Segunda entrega de Diseño Editorial. Conceptos, Elementos de diseño Editorial y recomendaciones para un buen diseño.

1.
conceptos y elementos
Julié S. Daza Castillo
Máster en Dirección de Comunicación Corporativa
Diseñadora Gráfica
Diseño Editorial

2. Nuestro Objetivo
Proceso de edición, que permita manejar todo tipo
de formatos para el diseño de páginas atractivas,
distinguiendo las características del folleto, del
manual, del instructivo, del catálogo, del boletín,
el periódico, la revista y el libro y todos los
elementos del diseño que sean aplicables a una
pieza editorial.

3. Diseño Editorial
Observa, la forma, el formato, efectividad y funcionalidad
del medio para transmitir un mensaje.
No solo es importante el contenido de un articulo o historia,
todos los elementos de diseño y producción determinan que
tan bien recibido es nuestro mensaje.

4. La belleza de un diseño esta en
entregar una comprensión
absoluta de nuestro mensaje.
Forma, Textura, Peso, Contraste,
Balance, Proporción, Ritmo, Armonía,
Movimiento, Simetría, etc.

5. El diseño de un mensaje, el
entendimiento y conocimiento de las
herramientas permitirán formular
mensajes estéticos y funcionales

7. Desde el punto de vista del diseñador
gráfico, tiene como propósito el observar
la publicación como un proyecto de
imagen y diseño.
Cuestión de ESTILO ?

8. Desde el punto de vista
del diseñador
El estilo hace referencia a
la forma y reglas de las
que el diseño va a
atenerse.
Que tipografía?; tipo de
papel, retícula, tipo de
fotografías, logotipo,
nombre, disposición de
texto, etc

13. ESTILOS Y TENDENCIAS
El estilo determina los
límites de la creatividad,
ya que se puede usar
todos los elementos de
diseño, fotografía y
funcionalidad, mientras
no se pierda la concepción
de mensaje limitada por el
estilo.

14. ETAPAS
Creación
Edición
Diseño
Producción
En la etapa de diseño se determinan los espacios desde el tamaño y proporción
de la hoja hasta el acomodo visual de los elementos (retícula, mancha tipográfica,
espacios blancos, etc.).
Retomando muchas de las reglas de composición del diseño gráfico tradicional
(punto, línea, forma, contraste, etc.) se llega a una mejor solución estética y
funcional.

15. Mario Balcazar (México)
hYp://foroalfa.org/articulos/10-­‐‑reglas-­‐‑para-­‐‑hacer-­‐‑diseno-­‐‑editorial

16. # 1
LEE LO QUE DISEÑAS

17. # 1
LEE LO QUE DISEÑAS
Es fácil detectar un diseño sin la parte sensible
de la información. Leer el texto permite tomar
decisiones creativas.

18. # 2
HAZ LA LETRA
PEQUEÑA

19. # 2
HAZ LA LETRA
PEQUEÑA
Lo más recomendable es, una vez seleccionada
la tipografía a utilizar, imprimir una hoja con
párrafos compuestos en diferentes tamaños
(de 6 a 12 puntos, y luego de 14, 16, 18, 21...)

22. # 3
COMIENZA TU
ARCHIVO COMO
ORIGINAL MECÁNICO

23. # 3
COMIENZA TU ARCHIVO
COMO ORIGINAL
MECÁNICO
Desde el principio trata tu archivo final como
si ya estuvieras armando un original
mecánico.

24. # 4
MANTEN UN SOLO
ESTILO

25. # 4
MANTEN UN SOLO
ESTILO
Para lograr mantener un estilo único es
necesario realizar un planteamiento claro del
diseño antes de ejecutarlo

26. # 5
CUIDA LA
ORTOGRAFÍA

31. # 6
USA EL PROGRAMA
CORRECTO

36. # 7
BOCETA

40. # 8
CUIDA LAS MANCHAS
TIPOGRÁFICAS

45. # 9
NO USES
COPY + PASTE

46. # 10
JERARQUIZA

51. Elementos de Diseño
Aplicados al trabajo
Editorial

52. Los elementos del
diseño aplicados a una
pieza editorial
Forma
Textura
Peso
Contraste
Balance
Proporción
Ritmo
Armonía
Movimiento
Simetría

53. Forma
La forma de los objetos y
cosas, comunican ideas
por ellos mismos, llaman
la atención del receptor
dependiendo de la
elección.
Podemos utilizar la
forma para conducir el
ojo del lector con el
diseño.

54. Textura
Aporta al diseño, una
mirada o una sensación, o
una superficie.
permite crear
una adaptación
personalizada de la
realidad añadiendo
dimensión y riqueza
al diseño

55. Peso
Con “peso visual” se hace
referencia al efecto óptico que
produce una figura grande y
maciza, o un color intenso. Se trata
de zonas que intuitivamente
percibimos como “cargadas”.

56. Peso

57. Contraste
Contraste de tono.
Contraste de colores
Contraste de contornos
Contraste de escala

58. Contraste
Contraste de tono.
Contraste de colores
Contraste de contornos
Contraste de escala
Dirección & diseño _ santiago alonso
Edición & redacción_ santiago decarlini
Edición & redacción_ lucía milans
Diseño web _ kako.com.uy
Colaboraron_
joaquin tomé
santiago benvenuto
alejandro cruz
juan b
Estamos de vuelta tras un breve descanso, y esta
vez les traemos un tercer número cargado de amor
y felicidad!
Estamos muy entusiasmados de estar de vuelta,
y nos tomamos nuestro tiempo para darle a los
lectores de AKA Magazine una experiencia visual
innovadora y fresca, donde la creatividad de
talentosos artistas nacionales e invitados interna-
cionales sale a flote en todo su esplendor. Esta vez
venimos reloaded, y les traemos mejores notas y
más entrevistas; nuevas páginas donde ilustración,
diseño, fotografía, música, cine y artes plásticas,
se unen para manifestar lo nuevo de las mentes
creativas del Uruguay y el mundo.
En este número les presentamos la fotografía
expresiva de María Berti, el diseño de autor de
Menini-Nicola, el trazo humanista de Alfalfa, el in-
genio audiovisual de Gonzalo Torrens, la propuesta
contemporánea de Marte UpMarket, y el collage
sensitivo de Pere Vilardebó -entre otros-.
Enjoy!
AKA_team

59. Balance
Su importancia se basa en el funcionamiento de la
percepción humana y en la intensa necesidad de
equilibrio, que se manifiesta tanto en el diseño
como en la reacción ante una declaración visual.
En el balance existe un centro de gravedad a
medio camino entre dos pesos.

60. http://staregina.com.uy
sta reginaAunque profesionalmente se desempeña como diseñador gráfico;
Juan Pablo Caraballo es -ante todo- un minuano más. Sus primeros
contactos con el área visual remiten a su más tierna infancia, a una
vocación casi aprehendida - a una búsqueda visual constante. Éste es el
hombre detrás del concepto; el símbolo único de la infancia transformado
en carta de presentación. Ésta es la historia del artista detrás de la Santa.
Mi padre tenía una vocación muy definida en el
área de las ilustraciones; dibujaba en un diario de
Minas, La Unión. En 1985 se asoció a un diario
nuevo en Minas, y fue allí donde comencé a tener
contacto con la parte de imprenta. Me gustaba
dibujar, y siempre escuchaba ese típico comen-
tario, ‘hijo e’ tigre’, aunque en ese entonces no con-
sideraba que tenía talento virtuoso al respecto. Por
el contrario, una cosa que me apasionaba bastante
era la música, y en ese barco me metí en la ado-
lescencia: aprendí a tocar, me compre mi viola y
armé mi banda. Comenzamos tocar en Minas y
nos fue bien a nivel local; sin embargo, llegó esa
hora donde tenés que definir qué hacer con tu vida.
Había averiguado en la UTU de Salto por la carrera
Dibujo Publicitario y me había parecido interesante;
casualmente al año siguiente me enteré que la
Universidad ORT había abierto la carrera de Diseño
Gráfico, y me metí sin pensarlo.
Cuando terminé la carrera me volví a Minas,
donde trabajé en el diario de mis padres, armando
ediciones diarias, suplementos, etc. Por ese
entonces corría el año ’97 y me faltaba realizar el
proyecto final; cuando retorné a Montevideo para
terminarlo, entré a trabajar en una agencia llamada
Compas. Allí aprendí muchísimo, y me encantó el
trabajo de las agencias.
Hijo e’ Tigre

61. Proporción
El tamaño de un elemento en relación con
el resto de los elementos que coloquemos
en el espacio gráfico tendrá diferentes
significados.

63. Ritmo
El factor de ritmo se produce cuando
encontramos una repetición secuencial de un
conjunto de elementos. Con esta técnica se
puede producir dinamismo y armonía en
nuestra composición

64. !"#$%&

65. !"#$%&#'"()$*+,

66. Armonía
La armonía es un equilibrio adecuado de
elementos diversos en una totalidad que es
perceptible visualmente.
De manera que los elementos se perciben
como una composición agradable a la vista

67. La respuesta a esta pregunta no es tan obvia como parece. El diseño no es
exclusivo de una prenda, una marca o un logo; también se puede encontrar en un
ojal, un tornillo, un cierre, un auto o una bici. Muchas veces el diseño nos rodea
sin que nos demos cuenta.
por Agustín Menini y Carlo Nicola
DISEÑO INDUSTRIAL EN UN PAÍS
SIN INDUSTRIA
Si uno mira la oferta laboral de nuestro país podrá ver la
aparición de un nuevo actor: el diseñador industrial. La
tendencia está precedida por el creciente protagonismo que
éstafiguraestáteniendoenpaísescercanoscomoArgentina,
Brasil, Chile y Colombia; teniendo un rol casi protagónico en
países con industrias en constante crecimiento y prestigio
internacional como Brasil.
Actualmente en Uruguay existen cuatro centros habilitados
para formar diseñadores industriales: BIOS, Centro de
Diseño Industrial (CDI), ORT y UDE.
La decana de estas instituciones (CDI) está festejando sus
22 años, pero a pesar del tiempo -y el posterior empuje
mediático de las instituciones privadas- aún no queda claro
cuál es el rol que cumple el diseñador industrial.
Las mismas limitaciones productivas que hace un tiempo
ponían a nuestro país en un lugar donde la única salida
era la venta de servicios y disciplinas que no involucrasen
manufactura, son las que están empezando a jugar a favor.
Pequeñas producciones, productos numerados, manejo
sustentable de los materiales, producciones eco-amigables,
la creciente necesidad del consumidor de diferenciarse y
encontrar un producto Único; todo esto es la punta de la
madeja para los diseñadores en Uruguay.
Lo glocal (think globally, act locally) ya no es una tendencia
y comienza a pesar en la forma de actuar de cada empresa.
Objetos personalizables, únicos, sustentables, y adaptables
a la forma de vida y modo de ser de los consumidores son
los atributos que se comienzan a escuchar y pedir. Es el
nacimiento del “diseño de autor”.
Queda claro que para llevar adelante estos proyectos se
necesita un profesional que genere objetos pensando en la
realidad productiva de cada productor; pero paralelamente
el mercado de productos con diseño de autor se mueve cada
vez más rápido. Ésta aceleración en los procesos de cambio,
la creciente competencia mundial y el poder de elección
del consumidor, obliga a estar alerta y adelantarse a dichos
cambios: El que no arriesga no gana; el que no proyecta se
queda estático.
Cada día es más importante estar atento a los nuevos
hábitos de consumo; el mundo, la gente, y la forma en que
ven, viven y consumen cambia rápida y constantemente.
Frente a esta realidad es necesario tener una persona capaz
de trazar estrategias exitosas, entender y adaptarse a los
cambios; alguien capaz de entender y proponer soluciones
para cada realidad, formado para crear productos de
consumo sin importar cuales sean. Esa es la clave a la
hora de generar productos exitosos; y es allí donde entra la
figura del diseñador industrial.
http://menini-nicola.com
¿Dondeestáeldiseño?

68. Movimiento
La dinámica de la composición se
logra cuando el movimiento de cada
uno de los detalles se adecua al
movimiento del conjunto. La obra de
arte se organiza en torno a un tema
dinámico dominante desde el cual el
movimiento se propaga por toda el
área de la composición.

69. http://empk.net/
artista invitado / venezuela
diego bellorín
Background
Siempre estuve influenciado por mi familia; mi madre es
escultora y mi padre es pintor. Recuerdo que cuando tenía
9 años me la pasaba jugando y tocando la batería con
unas latas de pintura en el taller de mi papá. Siempre
tuve ese contacto con el arte y el diseño; en esa época mi
padre diseñaba carteles y era director del centro gráfico de
la universidad de Maracaibo, Venezuela. En mi casa había
un taller de serigrafía, material de fotografía y un taller de
cerámica; era imposible no dejarse influenciar. Comencé
estudiando diseño en la EDG Maracaibo, y durante unos
3 años tuve la oportunidad de viajar a París y estudiar
diseño en el Instituto Superior de Artes Aplicadas.
Proceso creativo
A la hora de formar una idea y construir un proyecto gráfico,
intento entrar en una fase de investigación luego de hacer
el briefing con el cliente. En esa fase intento recuperar un
máximo de información posible en todos los
medios que pueda –Internet, ilustraciones, fotografías, etc-;
y luego armo una lista con las principales ideas, y borro de
ella todo lo que no me funcione, hasta llegar a la idea final.
EMPK
“EMPK” fue el seudónimo que utilizaba en la escuela
para la entrega de proyectos; después comencé a firmar
así los trabajos que realizaba como freelance. Hoy, EMPK
ATELIER es un pequeño estudio colectivo; somos mi
esposa y yo junto a invitados ocasionales.
Tendencias
En mi opinión, las nuevas tendencias y corrientes
artísticas son –básicamente- las viejas tendencias
volviendo y renaciendo; despertando un poco más de
interés. Creo que hay una utilización excesiva de software,
tecnologías y métodos nuevos; todo eso nos está alejando
de la base, de lo formal y de lo esencial en el diseño.

70. Simetría
La simetría es el equilibrio axial. Es
una formulación visual totalmente
resuelta en la que cada unidad
situada a un lado de la línea central
corresponde exactamente otra en el
otro lado

71. THIS HOLOCAUST IS SPONSORED BY HALLIBURTONTHIS HOLOCAUST IS SPONSORED BY HALLIBURTON
Santiago Vargues tiene 29 años y es diseñador gráfico. Estudió en la facultad de derecho de la
UCM desde el 94 al 2000. Después de “no saber que cojones hacer con mi vida” se matriculó ese
mismo año en el IED, en Diseño Gráfico. Tras colaborar en diversos estudios, su licenciatura del
IED coincide, en el 2003, con su entrada en OMB, estudio del diseñador gráfico Oscar Mariné.
En OMB trabajo durante 1 año dando servicios de diseño gráfico a empresa como Unipapel o
Sanitas. Para esta empresa realizo su nuevo manual de identidad corporativa. En la actualidad
trabaja de diseñador ayudante del propio Oscar Mariné. Ha compaginado su actividad como
diseñador gráfico con la de actor (Ha actuado durante 3 años en el musical En nombre de la
infanta Carlota) y como cantante macarra del grupo Black Saturdays. Eloy Segura (alumno de 1º
de gráfico) le entrevistó para AEO.
S.V. No te lo podría
decir con exactitud. Mi trayectoria es “atípica”, estudié derecho y cuando acabé, tenía muy claro que no
quería trabajar en ninguna de las salidas profesionales que me ofrecían. Opté por una decisión arriesgada,
volver a empezar. Ya me rondaba en la cabeza el mundo de las portadas de discos, los comics las ilustra-
ciones y en ese momento me dí cuenta que lo que me gustaba se llamaba diseño gráfico. Decidí volver a
empezar, a “recuperar el tiempo perdido”. Y empecé a ir a por todas. Tuve la serte de que en 2º del IED ya
hacía unas prácticas en el estudio de un conocido. Esto me abrió muchas puertas y me dio experiencia.
Al cabo de 2 años tenia experiencia laboral y los estudios acabados. Comencé a buscar trabajo y se me
presenté en el Estudio Mariné… Y me cogieron.
Primero, mucha pacien-
cia. A veces te enfrentas a situaciones y problemas en donde no sabes cómo empezar, y la solución está
en tranquilizarse. Cuando empiezas en el mundo profesional te pegas “la gran ostia”, te crees que vas a ser
hacer un trabajo muy creativo y vas a diseñar desde el primer momento y luego no es así se tienen muchas
lagunas del día a día. Es muy importante no frustrarse, todo va muy rápido y hay poco tiempo, tienes que
dar soluciones constantemente y a veces no hay tiempo. No existe esa forma de trabajar idílica en la que
tienes todo el tiempo para crear, el trabajo de diseño gráfico tiene que ver sobre todo con dar soluciones.
/// ENTREVISTAS DE DISEÑO /// GRÁFICO /// ENTREVISTAS DE DISEÑO /// GRÁFICO /// ENTREVISTAS DE DISEÑO /// GRÁFICO /// ENTREVISTAS DE DISEÑO
SantiagoVargués
SantiagoVargués
Sobre todo en artes finales, en terminología profesional que se desconoce…
O en no conocer el funcionamiento de las retículas… Cuando he aprendido a construirlas y a utilizarlas
me he dado cuenta de que hasta ahora hacía las cosas por mera intuición. Desde luego, mi consejo a los
estudiantes es que es esencial conocer en profundidad las aplicaciones de diseño (Freehand, Photoshop
y sobre todo Quark.). Puede llegar a ser desesperante saber qué es lo que quieres plasmar en la pantalla
y no saber cómo hacerlo.
De lamúsica, las portadas de
los discos, el Diseño Punk, Art Chantry, Sagmeister… Con un diseño se pude llegar a tocar el corazón” y
es cierto que sus diseños no te dejan frió. Los trabajos que realiza siempre los lleva un paso mas allá de lo
que se espera. También admiro son Saul Bass, Chip Kidd y por supuesto a Oscar Mariné. Como diseñador
es fundamental estar siempre mirando cosas, el cine, la música, el arte, ir a exposiciones te enriquece
muchísimo, ver nuevas formas de hacer las cosas, nuevas soluciones.
A la hora de hacer un tra-
bajo para la empresa, las pautas ya están dictadas, existe una identidad visual y unas estructuras ya dadas
para trabajar, el trabajo es menos artístico. Sin embargo para proyectos fuera del ámbito estrictamente
profesional, es decir auto producidos, ahí no tienes las limitaciones, incluso hay gente que ha empezado
diseñando portadas de discos porque era lo que le gustaba y ha terminado montando su propio sello, aun
“palmando pasta”. Aunque la verdad, cada diseñador es libre dentro de su propia cabeza. Yo cuando llego
a casa desarrollo los diseños que tiene en la mente. Es fundamenta el tener la mente siempre trabajando, si
paras te oxidas, tienes que estar permanentemente trabajando, especialmente fuera del trabajo, con otros
proyectos, dándole vueltas a la cabeza, mirando otras soluciones.
En el estudio de Mariné se hacen proyectos muy diferentes y eso es muy enriquecedor, una de las últimas
cosas que hemos hecho es una revista de fotografía, y esta muy satisfecho con el resultado.
Es-
tudiar en el IED, te da una visión más global, trabajando con otros profesionales de otras procedencias, te
das cuenta de que, si bien, te quedas mas corto en el uso de herramientas, en el día a día, luego tienes una
perspectiva más amplia y llegas mas lejos. De todas formas lo que cuenta al final es tu trabajo, tu carpeta
de proyectos y tu forma de trabajar, una forma muy habitual de empezar es ver que tal funcionas durante la
primera semana y no hay sitio para el egocentrismo, hay diseñadores que van de “yo soy Diseñador Gráfi-
co” por encima de todo y esta actitud nunca termina de funcionar. Otra de las ventajas de haber estudiado
en el IED es el conocimiento de la tipografía, la fomación aquí es muy sólida, sobre todo por haber contado
con José María Cerezo de profesor.
En Madrid,
en España el nivel es alto. Hay estudios como Grande Graphix hacen cosas buenísimas, pero el problema
es que no hay mercado para desarrollar proyectos con nivel. Las empresas no quieren arriesgar y al final
los resultados son demasiado convencionales. Por otro lado yo tengo mucha suerte de trabajar diseñando
para Oscar Mariné, que lleva 30 años en la profesión, es de la vieja escuela del diseño, y eso te da una
perspectiva real de lo que se supone que es el diseño gráfico.
Creo que es la meta. Poder crear un estudio propio. Sé que es muy duro ya que te tienes que estar pe-
gando con todo el mundo continuamente, pero es muy gratificante. Mi madre siempre me ha dicho que lo
mejor es ser jefe de uno mismo y las madres no suelen equivocarse.
EloySegura(alumnode1ºdegráfico)
/ENTREVISTASDEDISEÑO///GRÁFICO///ENTREVISTASDEDISEÑO///GRÁFICO///ENTREVISTASDEDISEÑO///GRÁFICO///ENTREVISTASD
O
.
O O
.
O

72. El agrado visual y la facilidad de lectura
se basan en principios del diseño, es
importante buscar composiciones
limitadas por estos principios, ya que
estas le dan un mayor énfasis a lo que
buscamos transmitir.

73. Elementos constructivos de la forma. Punto, línea y figura
El código icónico. La representación. Distintos grados de iconicidad:
el dibujo y la fotografía. Síntesis y detalle
La página y los elementos que la constituyen.
El texto, la imagen, el espacio blanco
La tipografía. Los sistemas de medidas. El cuerpo tipográfico: líneas estructurales.
Relaciones espaciales: el interletrado y el interlineado
Las familias tipográficas. Clasificación. Las variables tipográficas. Los
caracteres que componen una familia tipográfica. Las misceláneas.

74. Elementos constructivos de la forma. Punto, línea y figura

75. El código icónico. La representación.
Distintos grados de iconicidad: el dibujo y la fotografía. Síntesis y detalle

76. La página y los elementos
que la constituyen.
El texto, la imagen,
el espacio blanco

77. La tipografía.
Los sistemas de medidas.
El cuerpo tipográfico:
líneas estructurales.
Relaciones espaciales:
el interletrado y el interlineado

78. Las familias tipográficas. Clasificación. Las variables tipográficas. Los
caracteres que componen una familia tipográfica. Las misceláneas.

79. La mancha tipográfica. Negros, grises y blancos. El espacio blanco.
Los niveles de lectura. distintas categorías de información, la forma de
diferenciarlas y jerarquizarlas.
Estructura constructiva de la página. Modulación del espacio: la grilla
tipográfica. Columnas de texto y campos de imagen. Los márgenes y la caja
tipográfica.
Relación texto – imagen. Distintos comportamientos. Contraste, armonía,
ritmo. El texto como imagen. El color en el texto y en la imagen.
Teoría del color.
Modelos de color. Círculo cromático, esquemas de combinaciones.

81. información y contacto
Julié S. Daza C.
mail juliedaza@dgraficos.com
twiYer @JuliesDaza
www.linkedin.com/in/juliedaza
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