El Quattrocento (siglo XV) fue el primer período del Renacimiento en Italia. Se caracterizó por el surgimiento del artista genial y el taller del maestro, y por el desarrollo de nuevas técnicas como la perspectiva en pintura y el retorno a las formas clásicas en arquitectura y escultura. Algunos de los máximos exponentes fueron Brunelleschi, Donatello, Masaccio, Botticelli y otros pintores de las escuelas de Florencia, Padua y Venecia.

1. Quattrocento (s. XV)
El Quattrocento (palabra italiana que significa cuatrocientos) es uno de los períodos más
importantes del panorama artístico europeo. Se sitúa a lo largo de todo el siglo XV, y es la
primera fase del movimiento conocido como Renacimiento.
Así se llama también Primer Renacimiento, o Renacimiento temprano o Bajo Renacimiento,
y se ubica en Italia — aunque se habla también de un Renacimiento Nórdico, pero el
Renacimiento Nórdico, si bien es coetáneo al italiano tiene expresiones formales y
conceptuales muy diversas del “Quattrocento”—.
En esta época aparece la figura del artista genial, por lo que se abandona definitivamente el
anonimato, y surge el taller del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes. El
hombre es la obra más perfecta de Dios. Se pinta la figura humana independientemente de lo
que represente. El arte que se crea en esta época es de mayor calidad con respecto al
llamado Trecento. En este arte se evolucionan técnicas de pintura, consiguiendo la
perspectiva; en escultura se vuelve a la imitación de la clásica griega y romana, y con
respecto a la arquitectura hay un retorno a las líneas del arte griego y romano. En general
este arte es de líneas más puras que su predecesor europeo, el Gótico, siendo de menor
tamaño y simplicidad
Los máximos exponentes de esta época son:
Pintura: Masaccio, Fra Angelico, Sandro Botticelli, Piero della Francesca.
Quattrocento Italiano
Introducción al Quattrocento Italiano
Se denomina Quattrocento al periodo del arte italiano correspondiente al s.XV comprendido dentro de la corriente
renacentista, encontrándose de esta manera también la aplicación de las denominaciones de Primer Renacimiento o Bajo
Renacimiento para la designación de dicho momento.

2. Va a ser éste un siglo de descubrimiento por parte de la comunidad artística durante el que la república de Florencia se
constituirá en sede central de la misma, gracias al apoyo de mecenazgo realizado por parte de grandes familias como los
Médicis y al extraordinario desarrollo económico del que será protagonista.
Arquitectura del Quattrocento
El retorno a las formas clásicas características del arte renacentista se dejará sentir en la arquitectura del momento en toda
la serie de motivos decorativos provenientes de la Antigüedad, tales como guirnaldas, grutescos, capiteles corintios, etc. Sin
embargo la principal novedad no radicará tanto en la forma como en el diseño estructural; el cambio apreciable a lo largo del
paso de la Edad Media a la Edad Moderna concretado en la sustitución del pensamiento religioso por el espíritu crítico y
empirista tendrá consecuencias en la forma de percibir el espacio y el tiempo (la cual repercutirá a su vez en la arquitectura
del momento).
Frente a la verticalidad propia de las catedrales góticas (símbolo del intento de unión del hombre con Dios), en el
Renacimiento será la tendente horizontal la gran protagonista, junto con la perspectiva, que concreta la mirada en un punto
de fuga, y la proporcionalidad entre las partes. Además, se plantean ahora planes centrales en la construcción, no sólo por la

3. influencia de la herencia clásica sino también porque son mucho más adecuados a la "medida" de la percepción humana
que los longitudinales.
Los espacios interiores se diseñan para que el hombre pueda abarcarlos de un golpe de vista, rompiendo con la tradición
fragmentaria y secuencial de la Edad Media (el arte medieval necesitaba de varios "tiempos" para poder ser apreciado en su
totalidad, frente a lo que sucede con el renacentista, en el que se intenta que toda la composición puede ser entendida de
una vez). Éstos van a ser unitarios, ligeros y diáfanos, además de que, en la búsqueda de la coherencia estructural, se
recurrirá al uso de las matemáticas a la hora de proyectar el edificio.
Junto con esto, la aparición de una clase media profana con influencia y dinero va a favorecer el desarrollo de la arquitectura
civil, dando como resultado la realización de bellos ejemplos de palacio, desligándose así la casi totalidad de la arquitectura
del poder religioso.
Principales arquitectos del momento van a ser Filippo Brunelleschi (artífice de la audaz y grandiosa cúpula de la Catedral de
Florencia, la Capilla Pazzi o el famosísimo Palacio Pitti), Michelozzo (autor del Palacio Médicis-Riccardi), Leo Battista Alberti
o Giuliano da Sangallo.
Escultura del Quattrocento
La aparición de las formas renacentistas se habría insinuado mucho antes en la escultura que en la arquitectura, quizá
debido a la influencia de ciertos modelos clásicos procedentes de la estatuaria funeraria o a la menor consideración que,
frente a la arquitectura, este arte suele llevar consigo normalmente (hecho que posibilita que el cambio sea más fácil). Sea
como fuere, es posible encontrar ya desde época previa características muy vinculadas al posterior desarrollo de la escultura
renacentista.
El interés por la representación de la naturaleza y el desprendimiento de una consideración absoluta de tipo simbólico, a la
cual quedaría supeditada la primera, se pueden apreciar en la escultura del momento. Las composiciones siguen la pauta de
la búsqueda de la profundidad por medio del uso de la perspectiva y la plasmación de los tipos humanos responde a una
individualización y exactitud mucho más naturalista que la medieval.
Grandes artistas que trabajarán la escultura serán Lorenzo Ghiberti (Puertas del Baptisterio de Florencia) y Donatello (del
que serán obras especialmente representativas su San Jorge, el David y la estatua ecuestre del Condottiero Erasmo de
Narni, más conocido como el Gattamelata), junto con el "antecesor" de Miguel Ángel en el empleo de las formas
monumentales Jacopo Della Quercia, Lucca Della Robbia (que trabajará en la Cantoría de la Catedral de Florencia
asimismo) y Verrochio.
Pintura del Quattrocento
La pintura del s.XV va a experimentar una enorme evolución, desde el empleo de las formas aún ligeramente decorativas y
el uso de dorados y vistosos colores de Fra Angélico en la primera mitad del siglo hasta la consecución, por ejemplo, de los
magníficos sistemas compositivos empleados por Mantegna van a sucederse toda una serie de aportaciones pictóricas que
depurarán el lenguaje renacentista. Sin embargo, puede apreciarse en general un interés por la representación volumétrica
de las figuras, la comunión narrativa de las partes y la representación verista de la naturaleza, las dimensiones y la
profundidad.

4. Habitualmente se suele establecer una división de la pintura quattrocentista por escuelas principales, en función de la zona
geográfica:
Escuela de Florencia
De la Escuela de Florencia serán principales representantes los ya citados Fra Angélico y Masaccio ("creador" de la
perspectiva), además de Piero Della Francesca (maestro en el uso de la luz), Ghirlandaio, Paolo Ucello (para el que será
importantísima la profundidad), Andrea del Castagno o el excelso Botticelli (maravillosas serán sus exquisitas y melancólicas
composiciones de temas mitológicos).
Escuela de Umbría
La Escuela de Umbría, dentro de la que va a destacar Il Perugino, con sus composiciones sensualistas destinadas al gran
público.

5. Escuela de Umbría
La Escuela de Padua, con el pintor Andrea Mantegna (rotundo, enérgico, de una intensa fuerza expresiva y una gran
complejidad compositiva).
Escuela de Umbría
La Escuela de Venecia (en esta ciudad se introducirá el empleo de la técnica del óleo, la cual posibilita la obtención de unos
efectos lumínicos y de color muy especiales), de la que serán puntos fuentes los hermanos Bellini y Vittore Carpaccio.
Quattrocento
Estilo: Renacimiento Italiano
Obras: 126
• Alfabético
• Cronológico
• Galería
Comentario
La división entre Quattrocento y Cinquecento puede resultar a veces arbitraria, puesto que es imposible
marcar una fecha concreta para el arranque de lo que hoy llamamosRenacimiento. Muchos de los artistas
renacentistas participan de ambos períodos, que remiten respectivamente a dos siglos diferentes, el siglo XV
y el XVI. Las ideas y los pintores están presentes en ambos siglos, aunque sí puede hablarse de dos
generaciones diferentes de artistas, así como de dos núcleos predominantes cada uno en un período. El
núcleo de poder destacado durante el Quattrocento es sin duda alguna la Florencia de losMédicis, así como en
el Cinquecento habremos de mencionar la Roma papal. Como ya se ha dicho, los precedentes pictóricos
del Trecento son los que determinaron el avance cualitativo del Quattrocento. Los frescos de Giotto y los
paneles de Cimabue anunciaban la transformación. La renovación artística arranca de la mano de la
arquitectura; ya corrían por los círculos intelectuales voces que clamaban por una revalorización de la
actividad artística. La arquitectura italiana siempre había gozado de una mayor adaptación a la concepción
humana, lejos de la espiritualidad teológica de las catedrales europeas. Ese sentido de humanismo y de

6. ruptura con lo establecido la resumió como nadie Brunelleschi en una obra que se considera una auténtica
proclamación de intenciones: la cúpula de Santa María de las Flores. De una amplitud nunca vista y con una
pureza de líneas de singular belleza, Brunelleschi empleó las últimas novedades de la técnica para diseñarla,
al tiempo que se apartaba del proceso físico de la construcción. Es decir, planteaba la postura del creador
frente a la del constructor. Además, colocó su obra en el lugar de mayor impacto social: el centro de la rica
república florentina, el cruce de caminos de todas las rutas comerciales y las operaciones económicas del
mundo cristiano. De esta forma, todo el mundo pudo contemplar la novedad. Las repercusiones fueron
inmediatas y la escultura recibió también un nuevo impulso hacia un ejercicio de la Razón sobre la imagen.
Se abandonaron la planitud y el hieratismo del gótico en pro de un ansia de belleza y perfección; también
tuvo la escultura su manifiesto público en las Puertas del Paraíso realizadas por Ghiberti. Por su parte, la
pintura disfrutó de los logros en ambos terrenos. La sistematización de los medios constructivos requirió un
gran esfuerzo científico: las matemáticas, la física y la geometría fueron las principales armas para unas
edificaciones nuevas. La pintura adopta sus postulados y a través de ellos consigue lo que será uno de sus
rasgos definitorios: la perspectiva lineal. Consiste en abstraer la mirada y la posición del objeto representado,
que ha de verse centrado desde una altura media, a partir de un punto único que supone una mirada ideal
desde un sólo ojo. Es un puro ejercicio mental que pretende imbuir la imagen plástica de tres dimensiones,
en lugar de las dos del románico y el gótico. Con ello se pretendía conseguir una pintura cercana a la
realidad, como una ventana abierta al mundo. La revolución fue inmediata: Masaccio, joven pintor de moda,
realiza un manifiesto pictórico en su Trinidad, un fresco que finge romper los muros donde se pinta para abrir
ante el fiel una supuesta capilla en la que se manifiesta el misterio de las tres personas divinas, a tamaño
natural, ante los ojos asombrados del espectador. El escándalo que causó esta imagen sólo puede
compararse al que provocaron los primeros cuadros de los cubistas, y de la vanguardia en general, a
principios del siglo XX. Los florentinos del siglo XV jamás se habían visto forzados a "leer" una imagen con un
sistema tan complejo y el aprendizaje del nuevo lenguaje resultó una labor costosa. De este afán científico
nacen otras inquietudes aplicadas a la pintura: las leyes de la óptica regularizaron la jerarquía de los objetos
representados en la lejanía, que han de ser más pequeños y menos nítidos. En este aspecto fue fundamental
la aplicación de la sección áurea. Para una correcta representación de las historias y de los personajes se hizo
necesario que el pintor cultivara diversas ramas del saber: para los seres humanos se estudió anatomía y
fisiología. Los apuntes con que aquellos primeros científicos modernos ilustraban sus descubrimientos son
difícilmente separables del terreno artístico. También hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y
teología para representar decorosamente las escenas, los vestidos, los ambientes... La consecución de la
tercera dimensión se reforzó mediante varios recursos: las figuras se colocan no sobre un fondo neutro,
plano, sino en un paisaje o un interior. De esta manera, no sólo el propio volumen de la figura establece la
profundidad, sino también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor. Las gamas tonales y el
sombreado cromático ejercitados en el Trecento contribuyeron en igual medida a introducir efectos de masa,
volumen y peso de las figuras. Toda esta ebullición de ideas se vio acompañada de una profunda elaboración
teórica: los propios artistas y los nobles que los patrocinaban escribieron tratados y manuales en los cuales
recogían las novedades para difundirlas mejor. Igual que el mundo visual estaba siendo ordenado en la
práctica se ordenó en la teoría, lo cual lo relacionó aún más con la ciencia. En su mayor parte la producción
artística siguió dedicada a la temática religiosa, con tres objetivos principales: aumentar la efectividad de la
predicación, conseguir la emoción del fiel y mantener la memoria del dogma a través de las imágenes. Sin
embargo se introducen con fuerza parcelas de la pintura profana; por un lado emerge el retrato, en el cual se
representan a los mecenas de los pintores o a figuras representativas del saber, moderno o antiguo. Por otro,
la irrupción del neoplatonismo florentino abre la puerta a representaciones paganas, que se readaptan al
cristianismo. Se estudia astrología, cábala y moral cristiana sin ningún conflicto. El impulso de este
conocimiento de raíz oriental estuvo provocado por la caída de Constantinopla, que determina la huida de los
intelectuales griegos y bizantinos hacia territorio cristiano. Las figuras de este período son vitales para la
historia universal de la pintura: además de Masaccio,Paolo Ucello, Piero della Francesca, Andrea del
Castagno y otros forman el grupo más radical entre la juventud. Sus obras no encontraron parangón en lo
lejos que llevaron el arte nuevo. En una postura más intermedia, que trata de conjugar la modernidad con las
preferencias de un público más cortesano, se encuentran las figuras de Fra Angelico, como en

7. su Anunciación, o en las de Filippo Lippi. Las repercusiones del Quattrocento sobre el Renacimiento español y
francés fueron matizadas en cualquier caso por los substratos característicos de cada nación, que no hemos
de olvidar estuvieron en ambos casos muy relacionados con el gótico precedente y el poderoso influjo de
la pintura flamenca que se estaba desarrollando en paralelo.
EL RENACIMIENTO
EL QUATTROCENTO
El renacimiento es un movimiento cultural q nació en Italia en el siglo XV y pronto se difundió por toda Europa.
Pretende contrastar con la Edad Media, marcada por el dominio de la iglesia y el teocentrismo, ahora el centro es el
mismo hombre, “es la medida de todas las cosas”. Pero uno de los aspectos más característicos es la vuelta a los
mundos clásicos, Grecia y Roma, que queda reflejado sobretodo en el arte, con los ideales de proporción, armonía y
geometría.
Es concretamente en Florencia donde nace el renacimiento, utilizando de nuevo en la arquitectura los arcos de medio
punto, las bóvedas, cúpulas y sobretodo las columnas, capiteles y frontones de la antigüedad. El arte progresa tanto
en la arquitectura religiosa como en la civil.
Un elemento esencial es la cúpula, que además de funciones arquitectónicas también tienen que ver con la filosofía de
la época.
Aparece la idea de palacio renacentista, sin apenas cambios en el esto de Europa, abandona el medio rural y se
instala en la ciudad, su estructura es horizontal, con una o dos plantas superpuestas divididas en pisos, y en la
fachada se convierte en característico la técnica del almohadillado (bloques de piedra labrada con bordes recortados).
Destacan dos arquitectos:
Bruneleschi: de mentalidad racionalista, es quien rompe por primera vez con el gótico. Le obsesiona el concepto de
orden clásico, el canon, pero no lo copia sino que lo interpreta. Es el autor de la maravillosa cúpula de la catedral de
Florencia, “Il Cupolone”, para ello empleó una nueva técnica, la doble cúpula, dos cúpulas unidas, una interior y otra
exterior, para solucionar los problemas de la presión y el espacio.
También es él quien construye por primera vez un palacio renacentista urbano, dando mayor importancia al patio,
mediante el cual se ordena todo el edificio y utiliza los elementos clásicos.

8. El palacio más famoso que construye es el “Palacio Pitti”, otro famoso es el “Hospital de los Inocentes” en la que
emplea la perspectiva en el pórtico. Introduce la idea de basílica renacentista en las iglesias de “San Lorenzo” y “El
Espíritu Santo”.
Alberti: desarrolló su trabajo en Florencia, al igual que Bruneleschi, se considera como el creador del urbanismo, al
relacionar perfectamente el edificio con el entorno. Su obra se basa en la de Bruneleschi, pero la mejora aplicándole
los nuevos conocimientos científicos. Hace uso de la sección áurea en todas sus obras, al igual que algunas clásicas,
así construyó la fachada de “Santa María Novella”, introduce el concepto de nave única, como en la iglesia de “San
Andrés de Mantua” con planta de cruz latina y capillas laterales. De sus obras civiles la que destaca es el “Palacio
Rucellai”.
La escultura es considerada como una evolución de la medieval, en Pisa se dan los primeros inicios de esta nueva
escultura, de carácter naturalista, realista, y monumental, usando proporciones y elegancia en la línea. Sin embargo la
esencia de la escultura clásica se recupera en Florencia y se separa de la arquitectura. Aunque predomina la escultura
religiosa, la escultura fúnebre y el retrato adquieren gran importancia.
Para conseguir la belleza, tema buscado siempre en el renacimiento, se usa el marmol junto al bronce. Destacan los
escultores Donatello y Ghiberti.
Donatello fue el primero en aplicar las características clásicas a la escultura renacentista con un cierto carácter
expresionista, como se muestra en “La Magdalena”. Esculpe en bronce la primera escultura exenta y en desnudo del
renacimiento, “El David”. Y un retrato ecuestre, “El Condotiero Gattamelata”, caudillo popular de la época. Es el
introductor a la escultura urbana y el retrato ecuestre no fúnebre, una vez más emplea los conceptos de realismo e
idealización.
La pintura obtiene una nueva visión gracias al avance científico, que se aplica en ésta mediante la perspectiva lineal,
se intenta representar la naturaleza lo mejor posible. Está regida por la simetría y el volumen, que se consigue
mediante diferentes mezclas de colores.
Los pintores se preocupan por la expresión de las emociones y por los mundos clásicos, Grecia y Roma.
Se distinguen dos escuelas, la florentina y la Veneciana, la primera se caracteriza por el realismo, el volumen,
destacando en ella Masaccio (pincelada fuerte), y Botticelli (pincelada suave). Y la segunda se caracteriza por los
colores vistosos y la plasmación de la feliz vida de la burguesía veneciana de la época. Importancia del retrato y la
mitoogía, que se junta con temas tanto religiosos como profanos.
Masaccio se preocupa en gran parte por la perspectiva y el volumen, q se convierte en una característica de su obra, y
domina la técnica valorista. Su obra más famosa es “La Trinidad”, que da sesnsación de profundidad gracias al empleo
de la técnica de la perspectiva lineal.
La obra de Fra Ángelico está marcada por una fuerte religiosidad y una mezcla entre la pintura medieval y la
renacentista, entre sus obras destaca “Las Anunciaciones”.
El mejor ejemplo de pintor del Quattrocento italiano es Piero Della Francesca, ya que se interesa principalmente en
unir el arte a la ciencia, y en la belleza formal. Su obra famosa es los frescos de San Francisco de Arezzo, entre los
que destaca la “Historia de la Santa Cruz” y “La Virgen con Santos y Federico de Montefeltro”.