux artistes:
Salvador Dali, Max Ernst, Joan Miro, Yves Tanguy, Hans Bellmer, Jacques Hérold, Wilfredo
Lam, René Magritte, Man Ray, André Masson, Roberto Matta, Echaurren, Meret
Oppenheim, Wolfgang Paalen, Toyen, Raoul Ubac, Marc Chagall
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30. Le pop art est un mouvement qui trouve son origine en Angleterre au milieu des années
50, sous l'impulsion de Richard Hamilton et Edouardo Paolozzi. Un peu plus tard, dans les
années 1960, c'est au tour du Pop art américain d'émerger avec Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Robert Rauschenberg ou encore Jasper Johns. C'est surtout la branche américaine
qui va populariser ce courant artistique devenu majeur, en dénonçant la consommation de
masse à tout prix et présenter l'art comme un simple produit à consommer :
éphémère, jetable, bon marché...
Mais ce qui caractérise
profondément ce
mouvement, c'est le rôle de
la société de consommation
et des déformations qu'elle
engendre dans notre
comportement au quotidien.
Le pop'art recourt aux objets les plus quotidiens ainsi qu'aux procédés graphiques de la
mode et de la publicité.
C'est à partir de ce principe que les artistes américains vont mettre en évidence
l'influence que peut avoir la publicité, les magazines, les bandes dessinées et la télévision sur
nos décisions de consommateurs.
Par la suite, ce mouvement va s'étendre et toucher d'autres domaines comme la
mode, l'architecture, le design, etc.
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31. Op art, art cinétique, ou "optique", est un terme utilisé pour décrire certaines peintures faites
à partir des années 1960 et qui exploitent la faillibilité de l'œil à travers des illusions optiques.
Les œuvres Op art sont en général abstraites. Les pièces les plus connues
sont réalisées en noir et blanc et donnent l'impression de mouvement, d'éclat de lumière
et de vibration, ou alternativement de ballonnement et de gauchissement.
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32. Hyperréalisme années 1960-70
(Les exemples ci dessus sont bien des peintures et non des photos.)
L'hyperréalisme est un mouvement artistique d'origine américaine, caractérisé par
une représentation figurative ultra-réaliste.
Il a principalement concerné la peinture et la sculpture.
L'expression est si détaillée et précise que l'art lui-même semble réel. Les
peintures hyperréalistes ressemblent à des photos et les sculptures hyperréalistes à des
objets réels.
Quelques artistes hyperréalistes:
Malcolm Morley, Robert Bechtle, Chuck Close, John De Andrea, Richard Estes, Malcolm
Morley
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33. Body Art années 1960-70
Le Body Art est la dénomination anglaise d'un mouvement artistique : L’ art corporel
Il prend le corps comme médium de l'expression artistique. Action exécutée en public.
Quelques artistes:
Gilbert & George, Gina Pane, Chris Burden
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34. Minimalisme ou Art Minimal années 1960-70
Style caractérisé par une austérité impersonnelle, des configurations géométriques
évidentes et des matériaux transformés industriellement. La forme est le contenu.
Pour les Minimalistes ll n'y a rien d'autre à voir que ce que l'on voit . Le « ressenti » est
interdit.
Quelques minimalistes:
Richard Serra, Agnes Martin, Donald Judd, Robert Morris, Sol Lewitt
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35. Installation (1960)
L'installation' est un genre de l'art contemporain qui désigne une œuvre combinant
différents médias en vue de modifier l'expérience que peut faire le spectateur d'un espace
singulier ou de circonstances déterminées
Ça peut aussi être une pièce où l'on expose différentes œuvres et que le tout en
crée une autre. On peut se déplacer entre les éléments répartis dans un environnement. Le
land art est une forme d’installation.
Artistes :
Jack Beng-Thi (scupteur), Teruhisa Suzuki et tous les artistes en art actuel.
Spencer Tunick (photographe), Lee Bul (sculpture), Vanessa Beecroft
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36. Art pauvre (Arte Povera) (1967)
L’art pauvre est un mouvement artistique italien qui remonte à 1967. C’est un
véritable culte à la pauvreté. Celle-ci devient un critère absolu. La pauvreté est partout :
dans les matériaux, les moyens et les effets. L’art pauvre fonde son action sur l’espace
environnant.
Les acteurs de Arte Povera, refusent de se laisser enfermer dans une définition et
rejettent la qualification de mouvement, pour lui préférer celle d'attitude. Etre un artiste Arte
Povera, c’est adopter un comportement qui consiste à défier l’industrie culturelle et plus
largement la société de consommation, selon une stratégie pensée sur le modèle de la
guérilla.
Artistes :
Alighieno Boetti, Luciano Fabro, Iannis Kounellis, Mario Merx ...
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37. Art conceptuel (1968)
Mouvement artistique récent qui privilégie l’essence du phénomène esthétique au
détriment de sa réalisation matérielle, de manière à ce que l’attitude mentale du spectateur
soit au centre, elle aussi, de ce phénomène.
L'art conceptuel ne se soucie en apparence plus du savoir-faire de l'artiste ni même
de l'idée qu'une œuvre doit être « finie » car l'idée prime sur la réalisation. Certains artistes ne
proposent par exemple que des esquisses de ce que pourrait être l'œuvre ou encore des
modes d'emploi permettant à tout un chacun de réaliser l'œuvre, c'est l'idée qui a de la
"valeur", pas sa réalisation.
Artistes :
Douglas Huebler, Robert Barry, Yves Deloustal, Marcel Duchamp, Benjamin Vautier, Sol
Lewitt, Robert Morris, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner ...
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38. Le Néo-expressionnisme est un style de peinture moderne qui a émergé vers la fin des années
1970 et a dominé le marché de l'art jusqu'au milieu des années 1980. Lié à l'abstraction lyrique
américaine, il s'est développé en Europe en réaction contre l'art conceptuel et minimaliste des
années 70.
Les Néo-expressionnistes
sont revenus à la peinture
d'objets
reconnaissables, tels que
le corps humain, en
adoptant un style
violemment émotif, en
utilisant des couleurs vives
et des harmonies de
couleur.
Peinture figurative, expressionniste et haute en couleur. Retourne aux formes
traditionnelles de la peinture de chevalet et au modelé ou à la taille directe de la sculpture.
Artistes :
Allemagne: Georg Basselitz, Anselm Kiefer.
France: Rémi Blanchard - François Boisrond - Robert Combas
Grande-Bretagne : David Hockney - Frank Auerbach
États-Unis : Jean-Michel Basquiat - Eric Fischl - David Salle - Julian Schnabel
Italie : Francesco Clemente - Sandro Chia - Enzo Cucchi
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39. Art ASCII
L'art ASCII consiste à réaliser des images uniquement à l'aide des lettres et caractères spéciaux
contenus dans le code ASCII. À partir des années 1980 certains artistes ont utilisé des jeux de
caractères étendus tels que la page de code 437 disponible en mode texte sur compatible PC.
En 1998, Andréas Müller-Pohle a encodé en ASCII la première photographie connue (l'atelier de
Joseph Nicéphore Niépce pris par lui même)1 et à présenté le "texte" ainsi obtenu sur huit
panneaux : l'œuvre s'appelle Digital Scores (Partitions digitales)2.
On peut réaliser de l'Art Ascii avec un simple éditeur de texte mais il existe des logiciels très
perfectionnés le permettant. Ils ont aussi des algorithmes de conversion d'image en texte.
Évidement, ce genre d'images, si faites à la main, demande beaucoup de temps et de
talents, d'où le terme "Art".
Types et exemples d'art ASCII
La forme la plus simple d'art ASCII est la combinaison de deux ou trois caractères pour exprimer
une émotion en texte. Effectuez mentalement la rotation de 90° de ces exemples pour une
orientation plus compréhensible de ceux ci, ou penchez la tête à gauche.
:-) ou :) sourire :-( ou :( non content ;-) ou ;) clin d'œil :-D ou :D
rire :-P ou :P tire la langue B-) ou 8-) cool (lunettes de soleil)
Il existe des figures plus complexes, qui nécessitent plusieurs lignes.
(__)
(oo)
/--------- / __ o (___/)
/ | || / o) /| (=*.*=)
* || || (o / / (")__(")
~ ~ ~
Vache Yin/yang Personne Chat
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40. A suivre …