1. Universidad de Los Andes
Facultad de Humanidades y Educación
Escuela de Educación
Educación Básica Integral
Cátedra: Arte y Expresión
Prof: Betty Osorio
n
Educación Mención Básica Integral
Libro para
Maestros
Animadora Pedagógica: Kellynsky Dávila

2. Índice
Presentación pág. 4
Diseño Hermenéutico pág. 5
Investigación: Aprendizaje Integral pág.8
Formación visual pág. 28
Pintura
Dibujo
Escultura
Diseño grafico
Composición
Instalaciones
Técnica: Marionetas pág. 58
Interpretación: Situaciones Vivenciales de
Formación pág. 69

3. Aplicación: Situaciones Vivenciales pág. 98
de Formación
Conclusiones pág. 141
Comentarios pág. 143
Fuentes de Información pág. 144

4. El libro en tu posesión es un instrumento útil para
lograr que tus estudiantes adquieran conocimientos
de una manera innovadora y divertida acerca del
contenido que tú consideres necesario
aprender, pues tiene como base estructurada el
aprendizaje integral, en el cuál puedes ser capaz de
enseñar numerosos contenidos
conceptuales, tópicos y disciplinas en tan sólo una
actividad
En la herramienta entre tus manos se integraron
contenidos específicos. A través de ella podrás
enseñar el sutil y divertido arte de las marionetas.
Podrás conseguir que tus estudiantes aprendan
acerca de la Formación Estética Visual, compuesta
por pintura, escultura, composición artística, dibujo
y diseño gráfico, por nombrar las más importantes.
Y además podrás aplicar todo esto a las diversas
áreas integradoras del currículo.
No sólo podrás ver la práctica completa, sino que en
él tendrás un modelo para realizar tus propias
estrategias educativas a través de las Situaciones
Vivenciales de Formación.
No olvides utilizar como elementos esenciales la
originalidad, la innovación y la creatividad en tus
clases diarias.

6. Diseño Hermenéutico
La hermenéutica es una propuesta filosófica realizada por Gadamer. Para Gadamer
comprender e interpretar textos no está sólo referido al ámbito científico, sino que
pertenece a la misma vivencia humana, en el mundo y en la historia. La hermenéutica ha
permitido rastrear la experiencia de la verdad, buscarla, indagar sobre ella, como
experiencia realizativa de cada persona. Es una visión que hace de la hermenéutica una
metodología universal y una manera lógica que antecede u absorbe los métodos
particulares de la ciencia. Esta visión trasciende la oferta de su maestro Heidegger, que es
su propio punto de partida. Por esto, la hermenéutica ha pasado a ocupar un puesto
relevante en la reflexión filosófica actual.
El diseño no es igual al método original de Gadamer, pero tiene que ver con los momentos
de trabajo. Consta de tres partes:
La Investigación o Comprensión: Es el primer momento. Se da al momento de la
investigación para la realización de las actividades de las Situaciones Vivenciales de
Formación por parte del animador pedagógico. La comprensión es el proceso de elaborar el
significado por el sendero de aprender las ideas relevantes del texto y relacionarlas con las
ideas que ya se tienen: es el proceso a través del cual el lector interactúa con el texto.
La hermenéutica es la intuición que opera en los niños, pues es la capacidad que tienen
para entender y conocer las cosas, ya que forma una actitud de tolerancia y entendimiento
donde aprenden e incorporan los conocimientos previos. Para la comprensión de cualquier
texto debe tener primero su aceptación y asimilación.
La comprensión sería un proceso cognoscitivo, o el resultado de un conjunto de estos
procesos, consiguiendo la integración correcta de un nuevo conocimiento a los
preexistentes de un individuo.

7. La Interpretación: Es el segundo momento. Sucede al momento de la elaboración del
material pedagógico (las Situaciones Vivenciales de Formación) para el taller. Es el
segundo paso del diseño hermenéutico en el que la teoría ya no queda solo como una
información acumulada en el cerebro, sin el más mínimo entendimiento sino que se
produce una transformación de la información para ser adaptada al presente y con
proyecciones al futuro, es decir, que la información se convierte como parte del ser en el
que se le da el propio punto de vista. Es aquí donde el niño expone, traduce, comenta, todo
lo aprendido.
En este proceso los niños tratan de darle significado a las palabras mediante las cuales se
ha expresado un pensamiento crítico y reflexivo, donde luego de haber adquirido un
conocimiento más amplio sobre determinado contenido de manera contextualizada
relaciona los conocimientos confrontados con su entorno social.
La Aplicación: Es el tercer momento. Se da en el momento en que se aplica el taller a los
participantes. Consiste en que el docente debe proporcionar estrategias y dinámicas de
enseñanza para transmitirle a los alumnos conocimientos eficaces; los cual deben llevar a
la práctica, dando una valoración significativa transfiriendo así la comprensión obtenida por
el docente, participando la comunidad, padres y representantes.
Está referida a poner en práctica los conocimientos o procedimientos adecuados para
conseguir un fin, por lo que se convierte en la fase final de la hermenéutica, en la todo lo
aprendido va directamente a la práctica y se producen nuevos materiales didácticos de
apoyo para lograr un aprendizaje efectivo y atractivo para el niño, (como por ejemplo el
módulo para niños que más adelante describiremos)

9. Aprendizaje Integral
La palabra currículo se ha empleado para definir la relación entre contenidos, docentes y
estudiantes. Sin embargo existen muchas definiciones y conceptos. El término currículo no
tiene una traducción exacta pues con él se designan todas las actividades de enseñanza
aprendizaje que desarrolla un sistema escolar. De hecho a partir de la década de 1970, la
UNESCO empieza a definirlo como "la organización de un conjunto de experiencias de
aprendizaje y los diversos factores que las condicionan y determinan, en función de los
objetivos básicos generales o finales de la educación. Tal organización se expresa en una
estructura sectorial del sistema educativo en cada uno de los países latinoamericanos".
(1974).
A los fines de este trabajo se utilizará el criterio pautado por el Instituto Universitario de
Profesionalización del Magisterio, cuyo enfoque está dado por tres directrices:
1) El currículo no es sólo un subsistema, es el resultado de la interacción de los cuatro
subsistemas y por ello no es posible diseñarlo o cambiarlo sin tener en cuenta los otros
subsistemas, o sin efectuar cambios significativos en ellos. (...) el currículo es un concepto
dinámico, sujeto a muchas influencias;
2) el currículo en la actualidad está concebido como un ambiente preparado artificialmente
dentro del proceso educativo institucionalizado;
3) El currículo necesariamente está, debe estar, en constante proceso de renovación.
Nunca debe llegar a un final a pesar de los planes específicos, del control
administrativo, del tipo de estudiantes o de la selección cuidadosa del profesorado (pp. 23-
24).
(...) El currículo, como parte de un sistema social, debiera (...): *crear cultura a la vez que
ésta se aprende; *crear nuevos medios de relación a la vez que aprende los existentes:
*crear nuevas soluciones a los problemas a la vez que aprendemos las soluciones; *crear
nuevos medios de realización individual a la vez que el individuo se socializa, se acultura y
aprende sus funciones" p.24). (1983).

10. Ejes Transversales en el Currículo Básico Nacional
La transversalidad en la educación es un mecanismo que permite la interrelación entre el
contexto escolar, familiar y sociocultural. Asimismo, garantiza la integración de todas las
áreas académicas. El enfoque transversal que se propone considera cuatro ejes en la
primera etapa de Educación Básica: Lenguaje, Desarrollo del pensamiento, Valores y
Trabajo; y en la segunda etapa incluye Ambiente. En el Modelo Curricular para el Nivel de
Educación Básica (1997) se señala explícitamente que los ejes «...constituyen una
dimensión educativa global interdisciplinaria que impregna todas las áreas y que se
desarrolla transversalmente en todos los componentes del currículo...»
Desde el punto de vista operativo es importante observar que los ejes transversales se
materializan en el currículo en tres dimensiones interrelacionadas:
1. En la toma de decisiones sobre el sistema de valores en los que se va a centrar la acción
educativa. Estas dimensiones suponen un proceso de reflexión, diálogo, definición,
acuerdos y compromisos que debe explicitarse en el Proyecto Pedagógico de Plantel como
uno de sus componentes esenciales.
2. En la adecuación de los reglamentos escolares con los valores seleccionados: La
organización y el funcionamiento de la vida escolar debe ser coherente con aquellos
valores que se han considerado básicos para la convivencia humana.
3. En los contenidos curriculares a través de problemas y situaciones que fundamenten un
aprendizaje significativo para el niño.
Como puede inferirse de los planteamientos anteriores, la inclusión de los ejes
transversales en el currículo favorece también la "autonomía pedagógica" del docente en la
búsqueda de respuestas ajustadas a las particularidades de la escuela y de los alumnos.
Este hecho explica la orientacióndel currículo oficial que sólo propone los elementos
básicos nacionales en cada etapa de Educación Básica, de forma que sean los equipos
docentes de cada escuela los que concreten las acciones a desarrollar de acuerdo con las
particularidades regionales y estadales. Se valora de esta forma la acción del maestro,

11. TRANSVERSALES

12. directivos y la familia, como responsables del equipo que, conjuntamente con los
alumnos, harán realidad un proyecto educativo ajustado a su contexto sociocultural. Debe
quedar claro que los ejes constituyen temas recurrentes que emergen de la realidad
social, entretejidos en cada una de las áreas que integran el currículo, lo que les asigna su
carácter transversal. En consecuencia, no pueden considerarse como contenidos paralelos
a las áreas sino como medios que conducen a un aprendizaje que propicie la formación
científica humanística y ético moral, de un ser humano cónsone con los cambios sociales
que se susciten.
Los ejes transversales se constituyen, entonces, en fundamentos para la práctica
pedagógica al integrar los campos de ser, el saber, el hacer y el convivir a través de los
conceptos, procesos, valores y actitudes que orientan la enseñanza y el aprendizaje.
3.1.a. Eje Transversal Lenguaje
La inclusión del Eje Transversal Lenguaje en el diseño obedece a su importancia para la
vida y la formación integral del individuo como ser social ubicado en un contexto cultural
determinado. Asimismo, obedece a un contexto educativo donde se observan deficiencias
alarmantes en el uso del lenguaje. Así lo reflejan los resultados de los egresados de
educación básica quienes no poseen las destrezas necesarias para la correcta utilización y
la compresión del lenguaje oral y escrito, lo que amerita una atención de esta problemática
desde las distintas áreas académicas del currículo.
El hombre mediante el uso del lenguaje es capaz de tomar parte en procesos sociales de
entendimiento que le permitan afianzar su propia identidad, interactuar en una sociedad
específica y compartir una misma cultura. A través de la comunicación los individuos
pueden desarrollar acciones que propicien transformaciones sociales. La oportunidad de
dialogar, criticar, discernir y consensuar proporciona oportunidades para reflexionar y
cuestionar, eliminar prejuicios y valoraciones preconcebidas. En el proceso de la
comunicación es posible que los individuos cambien sus propias opiniones o construyan
otras que podrían ser introducidas a nivel social a partir de la actividad comunicativa y del

13. consenso entre los individuos. Las ideas antes señaladas, aplicadas al campo educativo,
propenden al desarrollo de un modelo cuyo objetivo es crear situaciones óptimas para que
se dé el diálogo intersubjetivo (horizontal) en un ambiente que promueva la igualdad y la
democracia. Un proyecto educativo, entonces, ha de concebirse como un acto de
entendimiento y de elaboración conjunta de todos los elementos involucrados en el proceso
educativo.
El enfoque comunicativo establece que es necesario explicitar lo que se ha llamado el
"currículo oculto" de tal manera que los participantes en el proceso educativo puedan fijar
posición sobre el modelo de sociedad y persona que se desea lograr. La educación, desde
esta dimensión, es responsable de la atención al contexto sociocultural en el cual se
desarrolle la acción escolar. Esta concepción sociopedagógica está en sintonía con las
orientaciones que se formulan para la enseñanza de la lengua y como fundamento del eje
lenguaje en la nueva propuesta.
La importancia del lenguaje en la vida es obvia: gracias a él se adquiere un conjunto de
experiencias que permite la conformación y desarrollo del individuo como ser social
identificado cultural y afectivamente con su comunidad regional y nacional. En este sentido,
es misión fundamental de la escuela enriquecer el conocimiento lingüístico que posee el
niño al desarrollar sus capacidades para apropiarse progresivamente de los variados usos
del lenguaje impuestos por la cultura en la cual se desenvuelve.
Así, las orientaciones que se proponen en el eje lenguaje parten de un enfoque
comunicacional - funcional que exige atender la variedad de usos verbales y no verbales
que se utilizan en situaciones concretas de comunicación: satisfacer necesidades
materiales, intercambiar ideas, expresar puntos de vista, expresar su curiosidad acerca del
por qué de las cosas, transmitir mensajes, manejar el lenguaje de las normas e
instrucciones, inventar mundos posibles a través de la palabra oral o escrita, leer imágenes
e ilustraciones, mapas, gráficos, señales, jugar con las palabras... Es necesario, por lo
tanto, que el maestro cree ambientes propicios, diseñe estrategias didácticas que estimulen
la potencialidad comunicativa de los alumnos.

14. Ubicados en esta concepción, se privilegia, didácticamente el trabajo en equipo como
medio para fomentar el sentido de solidaridad y responsabilidad, el respeto a las ideas
ajenas, la capacidad para evaluarse y evaluar a los demás, la capacidad para planificar
actividades, capacidad para procesar conocimientos y participar activamente en su propio
proceso de aprendizaje. Condiciones indispensables para formar ciudadanos
democráticos, críticos y participativos.
El eje transversal lenguaje, junto con los otros ejes, promueve la integración de todas las
áreas del currículo. Este hecho contribuye a la organización de actividades que favorezcan
la participación del niño en procesos de
observación, análisis, síntesis, comparación, clasificación, inferencias, parafraseo, anticipac
iones... sobre la base de situaciones que permitan su crecimiento intelectual, afectivo y
social. Esta integración exige que el niño maneje contenidos
conceptuales, procedimentales y actitudinales, indispensables para su desenvolvimiento
posterior, no sólo en otros niveles educativos sino también en la vida.
Es indispensable acotar que el español de Venezuela ha de ser la variedad lingüística en la
que se fundamentarán las actividades que se planifiquen en el Proyecto Pedagógico de
Plantel y en el Proyecto Pedagógico de Aula. Esta variedad es la que han internalizado los
niños en el contacto cotidiano con los miembros de su comunidad. Es la que usan para
comunicarse. Además de este factor eminentemente pedagógico y psicológico, debe
destacarse la importancia ideológica de esta concepción: el reconocimiento del español de
Venezuela y sus distintas variedades como afirmación de identidad regional y nacional.
En síntesis, el eje transversal lenguaje, en conjunción armónica con los otros ejes, tiene
como propósito la formación de hombres y mujeres que comprendan que el intercambio
comunicativo debe fundamentarse en valores esenciales: el respeto a las ideas ajenas, la
afectividad, la claridad en la expresión de mensajes coherentemente organizados, la
adecuación del lenguaje al contexto de uso, la conciencia de la validez de los usos
lingüísticos como expresión de la libertad a que tiene derecho todo ser humano.

15. 3.1.b. Eje Transversal Desarrollo Del Pensamiento
La incorporación del Eje Transversal Desarrollo del Pensamiento en el Diseño Curricular de
Educación Básica, obedece al bajo nivel intelectual detectado en los alumnos ya que
carecen de un conjunto de herramientas y de habilidades necesarias para el adecuado
procesamiento de la información, la resolución de problemas, la transferencia de
conocimientos, la toma de decisiones, entre otros.
En respuesta a esta situación, el Eje Desarrollo del Pensamiento permite considerar, en
todas las actividades que se realicen en la escuela, el desarrollo de habilidades cognitivas y
actitudes que propicien el uso adecuado de la información para tomar decisiones e
interactuar efectivamente en el medio socio-cultural. Asimismo, este Eje Transversal
persigue el propósito siguiente: asignarle tanta importancia a los procesos como a los
contenidos. Se intenta así, erradicar la presencia de informaciones inconexas y enseñar a
pensar con rigor lógico, creatividad y claros referentes. Se trata de sistematizar el desarrollo
de procesos que conceptualmente están presentes en las áreas académicas del currículo
venezolano pero que en la práctica no se enfatizan. En consecuencia, se diluyen en el
quehacer educativo
Tal como plantea Palladino (1997), en la primera etapa de la Educación Básica no se deben
encauzar los aprendizajes de las diferentes áreas a la consecución de especialistas en las
mismas. Nadie pretenderá en estos niveles enseñar historia, lengua, matemática, estética,
para formar profesionales en estos campos, es decir, ninguna de estas materias constituye
una finalidad en sí misma, sino que todas ellas constituyen uno de los medios para alcanzar
otras finalidades, entre las que podemos destacar el desarrollo de la capacidad de pensar y
desenvolverse adecuadamente en el mundo que nos rodea.
Al intentar el desarrollo del pensamiento, se pretende que los niños, al culminar la Primera
Etapa de Educación Básica, se interesen en saber las respuestas a diversos
planteamientos y en reproducir conocimientos, pero interesa aún más la actitud que se
asume cuando no se conocen las respuestas y la producción de conocimiento con cierta
autonomía intelectual.

16. Para el desarrollo social es importante tener estudiantes que sean
creativos, atentos, reconozcan discrepancias y averigüen causas sobre los
fenómenos, erradicando las actitudes pasivas de aceptación sin crítica, donde el docente
plantea problemas con soluciones inmediatas. Los educadores tienen la gran
responsabilidad de propiciar el desarrollo del pensamiento en los
estudiantes, suministrando condiciones, experiencias que conduzcan a valorar la acción
inteligente, creativa y racional. Las conductas inteligentes pueden ser
enseñadas, practicadas y aprendidas. (Perkins, 1995).
El tratamiento del eje "Desarrollo del Pensamiento" contribuirá a formar una sociedad que
responda a un avance social y tecnológico, por tanto estará orientado a alcanzar las
siguientes finalidades:
• Propiciar la capacidad general que tiene el hombre para actuar
intencionalmente,
• pensar racionalmente e interactuar creativa y eficazmente con su
medio, (comportamiento inteligente).
• Desarrollar habilidades para procesar información que conlleve a la toma de
decisiones y a
• la resolución de problemas científicos, sociales y cotidianos.
3.1.c. Eje Transversal Valores
La presencia del Eje Transversal Valores en el Diseño Curricular del Nivel de Educación
Básica se justifica por la crisis moral que caracteriza la época actual. En Venezuela es
motivo de preocupación la pérdida progresiva de valores que se observa en los diferentes
sectores que conforman nuestra sociedad.
En este sentido, una educación en valores debe promover cambios significativos que
conduzcan a la formación de un ser humano capaz de desenvolverse en una sociedad
pluralista en la que pueda, de una manera crítica, practicar como norma de vida la
libertad, la tolerancia, la solidaridad, la honestidad y la justicia.
Diferentes autores, en distintas épocas, han tratado de definir qué son los valores.

17. El tema por ser de gran complejidad, ha sido, es y será objeto de polémica y discusión. Sin
embargo, hay consenso en que los valores son realidades que permiten al hombre ubicarse
a sí mismo en relación con los demás. Son tan importantes que llegan a ser condiciones
esenciales de la vida humana. Los valores son una abstracción propia de la mente humana.
La belleza, por ejemplo, no "es" pero "existe". Los valores manifiestan sus propiedades en
sí mismos pero requieren siempre de algo o de alguien en que encarnarse; los valores son
distinguibles entre sí por su contenido propio y comparativo. Manifiestan jerarquías que
cambian por circunstancias históricas o causales y pueden distinguirse por su propio
contenido.
En fin, los valores son aprehensibles en la experiencia pero no por la razón. Por otra
parte, a todo valor corresponde un anti valor que es un valor de signo negativo. Esto es
conocido como un "hecho" que impone una polaridad. Para entender un valor en sus
diferentes manifestaciones e interioridades se requiere, por oposición, conocer el anti
valor, por ejemplo: el respeto versus el irrespeto, el aprecio versus el desprecio.
Los valores se clasifican y se jerarquizan. Además, para los efectos de los currículos
escolares debemos decir que se aprenden y se "internalizan", es decir, se adquieren por la
experiencia, pero se concientizan cuando se aprenden por la conducta.
Esto permite proporcionar la primera regla para la educación de los valores en el contexto
escolar: deben irse "internalizando", en el proceso de la enseñanza a medida que el niño, el
adolescente o adulto los "experimenta en su propia vida". Por ejemplo, el amor versus el
desamor, la seguridad versus la inseguridad. No se puede hablar de valores de una forma
teórica, sin un contexto, sino a partir de situaciones de la vida real. De allí se desprende
una segunda regla: "la concientización" de los valores debe partir de la consideración del
"yo" para llegar al "nosotros" en la medida en que el desarrollo evolutivo de la persona lo
exija. Aquí se hace necesario destacar que el aprecio por sí mismo, natural en todo ser
humano, debe educarse como un valor a partir del auto respeto. El que aprende a
respetarse a sí mismo e internaliza este valor, crea las bases para su éxito en la vida.

18. La tercera regla para propiciar la internalización de los valores es la de lograr una paulatina
identificación del "yo" con el mundo exterior, de manera tal que pueda ser entendida por el
educando en la medida en que sus experiencias le vayan planteando interrogantes. Así por
ejemplo, en el niño, el proceso de socialización primario se presenta al descubrir el
egoísmo frente al altruismo, el amor frente al desamor.
La cuarta regla es la búsqueda del aprecio de los valores positivos en contraposición a los
antivalores. En este sentido, se hace necesario sensibilizar al educando para que diferencie
unos de otros y para que manifieste, en su comportamiento, que ha comprendido el poder
creativo de los primeros frente al poder destructivo de los segundos.
La quinta regla es complemento de la segunda, pretende lograr el hábito de la reflexión
sobre la importancia que los valores tienen en nuestra propia existencia al condicionar,
estimular o entorpecer los propósitos que nos proponemos como metas que deben
desarrollarse en los educandos.
Por lo antes expuesto, se precisan algunas orientaciones que pueden facilitar la
planificación escolar:
1. Un estudio y análisis del contexto socio - cultural en el cual se ubica la escuela, en forma
tal que el educador pueda señalar los valores que orientarán el diseño de los proyectos de
plantel y de aula.
2. Una racionalización y jerarquización de los valores con los cuales puedan establecerse
relaciones sin desvirtuar el objetivo propio de cada área. Así, por ejemplo, el trabajo en
equipo es ocasión oportuna para atender en cada una de ellas, valores relacionados con el
respeto a las ideas ajenas, la solidaridad, la disciplina.
3. Los valores se irán consolidando progresivamente. En una primera fase se enfatizará en
los valores personales, sin descuidar los valores sociales y los que corresponden a la
identidad nacional. Estos últimos se internalizarán y racionalizarán en fases sucesivas.
La escuela debe ser el complemento del hogar, el lugar donde se contribuye de manera
sistemática a formar el aprecio por los valores. Cuando las condiciones familiares del niño
no sean favorables, la responsabilidad de la escuela aumenta considerablemente.

19. En cualquier caso, la escuela debe ser inteligentemente dirigida, celosamente cuidada y
meticulosamente evaluada. El niño viene a la escuela desde su hogar, pero vive inmerso en
una sociedad que lo condiciona implacablemente, por lo que el aula y el ambiente escolar
deben permitirle lograr dos cosas:
(a) Un ambiente donde pueda tener sosiego para sistematizar sus conocimientos, analizar
sus conductas, meditar sobre sus exigencias, apreciar sus valores y formular
comparaciones y opiniones críticas.
(b) Una colectividad escolar que sea ejemplar en todas sus manifestaciones pero
esencialmente en la conducta de sus directivos y docentes, de sus administrativos y
obreros, y que ello se manifieste en su apariencia física externa, en su organización interna
y en la armonía de sus relaciones humanas tanto dentro de la escuela como fuera de ella.
Los valores que se proponen en la reforma curricular atienden al contexto sociocultural
venezolano y fundamentalmente a los consagrados en la Constitución Nacional de la
República de Venezuela y en la Ley Orgánica de Educación. Se aspira así lograr la
formación integral del estudiante y la continuidad de nuestros valores culturales e
históricos, razón primordial de nuestra existencia como país.
3.1. d. Eje Transversal Trabajo
El trabajo debe concebirse como parte de la vida del hombre. Es la expresión pura del
hacer, ya que mediante la acción se identifica con lo que él hace o produce y
participa, además, en el entorno donde vive. En Venezuela, es necesario implantar un
nuevo paradigma de trabajo que permita considerarlo como actividad humana la cual exige
el ejercicio de las mejores virtudes de la persona.
Desde esta perspectiva, se incorpora en el Diseño Curricular del Nivel de Educación Básica
el Eje Transversal Trabajo, con el fin de lograr en el estudiante una formación integral
fundamentada en el hacer, inspirada en los valores democráticos básicos necesarios para
la vida, gestores del bien común y de una convivencia que le permita la participación activa
y solidaria en la sociedad a la cual pertenece.

20. En tal sentido, el trabajo en la escuela debe estar vinculado con la realidad, sin constituirse
en un simple apéndice de contenidos teóricos. Las experiencias de trabajo que se
incorporen en el currículo, deben tener un propósito de exploración de habilidades e
intereses y de aplicación en la comunidad que circunda al estudiante, tomando como base
los conocimientos de la ciencia y la tecnología.
La calidad de la escuela está ligada íntimamente con la calidad de la pedagogía que la
misma propone. Cuando se dice que toda educación debe estar imbuida del trabajo, se
está afirmando que el trabajo es el lugar, el espacio, el contexto donde ha de desenvolverse
la práctica educativa.
A aprender se aprende
haciendo, observando, probando, manipulando, construyendo, recreando. Así, las aulas se
transforman en talleres y todas las actividades tienen la intencionalidad de producir algo
significativo y útil. Se fortalece así, la creatividad, participación, curiosidad, responsabilidad
comunitaria, el interés por la obra bien elaborada y el servicio. Valores que el estudiante
debe vivir y disfrutar en el contexto educativo.
La preparación hacia el trabajo implica elevar la capacidad para comprender y aplicar
nuevos conocimientos; esto es una condición que garantiza la calidad de vida, de esta
manera se puede transformar el concepto de trabajo - producto de la herencia cultural- que
el venezolano tiene en la actualidad (Uslar Pietri, 1995).
Sólo se aprende a trabajar trabajando. Por lo tanto, es de urgente necesidad "enseñar a
aprender", "enseñar a ser" y "enseñar a hacer". Una adecuada educación hacia el trabajo
induce a aprovechar bien el tiempo, a ser disciplinado, responsable y organizado, a trabajar
cooperativamente, resolver creativamente los problemas, seguir instrucciones y
procesos, buscar calidad del producto, valorar al trabajador y reconocer que el trabajo debe
estar siempre al servicio de la persona humana.
Cabe destacar que la Educación Básica es un nivel de educación general, por lo tanto, no
puede ni debe tender a formar mano de obra específica para puestos de trabajo, ya que su
prioridad está en el desarrollo integral del ciudadano vinculándolo al mundo del trabajo a
través de la escuela. (Rodríguez, 1995).

21. Sin embargo, la experiencia de trabajo real es necesaria para que los estudiantes
posteriormente sepan desenvolverse en la sociedad y puedan comprender las relaciones
sociales (Schwartz, 1986). Por eso, es preciso integrar los contenidos teóricos con los de la
vida cotidiana.
La Educación para el Trabajo "implica y exige la realización de experimentos para
comprobar lo que se dice, la demostración en el terreno, la aplicación de los conocimientos
teóricos a la solución de los problemas de la realidad, la observación directa, la
manipulación de instrumentos, la vivencia directa de las situaciones, la participación en el
trabajo de organización y funcionamiento de la escuela, la familia y el aula" (Rodríguez,
1995 p. 303).
De acuerdo con las ideas de esta autora, el Eje Transversal Trabajo aspira que el educando
valore el trabajo como actividad que dignifica al hombre, aprecie sus ventajas al aplicar los
conocimientos científicos y tecnológicos para mejorar su calidad de vida, defienda el trabajo
cooperativo como un paso para el autoabastecimiento y vea con claridad la relación que
existe entre sus intereses habilidades y las oportunidades, educativas y ocupacionales que
le ofrece el ambiente social en el cual se desenvuelve. A continuación se muestran los
énfasis, las dimensiones, alcances e indicadores del Eje Transversal Trabajo.
Énfasis del eje transversal trabajo en la primera etapa
• En esta etapa los aprendizajes presentan un alto nivel de interrelación entre las
diferentes actividades dirigidas a la satisfacción de necesidades.
• Formación de hábitos, actitudes cuidado personal y autoestima.
• Manipula materiales equipos, herramientas y otros instrumentos para la
realización de trabajos creativos.
• Mantiene y organiza útiles y trabajos escolares
• Adquiere conocimientos en procesos elementales de trabajo y uso de materias
primas.
3.2: Áreas académicas

22. Las Áreas Académicas establecidas para la Primera Etapa del Nivel de Educación Básica
son las siguientes: Lengua y Literatura, Matemática, Ciencias de la Naturaleza y
Tecnología, Ciencias Sociales, Educación Estética y Educación Física.
En el Diseño Curricular del Nivel de Educación Básica se plantea además la integración de
las áreas académicas y de los ejes transversales mediante la incorporación de elementos
comunes subyacentes, tales como: conceptos claves, métodos de
análisis, instrumentos, técnicas, axiomáticas, métodos de investigación, procesos mentales.
De esta manera, se aspira lograr la interdisciplinaridad que conlleva a una integración del
conocimiento basado en dichos elementos.
Las Áreas Académicas y Asignaturas constituyen un sistema de organización del saber a
partir de su propia naturaleza, lógica interna y sistematicidad, proporcionan un cuerpo
coherente de conocimientos y poseen su propio lenguaje, su propio sistema de conceptos y
procedimientos e integran los ejes transversales, dando al proceso enseñanza -
aprendizaje un sentido de globalidad, tal como se ilustra a continuación en el Diseño
Curricular para la primera etapa del Nivel de Educación Básica
La selección de las Áreas Académicas parte de los requerimientos del diseño curricular del
nivel y adquiere su sustento legal en el Plan de Estudio del Nivel de Educación Básica.
3.3 Contenidos
Son el conjunto de los saberes relacionados con lo cultural, lo social, lo político, lo
económico, lo científico, lo tecnológico, etc., que conforman las distintas Áreas Académicas
y Asignaturas, cuya asimilación y apropiación por los alumnos es considerada esencial para
su desarrollo y socialización. (Coll y otros, 1992)
Esta definición de los contenidos rompe con la tradicional interpretación transmisiva, pasiva
y acumulativa de la enseñanza y del aprendizaje, plantea una concepción constructivista de
estos procesos y mantiene el papel decisivo de los contenidos en la educación.
Se destaca además, el papel de la actividad constructiva del alumno y la importancia de la
influencia educativa del Docente como uno de los factores determinantes de esta actividad.

24. Lo más importante es que los alumnos puedan construir significados y atribuir sentido a lo
que aprenden (Coll, 1993)
TIPOS DE CONTENIDO
Se consideran tres tipos de contenido (conceptual, procedimental y actitudinal) que no
deben ser abordados por el docente de manera aislada:
• Los conceptos guardan una estrecha relación con las actitudes y a la inversa.
• Un concepto puede ser aprendido de formas muy diversas en función de las actitudes con
que se relacione.
• Los conceptos, para ser adquiridos, necesitan de un procedimiento.
• Los procedimientos facilitan el aprendizaje de los conceptos y favorecen el desarrollo de
actitudes.
• Las actitudes a su vez facilitan la selección de los procedimientos adecuados.
De igual manera, en el Modelo Curricular se plantea la integración de los ejes transversales
con los diferentes tipos de contenido, en la búsqueda de la globalización del proceso
enseñanza aprendizaje, tal como se refleja en el gráfico siguiente:
A continuación se definen los tres tipos de contenido contemplados en el modelo.
Los contenidos Conceptuales se refieren al conocimiento que tenemos acerca de las cosas,
datos, hechos, conceptos, principios, y leyes que se expresan con un conocimiento verbal.
Los contenidos Procedimentales el conocimiento procedimental es el referido a cómo
ejecutar acciones interiorizadas como las habilidades intelectuales y motrices; abarcan
destrezas, estrategias y procesos que implican una secuencia de acciones u operaciones a
ejecutar de manera ordenada para conseguir un fin.
Los contenidos Actitudinales están constituidos por valores, normas, creencias y actitudes
dirigidas al equilibrio personal y la convivencia social.
Estos tipos de contenido abarcan el Saber qué, Saber cómo y el Saber hacer y se
relacionan con los tipos de capacidades: cognitivas- intelectuales, cognitivas-motrices y
cognitivas-afectivas.
.

25. 3. 4 Bloques de contenido
En el Diseño curricular del Nivel de Educación Básica los contenidos se han organizado en
Bloques de Contenido. Estos bloques constituyen un elemento organizador de los
contenidos de las distintas áreas académicas, guardan estrecha relación con lo planteado
en los objetivos de etapa y de área. No deben ser considerados como temas sino como una
forma de agrupar los contenidos esenciales en torno a un elemento vertebrador.
Un Bloque de Contenido, según la naturaleza del área académica y de su mayor o menor
nivel de complejidad, puede variar de un grado a otro o puede mantenerse a lo largo de
varios grados o varias de las etapas educativas del nivel.
Bloques De Contenido Primera Etapa
LENGUA Y LITERATURA
• El intercambio oral
• ¡A leer y escribir!
• Reflexiones sobre la lengua
• Literatura: el mundo de la imaginación
MATEMÁTICA
• Conociendo los números.
• Comenzando a calcular.
• Cuerpos y figuras.
• ¿Cómo medimos?
• Estadística y probabilidad
CIENCIAS SOCIALES
• El niño, familia, escuela y comunidad.
• El espacio geográfico y la diversidad de paisajes.
• Nuestro pasado histórico.
CIENCIAS DE LA NATURALEZA Y TECNOLOGÍA
• Espacio, tiempo y movimiento.

26. • Sol, tierra y luna.
• Alimentos.
EDUCACIÓN ESTÉTICA
• El movimiento del cuerpo, formas e imágenes.
• El ritmo y el sonido en representaciones artísticas.
• Relación tiempo y espacio.
• Elementos y medios de expresión artística.
• El lenguaje artístico y su cotidianidad
EDUCACIÓN FÍSICA
• Juegos motrices.
• Aptitud física
• Ritmo corporal
• Vida al aire libre
Bloques De Contenido Segunda Etapa
Para la segunda etapa de la Educación Básica debe incluirse Ambiente dentro de los
contenidos.
LENGUA Y LITERATURA
• Interacción Comunicativa Oral
• Información e Investigación/ Reflexiones sobre la Lengua.
• Literatura: El Mundo de la Imaginación / Comunicación, Individuo y Sociedad.
CIENCIAS SOCIALES
• Convivencia Social y Ciudadana
• La Sociedad Venezolana y su espacio Geográfico
• Historia, sociedad e Identidad Nacional.
EDUCACIÓN ESTÉTICA
• El arte como medio de expresión y comunicación
• Espacio, tiempo, Sonido, Ritmo, Movimiento y Manifestaciones Artística
• Cultura, Ciencia, tecnología y Arte /Diseño y Producción Artística.

27. MATEMÁTICA
• Números
• Operaciones.
• Geometría
• Medidas
• Estadística y Probabilidad.
CIENCIAS DE LA NATURALEZA Y TECNOLOGÍA
• La Tierra y el Universo
• Seres Vivos.
• Salud Integral
• Tecnología y Creatividad
EDUCACIÓN FÍSICA
• Aptitud Física
• Juegos Motrices
• Expresión y Comunicación Corporal
• Vida al Aire Libre
.

29. Las artes plásticas son la representación de conceptos, emociones y situaciones de carácter humano
por medio de elementos materiales o virtuales que puedan ser percibidos por los sentidos
(especialmente el de la vista). Los factores principales en el desarrollo de una obra artística son la
materia, el espacio y el tiempo, estos combinados, presentan al espectador una situación de la cual
él, o ella, puedan apropiarse e interpretar en su propio contexto.
De esta manera, las artes visuales son formas de arte enfocadas a la creación de
trabajos, principalmente visuales por naturaleza, como la pintura, y más tarde, fotografía, impresión
y el cine. Aquellas que implican objetos tridimensionales, como la escultura y la arquitectura, son
llamadas artes plásticas. Muchas disciplinas consideradas artísticas como las artes escénicas
presentan aspectos de las artes visuales, por lo que estas definiciones no son estrictas.
Las artes visuales se diferencian de las artes plásticas, al combinar otros medios, como el teatro o la
danza en el happening y la performance, o el arte sonoro en instalaciones o intervenciones. Es decir
las artes visuales poseen un abanico más amplio e inclusivo de medios para la elaboración de las
obras artísticas, que las artes plásticas o graficas.
Las artes plásticas se diferencian de todas aquellas en su forma de expresión, ya que utilizan
materias flexibles o sólidas, moldeadas, dispuestas o modificadas de cualquier otra forma a
voluntad por el artista. Dentro de ellas existe la arquitectura, pintura y escultura, como el grabado
(se habla entonces de artes gráficas), y algunas artes decorativas y artes industriales, como la
cerámica, la fotografía, la alta costura o la joyería.
1.- El dibujo es la representación grafica de una idea, objeto real o imaginario, por medio de
líneas, trazos y sombras, obtenidos mediantes lápices, pintura, creyones, marcadores u otros
instrumentos.
Elementos de expresión plástica.
La forma
Es la representación gráfica de un objeto. La definición de forma en relación al lenguaje visual tiene
una doble acepción, fundamentada en la realidad que las cosas muestran en su
configuración, determinada, pues, por su apariencia. Es la apariencia externa de las cosas y es
también su estructura expresiva plástica, donde se asienta su identidad visual

30. La primera se modifica según los condicionantes físicos de su percepción, como son la iluminación,
el punto de vista, el sujeto observador, etcétera. La segunda es inmutable; en su esqueleto y
armazón. La forma es el contorno de un objeto sensible, la línea que precisa y aísla del medio
ambiente la realidad física del objeto, lo que determina la diferencia y el modo de ser de los entes.
Imagen
Suele llamarse imagen al conjunto de las representaciones que tenemos de las cosas. En alguna
medida imagen y representación son sinónimos y se refieren a los diversos tipos de aprehensión de
un objeto presente, la representación de percepciones pasadas, estar ligado a la imaginación en la
libre combinación de percepciones pasadas o a la alucinación. Las imágenes o representaciones
pueden ser acústicas, ópticas, eidéticas, no eidéticas, afectivas, volitivas, etc. En el sentido artístico,
la imagen plástica puede ser definida como el resultado de un proceso de creación, en el que,
buscando la adecuación de los materiales, las técnicas y la organización sufre una transformación de
las impresiones sensoriales, de fantasías mnémicas, supone siempre la actualidad de la experiencia,
la que aparece a través de la imagen; esto hace suponer a la vez una experiencia anterior. La imagen
trae consigo la actualidad del objeto convocante de lo dado.
Percepción
El término alude primariamente a una aprehensión, sea cual fuere la realidad aprehendida. Percibir
es en efecto recoger, si se recoge o aprehende notas intelectuales se habla entonces de nociones. El
rojo o el verde no son sensaciones, son algo sensible, y la cualidad no es un elemento de la
conciencia, sino una propiedad del objeto.” También es distinta de la intuición intelectual, parece
ser equidistante de ambos actos. Distingue entre percepción interna y externa, llamadas a veces
intuiciones. La interna llamada también inmanente, son vivencias intencionales, cuya esencia
consiste en que sus objetos intencionales, cuando existen pertenecen al mismo flujo vivencial. La
percepción es sensible cuando aprehende un objeto real, `que es aprehendido directamente' y
categorial cuando aprehende un objeto ideal, es decir cuando se constituyen nuevas objetividades
que se fundan en las anteriores y se refieren a ellas. Dentro de este campo la percepción tiene una
base sicológica, pero con un propósito ontológico.

31. No se supone al mundo percibido el mundo de las ideas. La idea descansa sobre la percepción. El
mundo percibido es el fondo siempre presupuesto por toda racionalidad, todo valor y toda
existencia. Para dar un ejemplo, al observar una mancha clara, sobre un fondo oscuro
homogéneo, todos los puntos que integran la mancha, tienen una función, hacer de ellos una
figura. El color de la figura parece ser más denso que el del fondo, hay contraste; los bordes de la
mancha de la figura, le pertenece totalmente a ella; la figura parece colocada sobre el fondo, al cual
no interrumpe y que pasa por debajo de ella. Esto constituye una percepción elemental, pero como
cada parte anuncia más de lo que contiene, ya está cargada de sentido.
Proporción
Es una relación de medidas armónicas entre las partes componentes de un todo, tanto como la
distancia armoniosa entre parte y parte. Estas relaciones de medida son encontradas en el mundo
orgánico e inorgánico. Pero tales relaciones matemáticas no se expresan de manera mecánica, la
relación existe pero las formas exhiben una serie de pequeñas variaciones dentro de la relación
general, lo que contribuye a la belleza y la vitalidad.
Movimiento
Tensión existente entre varios elementos formales o lineales y el campo que los contiene, a través
de la cual las figuras son atraídas, repulsadas o aquietadas provocando la sugerencia del
movimiento o desplazamiento. Según la regla de Duncker, en la experiencia de desplazamiento el
marco tiende a permanecer fijo, mientras que el objeto dependiendo de ese marco ejecuta el
movimiento. La estructura del contexto en el espacio y en el tiempo determinan la percepción del
movimiento; de igual manera ocurrirá con las propiedades del movimiento, es decir velocidad y
dirección (la velocidad puede ser constante, cambiar en progresión regular o abruptamente). El
movimiento se percibe dentro de ciertos límites de velocidad, el minutero del reloj, aparentemente
parece quieto, dada su escasa velocidad, pero las paletas de un ventilador se ven como una forma
borrosa y quita dada su alta velocidad.
De igual manera un objeto pequeño parecerá desplazarse a mayor velocidad que uno de gran
tamaño.

32. .

33. De igual manera un objeto pequeño parecerá desplazarse a mayor velocidad que uno de gran
tamaño. La dirección está determinada por el sentido de la secuencia en que un
objeto, forma, color, etc. sigue en un orden dado, o por la tensión de una línea, forma, etc. con
respecto a un borde o en su propia dinámica, así vemos desplazarse hacia arriba a una vertical con
velocidades distintas en sus extremos, subir a un triángulo isósceles, dirección igual en una
horizontal con mínima diferencia de velocidad hacia la izquierda, y carecer de dirección a un
cuadrado. Es decir, los elementos axiales expresan movimiento, una catedral gótica es ascendente.
Las superficies curvas expresan movimiento doble, acercarse y alejarse. El movimiento puede ser
continuo, con dirección establecida, lineal o giratoria. La forma del movimiento puede ser simple o
compleja, cuando por ejemplo, varios elementos realizan igual movimiento con igual ritmo, o
cuando dos o más grupos realizan distintos movimiento organizados con ritmos distintos entre sí.
1.-La pintura artística
Es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias
aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de
teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica de el arte de pintar, consiste en
aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un
recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de
formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según unos principios
estéticos. El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en un prólogo de las
Conferencias de la Academia francesa hizo una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la
historia, el retrato , el paisaje, los mares, las flores y los frutos».
La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes.
En la estética o teoría del arte modernas la pintura está considerada como una categoría universal
que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a
cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras
así como los soportes o las técnicas digitales.

34. La pintura
Es la expresión de ideas, pensamientos y sentimientos en el papel, madera, paredes etc. Para esto
el pintor necesita una habilidad para pintar y además una situación en que se base, es decir, un
conflicto, problema, o situación en la que este se encuentre. Estas técnicas basadas en naturalezas
matemáticas han sido perfeccionadas a lo largo de la historia por todas las grandes civilizaciones
conocidas, y sus profundos conocimientos han sido siempre aplicados a consciencia por la mayoría
de los grandes pintores que han trascendido en sus obras.
2.-Dibujo
El dibujo es un arte visual en el que se representa algo en un medio bidimensional con el uso de la
mano. En su mayoría, el papel es el soporte y el lápiz el instrumento, aunque, en la actualidad, el
ordenador es también un medio muy usado para realizar este tipo de arte. Es entonces cuando
hablamos de dibujo digital. El dibujo, además de constituir un tipo de arte por si mismo, es el
fundamento de cualquier trabajo artístico. Cualquier pintura, escultura o grabado acostumbra a
partir de un esbozo hecho en lápiz.
Un poco de historia
Los primeros dibujos se encuentran en la etapa prehistórica, cuando los homo erectus, los humanos
de esa época, representaban en las paredes lo que ellos consideraban importante transmitir:
cazas, animales, comida… Por ese entonces el dibujo era muy importante ya que adquiría la función
de lenguaje, usado para transmitir ideas sin necesidad de mediar palabras. Aún ahora se considera
el dibujo como un lenguaje universal. De ahí que existan dibujos que han sido reconocidos como
íconos. La torre Eiffel, por ejemplo, es un icono de Francia y París, que se esboza como una larga
torre con barras cruzadas en forma de cruz.
Materiales de dibujo
El material de dibujo está compuesto por utensilios muy sencillos, algunos tan populares como el
lápiz. Hay gran variedad de lápices dependiendo de la dureza de la mina, fabricada de un mineral
llamado grafito.

35. La dureza del lápiz viene indicada por un número y una letra grabados en el costado. Los lápices
grabados con la letra H son los de mina dura y trazo suave, y los lápices con la indicación B son los
de mina blanda y trazo intenso. Los lápices más aconsejables para dibujar son los blandos, por su
trazo intenso. El carboncillo, rama de sauce carbonizada con forma de barrita irregular de distinto
grosores, es el más simple y antiguo de los medios de dibujo. La diferencia básica entre el grafito y
el carbón radica en que éste es una sustancia seca, mientras que el grafito es graso. Cretas, papeles,
pasteles, portaminas, afilalápices, fijadores y gomas de borrar son otros de los utensilios necesarios
para realizar un buen dibujo
Técnicas de dibujo
La vitalidad del dibujo se debe a los cambios de grosor de las líneas y a los movimientos. Las líneas
verticales comunican efectos de fuerza; las horizontales, quietud o reposo; las diagonales,
movimiento; y las curvas, gracia. Una de las técnicas esenciales del dibujo es el sombreado, es decir,
la transición progresiva de los tonos claros a los oscuros y viceversa. Este el método más directo
para representar el volumen de los objetos reales, el espacio, la sensación de profundidad y la
atmósfera. El volumen es lo que confiere cuerpo a los objetos y las figuras y aquello que nos las
hace cercanas y presentes. La representación de la perspectiva y el encaje y modelado de la figura
son otras dos de las técnicas básicas que constituyen la esencia de este arte.
Dibujar y pintar
Dibujo Artístico de muestra, Notar la utilización del contraste, sombreado y correcciones ocultas
como fuente principal del dibujo.
Dibujar y pintar no significa necesariamente lo mismo. Por su naturaleza física, el dibujo es un
subconjunto de las manifestaciones artísticas conocidas como pintura, pero no forma parte de la
pintura como técnica de representación. El dibujo es el arte de representar gráficamente objetos
sobre una superficie plana; es base de toda creación plástica y es un medio convencional para
expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos. En la pintura, la estructura de los planos se
logra mediante masas coloreadas.

36. Las técnicas de "pintar" y "dibujar" pueden ser confundidas, porque las herramientas son las
mismas para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, "pintar" incorpora la aplicación de
pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo;
mientras que el dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel. El término
dibujar sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis
principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura
tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de
pigmentos.
De acuerdo con su objeto, el dibujo se puede clasificar en:
Dibujo creativo
Dibujo artístico
Dibujo de fabricación
Dibujo industrial
Estos determinan precisamente el orden cronológico para representar y transmitir a través de
bosquejos, diagramas o esquemas la idea o proyecto que desea desarrollar y ejecutar su inventor o
diseñador: plasmando en su orden la idea general; su espacio forma y dimensión; y por último su
proceso y técnica de fabricación. De acuerdo con su objetivo se clasifican en:
Dibujo artístico:
Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata
de una abstracción de nuestra mente que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo
sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos artísticos suelen ser
representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser
realistas: un ejemplo son los retratos, o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar
al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como las caricaturas), relativamente
alejados de la realidad ( los dibujos animados, los cómics y el manga), hasta llegar a lo surrealista y
lo abstracto.

37. Proceso en el dibujo artístico
Apunte: Dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar
después. Es especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento.
Boceto: Prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la
composición, qué elementos se incluyen…
Encajado: Líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que
sirven como base del dibujo.
Línea: Dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo mas general y después el detalle.
Sombreado: Para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas
de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.
Color: Un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración (dibujo
que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas:
acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura
(apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica...).
Correcciones: Los errores se pueden corregir: Borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura
o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa
de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir
o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores... Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado
sobre la marcha, sin correcciones posteriores, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de
dibujos se les conoce como Cuadernos de campo. Como ejemplo se pueden citar al colombiano
Juan José Gutiérrez, al alemán Wilhelm Filchner y al español Julio Caro Baroja.
Proporción: La proporción en el dibujo es muy importante, ya que está dará al objeto representado
la armonía necesaria al relacionar correctamente todos los elementos que lo conforman. Un
consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocar esté frente a un
espejo, de esta manera descubriremos si nuestra obra se encuentra bien proporcionada y si guarda
la simetría correspondiente; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos.

39. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un
trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, mas al colocarlo frente al
espejo se descubren algunos errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo
verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la
observación para que podamos relacionar correctamente todos los elementos del objeto a dibujar y
lograr así una representación correcta. Otras formas de evaluar si nuestro dibujo es correcto son:
colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja y, colocar nuestra hoja un poco más
abajo para cambiar nuestra perspectiva al mirarla.
Dibujo geométrico Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. El Dibujo geométrico
constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al
alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e
Ingeniería - bachilleres o peritos mercantiles - un rápido manejo y posterior dominio de la mano en
el plano. Tal surge de sus figuras y dibujos, la enumeración y designación de los útiles y la
explicación del empleo de lo estrictamente necesario; las características de la caligrafía técnica, sus
grupos para realizar la práctica adecuada y los consejos para efectuar los ejercicios. También se
incluyen las principales figuras geométricas y se detalla el modo lógico de construirlas, enfoque éste
que -no escapará al lector- es fruto de una tarea minuciosa, una metodología adquirida día a día,
frente a los problemas que el ingeniero C. Virasoro recorre en su función de profesor. Como tal,
induce, plantea e impulsa a que el estudiante amplíe la práctica de los trabajos, merced a la
presentación de modelos básicos del dibujo.
Dibujo técnico
Se dice que el Dibujo Técnico es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual
se manifiesta una expresión precisa y exacta. Las actitudes para esta clase de dibujo por lo general
son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que
se subdivide en Dibujo Técnico Especializado, según la necesidad o aplicación las más utilizadas o
difundidos en el entorno técnico y profesional.

40. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada
legalmente. Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un
conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano
de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su
colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje.
Dibujo geodésico: Un mapa del mundo en dos dimensiones, como si la tierra fuera plana, deberían
trazarse los meridianos (círculos concéntricos verticales) en forma de líneas rectas verticales (pero
Europa estaría situada proporcionalmente mucho más alejada de América). En algunos mapas, los
paralelos (círculos paralelos horizontales) se dibujan como líneas horizontales paralelas, y los
meridianos son curvas que parten de los polos (así, Europa está situada a una distancia proporcional
de América).
Soportes físicos: El soporte físico puede ser cualquiera, desde la antigüedad se ha ido pasando de
un formato a otro, y se han ido utilizando diversos atendiendo a los fines del dibujo. Los más
utilizados en la actualidad son aquellos basados en papel y/o cartón, aunque la variedad llega a ser
tan ingente que es difícil concretar. Según a que se destine el dibujo, encontramos desde el lienzo
para una obra representativa con fines decorativos, o el polipropileno para plasmar dibujos en
carteles con fines publicitarios. Existen muchos tipos de dibujos.
3.-Escultura:
Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Es una de
las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la
escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a
veces el arte de la alfarería.
La escultura en el siglo XX:
La escultura contemporánea no presenta la misma riqueza expresiva que la pintura, debido a las
mismas características de este arte, costoso y difícil. En la actualidad, el encargado de obras
escultóricas recae casi exclusivamente en los organismos públicos, frecuentemente reacios a las
nuevas formas. A eso se debe, en gran parte, que los cánones estéticos de la escultura vayan
siempre a remolque de los de la pintura.

41. En las primeras décadas de nuestro siglo los escultores tienden a reflejar en su obra las tendencias
pictóricas más características, en especial el cubismo y el constructivismo. Dentro de estas
tendencias resalta de forma notable la figura del soviético Archipenko (1887 – 1964), así como los
españoles Pablo Gargallo (1881 – 1934) y Julio González (1876 - 1942).
A caballo entre las tendencias geométricas, el expresionismo y el surrealismo, se sitúa la obra del
rumano Constantin Brancusi (1876 – 1957) y del suizo Alberto Giacometti (1901 – 1966).
Después del final de la Guerra Mundial, la escultura sufre notables cambios en su concepción. El
pionero de estas transformaciones es Alexander Calder (1898 – 1976), creador de la escultura móvil.
El gran escultor inglés Henry Moore (1898 – 1984) basa su obra en la figura humana, de la que solo
selecciona las cualidades que le sirven para expresar la fuerza y el poder de la masa. Por otro
lado, Barbará Hepworth (1903 – 1975) ha logrado un sereno refinamiento de las formas que nada
tienen que ver con la naturaleza. Dentro de la escultura abstracta se incluyen las importantes
estructuras de pérspex o hilo de nilón de Naum Gabo y los arreglos de formas solidas, insinuadas
pero nunca representadas, del también pintor Jean Arp.
Dentro de la tendencia del land art el artista más conocido y desde luego más espectacular es
Christo Javacheff (1935) cuyos proyectos de “empaquetado” de edificios y monumentos le dieron
fama internacional.
Los escultores hiperrealistas utilizan fibra de vidrio, materias plásticas, pelo my ropas reales para
reproducir personas de la vida cotidiana. Entre ellos cabe destacar a John de Andrea (1941) y Duane
hanson (1925).
La característica más peculiar de la escultura actual es que sale a la calle para integrarse en los
conjuntos urbanísticos, y que la utilización de nuevos materiales industriales da una nueva
dimensión a las obras.
En la escultura contemporánea o escultura del siglo XX podemos señalar dos grandes tendencias:
La conservadora, que defiende la integridad del mundo visible, dentro de una actitud humanística.
La innovadora, entregada febrilmente a la apertura de nuevos horizontes.
En esta última tendencia, a su vez, pueden reconocerse dos direcciones:

42. La del expresionismo, que centrado el problema en el contenido espiritual del hombre, lo
exaspera, desinteresándose de las consecuencias formales.
La del abstraccionismo, que por el contrario, se desentiende de todo problema espiritual y juega
únicamente con el mundo de las formas. En la abstracción el cubismo mantendrá una organización
plástica geométrica referida al hombre y al mundo. La escultura orgánica constituye otra variante de
la abstracción no figurativa, que ha creado un mundo totalmente deshumanizado en el contenido y
en la forma, pero que ha explorado beneficiosamente territorios paralelos a los de la ciencia
moderna.
Rodin
El influjo de Rodin se sigue manifestando en numerosos escultores, como Antonio Bourdelle (1861-
1929) formado con el gran maestro. Así se aprecia en los bocetos que hizo de Beethoven. Profesó
gran admiración por Grecia, sobre todo por la escultura arcaica. Recrea estos efluvios clasicistas en
su extraordinario Hércules Arquero. En la decoración que hizo del teatro de los Campos Elíseos, de
París, tuvo presente la vieja norma clásica de adaptación al marco. Es autor de numerosos
bustos, entre ellos el del propio Rodin. El retrato ecuestre, a la manera renaciente lo emplea en
monumento del General Alvear (Buenos Aires). También influyó Rodin en Charles Despiau (1874-
1947), pero acabó separándose de su maestro, en obras que acentúan un redondeado volumen
plástico; tales, Asia, Eva, Apolo, etc. Arístides Maillol (1868-1944) es un puro mediterráneo. En sus
dichos, como en sus obras, muestra el desprecio por todo detallismo, inclinándose a la idea general.
Como émulo de Grecia, sus figuras son siempre de cerrados contornos. Modela pensando en el
volumen, que concibe bien redondeado. Elimina paños y todo adminículo que destruya forma pura.
Los desnudos exhiben unas masas pletóricas, ya incluso pesadas (Venus del Collar). Tales
modelos, circunstancialmente empleados también por Renoir (Venus)), van a influir decisivamente
en plástica contemporánea. Una tendencia más depuradamente idealista se acredita en J. Bernard
(1866-1931), que se sirvió habitualmente del niño y de la mujer. Pocas veces se ha modelado con
tanto cariño el cuerpo de ésta.

43. Iván Mestrovic
Yugoslavia ha producido una de las figuras más importantes de la escultura contemporánea: Iván
Mestrovic (n. 1883). En sus obras hay un contenido exaltado de patriotismo. Late en él una fe
ardiente, un amor, un amor humano, acendrado por los horrores de las dos guerras mundiales, por
los trastornos políticos de la vida presente. Da a su escultura un denso contenido espiritual. El y
Rouault constituyen el exponente más excelso del arte cristiano figurativo de los tiempos
modernos. Ataca las rampas de la montaña, haciendo surgir gigantes (capilla de la familia Racic, en
Cavtat). También sigue la corriente clasicista, pero dentro de una línea de moderna estilización. Los
volúmenes siempre están geométricamente definidos. Hay que situarle al lado de Bourdelle y
Maillol. Sufrió la influencia de Rodin en sus primeros años, y más tarde la de Bourdelle. Su obra de
conjunto más importante es la decoración para el templo de Kosovo. Exasperan sus Cristos, en
forma expresionista, quedando ya como modelos para nuestros tiempos. Del Cristo binzantino ha
sacado la inspiración para estas obras desgarradas, la expresión más honda de una tragedia
estilizada.
Manuel Martínez Huqué
El catalán de España Manuel Martínez Huqué (1872-1945), ha trabajado en Francia. Su españolismo
está en sus modelos (toreros, bailadores), a los que mueve con gracia. Se pronuncia en la forma
sintética a lo Maillol.
Mateo Hernández
Trabajó en Francia también Mateo Hernández (1855-1949), especializado en esculturas de animales,
siguiendo el derrotero de Gaul. Trabajó sobre el modelo viviente. En su propia casa tenía una
nutrida colección de animales, cuyos gestos frescos y vivaces son captados por el ágil cincel del
maestro, que trabaja sobre piedras duras.
José Clará
José Clará (1887-1959), es el catalán que mejor encarna la corriente idealista. Aunque vencedor en
concursos internacionales, ha curado su arte de toda banalidad. Inflúyele Rodin, que le permitió
dotar a sus esculturas de una gran fuerza expresiva. Destacó su obra “Desconsuelo”. La figura
permanece ligada al bloque del que ha nacido.

44. Con gran elegancia, para no incurrir en lo descriptivo, el rostro queda oculto. En la misma tendencia
se clasifica el catalán Enrique Casanovas (1882-1948). Fue discípulo de Llimona. Es el más
helenizante del grupo, pero inclinado a la vertiente praxitélica.
Victorio Macho
El palentino Victorio Macho (1887-1966) ha elaborado los más notables monumentos
conmemorativos. El de Pérez Galdós nos ofrece al escritor en su ancianidad, en actitud totalmente
natural: cubriendo su cuerpo con una manta. Por su clasicismo ha de ser ensalzado el de Ramón y
Cajal. En la parte central se halla, recostado a la manera etrusca, el gran hombre de ciencia. En dos
relieves de porte helénico, contrapone la Fuente de la Vida, y la de la Muerte. Un mensaje de paz se
expande a través de su Cristo del Otero, concebido de la manera más abstracta. Con profundo
sentimiento ha de laborar el sepulcro de su hermano Marcelo. Combina para ello granito y mármol.
Un sueño de esperanza inunda el rostro bondadoso del hermano muerto. Con la misma economía
de medios y austeridad expresiva, concibe el sepulcro de Menéndez Pelayo en la Catedral de
Santander. Para el busto de “Unamuno” (Universidad de Salamanca) ha de pulsa la cuerda trágica
del gran vasco. Su cincel ha abierto surcos en el alma de Unamuno. Con motivo del centenario de
Berruguete, su paisano, labra el grupo conmemorativo que se erige en la ciudad de
Palencia, captando el nerviosismo estilístico de aquel.
4.- El diseño gráfico
Es una profesión cuya actividad es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar
comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir
mensajes específicos a grupos sociales determinados. Esta es la actividad que posibilita comunicar
gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y
comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos. También se
conoce con el nombre de diseño en comunicación visual, debido a que algunos asocian la palabra
gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través
de muchos medios de comunicación, y no sólo los impresos.

46. Dado el crecimiento veloz y masivo en el intercambio de información, la demanda de diseñadores
gráficos es mayor que nunca, particularmente a causa del desarrollo de nuevas tecnologías y de la
necesidad de prestar atención a los factores humanos que escapan a la competencia de los
ingenieros que las desarrollan.1
Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño
editorial, el diseño de identidad corporativa, el diseño web, el diseño de envase, el diseño
tipográfico, la cartelera, la señalética y el llamado diseño multimedia, entre otros.
Historia
El libro Die hystorie vanden grooten Coninck Alexander impreso mediante xilografía en 1491 por
Christiaen Snellaert. El trabajo de los xilógrafos se asemejaba más al del artesano que al del
diseñador gráfico.
La definición de la profesión del diseñador gráfico es más bien reciente, en lo que refiere su
preparación, su actividad y sus objetivos. Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la
que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el período de entreguerras. Otros entienden
que comienza a identificarse como tal para finales del siglo XIX. Puede argumentarse que
comunicaciones gráficas con propósitos específicos tienen su origen en las pinturas rupestres del
Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. de C. Pero las diferencias
de métodos de trabajo, ciencias auxiliares y formación requerida son tales que no es posible
identificar con claridad al diseñador gráfico actual con el hombre de la prehistoria, con el xilógrafo
del siglo XV o con el litógrafo de 1890. La diversidad de opiniones responde a que algunos
consideran como producto del diseño gráfico a toda manifestación gráfica y otros solamente a
aquellas que surgen como resultado de la aplicación de un modelo de producción industrial; es
decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido "proyectadas" contemplando necesidades de
diversos tipos: productivas, simbólicas, ergonómicas, contextuales, etc.
Siglo XIX
Durante el siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos
profesionales: el dibujante o el impresor.

47. El primero estaba formado como artista y el segundo como artesano, ambos frecuentemente en las
mismas escuelas de artes y oficios. Para el impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la
selección de fuentes tipográficas en sus composiciones impresas. El dibujante veía a la tipografía
como un elemento secundario y prestaba más atención a elementos ornamentales e ilustrativos.
Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos
gráficos más significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo
negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases
pudientes como objetos de lujo. Morris demostró que existía un mercado para los trabajos de
diseño gráfico, estableciendo la separación del diseño con respecto a la producción y las bellas
artes. El trabajo de la imprenta Kelmscott está caracterizado por su recreación de estilos
históricos, especialmente medievales.
El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción
contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX.
El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo tipográfico en una
misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines
del siglo XIX. El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un
mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo
dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en una
misma pieza gráfica.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los
acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, De
Stijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el Bauhaus crearon una nueva visión
que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían
a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del
nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el Art Decó. Todos estos movimientos aparecieron
con un espíritu revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este
período también proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y
educadores mostraron sus opiniones.

48. Durante la década de 1930 se desarrollaron aspectos interesantes para la composición del diseño
gráfico. El cambio de estilo gráfico fue trascendental porque muestra una reacción contra el
organicismo y eclecticismo ornamentalista de la época y propone un estilo más despojado y
geométrico. Este estilo, conectado con el constructivismo, el suprematismo, el neoplasticismo, el De
Stijl y el Bauhaus, ejerció una influencia duradera e ineludible en el desarrollo del diseño gráfico del
siglo XX. Otro elemento importante en relación a la práctica profesional, fue el creciente uso de la
forma visual como elemento comunicacional. Este elemento apareció sobre todo en los diseños
producidos por el Dada y el De Stijl.
El símbolo de la tipografía moderna es la tipografía sin serifa o de palo seco, inspirada por los tipos
industriales de finales del siglo
Gui Bonsiepe y Tomás Maldonado fueron dos de las primeras personas que intentaron aplicar al
diseño ideas extraídas de la semántica. En un seminario realizado en la HfG de Ulm en
1956, Maldonado propuso modernizar la retórica, el arte clásico de la persuasión. Bonsiepe y
Maldonado escribieron luego diversos artículos sobre semiótica y retórica para publicación inglesa
Uppercase y la revista Ulm que resultarían un importante recurso para los diseñadores a esa área.
Bonsiepe sugirió que era necesario contar con un sistema moderno de retórica, actualizado por la
semiótica, como herramienta para describir y analizar los fenómenos de la publicidad. Por medio de
esta terminología, podía exponerse la llamada "estructura omnipresente" de un mensaje
publicitario.5
La idea de simplicidad como característica de buen diseño continuó presente por muchos años, no
sólo en el diseño de alfabetos sino también en otras áreas. La tendencia de simplificar influyó todos
los medios en la vanguardia del diseño en la década de 1950. En ese momento, se desarrolló el
consenso de que simple, no sólo era equivalente de bueno, sino que también era equivalente de
más legible. Una de las áreas más afectadas fue el diseño de símbolos. Los diseñadores se
plantearon el problema de hasta qué punto se los podía simplificar sin destruir su función
informativa. Sin embargo, recientes investigaciones, han demostrado que sólo la simplificación de
formas de un símbolo no incrementa necesariamente su legibilidad.

49. Segundas vanguardias
La reacción a la cada vez mayor sobriedad del diseño gráfico fue lenta pero inexorable. Los orígenes
de las tipografías postmodernas se remontan al movimiento humanista de los años cincuenta. En
este grupo destaca Hermann Zapf, que diseñó dos tipografías hoy omnipresentes Palatino (1948) y
Óptima (1952). Difuminando la línea entre las tipografías con serifa y las de palo seco y
reintroduciendo las líneas orgánicas en las letras, estos diseños sirvieron más para ratificar el
movimiento moderno que para rebelarse contra él.
Un hito importante fue la publicación del Manifiesto lo primero es lo primero (1964), que era una
llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del diseño en serie, carente de
valor. Tuvo una influencia masiva en toda una nueva generación de diseñadores gráficos,
contribuyendo a la aparición de publicaciones como la revista Emigre.
Otro notable diseñador de finales del siglo XX es Milton Glaser, que diseñó la inconfundible
campaña I Love NY (1973), y un famoso cartel de Bob Dylan (1968). Glaser tomó elementos de la
cultura popular de los sesenta y setenta.
Los avances de principios del siglo veinte fueron fuertemente inspirados por avances tecnológicos
en impresión y en fotografía. En la última década del mismo siglo, la tecnología tuvo un papel
similar, aunque esta vez se trataba de ordenadores. Al principio fue un paso atrás. Zuzana Licko
comenzó a usar ordenadores para composiciones muy pronto, cuando la memoria de los
ordenadores se medía en kilobytes y las tipografías se creaban mediante puntos. Ella y su marido,
Rudy VanderLans, fundaron la pionera revista Emigre y la fundición de tipos del mismo nombre.
Jugaron con las extraordinarias limitaciones de los ordenadores, liberando un gran poder creativo.
La revista Emigre se convirtió en la biblia del diseño digital.
David Carson es la culminación del movimiento contra la sobriedad y la contricción del diseño
moderno. Algunos de sus diseños para la revista Raygun son intencionadamente ilegibles, diseñados
para ser más experiencias visuales que literarias.
Actualidad
Hoy en día, gran parte del trabajo de los diseñadores gráficos es asistido por herramientas digitales.

50. El diseño gráfico se ha transformado enormemente por causa de los ordenadores. A partir de
1984, con la aparición de los primeros sistemas de autoedición, los ordenadores personales
sustituyeron de forma paulatina todos los procedimientos técnicos de naturaleza analógica por
sistemas digitales. Por lo tanto los ordenadores se han transformado en herramientas
imprescindibles y, con la aparición del hipertexto y la web, sus funciones se han extendido como
medio de comunicación. Además, la tecnología también se ha hecho notar con el auge del
teletrabajo y en especial del crowdsourcing o tercerización masiva, ha comenzado a intervenir en
las modalidades de trabajo. Este cambio ha incrementado la necesidad de reflexionar sobre
tiempo, movimiento e interactividad. Aún así, la práctica profesional de diseño no ha tenido
cambios esenciales. Mientras que las formas de producción han cambiado y los canales de
comunicación se han extendido, los conceptos fundamentales que nos permiten entender la
comunicación humana continúan siendo los mismos.6
El profesional del diseño gráfico es un especialista en comunicaciones visuales y su trabajo se
relaciona con todos los pasos del proceso comunicacional, en cuyo contexto, la acción de crear un
objeto visual es sólo un aspecto de ese proceso. Este proceso incluye los siguientes aspectos:
Definición del problema.
Determinación de objetivos.
Concepción de estrategia comunicacional.
Visualización.
Programación de producción.
Supervisión de producción.
Evaluación.
Este proceso requiere que el diseñador posea un conocimiento íntimo de las áreas de:
Comunicación visual.
Comunicación.
Percepción visual.
Administración de recursos económicos y humanos.
Tecnología.

51. Medios.
Técnicas de evaluación.
Los cuatro principios rectores del diseño gráfico son variables que el profesional del diseño gráfico
debe tener en cuenta a la hora de encarar un proyecto, estos son:
El individuo: concebido como unidad ética y estética que integra la sociedad de la cual forma parte y
para quien el espacio visual es uniforme, continuo y ligado.
La utilidad: porque responde a una necesidad de información y esta es comunicación.
El ambiente: porque nos exige el conocimiento de la realidad física para contribuir a la armonía del
hábitat, y la realidad de otros contextos para entender la estructura y el significado del ambiente
humano.
La economía: porque engloba todos los aspectos relacionado con el estudio del costo y la
racionalización de los procesos y materiales para la ejecución de los elementos.
5.-La composición
Consiste en distribuir de manera adecuada, todos y cada uno de los elementos que conforman la
representación, teniendo en cuenta el color, el tamaño, las texturas, las tonalidades, el espacio y las
formas en general que se vayan a implementar.
La composición artística es la materialización de la creación en el arte. Las composiciones artísticas
pueden ser de tipo pictórica, escultórica, literaria, musical, teatral, etc. Cada manifestación del arte
hace uso de leyes compositivas y principios compositivos específicos en el que se sustentan las
composiciones que en ella se adscriben.
Toda composición artística es reflejo de la estética predominante del período histórico en que se
realizó, y por ello, reflejo del pensar del hombre en su devenir social. Para analizar las
composiciones artísticas siempre se debe partir de la realización de la exégesis de la obra de arte y
se tendrán en cuenta en ello tanto el contenido como la forma y los elementos artísticos y extra-
artísticos.
Algunos tipos de composiciones
Composición pictórica :Su forma concreta de presentación es la obra pictórica.

52. Composición

53. En las composiciones pictóricas se presentan determinadas leyes o principios que sirvieron al artista
para realizarla, entre las más importantes tenemos: el ritmo, la proporción, la armonía, el
equilibrio, el énfasis, la articulación, etc.
Composición escultórica
Su forma expresiva es el volumen escultórico. La composición escultórica puede ser Composición
abierta o Composición cerrada. Las composiciones escultóricas cerradas son aquellas en las que
ninguno de sus elementos se proyectan hacia el espacio circundante, respetando y conservando el
artista la forma original del bloque de material; de esta manera percibimos la obra de forma
densa, compacta y sus formas quedan bien definidas con respecto al espacio exterior.
Por el contrario, en la forma escultórica abierta la composición se percibe libre y en expansión
constante. Algunos de los principios o leyes que rigen la composición escultórica son: la masa, el
material, el ritmo y la proporción, el énfasis, el equilibrio, etc.
Composición literaria
La forma específica de su existencia es la obra literaria. Las composiciones literarias se agrupan de
acuerdo a determinados géneros (género lírico, género dramático, género épico, etc.). Forman parte
del análisis de las composiciones literarias el género, la estructura, el conflicto, el sistema de
personajes, etc. En las composiciones líricas se tienen en cuenta principios como la métrica, la
rima, la estructura estrófica, etc.
Composición teatral
Establece su basamento en las obras escritas para teatro y en la realización escénica. Entre los
elementos tenidos en cuenta por los dramaturgos y directores teatrales para la realización de obras
tenemos: los diálogos, el conflicto, sistema de personajes, la trama, la escenografía, la utiliría, el
vestuario, la iluminación, etc.
Composición danzaria
Su expresión se materializa en la presentación coreográfica. En la realización de las composiciones
danzarías intervienen elementos como la música, el ritmo, la proyección corporal, la escenografía, la
iluminación, el vestuario, etc.

54. Composición musical
En la tradición europea culta, requiere el estudio de muchas disciplinas, tales como la armonía, el
contrapunto, la orquestación, y el conocimiento de formas musicales. En lo que concierne a la
música basada en la improvisación se le cataloga como una composición musical instantánea. El
término "música" también puede indicar el resultado de la acción de componer, o sea, hacer una
página de la música u obras musicales. Entre los variados elementos que intervienen en la
composición musical se pueden citar: la armonía, la melodía, el ritmo, el tiempo, el timbre, la
textura musical y el tono musicales, etc.
Composición cinematográfica
El hecho de ser el cine un arte de integración condiciona la complejidad de su composición. En este
sentido es válido destacar que en una secuencia cinemátográfica pueden intervenir dísimiles áreas
artísticas con sus correspondientes especificidades compositivas (banda sonora, fotografía, artes
escénicas, escenografía, etc). Sin embargo, la composición en el cine posee un fundamento audio-
visual que orienta a ponderar elementos plásticos, musicales, escénicos, de trucaje y de efectos
especiales.
Composición fotográfica
Es la forma en la que se ordenan los objetos dentro del encuadre fotográfico, de forma tal que se
obtenga un resultado armónico y equilibrado estéticamente. Intervienen en este arte elementos
compositivos como la luz, la perspectiva, el color, la profundidad de campo, etc.
6.-Instalación artística
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte
impulso a partir de la década de 1960. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una
experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo
general utilizan directamente el espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el
espectador y este puede interaccionar con ella. Las intervenciones en espacios naturales que
incorporan el paisaje como parte integrante de la obra suelen enmarcarse en el denominado Land
Art o arte de la tierra.
.

55. Se han señalado como los orígenes de este movimiento a artistas como Marcel Duchamp y su uso
de objetos cotidianos resignificados como obra artística, Artistas tan diferentes como Helio Oiticica,
Bruce Nauman, Joseph Beuys, Daniel Buren, Wolf Vostell, Nam June Paik, Marcel Broodthaers o
Antoni Muntadas son artistas que han trabajado en uno u o otro sentido la instalación.
Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de
comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o incluso energía pura como el
plasma.
Algunas instalaciones son sitios específicos de arte, sólo pueden existir en el espacio para el cual
son creadas.
Instalación artística. El arte de instalación es un tipo de arte contemporáneo en el cual el artista
utiliza, como parte de la composición, el propio medio (como paredes, piso, luces e instalaciones)
además de objetos diversos. En muchas ocasiones, los materiales escogidos, llenan más o menos el
espacio y el espectador es invitado a moverse alrededor de la obra o interactuar con la pieza, en
esos casos el espectador mismo deviene parte de esa obra en ese preciso momento y ese preciso
tiempo. A veces las instalaciones son frágiles por lo que solo pueden ser vistas desde la puerta o un
extremo del espacio.
Existen varios precedentes para este tipo de arte, pero no fue hasta los años 80 que los artistas
comenzaron a especializarse en las instalaciones. Materiales de todo tipo, luces y sonido han
seguido siendo elementos fundamentales para la instalación artística.
En los inicios, las instalaciones eran usualmente creaciones temporales; eran parte del moderno
movimiento que trataba de desechar la idea del arte como objeto coleccionable. Esta tendencia es
también vista en el Arte povera y en el Arte conceptual. De cualquier forma, en la actualidad,
muchas instalaciones artísticas son realizadas para muestras permanentes y muchas de ellas han
sido compradas y vendidas como las obras de arte tradicionales. Uno de los ejemplos más
conocidos es la obra “20:50” de Richard Wilson, que consistía en una habitación llena de aceite de
cárter y que fue creada en 1987 para la Matt s Gallery de Londres pero que fue subsecuentemente
exhibida en la Royal Scottish Academy de Edimburgo y luego comprada por la colección Saatchi de
Londres.

56. Características
Como género dentro de las artes plásticas, la instalación se supedita a los sitios de arte o
emplazamientos para los que ha sido o fue concebida. Algunas instalaciones son sitios específicos
de arte y sólo puede existir en el espacio para el que fue creada.
El uso de materiales diversos, la asimilación de diferentes escalas, la libertad de concepto y de la
potenciación de la interactividad entre el producto artístico y el público son algunas de las
características más importantes de esta peculiar manera de concebir obras de arte. Otro aspecto
dentro de la concepción de instalaciones artísticas es el emplazamiento, en este sentido se hace
válido recordar que existen artistas que en su búsqueda de una mayor interacción
social, manifiestan su gusto por los espacios exteriores o urbanos, mientras que otros continúan
creando dentro de los restringidos límites de las galerías de arte, museos y recintos de exposición.
En la praxis del arte instalativo, más que la apreciación de la escultura tradicional, cuyo fundamento
se establece sobre la base del trabajo artístico, en la instalación la intención del artista es primordial
debido a su conexión con el Arte conceptual y con las actitudes comunicativas en su obra.
En el arte de la instalación los artistas pueden hacer uso de cualquier medio o material, pueden
usar desde materiales naturales y tradicionales hasta los más novedosos medios de
comunicación, incluso existen artistas que han llegado a utilizar la energía pura como el plasma o el
fuego. Otro elemento importante a acotar dentro del género instalativo es que existen instalaciones
en las que el artista incorpora sonidos, olores, sensaciones térmicas, etc., contribuyendo así a
propiciar lecturas más profundas y ricas en los espectadores. Uno de los creadores de la instalación
artística que utiliza luces es James Turrell.
Orígenes
Muchos encuentran el origen de este género en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos
cotidianos resignificados en espacios de galerías y museos como obras artísticas. Sin embargo, se
puede decir que el más cercano precedente está dado en los Environments (ambientes). Unos de
los creadores de los “Environments” fue el artista norteamericano Allan Kaprow con obras
realizadas a partir de 1957. En una entrevista sin fechar publicada en 1965 Kaprow decía acerca de
su primer Environment: “Yo simplemente rellené toda la galería.

57. Cuando abres la puerta te encuentras en medio de un ambiente integral. Los materiales eran
diversos: sábanas de plástico, envoltorios de celofán, trozos de cinta adhesiva, pedazos de esmalte
rajados y manchados y piezas de ropa coloreadas”. También había luces colocadas en medio de todo
esto y “cinco maquinas de escribir desplegadas alrededor del espacio tocando sonidos electrónicos
que yo había compuesto”. Desde ese momento la creación de instalaciones devino una importante
corriente del arte moderno, principalmente a partir de la década de 1990.
Otro antecedente interesante puede ser la exposición de 1958 en Paris del artista francés Yves Klein
que consistía en una habitación vacía y aunque el término no surgió hasta la década de 1970, este
gesto es a veces visto como la primera instalación, en el sentido en que se entiende el término en la
actualidad.
En 1961, en Nueva York, Claes Oldenburg creó un ambiente, Counter and Plates with Potato and
Ham que, en estos momentos se considera instalación.

59. Las Marionetas
Las marionetas son muñecos accionados por hilos que mueve el operador desde la parta superior
del escenario, oculta al público. Pueden ser elaboradas de trapo, madera o cualquier otro
material, usado para representar obras de teatro. Pese a haberlas de construcción sencilla, la
mayoría resultan más difíciles de fabricar y manipular que los demás muñecos. Danzan con
primor, desafían las leyes de la gravedad y vuelan por el aire, realizan trucos y transmutaciones y
asumen papeles dramáticos. La forma de los muñecos varía de lo realista a lo fantástico.
Normalmente, su tamaño es de un tercio o un cuarto del cuerpo humano (el de los animales ofrece
aún más variantes), si bien a veces alcanzan tallas gigantes de 2 o 3 metros.
En cuanto a sus proporciones, lo mismo pueden sujetarse a los cánones naturales que salirse de
ellos para conseguir mayor efecto teatral. Como por lo general se contemplan a cierta distancia, casi
siempre poseen facciones simplificadas, con acentuación de uno o dos rasgos característicos. Los
personajes cómicos o fantásticos suelen presentar facciones y cuerpo muy exagerados.
Historia de las marionetas
El uso de los muñecos o títeres era conocido entre los griegos, que las llamaban
neurospasta, palabra que significa objeto puesto en movimiento por cuerdecitas y la cual expresaba
la naturaleza de la cosa. Aristóteles habla de ellos cuando dice que si aquellos que hacen mover
figuritas de madera tiran el hilo que corresponde a éste o al otro de sus miembros, éste obedece al
momento. Se ve, continúa, cómo mueven la cabeza, los ojos, las manos; en una palabra, parece una
persona viva y animada. Tales eran los títeres o figuritas de que se servían los romanos para divertir
y entretener al público y de los cuales habla Horacio. Figuras que, sin duda, habían tomado los
romanos de los griegos. Se denomina teatrillo o teatrino al espacio de representación dentro de o
sobre el cual los títeres realizan la representación de sus historias. Generalmente, el teatrino
cumple la función de representar el ambiente escénico de la historia. Muchas veces sirve también
para ocultar a los titiriteros, a fin de fortalecer la ilusión de que los títeres tienen vida propia.

60. En la temprana época medieval, las representaciones de teatro de títeres solían referirse a historias
guerreras que ilustraban las tomas de los castillos y las epopeyas de caballeros y cruzados. retablos,
el de Maese Pedro:
El teatro de marionetas ha sido desde la antigüedad el espectáculo más popular tanto en la
civilización oriental como en la occidental. Pretender resumir su historia es tan complicado como
escribir la historia de la humanidad; son palabras de un viejo amigo titiritero, Jorge Varela.
En China, en el año 1000 a.C. las marionetas gozaban de tanta fama que se utilizaban en los
espectáculos de la corte, no se trataba sólo de una distracción, sino de un arte mágico. En la
marioneta podía encarnarse un espíritu para hacer el bien o el mal. En la India tienen su origen
mucho antes de nuestra era, podía ser incluso anterior al teatro de actores. Unos músicos
acompañaban la historia que se cantaba o narraba. En Japón, el bunraku, es un nombre moderno
para un teatro con más de mil años. En Java y Bali, el teatro de sombras se manipulaba con figuras
articuladas, el karakoz, como en Turquía y Grecia.
El teatro de marionetas occidental parece que tiene su origen en la civilización egipcia ya que en
Antinoe, una ciudad construida junto al Nilo, apareció un diminuto teatro en el que se podían ver
restos de cuerdas que servían para mover las figurillas articuladas de marfil. Este teatro estaba
destinado a expresar un rito mágico religioso. Heródoto, en el siglo V a.C., habla de figurillas
articuladas movidas por alambres y Jenofonte hace una descripción de una visita suya en el año 422
a.C. a la casa del ateniense Callias que tenía contratado un marionetista de Siracusa para distraer a
sus huéspedes, estos espectáculos también se representaban en plazas públicas. El primer
titiritero conocido fue Photino.