Antigüedad y mitología en en prado

ANTIGÜEDAD Y MITOLOGÍA
CLASICAS EN EL MUSEO DEL
PRADO

1-Diadúmeno (copia romana del original de Policleto)
► Sala 73

• -Copia romana en mármol del 140-150 d.C. (original en bronce del 420 a.C.). No
existe el original y está se considera la mejor copia.
• -Fue la última obra de Policleto, originario de Argos –zona de tradición broncista- en
la plenitud de su carrera se traslada a Atenas donde recibe la influencia de Fidias.
• -De las 50 copias que existen es la única que conserva la mano izquierda.
• -Fue propiedad de Cristina de Suecia que cuando vivió en Roma reunió una gran
colección de escultura clásica, que terminó en manos privadas para luego ser
vendida al monarca español Felipe V.
• -Tiene añadidos del XVII, cuando era propiedad de Cristina de Suecia y estaba en el
taller de Bernini en Roma: brazo derecho, piernas y plinto. Pero el brazo derecho
está erróneamente colocado al desconocerse entonces el tema (se pensaba que era
Ptolomeo de Egipto). Un siglo después Winckelman identificó el tipo escultórico.
• -Ejemplifica el canon de Policleto (la altura es siete veces la cabeza) al buscar al
hombre perfecto. La armonía, relación de las partes con el conjunto, era formulada a
través de relaciones numéricas atendiendo a un sentido pitagórico de la proporción
como orden divino.
• -Policleto dio forma a los principios opuestos de reposo y movimiento para dar una
forma llena de vida gracias al movimiento antagónico de torsión de espalda y
caderas.
• -La figura es como una balanza: brazos abiertos en triángulo sobre el eje sustentador
de la pierna de apoyo.
• -Se inclina hacia la izquierda, por lo que hombro y brazo derecho están más bajos
• -Los rizos de la cabeza, abultados y naturales, indican una obra tardía, influida por el
estilo de Fidias
• -Los ojos de párpados gruesos y el rostro alargado indican que la copia es adrianea.
También la lisa encarnación.

2-Ariadna (copia romana de un original helenístico)
►Sala 74

• -Anónimo. Mármol
• -Copia romana (s.II d.C.) de un original griego del s. II a.C.
• -Se trata del prototipo más famoso de Ariadna, hecho quizá para adornar un jardín o
una fuente y sigue fielmente el modelo helenístico que se encuentra en los Museos
Vaticanos de Roma, pero en un tamaño más reducido y con la cabeza más girada
que en el original. Estas variaciones ponen de relieve la posibilidad de que el artista
trabajara sobre otra versión o sobre un dibujo o grabado. Sufrió una reconstrucción
en el s. XVII en el taller romano de Bernini, cuando era propiedad de la reina Cristina
de Suecia y, como toda su colección, acabó en manos de los reyes de España
formando parte de su colección real. Ha sido recientemente restaurada (2010).
• -Se trata de una figura femenina recostada, que lleva un brazalete en forma de
culebra en el brazo izquierdo, por lo que ha sido identificada algunas veces como
Cleopatra en vez de como Ariadna.
• -La riqueza de los pliegues y la grandiosidad de las proporciones reflejan la tradición
del taller helenistico de Pérgamo y recuerdan los frontones del Partenón. La técnica
de "paños mojados" recuerda a Fidias y sitúa la figura ya al principio del helenismo
tardío o neoaticismo, que comienza h. 150 a.C. Destaca la forzada posición de la
figura, los brazos desproporcionadamente grandes, los pliegues del vestido
acartonados, o la base rocosa.
• -Ariadna fue abandonada por Teseo en Naxos mientras dormía, tras haberle
ayudado a acabar con el Minotauro y salir del laberinto. Posteriormente fue
encontrada por el dios Dioniso quien se casó con ella.

3-Saturno devorando a sus hijos (Goya) ► Sala 67

• -Goya. Revestimiento parietal. 1820-23
• -Es una de las pinturas negras con las que Goya adornó las paredes de su “Quinta
del Sordo” en Madrid. Esta pintura estaba junto a la ventana del comedor en la planta
baja. A su muerte fueron arrancadas y pasadas a este formato para ser vendidas,
pero al no lograrlo, se donaron al Museo del Prado.
• -Narra el momento en que Cronos devora a uno de sus hijos como hacía con todos,
pues tenía miedo de ser destronado por ellos. Al final, Zeus se salvará y destronará a
su padre. En realidad, es la representación del tiempo destruyendo todo, incluso lo
que él crea.
• -Goya pudo elegir el tema cuando ya mayor sentía gran cansancio y decepción vital,
o melancolía y tristeza por el pasado.
• -Un monstruoso Cronos de manera cruel y diabólica, con expresión de loco, aprieta
con saña el cuerpo medio devorado de un hijo ya crecido. Estamos ante el horror
caníbal de las fauces abiertas, los ojos en blanco, el cuerpo sanguinolento del hijo.
• -El hijo ocupa el centro de la composición, y también las piernas del dios, sumidas
luego en la negrura, en un vacío inmaterial.
• -El claroscuro es muy contrastado.
• -Emplea los blancos y negros, sólo rotos por las ocres encarnaciones de los cuerpos,
las manchas de sangre y la llama fúlgida de la carne viva del hijo.
• -Con las pinturas negras se convierte en el antecesor del Expresionismo y del
Surrealismo.

4-Diana y Calisto (Rubens) ►Sala 29

• -Rubens. 1636. Óleo sobre lienzo.
• -Se piensa que fue un encargo de Felipe IV para la Torre de la Parada por sus
características, pero luego se encuentra en un inventario del Alcázar a mediados del
XVII.
• -Es el momento en el que la ninfa Calisto se resiste a desnudarse durante un baño
con sus compañeras para que no se descubra su embarazo. Traicionando la
confianza de Diana, diosa de la caza, había sido seducida por Zeus. Diana ordena
que la desnuden y así descubre su falta. Este momento de tensión es el que recoge
el pintor. Luego la ninfa será convertida en osa por Hera (la Osa Mayor).
• -El desnudo femenino protagoniza la composición. Las figuras recogen el canon de
belleza característico del Barroco que Rubens pondrá de moda. Las ninfas se
colocan en diversas posturas distribuidas por todo el espacio pictórico, y todas las
miradas se dirigen a la protagonista, llorosa y avergonzada. Diana por su actitud
dominante es la figura de la izquierda, a quien una anacrónica esclava negra está
secando las piernas.
• -Diferentes utensilios están desperdigados por el suelo (carcaj, lanza, cuerno) así
como el venado muerto que cuelga de la rama de un árbol, alusiones a la caza que
era la diversión de la corte de Diana.
• -La luz dorada ilumina los escorzos de las figuras, otorgando a la composición un
dinamismo exclusivo del maestro.

5-Las tres Gracias (Rubens) ►Sala 29

• -Rubens. 1630-35. Óleo sobre tabla.
• -Fue propiedad del pintor hasta su muerte y luego subastado y adquirido por Felipe
IV para decorar alguna sala del Alcázar. Como muchos otros que presentan
desnudos, estuvo guardado en la galería secreta de la Real Academia de Bellas
Artes de San Fernando por orden de Carlos III.
• -Es uno de sus últimos cuadros y demuestra la maestría que llegó a alcanzar. La
figura de la izquierda es su segunda esposa, Elena Fourment, cuarenta años menor
que él y a quien sirvió de modelo en numerosos cuadros.
• -Aglaé, Eufrosine y Talía son hijas de Zeus y Eurínome y pertenecen al séquito de
Afrodita; son las diosas de la belleza, el encanto y la alegría. Presidían banquetes,
danzas y todo lo que representara alegría y placer. Otorgaban a los mortales la
alegría, la liberalidad.
• -Las presenta desnudas y entrelazadas, una de espalda con la cabeza vuelta y dos
de perfil, siguiendo el modelo clásico recuperado por Rafael en el Renacimiento,
pero de modo muy distinto debido a su sensualidad y a la unidad psicológica que
demuestran al abrazarse y mirarse entre sí. Las sitúa en un primerísimo plano. La
composición destaca por la elegancia con que están agrupadas las tres figuras, cuya
disposición forma un triángulo. La sensación de movimiento es excelente invitando al
espectador a unirse a la escena.
• -Las tres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus
contornos. Las carnaciones llaman la atención por su tonalidad clara, cálida y muy
luminosa, que irradia luz sobre toda la obra. También destaca el gran contraste entre
los animales que aparecen detrás y las mujeres del primer plano.
• -Están representadas junto a una cornucopia dorada de la que brota agua, bajo una
guirnalda de flores, un cortinaje, unos animales y ante el fondo de un pintoresco
paisaje. Todos estos detalles eran pintados por los ayudantes del taller sobre
apuntes del maestro.

6-El juicio de Paris (Rubens) ►Sala 29

• -Encargado por Felipe IV para el palacio del Buen Retiro, fue pintado el año antes de
la muerte del autor, ya muy enfermo de gota. También el cuadro estuvo guardado por
su obscenidad hasta la apertura del Museo del Prado en 1819 por orden de
Fernando VII. Como de costumbre usa como modelo a su segunda y joven esposa,
Helena Fourment.
• -Recoge el momento en que Paris, príncipe de Troya, va a tomar la manzana que le
ofrece Hermes (la manzana de la Discordia) para entregársela como premio a la
diosa más bella. Las tres que esperan la resolución del atractivo juez son: Atenea
con sus armas y la lechuza, Afrodita acompañada de su hijo Eros, y Hera con su
pavo real. Sobre ellas se sitúa un amorcillo que corona Afrodita, anticipando la
elección del joven. Afordita premiará a Paris con el amor de la mujer más hermosa,
Helena, casada con Menelao de Esparta, lo que provocará la guerra de Troya.
• -Todas las figuras se disponen como en un friso clásico, pero la composición ha sido
cerrada al colocar las figuras de los extremos enfrentadas para conseguir el
equilibrio. Al fondo contemplamos un paisaje en el que se encuentran las ovejas de
Paris, que había sido alejado de la corte troyana por su padre Príamo, quien había
sido advertido de que su hijo causaría la ruina de la ciudad.
• -Hay dos zonas de luz, más oscuro a la izquierda y más claro a la derecha. Las
diosas están resaltadas por la luz y la técnica transparente utilizada por el pintor. Sus
bellos cuerpos desnudos y sensuales ponen de manifiesto el canon de belleza
femenina, carnoso y rosado, del Barroco, mientras que en los cuerpos masculinos
encontramos una clara referencia a Miguel Ángel. La figura de Venus funciona como
eje de simetría, en posición casi vertical, mientras los demás orientan su movimiento
al centro. El fondo presenta una iluminación natural que acentúa la profundidad
espacial.
• -La paleta de colores es cálida: rojos, naranjas, ocres y dorados.

7-El rapto de Ganímedes (Rubens) ► Sala 29

• -El flamenco pintó este cuadro por encargo del rey Felipe IV para la decoración de la
Torre de la Parada, lugar donde trabajó los últimos años.
• -Ganímedes cuidaba ovejas en el monte Ida, como parte de su educación rústica, al
igual que Paris. Zeus, prendado de la belleza de este príncipe troyano, el más bello
de los mortales, se transformó en águila y lo raptó para llevarlo al Olimpo, donde lo
convirtió en su amante y en copero de los dioses. Más tarde, cuando vertía agua
para mezclarla con néctar, lo ascendió al cielo y lo convirtió en la constelación de
Acuario, cuyo símbolo es el águila.
• -Rubens se inspiró en uno de los hijos del grupo escultórico helenístico Laocoonte
para la figura de Ganímedes. Aquí es un muchacho de campo totalmente
desarrollado. Los escorzos, tanto de Ganímedes como del águila, protagonizan la
escena, dentro del típico estilo que caracteriza toda la obra de Rubens. El gesto de
sorpresa y temor del joven está captado a la perfección, así como los movimientos
por zafarse del animal.
• - Luces y sombras definen el estilo del maestro flamenco.

8-El nacimiento de la Vía Láctea (Rubens) ► Sala 29

• Este cuadro fue uno de los que pintó Rubens por encargo de Felipe IV para la
decoración de la Torre de la Parada
• -Narra un pasaje de la historia de Hércules. Júpiter (Zeus), su padre, aprovechaba
que su esposa Juno (Hera) dormía para amamantar el hijo que había tenido con
Alcmena. Sólo la leche de la diosa podía convertirlo en inmortal, pero al despertarse
contempló sorprendida al pequeño y lo retiró bruscamente, produciéndose el
derramamiento de la divina leche en la bóveda celeste, que dio origen a la Vía
Láctea según la mitología griega. Otra versión dice que la diosa encontró al niño
mientras paseaba con Atenea y ésta le convenció para que le amamantara.
• -La diosa que aparece en medio del cielo, semidesnuda, con un brazalete de oro y
una corona muy brillante que sujeta un velo blanco es Juno (Hera): lo sabemos por el
carro que la ha transportado hasta allí conducido por pavos reales (el ave
consagrada a esta diosa); el niño al que la diosa está dando de mamar es Hércules;
y el dios que, escondido tras el carro, contempla la escena, también con una corona
de astros, es Júpiter (Zeus), como así lo indican el águila y el manojo de rayos que
hay a sus pies. Cabe destacar el gesto de sorpresa de la diosa al encontrarse con el
pequeño en su pecho.
• -El paño rojo que cubre el pubis de Juno sirve para contrastar con la blancura de su
cuerpo y el de Hércules. Las figuras se recortan sobre un fondo oscuro para obtener
un mayor efecto volumétrico. La luz y el color tienen un gran protagonismo.

9-Mercurio y Argos (Velázquez) ► Sala 15a

• -Velázquez, 1659. Oleo sobre lienzo.
• -Para el Salón de Espejos del Alcázar de Madrid con motivo de la embajada francesa
que venía a pedir la mano de la infanta Mª Teresa (hija de Felipe IV) para el rey Luis
XIV.
• -Su formato apaisado se debe a su primitiva colocación entre dos ventanas. De ahí el
punto de vista casi a ras del suelo.
• -Probable influencia del “Gálata moribundo” del que Velásquez hizo un vaciado
durante su estancia en Roma.
• -Composición en V que comienza donde se tocan pie y rodilla, para terminar en las
cabezas de ambos.
• -Mito: Argos vigilaba por orden de Hera a la amante de Zeus, Io, convertida en
ternera. Zeus envía a Mercurio para que lo mate y poder acceder libremente a su
amante. Hera apiadada de su amigo pondrá sus cien ojos en el pavo real.
• -Es la anticipación de un drama, el momento en que Mercurio se acerca para matar a
Argos que ha quedado dormido al oír la flauta del dios. La vaca Io aparece
alejándose. El paisaje está minimizado.
• -No hay violencia en la escena, parecen dos pastores. Mercurio aparece con la cara
velada por el sombrero, no es un dios, sino un asesino taimado que vigila a su
víctima mientras empuña la espada. Tampoco Argos es el monstruo de cien ojos,
sino un embrutecido pastor. Ambas figuras se contraponen: uno es dinámico y otro
pasivo. Predomina la quietud y el silencio.
• -Hay una penumbra cautelosa, es el momento del amanecer: una fría luz plateada
entra por la izquierda, deja en penumbra la figura de la vaca, se refleja en el hombro
de Mercurio y nos conduce a la figura protagonista de Argos, como anticipando el
recorrido de la espada..
• -Largas pinceladas que dan grandeza al cuadro cuando el espectador se aleja. Al
acercarse sólo ve un amasijo de luz y color, lo que lo convierte en anticipación del
impresionismo.
• -Colores fríos (ocres, azules y grises) para dar impresión de mayor crueldad. Destaca
sólo la capa roja de Mercurio.

10-Las hilanderas (Velázquez) ►Sala 15a

• -Velázquez. 1657. Óleo sobre lienzo.
• -El cuadro se llamó así por creer que representaba el taller de tapices de Santa Isabel hasta que
se halló en los inventarios del XVII como “La fábula de Aracne”. Fue pintado para un personaje
de la corte, montero del rey, y luego pasó a la colección real. Sufrió daños en el incendio del
Alcázar, lo que obligó a una restauración que hizo añadidos.
• -El tema mitológico de este cuadro es la fábula de Aracne. Esta gran tejedora lidia afirmó que
podría competir con la diosa Atenea, inventora de la rueca, tejiendo el tapiz más hermoso. La
diosa aceptó el reto y se le apareció en figura de una anciana. Cuando la joven representó las
aventuras amorosas de Zeus en su tapiz, la diosa enfurecida la castigó golpeándola y luego
convirtiéndola en araña.
• -El pintor divide la obra en planos. La escena del primer término retrataría el taller de unas
tejedoras: entre ellas, Aracne sería la joven a la derecha, vuelta de espaldas, trabajando
afanosamente en su tapiz, y a la izquierda, la diosa Atenea disfrazada de vieja, lo que se nota en
la tersura de su pierna. Tres damas contemplan el tapiz, pero una se vuelve sorprendida de
nuestra incursión en escena. En el fondo se representa el desenlace de la fábula. El tapiz
confeccionado por Aracne está colgado de la pared: es una aventura amorosa de Zeus, padre
de la diosa (el rapto de Europa). Ante al tapiz se aprecian dos figuras: son la diosa ataviada con
sus atributos (como el casco) y ante ella la humana rebelde, que viste un atuendo de plegados
clásicos. La ofendida diosa, en señal de castigo, va a transformar a la joven Aracne en araña,
condenada a tejer eternamente.
• -Velázquez ha sabido dar sensación de movimiento, como se aprecia en la rueca de la izquierda,
cuyos radios no vemos, y en la figura de la derecha que devana la lana con tanta rapidez que
parece que tiene seis dedos. También hay que destacar el efecto atmosférico, es decir, la
sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace que las figuras
estén borrosas. La pincelada no puede ser más suelta, utilizando manchas como en el caso del
gato o el rostro inacabado de la mujer del centro, que está a contraluz.
• -La luz viene de la derecha, siendo admirable que con tan limitado colorido de ocres y tierras se
obtenga esa excelente luminosidad.
• -Las pinceladas son largas y escasas, transformando una mancha en figura, según la distancia
del espectador, a la manera que luego utilizarán los impresionistas, como en el gato o en el
rostro inacabado de la mujer del centro que está a contraluz.
• -En el tapiz de Aracne, que se ve al fondo, Velázquez quiso reproducir un cuadro de Tiziano, del
que hay una copia de Rubens en este museo. Fue como un homenaje de Velázquez al gran
maestro veneciano.

11-El rapto de Europa (Rubens) ► Sala 15a

• -Autor: Rubens. 1628. Óleo sobre lienzo.
• -El cuadro fue copiado por Rubens del original que Tiziano había hecho para Felipe II
de la serie “Poesías”. En esta obra Rubens es muy fiel al original. Fue propiedad del
autor hasta su muerte y luego pasó a la colección de Felipe IV. La original de Tiziano
fue regalada por Felipe V a un mariscal francés por su ayuda en la Guerra de
Sucesión, así pasó a manos privadas hasta hoy (en Boston).
• -Zeus, enamorado de la princesa fenicia Europa, se convierte en un toro blanco con
el fin de raptarla. Sigilosamente se acerca a la playa donde ella jugaba con sus
compañeras para atraerla y llevarla mar adentro hasta Creta, donde nacerá Minos, el
hijo de ambos. Muchos identifican este toro con la constelación de Tauro.
• -La violencia del rapto ha sido remarcada al situar al toro y a la joven en primer
plano, en una postura forzada, creando una acentuada diagonal definida por la
sensual y bella figura de Europa. El Cupido sobre un delfín, alude a la impaciencia
del Amor, mientras los dos amorcillos que los acompañan con el arco y las flechas
del amor anuncian el éxito del dios en la seducción. Al fondo podemos apreciar el
paisaje de la costa donde las compañeras de Europa observan con inquietud el
rapto, gritando y realizando gestos ostentosos. En el horizonte se ve cómo se forma
una tormenta, intensificando la acción del primer plano.
• -La figura en escorzo de Europa da movimiento al cuadro, característica del Barroco,
al igual que los ondeantes ropajes y los amorcillos que acompañan a Zeus.
• -Una luz dorada baña la escena, acentuando los contrastes entre zonas de luz y
sombra y creando una perfecta sensación atmosférica. Los colores son bastante
limitados aplicándolos con fluidez y rapidez.

12-La fragua de Vulcano (Velázquez) ► Sala 11

• -Velázquez, 1630. Óleo sobre lienzo.
• -Es una obra ideada por Velázquez, sin mediar encargo alguno, aunque está
inspirado en un grabado de Antonio Tempesta. Terminó siendo comprado por Felipe
IV para alguno de sus palacios.
• -Lo pintó durante su primera estancia en Italia, donde se dedicó a estudiar la
estatuaria grecorromana e incorporó las tradiciones pictóricas italianas, de ahí la
atención que dedica a la anatomía de los personajes, por influencia de Miguel Ángel.
• -Es el momento en que Apolo anuncia a Vulcano/Hefesto la infidelidad de su esposa
Afrodita con Ares/Marte, mientras aquel está en la fragua trabajando con sus
ayudantes. .La historia y la emoción del cuadro dependen de un relato oral mudo que
el espectador debe conocer. La pura imagen es, pues, insuficiente. Interesa sólo la
calidad dramática.
• -Los personajes, a excepción de Apolo/Sol, están desmitificados, siendo simples
trabajadores de la época. Los Cíclopes son sólo obreros sucios y sudorosos.
Presentando la realidad material: armadura, herramientas…, intensifica el
naturalismo de la historia.
• -Capta la realidad del anuncio, la sorpresa y la incredulidad, casi como una
instantánea, por eso se le considera anticipador del Impresionismo.
• -En la composición hay ocupando todo el espacio varias figuras de cuerpo entero y
tamaño natural en diferentes posiciones para demostrar el dominio de las figuras.
• -La paleta del pintor se ha aclarado e incorpora ahora una serie de grises y castaños
de gran elegancia que caracterizarán desde ahora su pintura.
• -Utiliza la luz para dar sensación de espacio. Esta envuelve los cuerpos y parece
interponerse entre unos y otros, jerarquizándolos y haciendo que veamos
desdibujado al herrero del fondo, como una mancha de color, (perspectiva aérea que
perfeccionará en las Meninas) aunque no parece haber tanta distancia entre él y sus
compañeros.
• -Su punto de vista es el del espectador que asiste como testigo desde una posición
lateral y logra olvidar que está ante un lienzo y se integra en la escena como si
pudiera entrar y caminar por ella.

13-Los borrachos (Velázquez) ► Sala 10

• -Velázquez. Óleo sobre lienzo, 1629.
• -El dios Baco da a conocer a los hombres el vino y corona con hiedra a sus
seguidores.
• -Primer cuadro de tema mitológico del autor tras su llegada a la corte en 1623, tema
que a partir de entonces cultivó hasta su muerte. En este todavía está apegado a la
escuela sevillana, pues recuerda a los “bodegones”, por el carácter fuertemente
realista de los rostros, la gama cromática en ocres y la precisión descriptiva, que le
sitúan en la órbita del naturalismo caravaggista. También en la temática recibió
influencia de Rubens que había estado en España recientemente.
• -Se sabe que fue encargo real y que colgó en el dormitorio de Felipe IV. Sufrió daños
durante el incendio del Alcázar.
• -El título original era “Triunfo de Baco”, pero el pueblo se lo cambió al contemplarlo a
partir del XIX.
• -Algunos quieren ver una alegoría de la protección de la monarquía española a la
creación artística. O también un discurso sobre las bondades del vino y su capacidad
para consolar las penas de la vida diaria al ser Baco el dios de la liberación.
• -Se ha visto una voluntad desmitificadora al tratar en clave burlesca a los dioses
antiguos. El dios del vino, de piel más clara, sentado en un tonel y tocado con hiedra
corona a un joven soldado rodeado de un grupo de bebedores en una especie de
fiesta popular. La interpretación del mito es paradójica pues contrasta la gravedad de
los personajes de la izquierda que observan la coronación, y la ironía picaresca y
naturalismo de los de la derecha. Algunos personajes miran al espectador y sonríen.
La parte izquierda está muy iluminada y pintada al estilo tradicional. En la derecha
vemos a borrachines avejentados y desgastados en un evidente claroscuro, con
pincelada impresionista.
• -El naturalismo está en los objetos como el jarro, la botella, a los que, jugando con
los brillos, logra dar relieve y textura, creando un bodegón.

14-Los trabajos de Hércules (Zurbarán) ► Sala 9a
-El león de Nemea
-El toro de Creta
-El cancerbero
-La Hidra de Lerna

• -Zurbarán. 1634. Óleo sobre lienzo.
• -Autor extremeño, fue de aprendiz a Sevilla y en el taller coincidió con Velázquez.
Luego se estableció allí y tuvo mucho éxito como pintor religioso. Quizá por
influencia de Velázquez recibió de la corte el encargo de pintar para el Salón de
Reinos del palacio del Buen Retiro el ciclo de Hércules. Era el lugar donde se recibía
a los visitantes extranjeros y se hacían las fiestas, así que debía ser suntuoso e
impresionante. Deberían haber sido doce pinturas, pero por razones de espacio no
se terminó el ciclo.
• -Se consideran alegorías del buen gobernante que somete al enemigo con firmeza.
Tradicionalmente se asociaba al héroe Hércules con la monarquía española, como
antepasado mítico al matar a Gerión, de ahí la elección del tema para este Salón.
• -Hércules, hijo de Zeus y una mortal, fue siempre perseguido por la celosa Hera.
Esta le infundió la locura que le hizo matar a sus hijos. Para expiar la culpa tuvo que
ponerse a las órdenes del rey Euristeo y realizar los doce trabajos. Ahora están
expuestos cuatro: la lucha contra el león de Nemea; contra el toro de Creta; contra la
Hidra de Lerna; contra el Cancerbero. La constelación de Leo se identifica con el
león de Nemea, pues Zeus lo colocó allí para que todos vieran la primera hazaña de
su hijo.
• -Acción y dramatismo dominan.
• -Destaca en todos el claroscuro de influencia caravaggesca. La figura de Hércules
siempre está iluminada sobre fondo oscuro.
• -El autor no estaba acostumbrado a pintar desnudos y ello se nota en unas figuras
pesadas, con excesiva musculatura. No parece un héroe idealizado, es un tipo tosco
y popular, tostado por el sol, quizá para dar cercanía al conjunto.
• -A pesar de que el Renacimiento había descubierto la perspectiva, Zurbarán siempre
tuvo dificultades para su dominio. Pero aquí con una única figura dominante en
primer plano en la que recae la atención solventa el problema.

15-Sísifo / Ticio (Tiziano) ► Sala 27

• -Tiziano. 1548-49. Óleo sobre lienzo
• -Principal artista de la escuela veneciana del Renacimiento. Sus pinturas mitológicas
establecieron un modelo de representación de los mitos clásicos que fue seguido por
los artistas de los siglos posteriores. Pintó para los duques de Ferrara y Mantua y
terminó siendo pintor de cámara de los Austrias. Hoy el Prado tiene la mayor
colección de pinturas de este autor.
• -Para la hermana de Carlos I, María de Hungría, pintó estos dos cuadros que iban a
formar parte de la serie Las Furias, los otros dos se perdieron en el incendio del
Alcázar de 1734. Fueron concebidos como advertencia moral para quien osase
desafiar la autoridad del emperador.

• -Sísifo está castigado eternamente en el Hades a subir una roca a la cima de una
montaña, pero cae poco antes de alcanzar su destino. Sísifo había pecado contra los
dioses al intentar evitar a la Muerte.
• -Predomina la acción y el dramatismo, poniendo el acento en la ferocidad y crueldad
del castigo. El colorido difuso da mayor patetismo a la representación. Tiziano ha
captado el esfuerzo y la tensión marcando la musculatura e iluminando la figura con
potente luz. El Hades es oscuro aunque se observan los destellos del fuego del
lugar.

• -Ticio había sido enviado por Hera para violar a Leto, amante de Zeus, por eso éste
le castigo al eterno suplicio de ser devorado por buitres que le comen el hígado, al
igual que Prometeo. En la parte inferior del cuadro una serpiente representa el mal.
• -Se percibe la influencia manierista en el escorzo del personaje, realzando así la
violencia y el dramatismo.
• -El fondo es indefinido, toda la atención se centra en Ticio y los buitres desplegando
sus grandes alas.
• -Colorido expresivo a la manera veneciana.
• -La luz tiene efectos relampagueantes para dotar de dramatismo a la acción.

16- Hipómenes y Atalanta (Guido Reni) ► Sala 26

• -Guido Reni. 1612. Óleo sobre lienzo
• -La obra fue adquirida por el virrey de Nápoles para regalársela a Felipe IV. Sufrió
una ampliación todavía visible. Se salvó del incendio del Alcázar y finalmente de ser
destruida por obscena en tiempos de Carlos III.
• -Este autor pertenecía a la escuela barroca boloñesa que había decidido separarse
de la escuela tenebrista para dedicarse a la riqueza de colorido, la presencia de la
luz y el culto a la belleza idealizada clásica, para lo que se inspiraban en Rafael.
• -Atalanta era hija del rey de Arcadia. Al nacer, sus padres decepcionados porque no
fue varón, la abandonaron en un bosque cercano, donde sobrevivió gracias a los
cuidados de una osa. Con el tiempo se convirtió en una hermosa muchacha, dotada
de fuerza extraordinaria y experta cazadora. Cuando se reconcilió con sus padres,
éstos le propusieron el matrimonio, a lo que ella accedió con la condición de casarse
con aquél que lograra vencerla en una carrera. Sólo Hipómenes lo consiguió
valiéndose de la ayuda de Afrodita, quien le había entregado tres manzanas de oro
para que las fuera dejando caer en la carrera. Atalanta, movida por la curiosidad, no
pudo resistir la tentación de irlas recogiendo, lo que aprovechó el muchacho para
ganar. Su matrimonio no terminó bien pues al haber tenido relaciones en el templo
de Cibeles, ésta les castigó convirtiéndoles en leones que nunca se miran (los que
tiran de su carro).
• -El clasicismo de Reni está en las vigorosas anatomías, la distribución en friso, la
perfección formal de los cuerpos, el equilibrio de la composición que opone
simétricamente gestos y posturas (piernas, dirección de la carrera) y el dramático
movimiento en diagonal para conferir dinamismo.
• -Los objetos más luminosos son los cuerpos de los jóvenes, lo demás adquiere un
monótono color pardo o gris, como el vuelo de los ropajes. Las sombras denotan su
pasado caravaggista.
• -Colorido exquisito y refinado, seguridad en el dibujo y gracia y belleza se
desprenden de la composición.

17- El rapto de Helena (Tintoretto) ► Sala 25

• -Tintoretto, (S.XVI) autor veneciano que fue discípulo de Tiziano y con el que
mantuvo un gran recelo a lo largo de su carrera debido a su carácter difícil.
Trabajaba con figurillas para dominar la perspectiva desde todos los ángulos
posibles. Realizaba maquetas como si de un escenario se tratara y luego iluminaba
las figuras.
• -Óleo sobre lienzo, 1587.
• -Excéntrica perspectiva que compone un llamativo grupo escenográfico realzando el
dramatismo de los acontecimientos. Nadie había plasmado como él los movimientos
de grupo. El conjunto presenta gran dinamismo.
• -El rapto aparece en primer plano con una Helena más forzada que nunca y obligada
por sus captores a subir a la embarcación (reinterpretando los raptos turcos de la
época). En segundo término se ve el estallido de una batalla donde los personajes se
enfrentan con extrema violencia, quizá el anuncio de la guerra de Troya. Es el
procedimiento manierista de la diopsia que consiste en representar asuntos
importantes en un plano retrasado de la composición.
• -La luz determina formas, volúmenes y espacios. Un fuerte contraste lumínico separa
aquí las dos escenas: los personajes del primer plano se debaten entre la sombra y
la luz, mientras que esta última va adueñándose del cuadro para acentuar la lejanía y
la sensación de profundidad. Las figuras van perdiendo tamaño y corporeidad en la
distancia.
• -Un reciente estudio técnico descubrió un laborioso proceso de dibujo bajo las capas
de pintura.
• -El escorzo de la figura de Helena, quizá algo forzado, es espectacular. Hay que
torcer la cabeza para ver sus ojos llorosos.
• -La obra perteneció a la colección del rey Carlos I de Inglaterra, mecenas y
coleccionista que la había adquirido de los duques de Mantua. A la muerte violenta
de este rey (fue ajusticiado) la obra fue vendida para saldar las deudas de la corona
y así llegó a manos de Felipe IV y a la Colección Real, estando en el Alcázar de
Madrid hasta el incendio del s. XVIII.
• -Este cuadro fue utilizado como cartel promocional de la exposición que el Prado
hizo del autor en 2007.

18-El Parnaso (Poussin) ► Sala 3

• -Poussin. 1631. Óleo sobre lienzo
• -El autor, representante de la escuela clasicista francesa. se inspiró en una obra que
Rafael había pintado para el Vaticano con el mismo tema y composición. A mediados
del s.XVIII estaba citado en el inventario del palacio de La Granja.
• -El Parnaso era el monte sagrado de Grecia en el que habitaban Apolo y las Musas.
Apolo era el dios de las artes y la belleza. Le acompañaban las Musas, las nueve
hijas de Zeus protectoras de las artes y las ciencias, que tenían la tarea de inspirar a
los poetas. Por eso el Parnaso es la patria simbólica de los poetas.
• -Aquí aparecen las Musas acompañadas de poetas con coronas de laurel. En el
medio está Apolo ofreciendo una copa de la bebida sagrada, el néctar, a un
personaje arrodillado ante él, quizá Homero, coronado de laurel por Calíope, musa
de la épica. En primer plano dos amorcillos ofrecen a los poetas el agua inspiradora
que mana de la fuente Castalia, personificada en una mujer desnuda.
• -De izquierda a derecha, las musas se dividen en dos grupos: Talía (la comedia) que
lleva en sus manos una máscara y una flauta; Clío (la historia y la poesía heroica);
Urania (la astronomía) con una trompeta en la que figura una estrella, y Melpomene
(la tragedia) con un puñal y una máscara. Más al centro se encuentra Terpsícore (la
danza) esbozando un paso de baile; Erato (la poesía amorosa) sin ninguna señal
distintiva, pero sobre la que revolotea el Amor con uno de sus atributos habituales:
una viola de amor y su arco; Polimnia (la poesía lírica); Euterpe (la música) con una
flauta de Pan; y, finalmente, la musa que corona al poeta, Calíope (la elocuencia, la
poesía épica).
• -Personajes y elementos del paisaje presentan una disposición muy equilibrada y
serena; los árboles del fondo parecen más bien columnas del templo.
• -El vivo e intenso colorido –dominan azules y oros- y los amorcillos que revolotean
en la parte alta del cuadro recuerdan mucho a Tiziano.

19-Dánae recibiendo la lluvia de oro (TIziano) ►Sala 44

• -Tiziano. 1553. Óleo sobre lienzo.
• - Tiziano pintó este cuadro para el rey Felipe II para que formara pareja con “Venus y
Adonis” (y así contemplar a una mujer completa). Otras como “El rapto de Europa”
formaban parte de esta colección de “Poesías” pintadas para ser observadas en un
lugar privado que garantizara los límites del decoro. Tan privado fue que estos
cuadros no aparecen en los minuciosos inventarios hechos a la muerte del rey
Felipe.
• -El cuadro da inicio a la fase tardía del pintor, cuando su pincelada se hace más libre
y se diluye la rotundidad de los volúmenes en la pasta.
• -El tema representado es la fábula mitológica que relata cómo Zeus hubo de
transformarse en lluvia de oro para seducir a la bella Dánae, a la que su padre, el rey
de Argos, tenía encerrada en una cámara subterránea de bronce, pues un oráculo le
había predicho la muerte a manos de su nieto. De esta unión nacerá Perseo, el
vencedor de Medusa, que finalmente matará a su abuelo accidentalmente durante
una competición.
• -La figura central, Dánae, está recostada sobre una cama, desnuda, con las piernas
dobladas; su rostro relajado expresa entrega y sumisión al placer. La lluvia de oro
que cae desde el techo de la habitación está representada como una nube gaseosa
que se materializa en algunas monedas. La figura de la derecha representa a una
esclava, que, ignorante del extraordinario suceso, se dispone, codiciosa, a recoger
con su delantal la lluvia de oro. El pequeño perro se interpreta como un atributo de
cortesana.
• -Destaca el contraste de las dos figuras: la piel de Dánae es pálida, como
corresponde a una joven princesa que ha vivido siempre encerrada y privada de la
luz del sol, pero también como exige el ideal de belleza femenina en el
Renacimiento; en cambio, la piel de la esclava es oscura y sus carnes, secas y
curtidas por el sol. También quedan contrastadas la expresión de codicia de la vieja
frente al dócil rostro de la joven, y la postura dinámica de la criada, que se agacha
para recoger el oro, frente a la placidez con que reposa Dánae. Es prodigioso el
juego de matices blancos de la sábana.
• -Ambas destacan sobre un hermoso fondo dorado casi tormentoso, que no es ni
interior ni exterior pues hay un cortinaje y unas nubes.

20-Venus y Adonis (Tiziano) ► Sala 44

• -Tiziano. 1554. Óleo sobre lienzo
• -Pintada para Felipe II como pareja de Dánae para ser mostrado en la misma
estancia en armónica contraposición. A estos encargos reales de contenido
mitológico los llamó Poesías. Todos estos cuadros enviados a España influirían
notablemente en pintores posteriores como Velázquez o Rubens. Pronto se hizo
famosa por su erotismo.
• -Es un episodio de las Metamorfosis: los amores de Venus y el joven Adonis, que
morirá en una cacería y cuya sangre dará lugar a la breve flor de la anémona.
• -Es el momento del amanecer: el pequeño Cupido aún está dormido; Adonis parte
para la caza (posteriormente pintaría los otros cuadros que presentan a los amantes
en el momento anterior del descanso amoroso); Venus, de espaldas como
contraposición a Dánae, intenta retenerle conocedora de su destino; sobre una nube
negra aparece la cabeza del celoso Marte que ya prepara la venganza.
• -Las figuras se sitúan en primer plano, en un paisaje que resulta lleno de naturalidad
al haberse abandonado las arquitecturas propias del Renacimiento. Los personajes
en movimiento están dotados de gran animación. Pero la tensión entre ellos estaría
anticipando el Barroco así como la diagonal que organiza la composición.
• -La técnica de estos tardíos cuadros es cada vez más audaz: la falta de acabado da
espontaneidad y frescura.
• -La luz incide sobre la pareja dejando el bosque en semipenumbra.
• -Característica de la escuela veneciana es el interés por la pincelada expresiva, el
colorido.

21-La bacanal de los andrios (Tiziano) ► Sala 42

• -Tiziano. 1523. Óleo sobre lienzo.
• -El cuadro fue pintado para el duque de Ferrara. Cuando el ducado cayó, la obra terminó como
regalo de unos nobles romanos para Felipe IV. En Madrid fue seguido como modelo creativo por
muchos artistas, como Poussin.
• -Tiziano se basa aquí en la descripción que hizo Filóstrato, un autor de época romana, de un
cuadro visto en una villa de Nápoles que representaba los efectos de un río de vino enviado por
Baco sobre la población de la isla de Andros. Se representa aquí, por tanto, una bacanal o fiesta
en honor de Baco. Los personajes se entregan a una orgía de vino y sensualidad; todos se
agitan, bailan, se inclinan hablando, beben, escancian el vino, se pasan las jarras, en una
actividad frenética suscitada por el alcohol, que contrasta con la serenidad de la joven desnuda
que aparece en primer plano. La exaltación del vino se muestra en una jarra de cristal llena de
este elemento que se recorta contra el cielo blanquecino. Al fondo sobre el montículo yace
Sileno, asiduo acompañante del dios, derrumbado por la bebida. La profundidad del paisaje, con
el barco en la lejanía está delimitada por los árboles que enmarcan la escena.
• -Tiziano recrea fielmente la celebración de los efectos del vino descrita por el poeta, a la vez que
incorpora elementos de la época, como las dos figuras tumbadas y vestidas a la moda
renacentista. El pintor estampa su firma en una de ellas, identificada por un ramo de violetas, lo
que hace suponer que se trataba de Violante, la amante del pintor. Sostiene en su mano un
instrumento musical, y delante de ella hay una partitura que dice: “El que bebe y no vuelve a
beber, no sabe lo que es beber”. También el niño que se levanta los faldones para orinar es un
motivo típico de la pintura de esta época.
• -La joven que aparece desnuda y dormida en primer término, según algunos, sería una ménade
o bacante más, que se ha quedado dormida a causa de la embriaguez; pero otros comentaristas
la identifican con Ariadna, la hija de Minos, rey de Creta, que se enamoró de Teseo, le ayudó a
matar al Minotauro y huyó con él de Creta, pero que nunca llegó a Atenas, pues Teseo la
abandonó en la primera escala que hizo su embarcación en la isla de Naxos, aprovechando que
Ariadna se quedó dormida. Fue en Naxos donde el dios la encontró y la convirtió en su esposa.
Si aceptamos esta interpretación, la escena tendría lugar no en Andros, sino en Naxos y se
situaría en el momento previo a la llegada del dios, que ya se dirige hacia la isla en el barco con
velas blancas que se divisa en el horizonte en busca de Ariadna y ha enviado por delante un río
de vino para que los habitantes del lugar celebren su llegada.
• -La escena es un friso donde destaca el dinamismo, conseguido a través de una enorme
variedad de posturas formando curvas que otorgan al cuadro, al mismo tiempo, unidad, equilibrio
y diversidad. La línea ascendente diagonal que, desde la esquina inferior izquierda va subiendo
hasta alcanzar la figura del anciano que duerme en la parte superior derecha, también contribuye
a dinamizar la escena. Asimismo destaca el colorido brillante e intenso, a menudo animado por
una luz resplandeciente.

22-La laguna Estigia (Patinir) ► Sala 56

• -Patinir. Ca.1520. Óleo sobre tabla.
• -Considerada la obra maestra de este creativo autor. Pudo ser adquirida por Felipe II
en los Países Bajos, pasando así a formar parte de la colección Real.
• -Gran paisajista, hizo que el paisaje cobrara importancia en la pintura flamenca y le
concedió un carácter de género independiente, desplazando la importancia del tema
principal. El paisaje es novedoso al presentar una curvatura en el horizonte
otorgando perspectiva y sin duda en relación con las nuevas teorías sobre la
esfericidad de la tierra.
• -Pero la gran preocupación es el destino, la muerte. Caronte con el alma del difunto
atraviesa la laguna en dirección al Hades. El artista conjuga conceptos de la
mitología clásica y el pensamiento cristiano medieval: el ángel señala el buen camino
y en el otro lado aparece el infierno con sus castigos. Es una obra moralizante.
• -En el centro de la composición está el ancho río que separa nítidamente las dos
orillas, y en el centro el barquero semidesnudo, despeinado con el alma del difunto a
sus pies, y parece inclinarse por el Infierno. A la izquierda un río se abre camino
entre un paisaje boscoso, luego hay una construcción fantástica y luego unas
colinas. El Paraíso tiene en la orilla un gladiolo que simboliza la muerte de Cristo,
luego está la Fuente de la Vida y por último la Jerusalén celeste. El Infierno, a la
derecha, está guardado por el Cancerbero y resplandece el fuego iluminando los
castigos.
• -Ejecuta con preciosismo animales, plantas. Mezcla elementos reales y simbólicos.
Sus elementos fantásticos, su imaginación le aproximan al Bosco, a quien se
atribuyó la obra en los primeros catálogos.
• -Los colores sirven para acentuar la sensación de distancia entre los espacios: así el
verde en la parte inferior da paso al azul que termina en el blanco del cielo.
• -Luz, gama cromática y atmósfera le convierten en el precursor de la pintura
holandesa del XVII.

Enlaces de interés

-Museo Nacional del Prado
-
ARTEHISTORIA, la página del Arte y la Cultura en Español - Go

-ARTE EN ESPAÑA

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